Filmkritik von Daniel Räbiger

Vorausschickend ist sicherlich zu sagen: der Rezensent kennt die Comics nicht und hat abgesehen von den Trailern auch noch nie etwas von Deadpool gehört. Aber alles der Reihe nach…

Die gute Botschaft vorweg: der Film funktioniert auch für jeden der die Comics nicht kennt erstaunlich gut. Dies liegt an zwei Dingen: dem wirklich gewagten Drehbuch und einer absolut treffenden Besetzung.
Ryan Reynolds, selbst bekennender Deadpool Fan, haucht der Hauptfigur, in einer für heutiges Kino ungewöhnlichen Härte, Leben ein. Die FSK 16 Freigabe hat sich der Film sicher verdient - eigentlich halten wir eine 18 Freigabe für passender.

Dies ist allerdings auch einer meiner stärksten Kritikpunkte: der Film erschlägt den Zuschauer wahrlich ab der ersten Minute mit derart abgedrehten Dingen, die ohne den Kontext und die Hintergründe zur Figur des Deadpool erst einmal etwas befremdlich wirken. Glücklicherweise schafft es der Streifen jedoch in den darauffolgenden 45 Minuten diese Wissenslücke beim Zuschauer zu schließen. Somit schafft er das größte Problem solchen Humors zumindest teilweise aus dem Weg: jegliche Gags die auf der für die Autoren selbstverständlichen Coolness der Hauptfigur beruhen sind für neue Zuschauer des Franchise kaum zugänglich. Ähnlich, wie wenn man den zweiten Teil von Fluch der Karibik als erstes sehen würde.

Und sicherlich, man muss einen derartigen Humor generell mögen. Ständig schießt der Film über die Grenzen des guten Geschmacks nicht nur einige Meter, sondern gleich kilometerweit hinaus und lässt einen mit verblüfften Staunen, Entsetzen und teils schon schützendem Lachen im Kinosessel zurück. Deadpool ist ein Film, den man sicherlich so schnell nicht vergisst.

Zu schade, dass viele der besten Szenen in der mehr als ausgeprägten Marketing-Kampagne bereits tausendfach zelebriert wurden. So ist die eine oder andere Sequenz auf der Kinoleinwand völlig vorhersehbar und die Pointe bereits bekannt. Allerdings, und hier muss man wirklich loben, schafft es der Film das hohe Tempo bis zum Ende durchzuhalten und enttäuscht auch mit einem actiongeladenen Climax den Besuchern nicht. Er ist voller absurder Ideen, Blut, Gewalt, Sex und Absurdität und liegt somit voll auf der Höhe der Erwartungen.

Es ist eine Freude zuzusehen, wie die Macher auch das X-Men Franchise auf humorvolle Art und Weise in den Streifen mit einbeziehen. Hier sorgt selbst die Namensgebung der auftretenden Mutanten für wiederholte Lacher... Aber ich möchte nicht zu viel verraten!

Selbst Captain Picard hätte seine wahre Freude an einem ganz besonders schönen Dialog in der Mitte des Films: „Ich würd dir ja echt gerne helfen… ich mag aber nicht!“. Gut, zumindest der Picard aus ‚Sinnlos im Weltraum.‘

Morena Baccarin, die man als Science-Fiction Fan sicherlich noch aus Serenity und Firefly kennt, spielt an der Seite von Ryan Reynolds ihren Part hervorragend. Ihr dürfte, sollte es eine Fortsetzung geben, auch in den nächsten Teilen der Reihe als „Copycat“ ein sexy Plätzchen offen sein.

Fazit

für alle die die Trailer schon klasse fanden ist der kommende Donnerstag sicherlich ein Pflichttermin im Kino. Vorkenntnisse sind von Vorteil aber nicht notwendig. Und für alle Firefly-Fans lohnt es sich ohnehin. An dieser Stelle denkt euch nun bitte ein dreckiges Lachen...

Die Erde im Jahr 2029: John Connor (Jason Clarke), Anführer der Rebellion des menschlichen Widerstands, führt einen erbitterten Krieg gegen das übermächtige Maschinen-Imperium von Skynet. Um seine Mutter Sarah Connor (Emilia Clarke) vor einem Killer-Cyborg zu schützen und damit seine eigene Existenz sowie die Zukunft der Menschheit zu retten, schickt John seinen loyalen Freund und Mitstreiter Kyle Reese (Jai Courtney) zurück ins Jahr 1984. Auf das, was ihn im Los Angeles der Vergangenheit erwartet, ist dieser jedoch nicht im Geringsten vorbereitet: Ein unvorhergesehenes Ereignis hat alles verändert und die Zeit, in die er von Connor zurückgeschickt wurde, existiert nicht mehr. Der Kampf zwischen Mensch und Maschine, Gut und Böse steht unaufhaltsam bevor - kann er mithilfe eines unverhofften Verbündeten (Arnold Schwarzenegger) den Tag der Abrechnung verhindern?

He is back! Nicht zuletzt dank der hochkarätigen Besetzung ist TERMINATOR: GENISYS schon jetzt das meisterwartete Kinoevent des Sommers 2015. Neben Actionlegende und einzig wahrem „Terminator" Arnold Schwarzenegger („The Expendables", „Sabotage") beweist Emilia Clarke („Game of Thrones") als starke Actionheldin Sarah Connor sehr eindrucksvoll, dass sie auch auf der großen Leinwand zu Hause ist. Zusammen mit Shootingstar Jai Courtney als Kyle Reese („Jack Reacher", „Die Bestimmung - Divergent") und dem australischen Schauspieltalent Jason Clarke („Zero Dark Thirty", „Planet der Affen: Revolution") in der Rolle des John Connor lassen sie das TERMINATOR-Vermächtnis der ersten beiden Teile neu aufleben. Der smarte britische Jungschauspieler Matt Smith („Doctor Who") und Südkoreas Superstar Byung-Hun Lee („G.I. Joe", „R.E.D. 2") vervollständigen das aufregende neue Cast. Fans können sich bei dem „Reset" einer der erfolgreichsten Filmreihen der Kinogeschichte nicht nur auf die Neuinterpretation und Weiterentwicklung der bekannten „Terminatoren" T-800 und T-1000 freuen, sondern auch auf brandneue, hochentwickelte Maschinen der nächsten Generation. Dass TERMINATOR: GENISYS auch die Messlatte in Sachen anspruchsvolle und mitreißende Actionunterhaltung noch mal um einiges höher legen wird, verspricht die Verpflichtung des Visionärs anspruchsvoller und düsterer Unterhaltung Alan Taylor („Thor - The Dark Kingdom", „Game of Thrones", „Boardwalk Empire") für den Platz auf dem Regiestuhl. Ab dem 9. Juli 2015 kommt mit TERMINATOR: GENISYS der Blockbuster der Superlative mit augenzwinkerndem Humor und atemberaubenden Spezialeffekten endlich zurück auf die große Leinwand - und das in bildgewaltigem 3D!

Kritik

Arnold Schwarzenegger ist zurück in seiner Paraderolle. Als Terminator steht er nun bereits zum vierten Mal auf der großen Leinwand. Wir waren für euch in Terminator Genisys und haben uns die Apokalypse angesehen.

Zugegeben, ich bin als Bayer natürlich großer Fan von Arnold Schwarzenegger. Umso mehr freut es mich, dass die österreichische Eiche nun nach vielen Jahren Kinoabstinenz wieder auf der großen Leinwand zu sehen ist. Nur wenigen Schauspielern gelingt es mit ihren Paraderollen in Würde zu altern. Schwarzenegger ist einer davon. Aber fangen wir von vorne an...

Der Prolog des Films macht fast alles richtig. Ausgehend mit der Handlung im Jahre 2029 führt Terminator Genisys den Zuschauer an die bisher bekannten Ereignisse heran. Der Film hält sich dabei sehr genau an den ersten Terminator Teil, ignoriert aber die Handlungen der Nachfolger komplett.

Und das ist in gewisser Weise auch gut so. Zu kompliziert und verworren ist das Terminator Universum ohnehin schon geworden. Canon Fans können also zugleich beruhigt aber auch entsetzt sein. Während ältere Fans die Vorlagentreue zum ersten Teil zu schätzen wissen, sind jüngere Fans, die zum Beispiel mit Terminator Salvation ihren Einstieg in das Franchise gemacht haben, zurecht sicherlich etwas verwirrt.

Neu ist auch: Terminator Genisys wurde als erster Film der Terminator Reihe mit der FSK 12 Freigabe versehen und ist damit der Film mit der niedrigsten Altersfreigabestufe im gesamten Franchise. Der Action tut dies aber sicherlich keinen Abbruch. Der Unterschied zu den bisherigen Filmen ist hier einfach, dass sich Gewalt lediglich gegen Maschinen und Cyborgs richtet. Fans großer Action und Zerstörungsorgien kommen dennoch auf ihre Kosten. In allen drei Zeit Epochen kracht und explodiert so einiges.

Sprechen wir ein bisschen über die Besetzung des Films. Wer Arnold Schwarzenegger ist und wieder verkörpert dürfte jedem klar sein. Mit viel Witz und netten Anspielungen, insbesondere auf sein nun doch etwas fortgeschrittenes Alter, spielt er die Rolle die ihn international zum Superstar machte. Dabei bleibt er seinem schauspielerischen Credo „weniger ist mehr“ bis zur letzten Minute treu.

Jason Clarke als John Connor ist eine der hervorragenden Neubesetzungen im Terminator Franchise. Seine Darstellung des Rebellenführers im Krieg gegen die Maschinen ist die bislang glaubwürdigste und nachvollziehbarste Variante dieser Figur. Genau so hat man sich John Connor immer vorgestellt.

Game of Thrones Fans werden sie ganz besonders gut kennen und schätzen: Emilia Clarke gibt in der Rolle des Sarah Connor in Terminator Genisys ihr Leinwanddebüt in einem wirklichen Hollywood Blockbuster. Und das macht sie gar nicht schlecht. Während bisherige Verkörperungen des Sarah Connor immer doch sehr eindimensional und klischeehaft gezeichnet waren, vermag Emilia Clarke in ihrer Darbietung als Mutter von John Connor mehr als nur überzeugen. Mit überzeugender Dramatik und passenden Dialogen gibt sie die Figur eine neue Ebene der Tiefe. Selbst die eigentliche Absurdität der ganzen Terminator Storyline - ein aus der Zeit zurück gereister Retter zeugt den Rebellenführer - wird so zumindest etwas besser nachvollziehbar. Im Wechselspiel mit Schwarzenegger sorgt diese erfrischend unverbrauchte Leinwandpaarung für viel Unterhaltung.

Jai Courtney als Kyle Reese verbleibt nun ist das tatsächlich schwächste Glied in der Besetzungskette. Aber auch hier: das ist lediglich Jammern auf hohem Niveau, auch er leistet gute Arbeit.

Die beiden Drehbuchautoren haben das wohl bestmögliche aus dem Terminator Franchise herausgeholt. Der Film ist frei von Peinlichkeiten, die bei derartigen Reboot-Szenarien oft zu finden sind und er kann sich auch ohne seine Vorgänger voll als eigenständiger Film behaupten.

Der einzige Wehmutstropfen ist die stark gestiegene Verwendung von CGI-Effekte zu Lasten von echter Zerstörung. Das relativ geringe Budget von nur rund 150 Millionen US-Dollar sind in dieser Hinsicht schon etwas zu spühren. Unvergessen wie in Terminator 3: Rise of the Machines ein ganzer echter Straßenzug von Arnold und Verfolgerin Kristana Lokken vernichtet wurde. Diese harte echte Action ist in Terminator Genisys nur an sehr wenigen stellen zu sehen - vorrangig explodieren hier Computereffekte.

Fazit

Fans des Franchises sollten sich diesen Film unbedingt ansehen. Aber auch für andere Sci-Fi-Action-Interessierte lohnt sich ein Gang zur Kinokasse!

Die ultimative „X-Men“-Truppe schließt sich in X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST („X-Men: Zukunft ist Vergangenheit”, 2014) zusammen, um in zwei Zeitperioden das Überleben ihrer Spezies zu sichern.

Die beliebten Charaktere der ursprünglichen „X-Men”-Filmtrilogie gehen mit ihren eigenen jüngeren Ausgaben aus X-MEN: FIRST CLASS („X-Men: Erste Entscheidung“, 2011) auf Schulterschluss.

Ziel ist es, ein wichtiges historisches Ereignis zu verändern und eine epische Schlacht zu schlagen, die die Zukunft retten könnte.

Am Donnerstag den 22. Mai startet das neue Abenteuer in 2D und 3D in den deutschen Kinos - wir verraten Euch, ob sich ein Besuch lohnt:

Die Treknews.de Redakteure Daniel Räbiger und Markus Sampl waren vorab für Euch im Kino und haben ein umfangreiches Video-Review für Euch im Gepäck.

Außerdem ein großes Special zu Film - viel Spaß beim Lesen!

Fotos von der Weltpremiere

Für X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST nimmt Singer wieder auf dem Regiestuhl Platz, um das „X-Men“-Universum weiter auszubauen. Er erzählt eine gewaltige, provozierende Geschichte mit überaus komplexen Charakteren. Produzent Hutch Parker ist davon überzeugt, dass die „X-Men“-Filme deshalb so faszinierend sind, weil Bryan seine Figuren so „liebt und respektiert und sich so sorgfältig mit ihnen auseinandersetzt“.

Singer, der bei dem Erfolgsfranchise von Beginn an mit an Bord war, hat über die Jahre enge Kontakte zu Stab und Schauspielern geknüpft und auch diesmal auf bewährte Mitarbeiter zurückgegriffen. So sind wieder viele gute Bekannte mit an Bord. Die Produzentin Lauren Shuler Donner war beispielsweise bei allen „X-Men“-Filmen beteiligt, der Autor und Produzent Simon Kinberg produzierte X-MEN: FIRST CLASS, der vielfach prämierte Chefkameramann Newton Thomas Sigel, ASC, hat schon sieben Mal mit Singer kooperiert, der Oscar-Gewinner John Myhre kreierte als Produktionsdesigner schon die erste „X-Men“-Welt und auch Komponist und Cutter John Ottman ist ein alter Wegbegleiter.

Darüber hinaus vereint Singer auch die Schauspieler der ersten „X-Men“-Trilogie mit denen aus X-MEN: FIRST CLASS, wo er als Produzent fungierte und die Story geliefert hatte.

Von der „X-Men“-Urbesetzung sind Hugh Jackman, Patrick Stewart, Ian McKellen und Halle Berry bei X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST dabei, aus X-MEN: FIRST CLASS kennt man Jennifer Lawrence, James McAvoy, Michael Fassbender und Nicholas Hoult. „Es war toll, all diese Leute in X-MEN bzw. X-MEN: FIRST CLASS zu besetzen“, erinnert sich Singer, „viele hatten damals in Filmen dieser Größenordnung noch nicht mitgewirkt. Hugh kam vom Musical, Jennifer war nur in kleinen Independent-Produktionen wie WINTER’S BONE („Winter’s Bone“, 2010) aufgetreten. Über die Jahre haben sie sich einen Namen gemacht, inzwischen sind sie große Stars. Diese Familienzusammenkunft war für uns alle eine tolle Sache.”

Shuler Donner meint, dass die üppigen Geschichten und provokanten Themen Singers Interesse am „X-Men“-Universum geweckt haben. „Bryan wird sehr ernst, wenn es um die „X-Men“ geht. Er hat immer verstanden, dass der Subtext der verschiedenen Geschichten realistisch und mit Fingerspitzengefühl gehandhabt werden muss. Die Figuren besitzen Schwächen, mit denen sich das Publikum identifizieren kann. Mystique etwa will einfach auf sich und das, was sie ist, stolz sein, während Beast sich seiner Mutanten-Fähigkeiten schämt und diese entsprechend verbergen will. Wenn man die Figuren in der Realität verankert, glaubt man auch, dass sie fliegen können oder über außergewöhnliche Fähigkeiten verfügen. All die Elemente, die die so genannten Eventfilme ausmachen, sind vorhanden – Action, Komödie, visuelle Effekte –, aber zusammengehalten werden die „X-Men“-Filme durch die menschlichen Konflikte. Bryan ist ein Meister darin, die Tiefe und den Subtext dieser Comics auszuloten. Er geht tief in sich und findet so heraus, was seine Charaktere treibt und wie sie sich und das Ethos bzw. Pathos der Welt, in der sie leben, sehen”.

„Der Hauptgrund, warum ich ins ‚X-Men‘-Universum zurückkehren wollte, ist weder die Ausnahmebesetzung noch die gewaltige Story. Beides ist natürlich toll“, gesteht Singer gerne, „aber ich wollte mich hier mit etwas beschäftigen, womit ich mich bei den ‚X-Men‘-Filmen noch nicht auseinandergesetzt habe: Zeitreise.

In den Comicvorlagen ist das längst ein wichtiges Thema. Ich denke, dass man bei jedem Film etwas Neues ausprobieren muss. Und ich garantiere, dass es in X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST jede Menge neue Dinge zu bestaunen gibt”.

VOM DREHBUCH AUF DIE LEINWAND

Schon während er 2011 X-MEN: FIRST CLASS produzierte, fing Simon Kinberg gemeinsam mit Regisseur Matthew Vaughn mit der Konzeption des nächsten „X-Men”-Abenteuers an und dabei tendierten die beiden immer mehr dazu, zwei Generationen von „X-Men“ miteinander in Verbindung zu setzen.

Inspirationsquelle zu dieser Idee war Days of Future Past, ein Comic von Chris Claremont, der im Film auch einen Cameoauftritt absolviert. „Ich finde, es macht absolut Sinn, die Vergangenheit des Films in den frühen Siebzigerjahren anzusiedeln. Die Welt veränderte sich da gerade gewaltig. Alles war in Aufruhr”, weiß die Comiclegende. „Es war zudem logisch, spielte doch FIRST CLASS in den Sechzigern“.

Für Claremont besteht der wichtigste Bestandteil des Geschichtenerzählens darin, die Leser zu überraschen. Er findet, dass es eine großartige Idee war, Days of Future Past für die Leinwand aufzubereiten. „Es ist eine der nachhaltigsten Storys, der gesamten Reihe“, weiß Claremont. „Das Gesamtpaket – Bryan Singers Vision, die vielfältige Besetzung und die Tiefe der Story – ist einfach cool”.

Im Mittelpunkt steht, sowohl beim Comic wie auch beim Film, die Zeitreise. Und das obwohl, wie Singer sagt, sich X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST „dem Thema auf höchst ungewöhnliche Weise annähert. Der Unterschied besteht darin, dass wir niemanden physisch in der Zeit zurückschicken. Vielmehr versetzen wir die Charaktere jeweils in ihr jüngeres Ich.
Für die Zeitspanne, in der Logan in der Vergangenheit weilt, existieren Vergangenheit und Zukunft nebeneinander. So waren Action-Elemente in beiden Zeitperioden gleichzeitig möglich“.

„Es gibt in der Quantenphysik sogar eine Theorie, die dieses Phänomen beschreibt“, fährt er fort. „Es nennt sich ‚Superposition’. Hier wird behauptet, dass etwas nicht wirklich passiert ist, wenn wir den Ausgang des Ereignisses noch nicht kennen. Das heißt, dass unser Beobachter Wolverine diese Superposition beeinflusst. Alles, was er auf seiner Reise in die Vergangenheit verändert hat, wird Folgen für die Zukunft haben”.

Während Singer die Logik und Physik der Zeitreise erforschte, beschäftigte sich Kinberg, als er am Skript arbeitete, mit Zeitreiseliteratur und -filmen. „Ein großer Teil des Reizes von X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST sind die Schnittstellen sowie die Wechselwirkung von Vergangenheit und Zukunft”, weiß Kinberg. „Die größten Herausforderungen des Projekts bestanden darin, die Logik und die emotionale Ausrichtung der Figuren aufrecht zu erhalten. Die junge Version eines Charakters mit seinem älteren Ich zu synchronisieren, stellte uns vor neue Aufgaben. Die Figuren mussten sich emotional und rational entsprechen, das war fast ebenso schwierig wie die Umsetzung der Physik und Psychologie der Zeitreise”.

Kinberg genoss es, mit Singer an einem Film zu arbeiten, der die Möglichkeit bot, die Schauspieler der „X-Men“-Trilogie mit denen aus X-Men: FIRST CLASS zu vereinen. „In diesen Filmen geht es um Außenseiter, die versuchen, eine Ersatzfamilie zu finden, weil die leibliche Familie sie nicht akzeptiert. Dieses Thema beschäftigt Bryan”, sagt Kinberg.

Kinberg meint, dass ein Großteil des Erfolgs von Singers „X-Men”-Filmen daher rührt, dass der Regisseur Charakterdarsteller verpflichtete. „Bryan hat nicht auf Genre- oder Actionstars zurückgegriffen, sondern bewusst Schauspieler mit Bühnenhintergrund besetzt, darunter Ian McKellen, Patrick Stewart und Hugh Jackman.

Genauso wählte er dann auch seine Darsteller für die nächste „X-Men“-Generation aus – siehe Jennifer Lawrence, James McAvoy, Michael Fassbender und Nicholas Hoult. Ich weiß nicht, ob es im Kino in Bezug auf Qualität, Erfahrung, Bandbreite und Bekanntheit schon jemals so eine Besetzung gegeben hat”.

DIE X-MEN: VERGANGENHEIT UND ZUKUNFT

Hugh Jackman ist das Verbindungsglied zwischen Vergangenheit und Zukunft. Er hat Wolverine in den vergangenen 14 Jahren insgesamt sieben Mal gespielt – „ein unglaubliches und seltenes Geschenk”, wie er selbst sagt. Diese Rolle ist maßgeblich für seine Karriere, sie hat ihn als Schauspieler aber nie eingeschränkt. Niemand kennt Wolverine besser als Jackman, der seine Rückkehr als Logan ins „X-Men“-Universum als eine Art „Wiedergeburt“ beschreibt.

„Logan sieht sich, zum ersten Mal seit vielen Jahren, als Teil des ‚X-Men‘-Teams“, sagt Jackman. „Er hat sich damit arrangiert, dass Wut seine größte Waffe ist. Er ist nun ein Krieger des Friedens. Da er der einzige Mutant ist, der dazu in der Lage ist, sich selbst zu heilen, bietet er sich freiwillig an, in die Vergangenheit zu reisen. So kann er vielleicht die Apokalypse, die den Mutanten in der Zukunft droht, verhindern”.

Wolverines Fähigkeiten machen ihn zum einzigen „X-Man“, der diese Reise antreten kann. Singer erklärt: „Jeder, der so weit in die Vergangenheit zurückreist, würde verrückt werden. Dank seiner regenerativen Fähigkeiten ist Wolverine also der Richtige, um diesen Trip anzutreten. Da Wolverine nicht altert und so auch in seiner Jugend gleich aussieht, war Jackman in der Lage, beide Parts zu spielen. Es war für Hugh und mich einfach eine einzigartige Gelegenheit”.

Im Verlauf ihrer gemeinsamen Geschichte hat Charles Xavier stets versucht, Logan seine „X-Men“-Philosophie zu vermitteln und ihn zu beruhigen. In X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST kehren sich nun ihre Rollen um. Logan ist es jetzt, der den jüngeren Charles davon zu überzeugen versucht, doch seinen Glauben zu bewahren.

„Es ist ein sehr spannendes, fast poetisches Wechselspiel, das sich da zwischen den beiden entspinnt”, weiß Singer.
„In X-MEN hilft Xavier Logan, seinen Platz in der ‚X-Men‘-Welt zu finden, in X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST reist Wolverine in die Vergangenheit, um Xavier zu helfen und sein Leben auf die Reihe zu bekommen, damit er dann die Zukunft retten kann”.

Das dürfte eine der schwierigsten Missionen sein, die Wolverine bislang zu bewältigen hatte, denn Geduld ist nicht gerade seine herausragende Eigenschaft.

Jackman freute sich, bei X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST wieder an Bord sein zu dürfen, obwohl er erst wenige Monate zuvor die Dreharbeiten zu WOLVERINE („Wolverine – Weg des Kriegers“, 2013) abgeschlossen hatte. Das hieß für ihn, dass er sich für die Dreharbeiten in Montreal nicht extra wieder in Form bringen musste – er musste „nur” seine Form bewahren. Und das allein war schon schwierig genug. 45 bis 90 Minuten trainierte er täglich, ehe er sich in die Maske begab. Seine Diät war streng, primär nahm er gekochtes Huhn und gedämpftes Gemüse zu sich. Er aß alle zwei Stunden, oft zwischen zwei Takes oder den Proben. Vor besonders fordernden Szenen legte er eine 15-minütige Extra-Trainingseinheit ein, den Arbeitstag beendete er mit einer Dreiviertelstunde im Fitnessstudio.

Jackman freute sich über die Möglichkeit, wieder mit Berry, McKellen und Stewart zusammenzuarbeiten, nachdem man sich beim ersten „X-Men“-Dreh angefreundet hatte. Ebenso genoss er die erneute Kooperation mit Singer, dem er seiner Meinung nach seinen Durchbruch in Hollywood verdankt. Zudem gefiel es ihm, an der Seite der jungen Schauspieler zu agieren. Ein Moment des Drehs hat sich Jackman besonders eingeprägt. Er spazierte neben Nicholas Hoult durch den Blue-Hallway-Set, als dieser zu ihm sagte: „Ich erinnere mich gut daran, als ich als ungefähr Achtjähriger X-MEN gesehen habe“. Da wurde dem australischen Schauspieler plötzlich klar, wie einflussreich das „X-Men“-Universum geworden ist.

Ein anderer Veteran am Set war Ian McKellen. Seine Zusammenarbeit mit Singer begann bei APT PUPIL („Der Musterschüler“, 1998), den dieser produziert und inszeniert hat. Seit jenen Tagen ist McKellen davon begeistert, wie viel Herzblut Singer in seine Projekte steckt und wie sehr er sich dem Publikum verpflichtet fühlt. Als klassisch ausgebildeter Bühnenschauspieler zieht Ian seine Kraft aus der Hingabe und Begeisterungsfähigkeit seiner Zuschauer.

Der Schauspieler erkennt in Magneto einen Mann mit Gewissen, einen Mann, den eine tragische Vergangenheit plagt und dessen Trauer dazu führt, dass er seine übermenschlichen Fähigkeiten erkennt – er kann Metall anziehen und kontrollieren. Glaubt man McKellen, ist Magneto der Stärkste der Mutanten – zumindest in physischer Hinsicht. Seine Trauer und seine Wut entfremden ihn von der „X-Men“-Gesellschaft, aber in DAYS OF FUTURE PAST tut er sich mit seinen Gegnern zusammen, um das Überleben der Mutanten zu gewährleisten. Dank seines neuen Kostüms sieht Magneto, nach McKellens Meinung, jetzt auch so aus, als „würde er es ernst meinen“. Als ob es daran jemals Zweifel gegeben hätte...

Patrick Stewart, der Charles Xavier/Professor X nun auch schon für über 14 Jahre gespielt hat, wunderte sich nicht, dass seine Figur in DAYS OF FUTURE PAST wieder auftauchte. Der Erfolg des Franchise war gewaltig und Stewart konnte sich gut vorstellen, in welche Richtung sich die Geschichte weiterentwickelt. „Und außerdem“, witzelt er, „wird James McAvoy noch ein, zwei Jahre brauchen, ehe er so aussieht wie ich”.

Stewart freute sich über die erneute Zusammenarbeit mit Singer, dessen Visionen und Ambitionen maßgeblich zum Erfolg der Reihe beitrugen. Besonders ist Stewart ins Auge gestochen, wie sich im Lauf der Jahre die Herangehensweise an Filme dieser Größenordnung verändert hat. Noch nie hatte er in einen 3D-Film mitgespielt, noch nie hatte er im Vorfeld animierte Szenen seiner Auftritte gesehen. Der Drehprozess ist immer komplexer geworden, aber auch immer präziser, ein Umstand, der Stewart fast ebenso begeisterte wie die Tatsache, dass er diesmal endlich den „X-Jet“ fliegen darf. Richtiggehend begeistert war er jedoch von dem Rollstuhl, den er als Xavier benutzt: „Er schwebt wie ein Luftkissenfahrzeug!“

Der schottische Schauspieler James McAvoy schlüpft erneut in die Rolle des jungen Charles, der in dieser Geschichte seinen Glauben vollkommen verloren hat und verletzlicher ist denn je. Shuler Donner beschreibt seinen Zustand so: „DAYS OF FUTURE PAST bringt ihn dazu zu werden, wie er schließlich ist.” McAvoy weiß, dass seine Figur immer schon ein riesiges „Empathie-Potenzial” besessen hat. „Charles kann auf Leute zugehen, spürt ihr Leid und vermag ihnen zu helfen. So werden sie bessere und größere Menschen.”
Aber in dieser Phase seines Lebens hat Charles beschlossen, sich zurückzuziehen. Er ist innerlich zutiefst verletzt, weil er seine nahe Freundin Raven (Mystique) verloren hat und eine Verletzung ihn zwingt, von nun an einen Rollstuhl zu benutzen. McAvoy legt diese Version des Charles völlig neu an. „James nimmt diese Rolle total ernst. Er interpretiert sie von einer absolut menschlichen Seite und vergisst alles Übernatürliche”, erläutert Kinberg. „Was auch logisch ist, denn der junge Charles ist ein Mensch und das Ungemach, das ihm widerfährt, ist ganz real und nachvollziehbar”.

Eine der Schlüsselszenen McAvoys war die, in der er auf sein älteres Ich in Person von Patrick Stewart trifft. Es war McAvoys erster Tag am Set und Stewarts letzter. Der junge Schauspieler war ein wenig nervös. „Dies ist einer der wichtigsten Momente im Leben des jungen Charles“, führt er aus. „Und diese Szene mit jemandem zu spielen, der den Part schon über 14 Jahre inne hatte, machte mich doch ein wenig unruhig”. Die beiden Schauspieler hatten sich noch nie getroffen und kaum Zeit, um zu proben. McAvoy schlug vor, dass man die Szene doch Gesicht an Gesicht drehen sollte. Das gefiel Stewart, denn so würde die Intimität der Szene unterstrichen werden.

„James kam einfach rein und zog sein Ding durch“, erinnert sich Singer, „es war einfach unglaublich wie zwei Schauspieler aus verschiedenen Generationen so perfekt miteinander harmonierten. Das war für alle ein unvergesslicher Moment”.

Michael Fassbender übernimmt wieder den Part des jungen Erik Lehnsherr/Magneto, den er schon in X-MEN: FIRST CLASS gespielt hatte. „Diesmal“, so Kinberg, „findet er seine Strategien. Er wird der Magneto, wie ihn Ian McKellen gibt. Er findet seinen politischen Standpunkt und überlegt, wie er die Welt verändern kann”.

Wie die meisten seiner Kollegen zieht es auch Fassbender vor, auf einem richtigen Set und nicht vor einer Green Screen zu agieren. Er war überwältigt wie sorgfältig und detailreich die Produktionsabteilung die Sets entworfen hatte. Sein Lieblingsset war die Gefängniszelle im Pentagon, in die er in den ersten Szenen des Films eingesperrt ist. Sie half ihm, seinen Charakter zu finden. „Diese Zelle gab mir die Idee, wie mein früheres Leben ausgesehen haben muss”, sagt Fassbender.
„Diese zehn Jahre Einzelhaft hat Magneto nur mit Hilfe der ‚Lotus’-Technik überstanden. Sie ist eine Meditationsübung, Eriks Form von Zen, in der er stundenlang schwebend und mit gekreuzten Beinen seine Kräfte sammelt“.

Ein weiterer Quell des Konflikts zwischen Fassbenders Magneto und McAvoys Xavier ist Raven/Mystique. Erneut ist die Academy-Award-Gewinnerin Jennifer Lawrence in dieser Rolle zu sehen. In X-MEN: FIRST CLASS war sie eine der vielversprechenden Studentinnen von Xavier, ehe sie sich Magneto und dessen dunklerer Weltsicht zuwandte. Nun hat Raven die Identität von Mystique angenommen und stellt sich gegen die Menschen.

„Raven war in den zehn Jahren, die seit X-MEN: FIRST CLASS vergangen sind, auf sich alleine gestellt”, führt Singer aus. „Sie ist jetzt weder das Mädchen, das mit Charles aufwuchs, noch eine Jüngerin von Erik. Sie hat ihren eigenen Weg gefunden. Sie ist auf Rachefeldzug, jagt all die Menschen, die für die Entführung und Tötung von Mutanten verantwortlich sind, bzw. mit ihnen experimentieren. Gleichzeitig will sie sich an Trask rächen. Das bricht Charles das Herz, denn er weiß, dass diese Tat böse Folgen haben und zum Untergang der Mutanten führen wird. Der Kampf um die Zukunft ist also auch einer um Ravens Seele”.

Eine Figur, die vollkommen der dunklen Seite zuzuordnen ist, ist Dr. Bolivar Trask, den Peter Dinklage spielt. Trask hat die Sentinels, die riesigen Roboterwaffen, entwickelt. Er möchte die Menschheit im Kampf gegen die Mutanten vereinen und diese auslöschen. Singer und Kinberg gaben, so der Regisseur, der Figur „emotional logische Gründe“ für ihr bedingungsloses Vorgehen gegen die Mutanten. Trask sollte nicht einfach ein klassischer, eindimensionaler Schurke sein.

„Auf seine ganz verquere Art sehnt sich Trask nach Frieden”, führt Singer aus. „Er glaubt, dass die Mutanten so mächtig sind, dass sie zu einer Gefahr für die Menschheit werden könnten. Für ihn verhält es sich zwischen den Mutanten und den modernen Menschen so wie zwischen den modernen Menschen und den Neandertalern – und das hat zur Ausrottung der letztgenannten Spezies geführt. „Welchen besseren Grund gibt es also für die Menschen, sich zusammen zu tun als gegen einen Feind vorzugehen, der das Ende der Menschheit sein könnte?”
Der Wunsch, einen vielschichtigen Schurken zu haben, führte zur Besetzung von Dinklage. „Nicht nur transportiert Peter durch seine physische Erscheinung dieses ‚Anderssein’, er verfügt auch über das emotionale Rüstzeug und die Menschlichkeit, dass man ihm die Figur abnimmt”, ist Kinberg überzeugt. „Dank Peter wird Trask verständlich. Die Zuschauer sorgen sich um ihn – auch wenn sie gegen ihn sind”.

Der Schauspieler wiederum lobt Singer und Kinberg, weil es ihnen gelingt, eine in sich logische Geschichte auf zwei verschiedenen Zeitebenen zu erzählen. Dinklage war besonders von den vielschichtigen Figuren angetan, ihren inneren Kämpfen, ihren emotionalen und psychologischen Überzeugungen sowie deren wechselseitigen Beziehungen. „Das Verhältnis zwischen Charles und Erik ist unglaublich”, sagt Dinklage. „Die beiden sind voneinander abhängig. Es gibt da diese Loyalität, die ihrer alten Freundschaft entstammt. Das ist hier alles sehr klug durchdacht und gut gemacht”.

Oscar-Preisträgerin Halle Berry ist inzwischen zum vierten Mal als Storm zu sehen. Sie fühlt sich ihrem Mutanten verwandt und sieht die Rolle wie eine Rückkehr zu einem alten Freund. Berry definiert ihren Part als Lehrerin – ganz so wie Singer die Rolle erstmals in X-MEN angelegt hat.

Und doch, so weiß Berry, ist Storm mehr als nur Bücher und Bleistifte. Storm ist eine der mächtigeren Mutanten, sie spielt eine wichtige Rolle bei der Verteidigung ihrer Spezies vor den Sentinels. „Storm beherrscht das Wetter und wenn Kampf angesagt ist, ist sie die Erste, die aufs Feld geschickt wird“, erklärt sie.

Die für den Oscar nominierte Ellen Page kehrt ebenfalls wieder ins „X-Men“-Universum zurück. Sie ist als Kitty Pryde zu sehen, eine Figur, die sie erstmals in X-MEN: THE LAST STAND („X-Men: Der letzte Widerstand“, 2006) verkörperte. In DAYS OF FUTURE PAST sind es Kittys Fähigkeiten, die es erlauben, Wolverines Bewusstsein in die Vergangenheit zu schicken. Nur so ist es möglich, dass dieser die Mutanten vor der Ausrottung durch die Sentinels schützen kann.

Page sieht Kitty als starke, „krasse“ weibliche Heldin, und ist sich sicher, dass die „X-Men“-Fans vom neuen Abenteuer, das sie als „episch“ bezeichnet, nicht enttäuscht sein werden. Page genoss jeden Drehtag, die Arbeit mit den „unglaublichen Kollegen, tollen Kostümen und sensationellen Sets“ war einfach umwerfend. Sie bewundert Singer dafür, dass er ein solches Monsterprojekt so meisterlich zu stemmen versteht, Kinberg lobt sie für dessen kluges, präzise ausformuliertes Skript. Und über die Besetzung gefragt, sieht Page in ihren Kollegen „Legenden. Es war einfach toll dazusitzen und ihnen beim Spielen zuzusehen”.

Auch Nicholas Hoult nimmt seinen Part aus FIRST CLASS wieder auf. Er ist als Hank McCoy/Beast zu sehen. Diesmal hat man den Fokus stärker auf die emotionale Zerrissenheit seiner Figur gerichtet. Hank fühlt sich in seiner blauen Haut nicht wohl, er ist unsicher und geniert sich, ein Mutant zu sein. Während der zehn Jahre, die seit der Handlung von FIRST CLASS vergangen sind, hat er mit Charles im „X-Men“-Anwesen gelebt und ein Serum entwickelt, das seine und Charles’ Mutation unterdrückt. Charles benutzt es, um wieder gehen zu können. Doch das Medikament hat Nebenwirkungen, es schränkt die mentalen Kapazitäten ein. Zudem wird im neuen Film Hanks Verbindung zu Raven genauer untersucht. Obwohl er ihre blaue Haut akzeptieren kann, fühlt er sich in seiner nicht wohl.

Hoult war dankbar für die Möglichkeit, so eng mit McAvoy zusammenarbeiten zu können, den er für einen perfekten Schauspieler hält. Die beiden analysierten ihre gemeinsamen Szenen sorgfältig und McAvoys Ideen führten dazu, dass Hoult die Tiefe der Verbindung ihrer beiden Figuren besser verstand. Der Dreh zu DAYS OF FUTURE PAST hat mich nachhaltig beeinflusst“, weiß er. „Es war ein kolossales Projekt, das auf zwei Zeitebenen spielt. Hinzu kommt die Vielzahl an Figuren, die alle eine ganz persönliche Geschichte und ein differenziertes Gefühlsleben haben”.

Quicksilver ist ein weiterer wichtiger Mutant in den Szenen der Siebzigerjahre. Der junge Charles, Logan und Hank bitten ihn um Hilfe, damit sie Magneto aus seinem Gefängnis im Pentagon befreien können. Quicksilvers Superkraft, der Name verrät es schon, besteht in seiner Geschwindigkeit. Diese hat er, bis er die „X-Men“ trifft, für kleinere Diebstähle und Teenager-Unsinn genutzt. „Wolverine kennt Quicksilver in der Zukunft”, erläutert Singer.
„In der Vergangenheit ist dieser ein kleptomanisch veranlagter Jugendlicher, der sich gerne in Szene setzt. Um ihn und seine Fähigkeit für seine Zwecke einspannen zu können, muss er sich Quicksilvers Freude am Unruhestiften zunutze machen. Also bittet er ihn, ihm dabei zu helfen, jemanden aus dem Pentagon zu befreien”.

Singer und Chefkameramann Newton Thomas Sigel benutzten Phantom-Hochgeschwindigkeitskameras und foto-akustische Technologie, um die Ein- und Ausbruchsszenen zu filmen. Dies sind sicherlich die technisch kompliziertesten und optisch verblüffendsten Szenen des gesamten Films. Die Sequenz wurde mit 3.000 Bildern pro Sekunde aufgenommen, man sieht Quicksilver wie er die Wände des Pentagons parallel zum Boden entlang läuft. „Das hat’s im Kino noch nie gegeben“, freut sich Singer.

Diese Technologie bedingt enorm viel Licht. Also brachte man über dem Set Lampen mit einer Strahlkraft von 40.000 Watt an. „Der Set war so hell, dass wir während des Drehs Sonnenbrillen tragen mussten“, fügt Singer hinzu. „Die Schauspieler schlossen ihre Augen und machten diese erst auf, als die Kameras liefen”.

Shawn Ashmore kehrt als Bobby/Iceman ins „X-Men“-Universum zurück. In DAYS OF FUTURE PAST tut er sich mit Kitty, Bishop und Colossus zusammen, die sich alle in der dunklen Zukunft auf der Flucht befinden. Ashmore weiß, dass die Umstände die Figuren allesamt hart gemacht haben. „Tag für Tag sind sie in Lebensgefahr”, sagt Ashmore, „und nur dank Kittys Fähigkeit, in die Vergangenheit zu reisen, überleben sie”.

Ashmore war absolut davon begeistert, dass er diesmal seine Fähigkeiten in einer einzigartigen Actionsequenz unter Beweis stellen durfte. Eine Eisrutsche war Teil der Szene und er erinnert sich, dass dies für ihn der „ultimative Superheldenmoment“ war.
Der kanadische Schauspieler Daniel Cudmore war auch sehr froh darüber, ins „X-Men“-Universum zurückkehren zu dürfen. Sein Charakter ist dazu in der Lage, seine Haut in organischen Stahl umzuwandeln, was ihn gleichermaßen stark und fast unverwundbar macht.

Der Franzose Omar Sy (INTOUCHABLES, „Ziemlich beste Freunde“, 2011) spielt Bishop, einen der neuen Mutanten in der „X-Men“-Welt. Bishop, der in der Zukunft auftaucht, ist wild und furchteinflößend. Er kann strahlende und leitfähige Energie aufzunehmen und nutzt diese, um seine Plasmawaffe zu befeuern. Mit Kittys Unterstützung vermag er auch in der Zeit zu reisen. So ist er eine Schlüsselfigur, die dazu in der Lage ist herauszufinden, welch schlimmes Schicksal den Mutanten in der finsteren Zukunft droht. Bishops Lebensgeschichte ist turbulent und schmerzhaft. Über einem Auge erkennt man eine „M“-förmige Narbe – das heißt, dass er Gefangener in einem Mutanten-Lager war.

Die Figur Sunspot, die Adan Canto spielt, kann Solarblitze abschießen. Um sich in seinen Part hineinzufinden, beschäftigte sich Canto mit Sunspots Geschichte. Er erklärt: „Er ist loyal und leidenschaftlich, aber seit dem Tod seiner großen Liebe neigt er zu Wut und Rebellion”.

Ein weiterer neuer Mutant des „X-Men“-Franchise ist Warpath, in dessen Part Booboo Stewart schlüpft. Warpath, den man auch als James Proudstar kennt, besitzt überaus feine Sinne – er riecht, sieht und hört übernatürlich gut. Warpath ist einer der Mutanten aus der Zukunft, der den „X-Men“ hilft, als sie von den Sentinels angegriffen werden. Als Zufluchtsort dient den Mutanten in der Zukunft ein Kloster, in das sie sich zurückgezogen haben, während sie um ihr Überleben kämpfen. Warpath ist ein Meister im Umgang mit Waffen und schwingt Schwerter mit 45 Zentimeter langen Klingen. Für Stewart, der bereits als Dreijähriger anfing, sich mit Martial Arts zu beschäftigen, war diese Rolle maßgeschneidert.

Der dritte neue Mutant in den „X-Men“-Reihen wird Blink gerufen und von Fan Bingbing gespielt. Blink beherrscht die Kunst der Teleportation und kann sich, andere und auch große Gegenstände durch Raum und Zeit bewegen. Sie nutzt ihre Fähigkeiten, Sachen zu „verlegen“, speziell ihre Feinde oder riesige Projektile. Das SFX-Team war dafür zuständig, dass Blinks Fähigkeiten auf der Leinwand richtig zur Geltung kamen. Sie sprengten und warfen riesige Säulen um, beispielsweise im Kloster, wo die spektakulärsten Effekte des Films zu sehen sind.

Der australische Schauspieler Josh Helman ist bereits die vierte Inkarnation der Figur namens Bill Stryker, die auch in in X-MEN 2, X-MEN ORIGINS: WOLVERINE („X-Men Origins: Wolverine”, 2009) und X-MEN: FIRST CLASS aufgetreten ist und jedes Mal von einem anderen Schauspieler verkörpert wurde. Helman empfand, dass mit der Rolle eine große Verantwortung einherging, obwohl sie nicht unbedingt groß ist. „Bill Stryker ist deswegen ein so komplexer Charakter, weil er, obwohl er keine Superkräfte besitzt, so furchteinflößend ist“, weiß er.

Lucas Till, der schon in FIRST CLASS mitwirkte, kehrt als Alex Summers zurück. Als Mutant heißt er Havok und kann aus seinem Körper kosmische Energie schießen. In X-MEN - ZUKUNFT IST VERGANGENHEIT wird Havok, der in einer speziellen Mutanten-Einheit in Vietnam dient, von Mystique, mit der ihn eine verspielte Kameradschaft verbindet, gerettet.

ÜBER DIE PRODUKTION

Die Dreharbeiten zu X-MEN - DAYS OF FUTURE PAST begannen am 15. April 2013 in Montréal, Quebec, Kanada. Das Hauptquartier der Produktion lag in Mel’s Cité du Cinema, das kurz Mel’s genannt wird, einem rund 14 Hektar großen Studiogelände, das auf der Île de Montréal liegt und den St. Lawrence River überblickt. Es besteht aus sieben Hallen, insgesamt 40.000 Quadratmeter groß, sowie einem Bürokomplex, der sich über rund 48.000 Quadratmeter ausdehnt. Für X-MEN -DAYS OF FUTURE PAST wurde jeder Zentimeter des Areals genutzt.

John Myhre (MEMOIRS OF A GEISHA („Die Geisha“, 2005), CHICAGO („Chicago”, 2002)), zweifacher Oscar-Gewinner, und sein talentiertes Team waren fürs Produktionsdesign zuständig, als Art Direktorin verpflichtete man Michele Laliberte (THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN BUTTON („Der seltsame Fall des Benjamin Button”, 2008), THE DAY AFTER TOMORROW („The Day After Tomorrow”, 2004)) und als Ausstatter konnte man den Oscar-Preisträger Gordon Sim (CHICAGO) gewinnen, dem die Aufgabe zufiel, das Design und die Konstruktion der 40 Sets des Films zu überwachen. Zudem war er für das Produktionsdesign und die Art Direktion der 36 Locations in und um Montréal verantwortlich.

Myhre, der schon der Produktionsdesigner bei Singers X-MEN gewesen war, übernahm hier nochmals diese Funktion – beim aufwändigsten aller bisherigen „X-Men”-Filme, der in zwei Zeitperioden, den Siebzigern und der nicht allzu fernen Zukunft, spielt. Myhre sah seine Aufgabe darin, zwei komplett verschiedene Filmlooks zu entwerfen – dabei musste er aber auch ein einheitliches Gesamtkonzept im Auge behalten. Er musste herausarbeiten, wie Vergangenheit und Zukunft sich unterschieden, dabei aber die ästhetischen Schnittstellen finden.

Einer der größten Sets, den es zu errichten galt, war das uralte Kloster in der Zukunft, das man in einen Berghang hineinbaute. Singer erzählt, dass die Kapelle, in der Wolverine verharrt, während sein Geist in der Zeit zurückreist, nach Bildern rekonstruiert wurde, die er gesehen hatte. „Die Buntglasfester geben dem Raum“, so sagt er, „eine ätherische, fast magische Qualität. Ich wollte kein düsteres, tristes Kloster. Der Raum sollte eine gewisse Heiligkeit ausstrahlen, weil hier etwas irgendwie Magisches passiert“.

Myhre und die Firma nutzten jeden Zentimeter der 12.000 Quadratmeter großen Bühne H von Mel’s, um das Set zu bauen, in dem sich Hugh Jackman, Halle Berry, Patrick Stewart und Ian McKellen für diese Geschichte wieder treffen. Hier stellen sich die Mutanten auch ihrem größten Feind der Zukunft.

Wie auch Singer war Myhre der Meinung, dass man für ein so außergewöhnliches Team von Schauspielern ein ebenso außergewöhnliches Set errichten musste. „Bryan bat mich, wenn möglich, immer besonders praktische und realistische Sets zu bauen“, erinnert sich Myhre. „Im Fall des Klosters hieß das, dass man sogar den Weihrauch riechen konnte”.

„Das Kloster ist ein echtes Mash-up. Klassische Elemente wurden hier mit Science-Fiction-Ästhetik kombiniert”, sagt Kinberg. „Es war ein wunderbarer Gegensatz – einerseits dieses uralte Kloster, andererseits diese hypermodernen Elemente wie der neue X-Jet und die Sentinel-Roboter”.

Myhre ließ sich fürs Kloster von der asiatischen Architektur inspirieren, sei sie nun chinesisch, japanisch, indisch oder indonesisch.
Sein Gebäude besaß die Anmutung, als sei es von Mönchen aus einem einzigen Stein herausgemeißelt worden. Es besteht aus drei Sektionen. Die „große Mauer“, die zum Schutz errichtet wurde, der „Innenhof“, in dem Pagoden stehen, in denen man betet oder sich versammelt, sowie der „Kolonnade“, ein Säulengang, der als letzter Schutzwall und zugleich als Eingang zum Allerheiligsten des Klosters dient.

Für Myhre stellte das Allerheiligste auch das Herz des Films dar. Dieses Set sollte sich ganz speziell anfühlen und Heiligkeit ausstrahlen. Hier arbeitete er besonders eng mit Chefkameramann Newton Thomas Sigel zusammen, brachte Spiegel an rotierenden Säulen an und baute verschiebbare Wandpaneele So konnte Sigel mit seiner Kamera ganz ungewöhnliche Positionen einnehmen und mit optischen Illusionen arbeiten – wie in einem Spiegelkabinett auf dem Jahrmarkt. Sigel und Myhre sprachen sich in Sachen Licht und Sets überaus sorgfältig ab. Sigel gesteht freimütig, dass er hier das Gefühl hatte, zwei unterschiedliche Filme gleich hintereinander zu fotografieren. „Das machte mir extrem viel Spaß”, sagt er. „Ich habe die Siebzigerjahre miterlebt, also kannte ich sämtliche kulturellen Referenzen für die ‚Vergangenheit’. Für der ‚Zukunft’ hingegen gibt es keine Anhaltspunkte. Hier war meine visuelle Vorstellungskraft gefragt. Die Vergangenheit ist bei mir wärmer, grobkörniger und fast schlammig, die Zukunft kühl, dunkel und nüchtern“.

Das zweite große Set, das es zu bauen galt, war die Außenansicht des Weißen Hauses nebst der davorliegenden Rasenfläche, auf der 1973 die gewaltige finale Schlacht stattfindet. Hierzu nutzte man den Parkplatz von Mel’s, eine große Schotterfläche, und Myhre entschloss sich dabei, unkonventionelle Wege einzuschlagen. Er und sein Team errichteten eine „Kiste“, die aus 100 Schiffscontainern bestand. Man stellte jeweils fünf Container rechteckig hinter- und aufeinander, so entstand eine rund 14.000 Quadratmeter große Arena, die man besäte und landschaftlich gestaltete. Fertig war die Rasenfläche von 1600 Pennsylvania Avenue! Über die Container spannte man rund 10.000 Quadratmeter grünes Tuch, das als Leinwand diente. Auf dieses konnte man via Simul-Cam-Technologie die Außenansicht des Weißen Hauses projizieren, während die Schauspieler mit 3D-Kameras bei ihren Aktionen aufgenommen wurden.

Weitere wichtige Sets waren das längst ikonische Cerebro und die sich daran anschließenden Blue Hallways, die im 10.000 Quadratmeter großen Alstom-Studio in Montréal errichtet wurden. Für diese Sets entstaubte Myhre die alten Baupläne und ließ Kopien der Originale aus X-MEN fertigen. Jackman merkt an: „Wenn ich, Halle oder Patrick durch diese Räume gingen, hatten wir ein echtes Déjà-vu-Erlebnis – so als hätte man uns 14 Jahre in der Zeit zurückversetzt”.

Xaviers Anwesen errichtete man in einem der Studios von Mel’s. Weil der Film ständig zwischen den Zeiten pendelt, mussten sowohl Cerebro als auch Xaviers Haus laufend umgebaut und -gestaltet werden. Dies hing mit dem komplizierten Drehplan zusammen. Manche Szenen konnten mit bestimmten Schauspielern nur an ganz gewissen Tagen gedreht werden. In den vorangegangenen Filmen hatte man Xaviers Anwesen an unterschiedlichen Locations gefilmt, in Montréal wurde aber kein geeignetes Gebäude gefunden. Also nutzte Myhre nochmals das Haus, das er schon für X-MEN benutzt hatte, das Casa Loma in Toronto.

Zu den weiteren Sets, die gebaut werden mussten, zählte das Kellerschlafzimmer, in dem wir Quicksilver im Jahr 1973 kennenlernen. Ein anderes Set war das Oval Office, in dem damals Richard Nixon residierte, dessen Führungsstil sich stark in der Geschichte widerspiegelt und der auch in persona auftritt. Myhre hielt sich bei seinen Nachbauten ganz an die historischen Gegebenheiten – bis hin zu den Zahnkronen des Präsidenten.

In Bezug auf technische Herausforderungen und Bau war der X-Jet, den Myhre als „gepanzertes Kriegsschiff“ bezeichnet, die größte Herausforderung. „Der X-Jet entspricht dem X-Jet der früheren Filme und der Comics und doch ist er hier vollkommen neu und anders”, weiß Kinberg. „Das Team wollte ein schnittiges, futuristisches Gefährt bauen, das ohne sichtbare Verbindungselemente auskommt, und dabei verschiedene Formen, Maße und Schichten nutzen”.

Es gab einen Zeitpunkt während der Produktion, in dem Myhres Team rund 300 Mitarbeiter umfasste, darunter Zimmerleute, Maler, Stuckateure, Bildhauer, Setdesigner und Ausstatter. Diese Zahl spiegelte die Größe der Produktion.

Für Ausstattungsstücke wie etwa den Cerebro-Helm mussten, sobald das Design feststand, zig Dinge bedacht werden: Welche Materialen sollten verwendet werden, was würde sich gut und leicht tragen lassen, wie stabil waren die Bauteile? Wie konnte man ihn McAvoys Kopfform anpassen, würde er Licht reflektieren – und wenn ja, wie – und wie würde er im Film aussehen? Der Cerebro des Jahres 1973 wurde so entworfen, dass man die technischen Fortschritte erkannte, die er seit X-MEN: FIRST CLASS durchlaufen hatte. Der modernere Cerebro ist schlichter, kompakter, stromlinienförmig und sehr leicht.

Die Filmemacher entwarfen Xaviers Rollstuhl so, dass er an die, die es im „X-Men“-Universum schon gegeben hat, erinnert. Der Rollstuhl der Zukunft sollte jedoch einzigartig aussehen. So kamen Myhre und die Crew auf den Gedanken, einen Rollstuhl ohne Räder zu „erfinden“, einen „Rolli“, der dank elektromagnetischer Kräfte schwebt.

Fünf Monate vor Drehbeginn begannen Kostümdesignerin Louise Mingenbach (THE USUAL SUSPECTS („Die üblichen Verdächtigen“), X-MEN, X-MEN 2) und ihr Team mit den Vorbereitungsarbeiten. Dabei entwarfen und schneiderten sie die Kostüme der Superhelden – darunter die, die von der Mode der Siebzigerjahre inspiriert waren – nicht nur nach eigenen Entwürfen, sie nutzten auch die Dienste von zehn verschiedenen Kostümverleihern in den USA sowie Montréal und kauften zudem gewisse Stücke in Second-Hand-Geschäften und bei Vintage-Modenschauen zu.

Mingenbach und Singer überlegten sich wie ihr Superhelden-Look der nahen Zukunft aussehen sollte und berücksichtigten dabei die Situation, in der sich die Mutanten befinden. „Sie sind Gejagte. Saubere, glänzende und schnittige Outfits kamen demnach nicht in Frage”, erläutert Mingenbach. „Es war nicht leicht, die zunächst sorgfältig geschneiderten, guten Kleidungsstücke wegzugeben, damit sie zerschlissen und verschmutzt werden konnten. Aber die Sache erfüllte ihren Zweck, die Outfits sahen nach entsprechender Behandlung richtig gebraucht aus – so als hätten die Mutanten schon einige Kämpfe hinter sich”.

Mingenbach fertigte alle Stücke für die Hauptdarsteller nach Maß. Liebevoll kümmerte man sich um die jeweiligen Details der Kleidung für die verschiedenen Schauspieler. Viele der Outfits wogen mehr als die üblichen Jeans, die man einfach überstreift. Manche Kostüme wogen mit Waffen und zusätzlichen Ausstattungsgegenständen Dutzende von Kilos. Jeder Schauspieler brauchte beim An- bzw. Ausziehen individuelle Hilfe. Aus den gut zwanzig jeweils höchst individuellen Superheldenkostümen, die für den Film speziell angefertigt werden mussten, gab es eines, das besonderes Kopfzerbrechen bereitete – das von Professor X, der in keinem der bisherigen Filme ein eigenständiges Outfit gehabt hatte.

Bevor man mit der Bereitstellung der Kostüme aus dem 1970ern begann, tauschten Mingenbach und Myhre lange Ideen aus. Sie kamen überein, dass es wichtig war, die Muster, Texturen und Farben zu finden, die jene Dekade definierten. Man entschloss sich letztlich, eine Farbpalette zu nutzen, die aus rostigen Brauntönen, Orange und diversen Grünschattierungen bestand. Mingenbach und ihre Crew verbrachten Monate beim Sammeln der entsprechenden Kleidungsstücke, die sie bei Kostümverleihern, Second-Hand-Läden und im Internet fanden. Lastwagenweise wurden Klamotten von den USA und sogar aus Europa nach Montréal transportiert. Die Kostümabteilung hatte auf einem der Parkplätze neben den Studios ein riesiges Zelt aufgestellt, das die gesamte Garderobe – mit der man ein Warenhaus hätte bestücken können – beherbergte. An manchen Tagen oblag es der Abteilung, bis zu 600 Statisten in ihrem „Basislager“ entsprechend einzukleiden. Diese Aufgabe musste minutiös geplant werden – und das in Zusammenarbeit mit der Maske, den zig Friseuren und der Ausstattungsabteilung.

„Beim Entwurf der Kostüme für DAYS OF FUTURE PAST ging es eher darum, die jeweilige spezielle Kraft des entsprechenden Mutanten zu betonen als einen einheitlichen Superhelden-Look zu kreieren”, sagt Mingenbach. „Bryan hat von jeher verstanden, dass Film ein anderes Medium ist als die Comics. Entsprechend hat er stets darauf geachtet, dass die Kostüme echt und praktisch aussehen. Es gilt, bei den Outfits der Superhelden immer eine feine Balance zu finden – man muss Kleidungsstücke fertigen, die den Charakteren entsprechen und gleichzeitig dem Publikum etwas Neues und Aufregendes bieten”.

DIE SENTINELS

Im Jahr 2000, als X-MEN in die Kinos kam, gab es gewisse Technologien, die sich die Filmemacher wünschten, noch nicht. Nun, 14 Jahre später, sind glaubwürdige, realistische Effekte kein Problem mehr. So hätte man beispielsweise die Sentinels, jene sechs Meter großen Roboter, die die Mutanten ausschalten und von den „X-Men”-Fans so geliebt werden, mit den alten technische Gegebenheiten nicht entsprechend realisieren können. Es gab zwar in der Vergangenheit schon zahlreiche Filme, in denen Roboter vorkamen, aber die entsprachen Singers Vorstellungen nicht. Nun in DAYS OF FUTURE PAST ist es aber so weit, Singer stellt zwei Arten von Sentinels vor – die aus der Vergangenheit sowie die für die nahe Zukunft verbesserten Modelle.

„Die Sentinels sind Roboter, die Mutanten töten und das Programm, sie zu bauen, begann in den frühen Siebzigerjahren”, erklärt der Regisseur. „Sie sind dazu in der Lage, Mutanten-Gene zu entschlüsseln, diese zu isolieren und können dann die Mutanten ausschalten. Die Sentinels der Zukunft sind verbesserte und überarbeitete Versionen ihrer Vorgänger aus den 1970ern. Die Sentinels der Zukunft sind besonders gefährlich, weil sie über eine biomechanische Technologie verfügen. Sie passen sich den Superkräften der Mutanten und ihrer Form an und zerstören sie dann. Abertausende von ihnen sind unterwegs”.

Während Myhre für das Design der Sentinels aus der Zukunft zuständig war, verantworteten der Spezialeffekte-Überwacher Cameron Waldbauer und seine Crew den Bau der Sentinels, die fürs Jahr 1973 benötigt wurden. Hergestellt wurden diese Sentinels von Legacy Effects in Los Angeles. Acht Wochen baute man an dem 70er-Jahre Sentinel, dessen Teile alle beweglich sind. Obwohl es sowohl in der Vergangenheit wie auch in der Zukunft zahllose Sentinels gibt, erstellte man für die Siebziger nur ein Modell. Dies geschah hauptsächlich aus Kostengründen. Der knapp sieben Meter große Sentinel half Kameramann Sigel in Sachen Größenverhältnisse, an ihm orientierte er sich bei seinen Kadrierungen. Nachdem man sich über die Proportionen im Klaren war, fing das VFX-Team damit an, den Roboter in der Postproduktion zu „vervielfältigen“.

X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST ist der bislang aufwändigste „X-Men“-Film, der Beweis für den Erfolg des Franchise. Viel wichtiger ist aber, dass man hier die gebündelte kreative Energie von Schauspielern und Filmemachern erkennt – in einer grenzüberschreitenden Geschichte, die alle Zuschauerschichten anspricht.

Auf der vergangenen Comic-Con stellte sich fast die gesamte Besetzung unter tosendem Applaus ihren Fans vor. Die den Schauspielern entgegengebrachten Emotionen waren überwältigend. Singer kennt diese Art von Gefühlsausbrüchen. „Wäre ich vor 25 Jahren auf der Comic-Con gewesen und Han Solo, Luke Skywalker und Prinzessin Leia wären vor mir auf der Bühne gestanden, wäre ich auch ausgeflippt“, gesteht der Regisseur. Für Singer sind die „X-Men“-Geschichten moderne Mythologien. „Ich fühle mich in diesem Universum richtig zu Hause. Ich liebe es, mich darin zu bewegen, es zu erforschen und Spaß damit zu haben”. Seine Fähigkeiten, diese Storys als Filmemacher aufzubereiten, sind unerreicht.

Und das heißt, dass es für die „X-Men“ eine hoffnungsfrohe Zukunft gibt.

Angesiedelt in den Südstaaten, zwei Jahre vor dem Bürgerkrieg, erzählt DJANGO UNCHAINED die Geschichte von Django (Oscar®-Preisträger JAMIE FOXX), einem Sklaven, dessen brutale Vergangenheit mit seinen Vorbesitzern dazu führt, dass er dem deutschstämmigen Kopfgeldjäger Dr. King Schultz (Oscar®-Preisträger CHRISTOPH WALTZ) Auge in Auge gegenübersteht. Schultz verfolgt gerade die Spur der mordenden Brittle-Brüder und nur Django kann ihn ans Ziel führen. Der unorthodoxe Schultz sichert sich daher Djangos Hilfe, indem er ihm verspricht, ihn zu befreien, nachdem er die Brittles gefangen genommen hat – tot oder lebendig. Nach erfolgreicher Tat löst Schultz sein Versprechen ein und setzt Django auf freien Fuß. Dennoch gehen die beiden Männer ab jetzt nicht getrennte Wege. Stattdessen nehmen sie gemeinsam die meistgesuchten Verbrecher des Südens ins Visier. Während Django seine überlebensnotwendigen Jagdkünste weiter verfeinert, verliert er dabei sein größtes Ziel nicht aus den Augen: Er will seine Frau Broomhilda (KERRY WASHINGTON) finden und retten, die er einst vor langer Zeit an einen Sklavenhändler verloren hat. Ihre Suche führt Django und Schultz zu Calvin Candie (der für einen Oscar® nominierte LEONARDO DICAPRIO). Candie ist der Eigentümer von „Candyland“, einer berüchtigten Plantage. Als Django und Schultz das Gelände der Plantage unter Vorgabe falscher Identitäten auskundschaften, wecken sie das Misstrauen von Candies Haussklaven und rechter Hand Stephen (der für einen Oscar® nominierte SAMUEL L. JACKSON). Jede ihrer Bewegungen wird fortan genau überwacht und eine heimtückische Organisation ist ihnen bald dicht auf den Fersen. Wenn Django und Schultz mit Broomhilda entkommen wollen, müssen sie sich zwischen Unabhängigkeit und Solidarität, zwischen Aufopferung und Überleben entscheiden…

Oscar®-Preisträger Quentin Tarantino schrieb das Drehbuch und führte Regie bei DJANGO UNCHAINED. Der hochkarätig besetzte Film wurde produziert von Stacey Sher, Reginald Hudlin und Pilar Savone. Executive Producers sind Harvey und Bob Weinstein, Michael Shamberg, Shannon McIntosh und James Skotchdopole. DJANGO UNCHAINED wird in den USA von The Weinstein Company und international von Sony Pictures herausgebracht.

Hier ist unsere Filmkritik:

Trailer:

SUPER 8

REGIE & STORY
J.J. Abrams

» BESETZUNG

» FEATURETTE & TRAILER

» BILDER AUS DEM FILM

Das Jahr 1979. In einer US-Kleinstadt ist der 13-jährige Joe nach dem tragischen Tod seiner Mutter allein mit sich und seiner Trauer. Um sich abzulenken, vertiefen sich er und sein bester Freund Charles in den Dreh eines Zombiefilms, den sie im Format Super 8 realisieren wollen. Während des Drehs werden die Heranwachsenden Zeugen eines Zugunglücks, bei dem eine mysteriöse Kreatur aus einem geheimen Militärgefängnis entfliehen kann…

Filmkritk von Nadir Attar

Das ist es also, das filmische Werk, wegen dem sich die Realisierung von Star Trek 12 leider verzögern wird. Hat sich das Ganze aber gelohnt?
Die Antwort muss hier ganz klar Ja lauten und sowohl die US-amerikanische Fachpresse als auch das Publikum sind zufrieden. Der Film kostete in der Realisierung ca. 50 Millionen $, inzwischen sind schon knapp 122 Millionen $ allein in den Vereinigten Staaten eingespielt worden und der Release in den meisten europäischen Staaten steht ja erst noch an.
Der Film weiß durchweg zu gefallen. Das Setting Ende der 70er Jahre ist eine angenehme Abwechslung, wirkt jedoch niemals aufgesetzt. Mode und Gestus jener Zeit werden nicht persifliert, sondern man lebt einfach in jener Zeit und kann so auf angenehme Art in die Vergangenheit eintauchen. Die Ausstattung ist makellos, das ganze Szenario wirkt authentisch und ist bewusst als Reminiszenz an die klassischen Alien-/Horrorfilme jener Zeit angelehnt. Aus diesen Umständen lassen sich auch die verschwörerischen Handlungen des US-Militärs erklären.
Die Handlung beginnt überraschend langsam, äußerst feinfühlig und emotional. Nach einer gewissen Zeit nimmt jedoch die Geschichte Fahrt auf, weist eindeutige Thriller- und Horrorelemente auf, die schließlich wieder von versöhnlichen Tönen abgelöst werden. Was hier nach einem außerordentlich wilden Stilmix wirkt, funktioniert im Ergebnis außerordentlich gut, da J.J. Abrams und seine Mannen ganze Arbeit geleistet haben.

Obwohl ich eine natürliche Abneigung gegenüber Kindern in Filmen entwickelt habe, wissen die größtenteils heranwachsenden Darsteller durchweg zu überzeugen. Vor allem Elle Fanning beeindruckt schon jetzt mit großem Talent, mit etwas Rollenglück sollte ihr eine große Schauspielkarriere bevorstehen. Auch die anderen Kinderrollen wissen zu überzeugen. Interessant zu sehen, dass der dicke Nerd mal nicht der unfähige Trottel ist, sondern durchaus versiert zum Überleben beiträgt.
Die Effekte wissen ebenfalls zu gefallen und sind durchweg hochwertig. Das außerirdische Wesen sieht man, wie auch schon bei Cloverfield, sehr selten, was ungemein zur Atmosphäre beiträgt. An Abrams´ häufigem Einsatz seines Stilmittels der Lensflares werden sich zwar die Geister scheiden, ich persönlich akzeptiere sie jedoch als Markenzeichen des aktuellen Star Trek Verantwortlichen.

"Abrams Bester"
	Unterm Strich bleibt ein überraschend gelungener Film, der mehrere Genres miteinander verbindet und ein angenehm subtiles Drehbuch aufweist. Für den Sommer genau der richtige Film, vielleicht sogar der derzeit beste aus der Schmiede von J.J. Abrams´ Bad Robot Produktionsstudio.
Spannung Action Humor Erotik Charaktere Kontiunität Anspruch

PS: Es lohnt sich, noch etwas nach Einsetzen des Abspanns im Kinosaal zu verbleiben, da man so eine wundervolle Hommage an George Romeros Dawn of the Dead erleben kann.

Bei einer deftigen Pizza-Innovation von Pizza Hut sprechen Daniel Räbiger und Markus Sampl über Michael Bays neusten Film, Transformers: Dark of the Moon (2011).

Wie schneidet der Streifen mit den Rekord-Einspielergebnissen im Video-Review ab, wie schmeckt die Pizza-Innovation und wie episch ist die Kameraführung?

-> Hier gehts zum Video-Review & den Trailern

-> Hier findet ihr tonnenweise Bilder aus dem Film

• Story zu X-Men: Erste Entscheidung
• Filmkritik von Daniel Räbiger & Markus Sampl
• X-Men - wie alles begann
• Charles trifft Erik
• Die X-Men formen sich
• Hellfire!
• X trifft MiB
• Über die Produktion
• Über Regisseur Matthew Vaughn

X-Men Figuren: Havok

X-Men Figuren: Banshee

X-Men Figuren: Beast

X-Men Figuren: Mystique

X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG (X-MEN: First Class, 2011)

ist der spannende Blockbuster des Sommers, der zu den Anfängen der X-Men Saga zurückkehrt. Er besticht einerseits durch seine Action-Sequenzen, aber vor allem auch durch die starke Figurenzeichnung der einzelnen Charaktere. Der Film handelt auch von einer geheim gehaltenen Episode des Kalten Krieges, die unsere Welt fast an den Rand einer nuklearen Katastrophe brachte. Die erste Generation der X-MEN entdeckt hier ihre Fähigkeiten, lernt sie zu beherrschen und rüstet sich für den Kampf. Allianzen werden geschmiedet, die „Guten” und die „Bösen” formieren sich, hier wurzelt der ewige Krieg im X-MEN-Universum. Und wie bei allen vorangegangenen X-MEN-Geschichten werden auch bei X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG heiße Themen angepackt und heikle Fragen gestellt, während einem ein ganz persönlicher Einblick ins Team dieser außergewöhnlichen Superhelden gewährt wird.

Der Film spielt in den 1960ern, zu Beginn des Weltraumzeitalters. John F. Kennedys Stern strahlte, das Volk liebte seinen Präsidenten und vertraute ihm. Gleichzeitig befand man sich aber auch auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges, die Streitigkeiten zwischen den beiden Großmächten, der USA und der UdSSR, eskalierten, die Spannungen wurden immer größer. Diese Feindschaft bedrohte die gesamte Menschheit – und in diesem Moment erfährt die Welt von der Existenz der Mutanten.

Genau zu dieser Zeit treffen sich Charles Xavier und Erik Lehnsherr. Doch ehe Charles (James McAvoy) und Erik (Michael Fassbender) die Namen und Identitäten Professor X bzw. Magneto annahmen, waren sie zwei junge Männer, die ihre Superkräfte entdeckten. Bevor sie zu Erzfeinden wurden, waren sie beste Freunde. Sie kooperierten und arbeiteten mit anderen Mutanten daran, die größte Bedrohung der Menschheitsgeschichte abzuwenden. Einige dieser jungen Mutanten sind bei Fans aus vorangegangenen X-MEN-Filmen sehr beliebt, andere klassische Helden kennt man aus den Comics, sie waren aber noch nie auf der Leinwand zu sehen. X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG hält Antworten auf Fragen bereit, die X-MEN-Adepten seit langem beschäftigen: Wie sind die X-MEN zusammen gekommen? Warum sitzt Charles im Rollstuhl? Woher stammt das noble Anwesen der X-MEN, wie entstand der Cerebro, die Maschine mittels deren Hilfe man Mutanten ausfindig machen kann?

Darüber hinaus hat man aber natürlich auch an all jene Zuschauer gedacht, die sich im X-MEN-Universum noch nicht auskennen – für sie ist der Film genauso spannend und überraschend wie für eingefleischte Fans.

Trailer zum Film

Trailer 1
X-Men: First Class - Trailer 1 (Deutsch)
Trailer 2
X-Men: First Class - Trailer 2 (Deutsch) - 720p HDTV Dateityp: wmv Größe: 42.87 MB	X-Men: First Class - Trailer 2 (Deutsch) - Stream Dateityp: mp4 Größe: 9.99 MB
Trailer 3
X-Men: First Class - Trailer 3 (Deutsch) - 720p HDTV Dateityp: wmv Größe: 75.94 MB	X-Men: First Class - Trailer 3 (Deutsch) - Stream Dateityp: mp4 Größe: 15.43 MB

X-Men - wie alles begann

X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG ist für die X-MEN ein Neuanfang. Die Story stammt von Sheldon Turner, der für sein Ko-Skript zu UP IN THE AIR („Up in the Air“, 2009) für einen Oscar nominiert wurde und von Bryan Singer. Singer war der Regisseur der beiden ersten X-MEN-Filme, X-MEN („X-MEN – Der Film“, 2000) und X2: X-MEN UNITED („X-MEN 2“, 2003) und wurde von Kritikern wie Publikum gleichermaßen gelobt, da es ihm meisterhaft gelang, Drama, Action, Effekte und gesellschaftspolitische Themen miteinander zu verquicken. Singers X-MEN-Filme waren Vorlage für all die modernen Comic-Adaptionen, die im Kino eine neue Ära der Superhelden einläuteten.

Ein Großteil von X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG spielt in den 1960er Jahren, ein gut gewählter und geeigneter Zeitpunkt, denn das ist genau die Zeit, in der der Marvel Comic-Redakteur, Chefschreiber und Art Director Stan Lee gemeinsam mit Jack Kirby die X-MEN-Comics ins Leben rief. Wie viele ihrer Vorgänger bei Marvel sind die X-MEN eine ungewöhnliche Gruppe von Superhelden – manchmal sarkastisch, häufig unsozial, mit Mängeln und Fehlern behaftet. Gleichzeitig sind sie aber auch sympathisch, wenn sie mit ihren inneren Dämonen ringen, mit ihrem Liebesleben nicht zu Recht kommen, an mangelndem Selbstwertgefühl leiden und überaus mächtige, ebenfalls mit Superkräften ausgestattete Bösewichte bekämpfen. Sie sind Kinder des Atomzeitalters, nicht Homo Sapiens, sondern Homo Superiors, sprich, unserer Evolution bereits einen Schritt voraus. Jeder Mutant ist mit einer genetischen Veränderung geboren worden und in der Pubertät kommen die jeweiligen Superkräfte zum Tragen. In einer Welt, die mit Hass, Vorurteilen und Angst zu kämpfen hat, gelten sie als wissenschaftliche Abnormalitäten, als Freaks der Natur, Außenseiter, die von all jenen verachtet und geächtet werden, die ihr Anderssein nicht akzeptieren können bzw. wollen.

„Zunächst einmal galt es das Jahrzehnt festzulegen, in dem sich Charles und Erik treffen, als sie circa Mitte 20 sind”, erläutert Singer. „Wir beschlossen, dass dies die frühen 1960er Jahre sein sollten – die Bürgerrechtsbewegung war auf dem Vormarsch, der Kalte Krieg bewegte sich auf seinen Höhepunkt zu. Die beiden Aspekte boten den idealen Hintergrund, um zu erforschen, wie unsere moderne Welt von diesen Ereignissen beeinflusst werden würde.“
Einerseits gab es die Kuba-Krise, bei der die Welt plötzlich am Rande eines Atomkriegs stand. Ein idealer Boden für die Mutanten, um sich zu offenbaren, sich zu zeigen und die Erde vor dem Untergang zu retten. Andererseits, und in diesem Kontext ebenso wichtig, entstand die Bürgerrechtsbewegung. Wird die Menschheit die Mutanten akzeptieren und sie in ihrer Mitte aufnehmen oder wird man sie jagen, einsperren und vernichten? Sollen die Mutanten auf ihre Stärken stolz sein und als eine Art Übermenschen die Welt regieren oder sollen sie einfach Teil der Gesellschaft sein und sich integrieren? Singer dazu: „Assimilierung oder Aggression, diese Frage hat mich immer schon beschäftigt. Wird aus der Bürgerrechtsbewegung von heute, die Mutantenrechtsbewegung von morgen? “

Das Verhältnis von Charles und Erik fußt genau auf diesen Fragen, auf diesen ideologischen und philosophischen Unterschieden, die auch während dieser Ära debattiert wurden. Beide haben im Prinzip dieselben Wurzeln, beide erkennen, dass Mutanten potenzielle Opfer sind. Nur wie sie reagieren, darin liegt der Unterschied. Charles lebt dafür, jene zu schützen, die ihn fürchten. Erik setzt alles daran, sie zu zerstören. Jede der beiden Parteien glaubt, im Recht zu sein. Niemand will klein beigeben. Regisseur Matthew Vaughn weiß warum: „Erik misstraut den Menschen zutiefst. Charles glaubt, dass alles ins Lot kommen wird, und die Menschen auf lange Sicht die Mutanten akzeptieren werden. Erik glaubt das nicht, er ist überzeugt, dass die Menschen seine Spezies verfolgen werden. Und er behält recht.”

X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG mit lebendigen Figuren zu besetzen und deren Schicksal nachvollziehbar zu erzählen, war für Vaughn und Singer von größter Wichtigkeit. „Das Tolle an einem Genrefilm ist, dass man zutiefst menschliche Storys aus einer ganz ungewöhnlichen Perspektive erzählen kann. Man kann Spektakel einbauen, die Zuschauer in Erstaunen versetzen“, führt Singer aus. „Gerade bei den X-MEN-Filmen ist dieser menschliche Aspekt so wichtig, weil die Mutanten auch mit ihren inneren, menschlichen Dämonen zu kämpfen haben. Das erlaubt uns, sehr differenziert zu erzählen – und genau das wollten wir hier.”

„Bei jedem Film, den ich drehe”, fügt Vaughn hinzu, „frage ich mich, ‚Wo ist der humanistische Ansatz des Plots?’. Das war bei LAYER CAKE („Layer Cake“, 2004) so und auch bei KICK-ASS („Kick Ass“, 2010).“ Jede Handlung, jedes Actionmoment muss in der Figur begründet liegen. Ich tue alles, damit das Publikum mit meinen Figuren sympathisiert und deren Handlungen nachvollziehen kann. Das macht den Kinobesuch einfach spannender. Wenn man sich nicht mit den Helden fürchtet, was hat ein Film dann überhaupt für einen Sinn?“

„X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG basiert auf einer großen Idee und hat große Momente”, so Vaughn weiter. „Wir verlassen uns nicht ausschließlich darauf, dass unser Film wegen der spektakulären Effekte gut ankommt. Die Effekte sind dazu da, die Figuren zu unterstützen. Der Film ist eine Charakterstudie mit fulminanten Actionszenen.”

Singer machte sich bereits über die Anfänge seiner Story Gedanken, als er die beiden ersten X-MEN-Filme drehte: „Ich hatte immer schon die Hintergrundgeschichte meiner Helden im Kopf, als ich meinen Schauspielern erklärte, wie sie ihre Figuren anlegen sollten. Und ich habe mich wirklich gefreut, nun endlich auch die Story ihrer Entstehung auf der Leinwand erzählen zu dürfen.”

Einer der Schauspieler, der Singer über den „Lebenslauf” seiner Figur ausfragte, war Patrick Stewart, der in den ersten drei X-MEN-Filmen in den Part des Charles Xavier geschlüpft war. „Patrick wollte wissen, woher Charles kam. Ich war mir damals schon darüber ganz im Klaren – und meine Geschichte unterschied sich stark von der der Comics”, erinnert sich Singer. „In den Comics nimmt die Story in Tibet ihren Anfang und ein Alien-Agent namens Lucifer spielt eine entscheidende Rolle. Ich hatte über die Ursprünge andere Vorstellungen. Die legte ich Patrick dar. Und er sagte: ‚Deine Herangehensweise gefällt mir besser!’”

Produzentin Lauren Shuler Donner, die von Beginn an bei der X-MEN-Franchise mit von der Partie ist, erinnert sich daran, dass die Wurzeln von X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG zur Produktion der ersten beiden X-MEN-Filme zurückreichen: „Während der Drehpausen am Set von X2 redeten wir darüber, dass es doch toll wäre, Professor X oder Magneto einmal in jungen Jahren auf der Leinwand zu zeigen. Jeder sagte, ‚Ja, klasse Idee.’ Wird tauschten uns länger darüber aus und gingen dann wieder an die Arbeit.”

Singer tritt bei X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG nicht nur als Ko-Autor in Erscheinung, er ist neben Shuler Donner und Simon Kinberg auch einer der Produzenten. Kinberg wiederum ist selbst auch ein versierter Autor, der unter anderem MR. AND MRS. SMITH („Mr. & Mrs. Smith“, 2005) und THIS MEANS WAR (2011) geschrieben hat, der demnächst in die Kinos kommt. Aber eine Frage war noch offen: Wer sollte auf dem Regiestuhl Platz nehmen? Singer stand nicht zur Disposition, denn er war als Regisseur in ein anderes Projekt involviert. Die Wahl fiel schließlich auf Vaughn, den Singer zufällig in London traf und der sich bereit erklärte, die Inszenierung zu übernehmen.
X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG ist nicht das erste Mal, dass Vaughn mit der Film-Franchise in Kontakt kam. Nachdem er mit der von der Kritik gepriesenen Independent-Produktion LAYER CAKE sein Regiedebüt gegeben hatte, war er schon in die engere Auswahl gekommen, X-MEN: THE LAST STAND („X-MEN: Der letzte Widerstand“, 2006) zu inszenieren, führte dann aber stattdessen beim fulminanten Fantasy-Epos STARDUST („Der Sternwanderer“, 2007) und anschließend bei der Adaption der Graphic Novel KICK-ASS Regie.

Vaughn erklärt, dass er bei X-MEN: FERSTE ENTSCHEIDUNG die Regie übernahm, weil ihm gefiel, dass der Film während des Kalten Krieges spielte. „Bryans Idee den Film während dieser brisanten historischen Periode anzusiedeln, hat mir gleich gut gefallen. Ich fand es spannend, die Charaktere in der jüngeren Geschichte zu verankern”, erinnert sich Vaughn. Die Ko-Autorin des Regisseurs, Jane Goldman, fügt hinzu: „Einer der aufregendsten Aspekte des Projekts war sein politischer Hintergrund – Zeitgeschichte im X-MEN-Universum zu verankern, hat unsere Fantasie wirklich beflügelt. (Neben Vaughn & Goldman werden auch Ashley Edward Miller & Zack Stentz, die jüngst an THOR („Thor“, 2011) mitgeschrieben haben, als Skripter genannt).

Den humanistischen und politischen Themen fügten Vaughn und Goldman aber noch ein weiteres Element hinzu. Vaughn erläutert: „Der Film verbindet die X-MEN, die Kuba-Krise und James Bond. Wir haben typische 007-Elemente der 1960er-Jahre eingebaut. Stilelemente aus den Filmen mit Sean Connery – die Coolness, die Action, die Gefahr. Wir haben drei Genres ineinander verwoben.”
Dieser Genre-Mix des Autors Vaughn hat es dem Regisseur Vaughn nicht gerade leicht gemacht: „Wir mussten jede Rolle neu besetzen, die 60er wieder auf der Leinwand aufleben lassen, das X-MEN-Design überarbeiten und neue Kostüme entwerfen,” erklärt er. „Die größte Herausforderung bestand jedoch darin, die geeigneten Schauspieler zu finden, die Charles und Erik in jungen Jahren spielen sollten. Wir mussten die Darsteller finden, die zu Professor X und Magneto werden, zu den Leitfiguren des komplexen X-MEN-Universums – sowohl in den Comics wie auch in den Filmen. Freunde, die zu erbitterten Feinden mit gegensätzlichen Standpunkten werden.“

Charles trifft Erik

Bei der Besetzung der Rollen von Charles, einem hochbegabten Oxford-Absolventen und Genetiker, der der beste Telepath der Welt ist, und Erik, der sich als junger Mann unter schrecklichsten Umständen seiner Fähigkeit, den Magnetismus zu kontrollieren, bewusst wird, gingen die Filmemacher mit höchster Sorgfalt vor. Sie wussten, dass vor allem die Zuschauer die Nachfolger bzw. Vorgänger von Patrick Stewart und Ian McKellen akzeptieren mussten.
James McAvoy, der problemlos zwischen Parts in Independent-Produktionen wie ATONEMENT („Abbitte“, 2007) oder THE LAST KING OF SCOTLAND („Der letzte König von Schottland - In den Fängen der Macht“, 2006) und Blockbustern wie THE CHRONICLES OF NARNIA: THE LION, THE WITCH AND THE WARDROBE („Die Chroniken von Narnia - Der König von Narnia“, 2005) oder WANTED („Wanted“, 2008) hin und her wechselt, wurde als Charles besetzt. McAvoy freute sich, den Part in diesem entscheidenden Moment, in dem sich die Figur Xaviers nachhaltig entwickelt und verändert, spielen zu dürfen. Sein Xavier unterscheidet sich grundlegend von dem selbstsicheren, patriarchalischen Xavier der Originaltrilogie. „In den vorangegangenen Filmen”, erklärt McAvoy, „ist Professor X völlig selbstlos. Er ist in tiefstem Herzen ein Humanist, er ist für die Welt da und hilft anderen. Wenn wir ihn hier in unserem Film kennen lernen, kreist er noch um sich selbst, er ist auch egoistisch und ein klein wenig verloren. In X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG geht es darum, wie Charles seine Berufung findet – und genau das hat mich an der Rolle so gereizt. Ich konnte herausfinden, wer Charles war, warum er zur Person geworden ist, die er jetzt ist. Matthew hat von Anfang an klargestellt, dass sowohl ich als auch Michael (Fassbender, in der Rolle des Erik) unseren ganz eigenen Stil verfolgen und unsere Parts nicht als jüngere Versionen von Patrick Stewart und Ian McKellen anlegen sollen.”

„Ich glaube, James hat alles, was man für die Rolle braucht”, sagt Vaughn. „In den vorausgegangenen Filmen war Charles eine Art Über-Lehrer und hatte so etwas wie eine buddhistische Zen-Ausstrahlung. Unser junger Charles ist etwas lustiger, etwas leichtlebiger. Er ist ständig in Bewegung, er provoziert. Charles ist noch mit sich selbst beschäftigt. Er genießt seinen Erfolg und ist auch stolz auf sich.” Jane Goldman fügt hinzu: „Die große Herausforderung bestand darin, Charles richtig zu zeichnen, seine Fehler zu finden und ihn so zum vielschichtigen Charakter zu machen. James McAvoy steuerte in diesem Punkt einige hervorragende Ideen bei, denn er verstand Charles voll und ganz.”
Wenn wir Charles in X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG das erste Mal treffen, haben die Mutanten sich der Welt noch nicht zu erkennen gegeben. Es ist sogar so, dass Charles sich überhaupt nicht sicher ist, ob es außer ihm und einer jungen Frau namens Raven, mit der er sich vor Jahren angefreundet hat, noch andere Mutanten gibt. „Soweit Charles weiß”, sagt McAvoy, „ist er eigentlich nur ein Kerl, der Gedanken lesen kann. Er hofft, noch auf andere Mutanten zu treffen, aber der Weg, den er später gehen wird, ist noch nicht vorgezeichnet. Noch weiß er nicht, dass er sich später für die Mutanten einsetzen und darum kämpfen wird, dass diese von den Menschen akzeptiert werden.”

Charles erkennt den Sinn und die Bestimmung seiner außergewöhnlichen Fähigkeiten, als er telepathisch mit anderen Mutanten dieser Welt Kontakt aufnimmt. Er tut dies mit Hilfe einer Apparatur, die allen X-MEN-Fans bestens bekannt ist: der Cerebro, ein High-Tech-Verstärker, den er aufsetzt und so seine telepathischen Kräfte verstärkt. Der Cerebro in X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG ist ein früher Prototyp jenes stromlinienförmigen, modernen Apparats, den man aus den vorangegangenen Filmen kennt. Der aktuelle Cerebro sieht aus wie die Zeit, in der der Film spielt: ganz 1960er Jahre. Er besteht aus Materialien dieser Zeit, besitzt Kippschalter, Kathodenstrahlröhren und eine alte Antenne. Für dessen Konstruktion war Produktionsdesigner Chris Seagers verantwortlich, der den Cerebro der Originalfilme „zurückentwickelte”. Der Techniker erläutert: „Er besitzt eine ganz einfache Struktur, das Design haben wir seinem ‚Nachfahren’ entsprechend angepasst. Die Form basiert auf den kuppelartigen Observatorien, die man auf dem Land in England überall sieht.”

Durch den Cerebro hat Charles so etwas wie eine Erleuchtung. „Er erkennt zum ersten Mal, dass Tausende, wenn nicht Millionen von Mutanten auf der Welt leben. Das macht ihn demütig”, weiß McAvoy. „Er erkennt seine Aufgabe, findet seinen Sinn im Leben: Er muss andere Mutanten finden und ihnen helfen.”

Charles ist bereits zwischen die Fronten des drohenden Krieges zwischen den USA und der UdSSR geraten, als er einem anderen Mutanten mit Superkräften das Leben rettete. Dieser Mutant heißt Erik Lehnsherr und dessen tragische Vergangenheit hat ihn schon zum Feind der Menschen werden lassen – und das wird ihn letztendlich auch zu Charles’ Feind machen. Aber im Augenblick sind die beiden noch Freunde, verwandte Seelen. „Es ist das erste Mal in ihrem Leben, dass sie jemanden gleichwertigen getroffen haben, jemanden, der sie versteht und auch fordert”, führt McAvoy aus. „Charles ist von Eriks Potenzial begeistert.”

Tatsache ist, dass Charles die erste Person ist, mit der Erik sich jemals verstanden hat. Michael Fassbender, der Erik spielt, erklärt: „Es gibt sehr starke Bande zwischen Charles und Erik – und auch einen tiefen Respekt. Aber von Beginn an unterscheiden sie sich in ihren Ideologien. Erik misstraut allem Neuen, hat Probleme mit Nähe, damit, sich mit jemandem anzufreunden. Und so klappt im Endeffekt auch die Freundschaft mit Charles nicht. Das wollten wir so glaubwürdig wie nur möglich vermitteln. Wir wollten diese Reise zeigen, auf die sich die beiden begeben, vorführen, wo es zum Bruch kommt und wann die Katastrophe beginnt. Wenn Erik und Charles’ Wege sich dann trennen, muss das Publikum spüren, was da verloren geht. Was hätten die beiden nur erreichen können, wenn sie sich für immer zusammen getan hätten.”

Erik zögert, Charles dabei zu helfen, die Welt vor sich selbst zu retten. Warum, fragt Erik, soll man die Menschheit überhaupt retten. Ist sie es wert? „Erik ist im Grunde ein Machtmensch, er glaubt, dass der Zweck die Mittel heiligt”, erklärt Fassbender. „Er hat für die Menschen nichts übrig und empfindet sie als minderwertig.“

Eriks überhebliche Art den Menschen gegenüber wurzelt in dessen Jugend, die hart im Kontrast steht zu Charles’ privilegiertem Leben. Erik musste ohne Eltern aufwachsen, war gezwungen, schlimmste Entbehrungen und Not zu ertragen. X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG führt Erik in jener Szenerie ein, mit der auch X-MEN eröffnete: im Konzentrationslager Auschwitz zu Beginn der 1940er Jahre. Dort zeigt Erik erstmals seine erstaunlichen Fähigkeiten, als die nationalsozialistischen Schergen ihn von seinen Eltern trennen. Er verbiegt mit schierer Willenskraft die Eisentore des Lagers. X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG steigt nach dieser Szene in die Handlung ein. Erik, noch Jugendlicher, wird von einem gewissen Dr. Schmidt als menschliches Versuchskaninchen missbraucht. Der rücksichtslose Wissenschaftler will dessen Superkräfte ergründen, sie für finstere Zwecke nutzen. „Matthew und mich hatte die Wucht der KZ-Szene aus X-MEN nachhaltig beeindruckt. Sie sagt so viel über den Charakter Eriks aus”, betont Ko-Autorin Jane Goldman. „Und Matthew wollte nun wissen, was als nächstes mit Eric passiert. Was man dann zu sehen bekommt, wirft ein ganz neues Licht auf Erik. Man sieht ihn ab sofort mit ganz anderen Augen.”

20 Jahre später, Erik ist nun ein erwachsener Mann, kennt er nur noch ein Ziel: Er will Dr. Schmidt – den wir nun als ganz veränderte Person kennen lernen – aufspüren und töten. Erik ist eine Naturgewalt, getrieben vom Hass auf Schmidt und die anderen Nazi-Ärzte, denen er die Schuld dafür gibt, dass sie ihn in eine Art Frankenstein-Monster verwandelt haben. Sogar als er sich mit Charles anfreundet und in der Gruppe der Mutanten, die später die X-MEN werden, freundlich aufgenommen wird, verliert er seine Rachepläne nie aus den Augen. Erik ist ein Getriebener; sollte sich Charles oder irgendein anderer ihm in den Weg stellen, würde er nicht zögern, ihn auszuschalten”, weiß Fassbender.

Vaughn hatte Fassbender in dessen von der Kritik hochgelobten Auftritten in 300 („300“, 2007), HUNGER („Hunger“, 2008) und INGLOURIOUS BASTERDS („Inglourious Basterds“, 2009) gesehen und ihn nach dessen imposantem Vorsprechen auf der Stelle verpflichtet, den Erik zu spielen. „Michael versieht Erik mit einer interessanten Attitüde und zudem ist sein Erik echt cool“, freut sich der Regisseur. „Michaels Spiel in diesem Film erinnert an Sean Connerys Interpretation von James Bond. Erik ist so etwas wie der ultimative Spion – denken Sie an Bond…aber mit Superkräften.”

Fassbender, der diese komplexe Figur unbedingt spielen wollte, erinnert sich, dass er, als er das Skript bekam, dieses sehr „clever“ fand. „Jede Aktion, die hier im Film passiert, zieht echte Konsequenzen nach sich. Die Action passiert nicht um ihrer selbst willen. Das Drehbuch war äußerst vielschichtig, das hat mich wirklich beeindruckt.” Fassbender betont außerdem, dass er sich nicht von den Vorgängerfilmen zu seinem Spiel beeinflussen ließ. „Die ursprüngliche Quelle unseres Materials sind die Comics. Wir haben für unsere Interpretation der Story und der Figuren noch einmal ganz von vorne angefangen.”

Die X-Men formen sich

Nachdem Charles, gemeinsam mit Erik, die „erste Klasse” der jungen Mutanten rekrutiert hat, lernen die begabten jungen Studenten, ihre Kräfte zu kontrollieren und zum Nutzen der Menschheit einzusetzen. Aber ihre übernatürlichen Fähigkeiten zu beherrschen, erweist sich als ebenso schwierig wie als Team zusammenzuwachsen.

In der vorangegangenen X-MEN-Trilogie haben die Mutanten längst gelernt, ihre Kräfte zu beherrschen und funktionieren auch als Team (meist) gut. Bei X-MEN: ERSTE ENTSCHEIUNG ist das noch ganz anders, die Kräfte sind noch ungebündelt und wenig zweckgerichtet. Darüber hinaus, so Bryan Singer, stört die Mutanten, wie alle anderen Teenager auch, dass sie anders sind als ihre Zeitgenossen. „Die gesamte Situation ist eine Metapher dafür, wie unwohl Teenager sich in ihrer Haut fühlen und wie schwierig es ist, wenn man ‚anders’ ist als dies die Gesellschaft erwartet.”

Charles' erste Verbündete ist Raven, eine blauhäutige Formwandlerin mit übernatürlichem Bewegungstalent. Die beiden Mutanten haben sich schon als Jugendliche kennen gelernt. Raven durchstöberte die Küche des Anwesens von Charles' Eltern und er ertappte sie dabei. (Diese Szene etabliert nicht nur das schwierige Verhältnis zwischen Raven und Charles, der im Luxus aufwuchs, es zeigt auch wie unterschiedlich Xavier und Erik aufwuchsen.)

Charles macht Raven zum Mitglied seiner Familie, die beiden wachsen wie Bruder und Schwester auf. Aber wie wir von den ersten Filmen wissen, ändert sich deren Verhältnis schlagartig. Bryan Singer erklärt: „Weil Charles jung ist und manchmal zudem naiv, passt er nicht so gut auf Raven auf, und das nimmt sie ihm übel. Und so landet sie, in der Original-Trilogie von Rebecca Romijn gespielt, letztendlich in Magnetos Bruderschaft.”

Jennifer Lawrence, für ihre sensationelle schauspielerische Leistung in dem Drama WINTER’S BONE („Winter’s Bone“, 2010) für einen Oscar nominiert, schlüpft in den Part der Raven, die sich als Mutant Mystique nennt. „Raven hat gelernt, mit ihrem Geheimnis zu leben, aber wie viele Teenager, die merken, dass sie ‚anders’ sind, fühlt sie sich in ihrer Haut nicht wohl und kommt mit ihren übernatürlichen Fähigkeiten nicht zu Rande”, erklärt sie. „Raven schämt sich fast für sie. Aber langsam beginnt sie sich zu akzeptieren und ihr Stolz auf ihre übernatürlichen Fähigkeiten wächst. Genauso ergeht es den anderen jungen Mutanten. Am Anfang sind wir alle alleine und isoliert, durchlaufen eine große Verwandlung. Dann schließen wir uns zusammen und werden dieses kultige X-MEN-Team. Nur um uns dann wieder zu trennen. Es ist toll, die Entwicklung der einzelnen Mitglieder zu beobachten, zu sehen, auf welche Seite sie sich letztendlich schlagen.”

Zum selben Zeitpunkt, zu dem Charles und Erik von der Existenz anderer Mutanten erfahren, entdecken sie auch ein Komplott, das sie zwischen die sich verhärtenden Fronten von USA und UdSSR geraten lässt. Die Feindseligkeiten dieser beiden Machtblöcke eskalieren, eine Katastrophe steht kurz bevor. Das wiederum führt zu einer wackeligen Allianz zwischen den Mutanten und einer verdeckt arbeitenden US-Regierungsbehörde. Hier lernen Charles und Erik Hank kennen, einen brillanten Wissenschaftler mit wenigen Mutanteneigenschaften – bis ein Serum ganz unerwartet das Biest in ihm weckt.

Hank, dessen Mutantenkräfte zunächst noch nicht bekannt sind, arbeitet in einer streng geheimen Abteilung, wo man weltverändernde Technologien entwickelt, etwa den Cerebro oder den X-Jet. Hank hat den Großteil seines Lebens alleine verbracht, sich versteckt, weil er sich für seine affengleichen Füße und seine Superkräfte schämt. Als er Charles und Erik trifft, wandelt sich Hanks Leben schlagartig. Nicholas Hoult, auf dem Weg zum Star, übernimmt den Part des Mutanten, den die Fans als Beast lieben werden: „Charles erklärt Hank, dass er seinen Kräften freien Lauf lassen muss. Hank hat sich dies noch nie zu tun getraut. Er hat sie vielmehr unterdrückt, sich vorgegaukelt, dass sie überhaupt nicht existieren. Er fürchtet sich vor seinen Superkräften, hat Angst davor, was er mit ihnen anrichten könnte. Charles zwingt Hank, sich mit seinen übernatürlichen Fähigkeiten auseinander zu setzen. Nur so kann er lernen, sie zu kontrollieren und zum Nutzen von Menschen und Mutanten einsetzen. ”

Hoult steht zurzeit für Bryan Singer in dessen Abenteuerfilm JACK THE GIANT KILLER vor der Kamera. Er versteht ganz genau, wie peinlich und unangenehm Hank dessen ungewohnte Kräfte sind: „Jedem von uns war schon mal etwas peinlich, jeder von uns hat sich schon einmal ausgegrenzt gefühlt. Beim Seelenhaushalt der Mutanten ist dies nicht anders. Erst als sie einander finden, sich über ihre Kräfte austauschen können und zu einer Gruppe zusammen wachsen, lernen sie stolz darauf sein, wer sie sind.”

Komplettiert wird die „erste Klasse” des X-MEN-Teams von drei Superhelden-Newcomern. Zunächst Lucas Till als Alex Summers, bekannt als Havok, der konzentrische Ringe ultraheißer Energie abgeben und so seine Ziele in Flammen aufgehen lassen kann. Ihn befreien Charles und Erik aus der Einzelhaft. Dann Caleb Landry Jones als Sean Cassidy aka Banshee, der durch die von ihm erzeugten Schallwellen fliegen kann und schließlich Edi Gathegi als Armondo Munoz, alias Darwin, dessen „rückwirkende Evolution” es ihm ermöglicht, sich jeder Situation und jeder Umgebung anzupassen.

Hellfire!

Charles und Erik führen diese Mutanten in eine epische Schlacht gegen Sebastian Shaw, einen überaus mächtigen Mutanten, der Energie absorbieren kann und diese in Superstärke umzuwandeln versteht. Shaw bewegt sich im Verborgenen und verfolgt einen geheimen Plan, der den gesamten Erdball bedroht. Er lässt sich von nichts zurückhalten, verfolgt unbeirrt das Ziel, einen Krieg zu entfachen, der das Ende der Menschheit bedeuten würde.

X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG präsentiert Shaw als den heimlichen Strippenzieher im kubanischen Raketenkonflikt. Die Sowjetunion hatte damit begonnen, auf Kuba Startrampen für Mittelstreckenraketen mit Atomsprengköpfen zu errichten, mit denen sie die USA hätten angreifen können. Die USA reagierten sofort und forderten den Abbau dieser Anlagen. Dieses Kräftemessen der beiden Großmächte, die zunächst nicht gewillt waren, von ihrem Vorhaben bzw. ihren Forderungen Abstand zu nehmen, brachte die Welt damals an den Rande des Abgrunds. „Shaws Plan”, sagt Kevin Bacon, der die Rolle des Bösewichts spielt“, besteht darin, die Kubakrise eskalieren zu lassen. Er möchte, dass die Russen mit U-Booten und Zerstörern in die Schweinebucht vordringen und sich dort mit den Amerikanern bekämpfen. Das soll in der Folge zu einem Nuklearkrieg führen, der das Ende der Menschheit bedeuten und den Mutanten erlauben würde, die Herrschaft auf unserem Planeten zu übernehmen. Das ganze Szenario ist in Bezug auf den Plot ein überaus kluger Schachzug. Die Weltgeschichte hätte damals fast neu geschrieben werden müssen, und die Behauptung, dass Shaw hinter diesen finsteren Machenschaften steckt, ist eine echt coole Art, die X-Men einzuführen.“

„Shaw ist ein überaus mächtiger Mann und ein echter Soziopath”, fährt Bacon fort. „Aber er glaubt wirklich, dass er so eine bessere Welt schaffen kann. Eine Welt ohne Menschen, in der die Mutanten das Sagen haben. Herkömmliche Moral ist für Shaw vollkommen ohne Belang. In seiner Weltvorstellung werden Mutanten und Menschen nie nebeneinander existieren können. Bei ihm geht es ums Überleben des Stärkeren – und Shaw setzt alles daran, seine Spezies zu erhalten. Er ist vom festen Glauben getrieben, dass er der richtige Führer für die neue Welt ist.”

Shaws rechte Hand, natürlich eine Mutantin und zudem seine Geliebte, heißt Emma Frost, die lange als die verführerischste der Comic-Heldinnen galt – weit vor anderen femmes fatales wie Catwoman oder Elektra. Als Emma, eine Telepathin mit diamantharter, unzerstörbarer Haut, glänzt January Jones. Jones nahm die Möglichkeit, diese Kultfrau zu spielen, natürlich gerne wahr. Dies gab ihr die Möglichkeit, aus der 1960er-Jahre-Welt der viel gepriesenen Serie „Mad Men” auszubrechen, in der sie als Betty Draper eine der Hauptrollen inne hat. Zu sagen, dass sie überrascht war, als sie im Drehbuch las, dass X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG auch in den 1960er Jahren angesiedelt ist, wäre eine Untertreibung. „Oh, Gott, ihr wollt mich wohl auf den Arm nehmen!”, war im Rückblick ihre erste Reaktion. Aber es dauerte nicht lange, bis Jones erkannte, dass Emma und Betty zwei grundverschiedene Personen sind. „Ich freue mich aufrichtig, dass ich Teil dieses unglaublichen X-MEN-Universums sein darf”, sagt sie. „Ich betrete mit diesen ganzen körperlichen Herausforderungen, die meine Rolle an mich stellt, absolutes Neuland – und auch die dramatischen Aspekte sind hier ganz anders. Im Prinzip ist Emma natürlich eine schlimme Person, aber ihre Motive sind gut. Sie handelt eigentlich mit dem Herzen. Sie glaubt, dass sie das Beste für ihre Art tut und so setzt sie auch alles daran, um die Mutanten als stärkere Spezies am Leben zu erhalten.”

Die Tatsache, dass die Comic-Figur Emma besonders durch einen tiefen Ausschnitt ins Auge sticht – und auch sonst eher spärlich bekleidet ist – schreckte Jones wenig. Sie war von den Kostümen, die Sammy Sheldon für sie entwarf, begeistert: „In den Comics sehen die Kleider Emmas wie aufgemalt aus”, lacht Jones, „aber Sammy ist das Kunststück gelungen, dass sie nicht nur wie in der Vorlage aussehen, sondern dass man sich in ihnen auch bewegen kann.” Sheldon ergänzt: „Wir wollten Emma der Zeit entsprechend ‚cool’ aussehen lassen. Ob im Bikini, im abgefahrenen Cape, im Catsuit, in ihrer Kristallunterwäsche und in den enganliegenden Stiefeln, die in die Kleidung übergehen.”
Zum Hellfire-Club von Shaw und Emma gehören noch Azazel (Jason Flemyng), eine dämonische Figur, die sich auf Teleportation versteht, Angel (Zoe Kravitz), deren Flügel-Tattoos sich in echte Flügel verwandeln können und ihr so erlauben zu fliegen, sowie Riptide (Alex Gonzalez), der Wirbelstürme verursachen kann, die jeden noch so starken Gegner von den Füßen wehen.

X trifft MiB

Um Shaw und sein Team davon abzuhalten, die Weltherrschaft an sich zu reißen, lassen sich Charles, Erik und ihre jungen Mutanten von einer geheimen Gruppe innerhalb der CIA anstellen, die unter dem Namen Division X firmiert. Diese Abteilung ist damit befasst, Telepathie und paranormale Kräfte für militärische Verteidigungszwecke zu nutzen. Hauptkontaktperson der Mutanten ist ein Agent, den man unter dem Namen MIB kennt und der von Oliver Platt gespielt wird. „MIB war lange Jahre die Witzfigur der Einheit, weil man ihn wegen seiner merkwürdigen Untersuchungen verlachte”, erläutert der ewig rastlose, Oscar-prämierte Schauspieler. „Als Charles und Mystique ihr Interesse bekunden, in der Abteilung mitzuarbeiten, schafft es MIB überaus geschickt und mit einer guten Nase für die Fallstricke der Bürokratie, sie in seine Abteilung zu integrieren. Erik schließt sich der Truppe bald an und die X-MEN erblühen unter dem Schutz von MIB.”

Die Mutanten und MIB kooperieren mit Moira MacTaggert, der Rose Byrne ihr Gesicht leiht. Sie spielt eine Agentin zu einer Zeit, da nur wenige Frauen vom CIA beschäftigt wurden. Moira ist eine der ersten Menschen weltweit, die mit eigenen Augen sieht, welche Kräfte die Mutanten besitzen. Sie findet Charles, der Moira hilft, ihre Vorgesetzten von der Existenz der Mutanten zu überzeugen. Mehr noch, sie will, dass die Agenten sich mit den Mutanten zusammen tun, um Shaw aufzuhalten. „Moira ist hartnäckig, ambitioniert und getrieben – und das muss sie auch sein, um sich in einer von Männern dominierten Welt zu behaupten”, weiß Rose Byrne, die unter anderem in GET HIM TO THE GREEK („Männertrip“, 2010) und dem Horror-Hit INSIDIOUS („Insidious, 2010) auf der Leinwand zu sehen war. „Moira ist innovativ und inspirierend – und obendrein überaus mutig.”

Über die Produktion

Die Dreharbeiten begannen im August 2010 in den Londoner Pinewood Studios. Produktionsdesigner Chris Seagers baute mehr als 80 Sets – darunter 20 komplexe Kombinationssets, einige in Pinewood, andere in den USA und Großbritannien.

Seagers’ Arbeit spiegelt den Optimismus der 1960er Jahre wider. „Diese Ära war im Bezug aufs Design revolutionär”, erklärt Seagers. „Alles war neu. Die Farben, die Formen, leichtes Material in Form von Plastik. Diese neuen Materialien hielten auch Einzug in die Architektur. Matthew war begeistert, den damaligen James-Bond-Look in den Film integrieren zu können, achtete dabei aber streng darauf, dass der Charakter der X-MEN-Welt dabei nicht verloren ging. ”

Um den Look den früheren X-MEN-Filmen anzupassen, entwickelte man die Designs sozusagen zurück. „Wir schauten uns genau an, wie wichtige Utensilien, etwa der Cerebro, der X-Jet oder Magnetos Helm und die Personen in den vorangegangenen drei Filmen ausgesehen hatten und überlegten uns dann, wie die Prototypen wohl ausgesehen hätten”, erklärt Russell de Rozario, Berater in Sachen visuelle Effekte. „Wir fühlten uns dafür verantwortlich, dass die Evolution des Designs glaubhaft nachvollzogen werden konnte.”

Eines der heiß erwarteten Sets war das des X-Jet, den man in den Longcross Studios in Surrey baute. Seine Form basiert auf dem XB-70, dem Prototypen eines Überschalllangstreckenbombers, der in den späten 1950er Jahren in den USA entwickelt worden war. Der riesige Aufbau war gut 25 Meter lang. Ein anderes wichtiges Set ist Charles’ Villa, die sich in Westchester, New York, befindet. Hier richtet Xavier seine Schule für die Gifted Youngsters (= begabten Jugendlichen) ein, hier lernen sie, den Platz in jener Gesellschaft zu finden, die sie so gnadenlos ausschließt. Hierfür ein geeignetes Haus in England zu finden – das „Original” stand in Kanada – erwies sich als große Herausforderung, weil Häuser in Großbritannien tendenziell viel älter sind als ihre Gegenstücke in Kanada. Letztendlich entschlossen sich die Filmemacher, in Englefield House zu drehen, einem wunderschönen Tudorhaus in Berkshire, das eine traditionsreiche und wechselvolle Vergangenheit besitzt und von dem man einen herrlichen Ausblick auf die englische Landschaft genießen kann.

Andere wichtige Sets errichtete man in Pinewood, darunter das MIB-Hauptquartier und ein riesiges U-Boot. Ebenfalls in Pinewood entstand das Konzentrationslager, das genau dem aus X-MEN entsprechen musste. „Es war schier unglaublich, wie es dem Team gelang, dieses KZ nachzubauen”, lobt Bryan Singer. „Ich dachte wirklich, dass am Monitor alte Dailys von X-MEN liefen, dabei schaute ich zu, wie X-MEN: ERSTE ETSCHEIUNG gedreht wurde.”
Dann ist da noch der Hellfire-Club, der In-Spot der Swinging Sixties, der Sebastian Shaw und seinen Helfershelfern als Hauptquartier dient. Die Club-Szenen wurden an verschiedenen Orten realisiert. Der Eingang im Las-Vegas-Casino-Stil wurde in den USA errichtet, Innenaufnahmen entstanden im Londoner Café de Paris, wo Hunderte weibliche Statisten in sexy Dessous mit dabei waren und da ist schließlich noch Shaws Heiligtum, ein runder Raum, der in Pinewood gebaut wurde. Der Club ist in kräftigen und grellen Farben gehalten, die reichlich vorhandene Pop Art gibt dem Ganzen das richtige Sixties Gefühl.

Um das internationale Format ihrer Produktion zu betonen, reisten die Filmemacher rund um die Welt, drehten in Argentinien, London, der Schweiz und in Russland. Anfang Dezember kehrte man dann mit verkleinertem Team in die USA zurück, um die kubanischen Strandszenen zu realisieren, die man auf Jekyll Island am südlichsten Ende von Georgia drehte.

Der legendäre Effektüberwacher John Dykstra, dessen Kunst unter anderem in Filmen wie STAR WARS EPISODE IV- A NEW HOPE („Krieg der Sterne“, 1977) oder SPIDER-MAN 2 („Spider-Man 2“, 2004) zu bewundern ist, wurde engagiert, um die Superkräfte der Mutanten auf der Leinwand sichtbar werden zu lassen – und zwar so, wie man sie in der Franchise noch nicht gesehen hat. „Wir hatten neue Mutanten in unserem Film und deren Fähigkeiten sollten überwältigend sein”, sagt Dykstra. „Eine zusätzliche Herausforderung bestand darin, die Verbindung zwischen der Natur des Mutanten und seiner besonderen Fähigkeit zu finden. Die Effekte und die Superkräfte der Mutanten sollten nicht nur visuell gut aussehen und kraftvoll sein, sie sollten in Verbindung mit dem jeweiligen Charakter Sinn machen. Man sollte auch ihren Verstand und ihre Intelligenz hinter ihrer Verhaltensweise und ihre Taktik erkennen.”

Dykstra selbst ist ein großer Fan der X-MEN-Filme. Besonders der neue gefällt ihm: „Allein den Ansatz zu hinterfragen, ob Superkräfte immer gut sind, finde ich spannend. Die X-MEN-Serie behandelt die Mutanten, als ob sie etwas ganz besonderes wären – und das macht sie dann gleichzeitig wieder zu Außenseitern”, räsoniert er.

Dykstras Digitalarbeit wird ideal ergänzt durch die analogen Effekte von Oscar-Gewinner Chris Corbould, der unter anderem bei THE DARK KNIGHT („The Dark Knight“, 2008), INCEPTION („Inception“, 2011) und CASINO ROYALE („Casino Royale“, 2006) mitwirkte. Corboulds packende Effekte sind in X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG beispielsweise in der KZ-Szene, beim X-Jet und bei Shaws Unterseeboot zu bewundern.

Nicht weniger wichtig für den ausgewöhnlichen Look des Films waren die phänomenalen Kostümkreationen von Sammy Sheldon, deren Aufgabe darin bestand, die „Coolness“ der 1960er Jahre mit dem typischen Bond-Flair zu kombinieren. Sheldons größte Herausforderung war, die X-Kampfanzüge von Charles, Erik und deren jungen Rekruten zu schneidern, mit denen sie im furiosen Finale gegen Shaw und dessen Höllenfeuer-Club antreten. Vaughn wollte bei seinem Film dem Cover des ersten X-MEN-Comics Tribut zollen, auf dem die Mutanten in blauen und gelben Anzügen zu sehen sind. „Matthew und ich legten großen Wert darauf, dass die Kleidungsstücke auch funktional waren – gestaltet mit den Technologien und Materialien der 1960er Jahre”, erklärt Sheldon. „Dabei stellte sich heraus, dass Kevlar, eine kugelsichere Substanz, zu Beginn der 1960er entwickelt wurde – und dieses Material wurde in der Farbe Gelb hergestellt. (Das Blau applizierte Sheldon erst, als die Kostüme alle fertig waren.)

Als die Postproduktion sich dem Ende näherte – dazu zählte Henry Jackmans Soundtrack, der neue X-MEN- und Magneto-Themen enthält –, fand Vaughn ein paar Minuten, um über Hoffnungen und Erwartungen für seinen Film zu räsonieren, der im Juni weltweit anläuft: „Was X-MEN: ERSTE ENTSCHEIDUNG meiner Ansicht nach von anderen Comic-Verfilmungen unterscheidet ist, dass wir viele unterschiedliche Charaktere haben”, betont er. „Und jede unserer Figuren hat spezielle Kräfte, eine eigene Persönlichkeit, eine eigene Ideologie, eigene Moralvorstellungen und Beziehungen – all das macht das X-MEN-Universum unvergleichlich.”

Über Regisseur Matthew Vaugh

Der Engländer wurde am 7 März 1971 geboren. Er besuchte die Stowe School in Buckingham und sammelte bevor er am University College London Anthropologie und Frühgeschichte studierte erste Filmerfahrungen als Regie Assistent in Los Angeles. Vaugh brach sein Studium ab, nachdem er vom Film-Virus befallen war, um sein Durchbruch in diesem Geschäft zu schaffen.

Danach trat er vor allem als Produzent in Erscheinung angefangen 1995 mit dem Thriller „The Innocent Sleep“ mit Michael Gambon (bekannt als Dumbledor aus den Harry Potter Filmen).

Mit seinem guten Freund Guy Ritchie als Regisseur produzierte er die Kultgangster Komödie „Lock, Stock and Two Smoking Barrels (für den er auch dem Ex-Schwimmer Jason Statham sowie den walisischen Ex-Fußballspieler Vinnie Jones als Schauspieler entdeckte) , Snatch (mit Brad Pitt in einer Nebenrolle) und Swept Away (mit Richies damaliger Ehefrau Madonna in der Hauptrolle).

Dem Gangster Genre blieb er auch 2004 mit seinem Regiedebüt „Layer Cake“ treu , in dem der zu dem Zeitpunkt noch recht unbekannte Daniel Craig (Casino Royal) brillierte und eine erste Visitenkarte abgeben konnte.

Der Erfolg von „Layer Cake“ führte auch zu der ersten Berührung mit dem X-Men Universum für Vaughn, dem die Regie für dem dritten Teil der Reihe „X-Men: The Stand“ angeboten wurde. Zwei Wochen vor Drehbeginn stieg Vaughn aus dem Projekt aus. Im fertigen Film, den dann Brett Ratner drehte, sind noch Vaughns Casting Entscheidungen als seine Handschrift zu erkennen (zum Beispiel Vinnie Jones als Juggernaut ). Die Regie bei einem X-Men Film war also laut Vaughn „very unfinished business“, die ihn später wieder einholen sollte.

Sein Talent für ein großen Effekt Film zeigte er mit der Regie des Fantasy Epos „Stardust“ aus der Feder von Comic Autor Neil Gaiman (Sandman, Beowulf) in dem u.a Robert Deniro als Pirat zu sehen war.

Noch weiter in die Welt der Superhelden führte ihn die Regie zu „Kick-Ass“ nach dem Comic des Schotten Mark Millar (Wanted) , eine Parodie auf klassische Comic Helden Konventionen im Zeitalter von Youtube und Facebook. In dem Film setzte Vaughn auch seiner Ehefrau , dem Ex-Supermodel Claudia Schiffer mit der er drei Kinder hat ein Denkmal, die in einer Szene überlebensgroß auf einem Billboard zu sehen ist. Der Film war auch ein Comeback für Nicholas Cage (The Rock, Leaving Las Vegas) der als durchgeknallter Superhelden Vater und als Batman-Kopie in der Tradition von Adam West genial aufspielt.

Nachdem Erfolg von Kick Ass, der unabhängig mit einem relativ kleinen Budget von 30 Millionen gedreht wurde, ging Vaughn (diesmal mit seinem Vorgänger Bryan Singer (Regisseur von X-Men und X-Men 2) als Produzent) seinen zweiten Anlauf an, ein X-Men Film zu drehen. Diesmal erzählt der Film aber die Vorgeschichte der X-Men, wie die Schule entstand und wie es zu dem ersten Treffen zwischen Professor X und Magneto kam. Vaughn konnte also sein eigenen Stempel aufsetzen, ohne in das Korsett der bestehenden Figurenkonstellation gepresst zu sein wie es bei seinem ersten Versuch mit diesem Universum zu spielen der Fall war. Der Film spielt außerdem in den Sechziger Jahren und wird reale historische Ereignisse wie die Kuba Krise mit dem phantastischen X-Men Universum verbinden. Für Vaughn ebenfalls die Erfüllung eines Traum, da er nach Layer Cake versucht hat eine Film Version der Sixties Serie „The Man From U.N.C.L.E“ zu realisieren und auch einen Bond Filmen drehen wollte, der in dieser Zeit spielt. Für Vaughn schließt sich also mit diesem Film in mehrerlei Hinsicht ein Kreis : „ Es war sehr aufregend und ich hab viel gelernt. Ich fühlt mich als ob man von uns wollte, dass wir den Mount Everest ohne Sauerstoffmaske besteigen und nun sind wir fast auf dem Gipfel und dabei die Flagge reinzusetzen. Nun müssen wir bloß auf der anderen Seite wieder runter klettern“. „Worauf ich am stolzesten bin ? Dass ich das Ganze überlebt hab“ …

TRON LEGACY
  125 min  -  Action | Adventure | Sci-Fi   -   27 January 2011
 
Benutzer: 7.3/10 (32,722 Stimmen) 433 Kritiken | Kritiker: 265 Kritiken Metascore: 49/100 (basierend auf 40 Kritken von Metacritic.com)

REGIE & STORY

Joseph Kosinski (Regie)

Edward Kitsis, Adam Horowitz (Story)

TRAILER

Tron Legacy Teaser Trailer - HDTV 1080p
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Tron Legacy Teaser Trailer - HDTV 720p
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Tron Legacy Trailer 1 - HDTV 720p
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Tron Legacy Trailer 2 - HDTV 720p
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Tron Legacy Trailer 2 (Deutsch) - Flash Stream
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Kurzinhalt

Sam Flynn (GARRETT HEDLUND) ist 27, ein Computerspezialist und charmanter Draufgänger wie sein Vater, der vor langer Zeit spurlos aus seinem Leben verschwand. Seit 1989 ist Kevin Flynn (JEFF BRIDGES), einst der weltweit führende Entwickler von Videospielen, verschollen. Bis Kevins alter Freund Alan Bradley (BRUCE BOXLEITNER) eine Nachricht erhält aus dessen früherem Büro in einer aufgegebenen Spielhalle, in der die Zeit stehen geblieben scheint. Was Sam dort findet, übersteigt seine Vorstellungskraft. Als er unabsichtlich in ein virtuelles Parallel-Universum hineingezogen wird, entdeckt er dort seinen Vater und dessen treue Gefährtin Quorra (OLIVA WILDE) – aber auch, dass hier Spiel tödlicher Ernst ist. Denn in dieser faszinierenden Welt geht es für Kevin, Sam und Quorra ums Überleben...

Produktionsnotitzen

Walt Disney Pictures präsentiert mit TRON: LEGACY ein Hightech-Abenteuer in einer digitalen Welt, die es so im Kino noch nie zu sehen gab. TRON: LEGACY entstand unter der Regie von Joseph Kosinski mit Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Olivia Wilde, Bruce Boxleitner, James Frain, Beau Garrett und Michael Sheen in den Hauptrollen. Sean Bailey, Jeffrey Silver und Steven Lisberger sind die Produzenten des Films, unterstützt vom Ausführenden Produzenten Donald Kushner und den Koproduzenten Justin Springer und Steve Gaub. Das Drehbuch zu TRON: LEGACY schrieben Eddy Kitsis und Adam Horowitz.

TRON: LEGACY kommt in Disney Digital 3D™ und IMAX® 3D in die Kinos. Den Originalsoundtrack schrieb das mit einem Grammy® ausgezeichnete französische Elektronik-Duo Daft Punk. Dank innovativer und hochmoderner Technik, Effekte und Ausstattung erzählt TRON: LEGACY eine epische, abenteuerliche Jagd durch einen digitalen Raster, der so faszinierend und erstaunlich wie auch jenseits aller Vorstellung ist.

Im Mittelpunkt dieses Abenteuers steht eine Vater-und-Sohn-Geschichte, deren Auswirkungen sowohl im Raster wie auch in der realen Welt spürbar sind. Sam Flynn (Garrett Hedlund), ein 27-jähriger Rebell, wird von den Erinnerungen an das mysteriöse Verschwinden seines Vaters Kevin Flynn verfolgt und gequält. Oscar®- und Golden Globe®-Preisträger Jeff Bridges spielt diesen Mann, der einst weltweit als größter Computervisionär galt.

Als Sam den Ursprung eines merkwürdigen Signals untersucht, das aus der alten Spielhalle seines Vaters kommt und nur von ihm stammen kann, wird er plötzlich in eine digitale Welt hineingezogen, deren Gefangener sein Vater seit zwei Jahrzehnten ist. Unterstützt von der furchtlosen Kriegerin Quorra (Olivia Wilde), begeben sich Vater und Sohn auf eine Reise, die beide in Lebensgefahr bringt und sie durch eine visuell verblüffende digitale Welt führt, eine Welt, die von Kevin Flynn selbst erschaffen wurde und sich enorm weiterentwickelt hat – mit bisher unvorstellbaren Fahrzeugen, Waffen, Landschaften und einem skrupellosen Bösewicht, der nichts unversucht lässt, um ihre Flucht zu verhindern.

VISIONÄRE

TRON, der 1982 von den Walt Disney Studios in die Kinos gebracht wurde, war ein bahnbrechender Science-Fiction-Film, inszeniert von Regie-Visionär Steven Lisberger, der jetzt zu den Produzenten von TRON: LEGACY gehört. TRON leistete Pionierarbeit im Einsatz von Computergrafiken, virtuellen Sets und Leuchteffekten. Eine so einzigartige Verschmelzung von real gedrehten Szenen, digitaler und manuell am Zeichenbrett realisierter Animation hatte es zuvor bei einer großen Studioproduktion noch nicht gegeben. So wurde TRON ein klassischer Kultfilm, der seinen Platz in der Populärkultur mehr als 25 Jahre lang festigen konnte und heute im Hinblick auf die Entwicklung von Special-Effects-Filmen als Meilenstein und Wendepunkt gilt.

Die aufregenden technologischen Fortschritte von heute machten neue fantastische Wege möglich, sich einen Nachfolger für TRON vorzustellen, der einzigartig wäre, für sich selbst stünde und den Zuschauer von heute ansprechen würde. Denn die Welt, in der wir heute leben, in der das Internet für die mit der Xbox aufgewachsene Generation zum Alltag gehört, in der Handys kleine Computer sind und jeder mit drahtlosen Konsolen spielen kann, war noch ein ferner Traum, als TRON inszeniert wurde.

Steven Lisberger hatte entscheidenden Anteil daran, dass TRON: LEGACY überhaupt in Produktion gehen konnte. „Vor etwa zehn Jahren begannen wir unsere Gespräche mit Disney“, erzählt Lisberger. „Zahllose Führungskräfte von Disney sind in diesen Jahren vor meinen Augen ergraut. Auch der Film selbst hat sich in dieser Zeit verändert, durchlief viele unterschiedliche Phasen. Als das Projekt in den letzten Jahren wieder ein Thema wurde, spürte man meiner Ansicht nach, dass jetzt irgendwie die richtigen Leute auf den richtigen Posten angekommen waren. Wir hatten bereits in früheren Phasen der Stoffentwicklung verschiedene Wege beschritten, aber nach einiger Zeit erkannt, dass sie zur heutigen Zeit einfach nicht passten. Aber diese Story tat es.“

Produzent Sean Bailey, damals Präsident seiner Produktionsgesellschaft Idealogy, Inc., führt Lisbergers Ausführungen weiter, verrät, dass er und sein Team vor vier Jahren hinzugezogen wurden, um den Entwicklungsprozess zu beschleunigen. „Disney hatte mehrere Drehbuchentwürfe aus den 1990er Jahren als Grundlage in Erwägung gezogen, aber nichts wirklich Zufriedenstellendes dabei gefunden. Deshalb wurden wir engagiert. Man wollte sehen, was uns dazu einfallen würde. Offen gesagt, wir entwickelten nur Ideen und trafen uns mit Autoren.“

„TRON: LEGACY ist eigentlich ein Film, der für sich selbst steht. Deshalb kann man sich diesen Film ohne Vorkenntnisse anschauen und Spaß daran haben – und die Geschichte allein wird den Film tragen und funktionieren.“
Sean Bailey, Produzent

Während das Projekt in seinen frühen Entwicklungsphasen vor sich hin plätscherte, entdeckte Koproduzent Justin Springer fast zufällig das Demoreel von Regisseur Joseph Kosinski – und das erwies sich als Glücksfall. Obwohl Kosinski keine Spielfilmerfahrung mitbrachte, hatte er sein großes Talent bereits bewiesen – mit seinem einzigartigen, optisch visionären Stil bei diversen Werbespots, die er im Rahmen von Kampagnen für die Computerspiele „Halo“ und „Gears of War“ sowie für Nike inszeniert hatte.

Kosinski, der an der Columbia University ein Architekturstudium absolvierte, hat ein Gespür für Design und Ästhetik und fühlt sich in der Welt der digitalen Technologie zuhause. Und das zeigt sich auch in seiner Arbeit. „Das Filmemachen verändert sich vollständig, und ich bin davon überzeugt, dass Joe [Kosinski] einer der Vorreiter dieser Revolution ist“, sagt Sean Bailey.

Bailey erinnert sich an die ersten Tage seiner Zusammenarbeit mit Regiedebütant Joseph Kosinski: „Als ich Joe kennen lernte, war ich sofort von seiner Vorstellungskraft, seinem Gefühl für eine Story und seinem Selbstvertrauen beeindruckt. Dann unterhielten wir uns im Studio darüber, wie wir den Entwicklungsprozess beschleunigen und verbessern wollten. Joes Zuversicht war sehr inspirierend und führte uns schließlich zu diesem ersten Special-Effects-Test.“

Kosinski, Produzent Bailey und die anderen Teammitglieder überzeugten die Verantwortlichen bei Disney, einen Test zu genehmigen, der die visuelle Machbarkeit des Projekts beweisen würde. Dieser Test war ein Kurzfilm, der zeigen sollte, was bei den Kultelementen der digitalen Welt von TRON, darunter Lichtrenner und Disken-Kämpfe, mit der heutigen Technik visuell erreicht werden konnte. Das Resultat war ein Kurzfilm mit erstaunlichen Bildern, der die Besucher der Comic-Con 2008 in San Diego begeisterte. Danach bekamen die Filmemacher grünes Licht, die Arbeit am Film selbst aufzunehmen.

Auch für die Produktion der elektronischen Musik beschritt man neue Wege – mit Hilfe von Daft Punk, den visionären Pionieren dieser Kunstform. Von ihrer ersten Single aus dem Jahr 1993 an wurden die DJs Guy-Manuel de Homem-Christo und Thomas Bangalter als neue Innovatoren der elektronischen Musik gefeiert. Der Sound von Daft Punk ist eine kühne Dancefloor-orientierte Mischung verschiedener Musikstile – ein Mix von Progressive House, Funk, Electro und Techno. Nach ihrem brillanten Debütalbum „Homework“ (1997) veröffentlichte die Band mit „Discovery“ (2001) und „Human After All“ (2005) zwei weitere Studioalben sowie mit „Alive 1997“ (2001) und „Alive 2007“ (2007) zwei Livealben.

Nachdem er für die Regie von TRON: LEGACY verpflichtet worden war, erfuhr Joseph Kosinski, dass Daft Punk, die TRON künstlerisch und stilistisch beeinflusst hatte, an dem Projekt Interesse zeigten. Kurz danach trafen sich die drei Kreativen zum Pfannkuchen-Frühstück in Hollywood und unterhielten sich über die Vision, die Kosinski für den Film hatte. Es stellte sich heraus, dass die drei Künstler kreativ auf der gleichen Welle lagen. Schon sehr früh im Produktionsprozess begannen sie, am Soundtrack zu arbeiten, der schließlich im Laufe von drei Jahren musikalisch Gestalt annahm und orchestrale Töne auf einzigartige Weise mit elektronischen und granularen Tönen verbindet.

Dabei arbeitete Daft Punk nicht nur beim Soundtrack eng mit den Filmemachern zusammen, sondern auch beim Sound-Design – ganz besonders bei den Momenten, in denen Sound-Design und Raumtöne in komponierte Soundtrack-Passagen übergehen. Musikalisch war das ein sehr komplexer und anspruchsvoller Ansatz – diese Verschmelzung von mehreren sich überlagernden tonalen Schichten, die auf sehr interessante Weise die Grenze zwischen Musik und Sound-Design gelegentlich verschwimmen lässt. „Wir haben über 100 Minuten Musik in unserem Film“, erzählt Kosinski. „Und weil wir so früh darauf zurückgreifen konnten, ist sie so stark mit den Bildern verknüpft, dass ich mir den Film ohne sie nicht mehr vorstellen kann.“

Die neuesten Technologien ermöglichten den innovativen Look und die Atmosphäre von TRON: LEGACY. Im Unterschied zum Vorgänger standen den Filmemachern Computer zur Verfügung, deren Leistungsfähigkeit kaum noch Grenzen gesetzt waren. Aber trotz dieser offensichtlichen Vorteile in der visuellen Gestaltung bemühten sich die Filmemacher, dem Geist von Lisbergers Traum treu zu bleiben.

Um das zu erreichen, griff man auf einige der höchstentwickelten Technologien zurück, die Filmemachern heute zur Verfügung stehen. Dazu gehören Kameras, die technisch sogar noch weiter entwickelt sind als die, die man für AVATAR – AUFBRUCH NACH PANDORA verwendete, und ein Prozess, der Computeranimation und gebaute Sets verschmelzen ließ.

Weil diese Technologien von talentierten, kreativen Designern und visionären Filmemachern angewendet wurden, zeigt TRON: LEGACY innovatives Design und verblüffende visuelle Effekte, deren Wirkung durch hochmoderne 3D-Technologie noch verstärkt wird. Im Film verschmelzen real gedrehte Szenen und fotorealistische Computeranimationen auf eine Weise, wie man es sich in der Vergangenheit allenfalls hätte erträumen können. Mit den Worten von Produzent Jeffrey Silver: „Es schien naheliegend, dass auf TRON, der in den 1980er Jahren ein bahnbrechender Film war, ein Film folgen musste, der auch im 21. Jahrhundert diese wegweisende Wirkung haben würde. Wir wussten, wenn wir TRON: LEGACY drehen wollten, würden wir Grenzen überschreiten müssen. Und genau das haben wir getan.“

DIE ENTWICKLUNG DER GESCHICHTE

Nachdem Kevin Flynn 1982 lebend aus Tron herausgekommen war und wieder die Kontrolle über Encom – den Konzern, den er mit seinem langjährigen Freund und Teilhaber Alan Bradley gegründet hatte – übernommen hatte, war jeder davon ausgegangen, dass sich Kevin fortan damit begnügen würde, populäre Computerspiele zu entwickeln und zu produzieren. Von außen betrachtet, schien sich das auch zu bestätigen. Flynn heiratete und wurde Vater eines Sohns, während er und Alan Bradley Encom zum mächtigen Marktführer in der Entwicklung von Computerspielen machten. Ohne das Wissen von Außenstehenden experimentierte Kevin jedoch noch immer mit Teleportation und kehrte von seinem unter der Spielhalle verborgenen Geheimlabor aus regelmäßig zurück in den Raster. Aber eines Tages verschwand Kevin einfach und ließ Sam zurück – allein, ohne Vater und ohne Antworten.

 20 Jahre danach setzt die Handlung von TRON: LEGACY ein.

Als ein Pagersignal den jetzt erwachsenen Sam in die Spielhalle seines Vaters lockt, wird er in den Raster hineingezogen, in dem sein Vater seit 20 Jahren gefangen ist. Dort beginnt eine Reise, die Sams Leben verändern wird – und das Leben seines lange abwesenden Vaters.

„Von Beginn an sagten Sean [Bailey] und ich dem Studio, dass dieser Film eine Vater-und-Sohn-Geschichte erzählen sollte. Und genau das ist TRON: LEGACY im Kern.“
Joseph Kosinski, Regisseur

„Für uns war es sehr wichtig“, so Produzent Sean Bailey, „dass wir inmitten dieses visuellen Spektakels unseren Fokus auf eine Vater-und-Sohn-Geschichte richteten. In diesem Film geht es um einen Jungen, der seinen Vater verlor, der jetzt zwar erwachsen, aber immer noch seelisch verwundet ist. Dann erfährt er, dass es für das Verschwinden seines Vaters vielleicht andere Gründe gibt, als die, an die er gedacht hatte – und dass es für beide eine Chance gibt, ihre Beziehung wieder aufzubauen. Unser Ziel ist es, sicherzustellen, dass wir unserer Geschichte auf bestmögliche Weise dienen. Und die Bilder, die Spezialeffekte, die Musik, die Leistung der Darsteller und der Stil des Films tragen dazu bei.“

Die Entfremdung zwischen Vater und Sohn sowie die folgende Wiederannäherung bilden den emotionalen Startpunkt der Geschichte. „Man gelangt in diese spektakuläre Welt und braucht jemanden, durch den man sie erleben kann. Von einer solchen Prämisse ausgehend, entwickelten wir Sam und seine Persönlichkeit. Man entdeckt den Raster, aber auch Kevin Flynn durch Sam“, erklärt Adam Horowitz, der mit Eddy Kitsis das Drehbuch des Films schrieb (nach einer Story von Kitsis, Horowitz, Brian Klugman und Lee Sternthal sowie auf der Grundlage von Charakteren, die Steven Lisberger und Bonnie MacBird entwickelt hatten).

Steven Lisberger hält eine gute Story für ebenso wichtig wie all die technischen Aspekte, die dem Film zugutekommen. „Story und Charaktere interessieren mich genauso wie die visuelle Gestaltung. Die Handlungswende, dass nämlich Flynn noch am Leben ist, und die sich dadurch ergebende Vater-und-Sohn-Geschichte sind wirklich faszinierend in TRON: LEGACY. Den eingefleischten Fans wird das gefallen, aber es spielt auch keine Rolle, wenn man den Vorgängerfilm nicht kennt – auch für Neueinsteiger wird die Geschichte funktionieren.“

„Einer der zugrunde liegenden Aspekte der erzählten Geschichte ist die Technologie“, erklärt Jeff Bridges, der wie in TRON Kevin Flynn verkörpert. „Es ist so aufregend, sich all dieser Dinge bewusst zu werden, die heute möglich sind. Moderne Technologien haben sich so rasant entwickelt, dass wir noch keinen moralischen Kompass dafür erschaffen haben, an dem wir uns orientieren können, so dass wir auch die Auswirkungen dieser Technologien noch nicht kennen. Auch diese Aspekte werden in TRON: LEGACY thematisiert.“

WIE TRON: LEGACY ENTSTAND

Joseph Kosinskis Ansatz für die Inszenierung von TRON: LEGACY ist eindeutig: „Mein Ziel war es, dass alles absolut realistisch wirken musste. Man sollte das Gefühl haben, als hätten wir unsere Kameras in die TRON-Welt mitgenommen und dort dann gedreht. Deshalb wollte ich möglichst viele Sets tatsächlich bauen, wollte echte Materialien wie Glas, Beton, Stahl, damit man alles fast fühlen und spüren können würde.“

Um für TRON: LEGACY den aufregenden ikonischen Look kreieren zu können, umgab sich Kosinski mit Künstlern aus unterschiedlichsten Bereichen. „Wir engagierten Mitarbeiter aus der Welt der Architektur, aus dem Automobildesign, Menschen, die noch nie an einem Film mitgearbeitet hatten“, erzählt Kosinski. „Wir ließen Mitarbeiter aus dem ganzen Land und aus Europa einfliegen.“

Kosinski und seine Mitarbeiter wussten, dass sie bei den heute gebräuchlichen Special-Effects-Techniken Grenzen überschreiten mussten, um den Geist von TRON in TRON: LEGACY fortleben lassen zu können. Das Ergebnis ist eine komplexe Mischung verschiedener Techniken – von der Arbeit mit dem Blue Screen bis hin zum Einsatz von 3D-Kameras. Techniken, die Kosinski und sein Team für diesen Film in der Anwendung verschmolzen. „Ich verlasse mich mehr auf meinen Instinkt als auf Erfahrungen“, erläutert Kosinski, „aber viel von dem, was wir an Technologie hier einsetzen, habe ich teilweise bereits bei meinen Werbespots verwendet. Jedoch setzen wir bei diesem Film das alles zum ersten Mal gleichzeitig und im großem Stil ein.“

Trotzdem hält Produzent Sean Bailey den Plot für die treibende Kraft des Films: „Wir haben alle innovativen und hochmodernen Technologien, die es derzeit gibt, eingesetzt, aber meiner Ansicht nach haben wir nie Technologie um der Technologie willen verwendet. Stattdessen ermöglichte sie es uns, unsere Geschichte auf eine völlig neue Weise zu erzählen und in den Film einige überraschende Wendungen einzubauen. Ich glaube, unser Film ist der erste, in dem ein Schauspieler gegen sich selbst kämpft und dabei zwei sehr unterschiedliche Generationen beteiligt sind. Ich hoffe, wir können die Zuschauer nicht nur auf die Art begeistern: ‚Oh, das ist ein cooler, grandioser Effekt’, sondern auch so: ‚Oh, damit habe ich jetzt nicht gerechnet.’“

Zu den komplexen technologischen Herausforderungen kommt noch hinzu, dass TRON: LEGACY in 3D gedreht wird. „3D ist ganz sicher technisch eine echte Herausforderung“, gibt Bailey zu. „Die Kameras sind größer und schwerer, und es gibt viele zusätzliche Variablen, die man einkalkulieren muss. Natürlich verlangsamt das alles den Produktionsprozess. Meiner Ansicht nach ist 3D aber ein großartiger Anreiz, ins Kino zu gehen, denn diese Erfahrung lässt sich auf einem iPhone, einem Laptop oder am Fernseher zuhause nicht reproduzieren.“

„Für mich war es wichtig, dass TRON: LEGACY ein echter 3D-Film ist“, führt Joseph Kosinski aus. „Es gibt gerade eine Menge Filme, die zweidimensional gedreht und nachträglich in 3D konvertiert werden. Aber mit der Welt und den Szenerien, die wir kreiert haben, und angesichts der Tatsache, dass wir versuchten, Atmosphäre aufzubauen und diese großen Ausblicke und Totalen bis weit in den Bildhintergrund hinein zu realisieren, gab es für uns gar keine andere Möglichkeit als den Film mit echten 3D-Kameras zu drehen.“

„In 3D zu drehen, bedeutet sehr viel mehr Arbeit“, fügt Kosinski hinzu. „Und auch die Effekte werden in 3D realisiert, was ebenfalls eine Herausforderung darstellt. Man muss viel mehr Arbeit investieren, wenn man für jedes Auge unterschiedliche Bilder kreieren muss.“

Um TRON: LEGACY in 3D drehen zu können, setzten die Filmemacher Kameras der neuesten Generation ein, die speziell für sie gebaut worden waren. Und sie verwendeten eine 3D-Technik, die verschiedene Technologien kombiniert – das Motion-Capture-Verfahren, mit dem eine Figur komplett digital realisiert wurde, in Verbindung mit Kamerasystemen, die bei den real gedrehten Szenen zum Einsatz kamen.

DIE BESETZUNG VON TRON: LEGACY

Jeff Bridges ist wieder in der Rolle zu sehen, die er vor 28 Jahren in TRON erstmals spielte. Wahrscheinlich ist das für einen Schauspieler die längste Zeit, die je zwischen der erstmaligen und erneuten Darstellung einer Figur verstrich.

Die Filmemacher suchten nach Schauspielern, die die Vision von TRON: LEGACY mit Leben füllen konnten – unabhängig davon, ob sie nun „User“ oder „Programme“ verkörpern. Die erste Aufgabe bestand darin, Jeff Bridges dafür zu gewinnen, erneut Kevin Flynn, den genialen Computerspiel-Designer, zu verkörpern und dabei neben Clu, der jüngeren Ausgabe von sich selbst, zu spielen. Wie Oscar®-Preisträger Bridges zugibt, war es nicht schwer, ihn zu überreden: „Regisseur Joe Kosinski machte mir das Projekt schmackhaft. Das muss man den Verantwortlichen bei Disney hoch anrechnen, dass sie sein Potenzial erkannt haben. Das war ein smarter Zug von ihnen, denn Joe geht alles so ruhig an, vermittelt dabei den Eindruck, alles bewältigen zu können. Joe hat mich wunderbar in die Geschichte eingeführt, mir erzählt, welche Richtung sie schließlich einschlägt, und das hat mich fasziniert. Dann zeigte er mir sein Demoreel, und ich konnte etwas von der Technologie sehen, die ihm zur Verfügung stand. Im Prinzip mache ich diesen Film aus dem gleichen Grund wie schon den ersten. Die damals eingesetzte Technologie galt als hochmodern und innovativ, und das trifft ganz sicher auch auf den Nachfolgefilm zu. Außerdem hat sich dadurch das Filmemachen total verändert und diese neue Art des Filmemachens kenne ich noch nicht.“

Als Nächstes suchte man den richtigen Schauspieler, der an der Seite von Jeff Bridges Kevin Flynns Sohn Sam spielen sollte. Hunderte von Kandidaten machten sich Hoffnung und sprachen für die Rolle vor, die am Ende an Newcomer Garrett Hedlund ging, den man aus FRIDAY NIGHT LIGHTS („Friday Night Lights – Touchdown am Freitag“) und FOUR BROTHERS („Vier Brüder“) kennt.

Hedlund war schon immer ein Fan von Jeff Bridges, hatte immer diese merkwürdige Vorahnung, dass er irgendwann mit ihm zusammenarbeiten würde. Als sich dann die Gelegenheit bot, seinen Sohn zu spielen, war das für ihn „eine äußerst surreale Erfahrung“, wie Hedlund zugibt.

Garrett Hedlund musste Motorradfahren, Nahkampf, den Umgang mit Stützdrähten, die Kampfkunst Capoeira und Parkour trainieren, um sich auf die Rolle des Extremsportlers Sam Flynn vorzubereiten. Jeff Bridges nahm Hedlund unter seine Fittiche, half dem jungen Schauspieler bei seiner Vorbereitung für einen Film, der mit seinen vielen Spezialeffekten so hohe Anforderungen an ihn stellte. „Ich habe in ihm immer die Art Vater gesehen, die jedes Kind gern haben würde. Denn er hat diese verspielte Seite an sich, ist aber auch unglaublich weise.“
Olivia Wilde und Filmpartner Garrett Hedlund wollten schon immer zusammenarbeiten, seit sie sich vor sieben Jahren kennen lernten – als beide gerade ihre Filmdebüts drehten.

Olivia Wilde, bekannt aus der Hitserie „House M.D.“ („Dr. House“) und dem Horror-Abenteuer TURISTAS („Turistas“, 2006), schloss sich als Quorra, eine erfahrene, geschickte Kriegerin und Vertraute von Kevin Flynn, der Besetzung an. Wilde hatte noch nie eine körperlich so anspruchsvolle Rolle gespielt, war aber mehr als bereit für das Training, dem sie und Hedlund sich als Vorbereitung für ihre Rollen unterziehen mussten. „Eine körperlich so anspruchsvolle Rolle wie in diesem Film habe ich noch nie gespielt“, gibt Wilde zu. „Und sie forderte mehr von mir, als ich es mir je hätte vorstellen können, was aber großartig ist. Zum Glück war unser Trainerteam unglaublich.“

Wilde genoss es, die starke und mutige Quorra darzustellen: „Es ist einfach fantastisch, eine so starke und kompetente Frau verkörpern zu können – in einem Film, in dem Männer im Mittelpunkt stehen. So nämlich könnte man ihn verstehen. Quorra spielt in der Geschichte eine sehr wichtige Rolle, eine solche Rolle für eine Frau habe ich bislang in keinem Film gesehen.“

„Ich glaube wirklich, dass dieser Film auch Frauen gefallen wird – und jungen Mädchen“, fügt Olivia Wilde hinzu. „Und ich will, dass diese jungen Mädchen sich zu Halloween als Quorra verkleiden. Sie sollen spüren, dass sie sich mit dieser Figur identifizieren können, dass diese Figur sie auch inspirieren kann, stark zu sein.“

Michael Sheen ließ sich für seine Darstellung des Castor von vielen berühmten „Entertainern“ inspirieren – das Spektrum reicht dabei von Mae West bis zu Ziggy Stardust.

Michael Sheen war mit der Welt großer Effektfilme bereits vertraut, da er in den UNDERWORLD-Filmen Lucian gespielt hatte. In TRON: LEGACY verkörpert Sheen den geschniegelten Nachtclubbesitzer Castor.

Für Sheen bot die Rolle des Castor durch ihre Gratwanderung zwischen Dunkelheit und Licht interessante Möglichkeiten: „Ich bin ein Programm und eigentlich keine Person. Weil aber in der digitalen Welt des Rasters alle Programme mit einer Persönlichkeit versehen sind, ist es ziemlich interessant, sich die Frage zu stellen, was für eine Art Programm Castor eigentlich ist. Meine Figur gibt es bereits seit den frühesten Anfängen dieser Welt. Das behauptet sie zumindest. Deshalb musste ich mir ausmalen, welchen Platz sie in der Geschichte der TRON-Welt einnimmt.“

In weiteren Rollen sind in TRON: LEGACY Bruce Boxleitner zu sehen, der aus den Serien „Heroes“ („Heroes“) und „Babylon 5“ („Babylon 5“) bekannt ist und wie schon in TRON Alan Bradley verkörpert, außerdem James Frain, der unter anderem in den TV-Hits „True Blood“ und „The Tudors“ („Die Tudors“) mitwirkte und nun Clus Gefolgsmann spielt, und schließlich als Sirenenanführerin Beau Garrett, die man aus den Serien „Criminal Minds“ („Criminal Minds“) und „Entourage“ („Entourage“) kennt.

Fun-Facts zur Produktion

• TRON: LEGACY ist das Spielfilmdebüt von Joseph Kosinski, der seinen einzigartigen optisch visionären Stil bereits als Regisseur diverser Werbespots unter Beweis gestellt hat – im Rahmen von Kampagnen für die Computerspiele „Halo“ und „Gears of War“ sowie für Nike.
• Steven Lisberger, Autor und Regisseur von TRON („Tron“, 1982), gehört mit Sean Bailey und Jeffrey Silver auch zu den Produzenten von TRON: LEGACY.
• Jeff Bridges, der für seine Hauptrolle in CRAZY HEART („Crazy Heart“, 2009) mit dem Oscar® und dem Golden Globe® ausgezeichnet wurde, schlüpft wieder in die Rolle von Kevin Flynn - wie auch Bruce Boxleitner in die von Alan Bradley. Es sind Figuren, die beide Darsteller erstmals in TRON (Tron“, 1982) verkörpert hatten.
• Das Drehbuch von TRON: LEGACY stammt von Eddy Kitsis und Adam Horowitz, den Autoren vieler Folgen des Serienhits „Lost“ („Lost“), und zeichnet sich durch stark entwickelte Charaktere und eine faszinierende Geschichte aus. Qualitäten, die im nachempfindbaren Zentralthema zum Ausdruck kommen: Der Suche eines Sohnes nach seinem Vater.
• TRON: LEGACY ist der erste 3D-Film, bei dem ein komplett digital erstellter Kopf und Körper mit einem realen Darsteller verschmolzen wurden, um eine jüngere Ausgabe von Jeff Bridges’ Figur Kevin Flynn auf die Leinwand bringen zu können. Möglich wurde das durch Emotion Capture, eine von Digital Domain weiterentwickelte Technologie.
• TRON: LEGACY ist der erste Live-Action-Film, bei dem eine Helmet Mounted Camera (HMC) - eine am Helm angebrachte Kamera - verwendet wurde, was dem Schauspieler erlaubt in einer Szene mit anderen zu interagieren.
• TRON: LEGACY ist der erste Film, bei dem in großem Maße selbstleuchtende Kostüme verwendet und Kostüme nach digital erstellten Vorlagen angefertigt wurden.
• TRON: LEGACY ist der erste Film, der digital mit 35mm-Objektiven und 35mm-Chip-Kameras gedreht wurde.
• Jeff Bridges ist der erste Schauspieler der Filmgeschichte, der auf der Leinwand an der Seite einer jüngeren Ausgabe von sich selbst zu sehen ist.
• Daft Punk, das mit dem Grammy® ausgezeichnete französische Elektronik-Duo, schrieb den Soundtrack für TRON: LEGACY, komponierte dafür 24 Titel und ist im Film auch in einem kurzen Gastauftritt zu sehen.
• Michael Sheen ließ sich für seine Darstellung des extravaganten Nachtclubbesitzers Castor von vielen berühmten „Entertainern“ inspirieren – das Spektrum reicht dabei von Mae West bis zu Ziggy Stardust.
• Für die Leuchtanzüge des Films wurden elektrolumineszierende Lichtquellen verwendet, die aus einem dehnbaren Polymerfilm hergestellt wurden.
• Das Design der Lichtrenner wurde von den Originalentwürfen inspiriert, die Syd Mead für TRON („Tron“, 1982) entwickelt hatte. Für Daniel Simon und sein für das Design der Fahrzeuge verantwortliches Team erwies es sich bei TRON: LEGACY als große Herausforderung, Lichtrenner zu konstruieren, die mit ihren Fahrern zu einer visuellen Einheit verschmelzen, ihnen aber noch genügend Bewegungsfreiheit lassen.
• Sowohl Garrett Hedlund, Darsteller von Sam Flynn, als auch Olivia Wilde, die Quorra spielt, unterzogen sich für ihre Rollen einem Parkour- und Martial-Arts-Training.
• Um der Welt des Rasters in TRON: LEGACY, einen realistischen Anstrich zu geben, wurden viele Sets ganz traditionell im Studio errichtet. Dazu gehören Flynns Spielhalle, Kevin Flynns sicheres Haus, der Nachtclub End of Line sowie ganze Straßenzüge, die größer waren als die meisten in der Realwelt.
• Die 3D-Technologie von TRON: LEGACY wurde nach AVATAR („Avatar – Aufbruch nach Pandora“, 2009) entwickelt und ist derzeit die weltweit fortschrittlichste.
• TRON: LEGACY wurde in 3D gedreht. Um dem Zuschauer allerdings eine eindringliche Erfahrung der Welt des Rasters zu vermitteln, sind die Eröffnungsszenen in der Realwelt in 2D. Sobald Sam den Raster betritt, kommt 3D zum Einsatz.
• Zu den Waffen in TRON: LEGACY zählen Disken und Stäbe. In den Disken, die jedes Programm im Raster bei sich trägt, sind alle Daten über das Programm und das, was es ausmacht, gespeichert. Aber wenn sie geworfen werden, werden die Disken zur tödlichen Waffe, die immer zu ihren Besitzern zurückkehren. Mit Hilfe der Stäbe lassen sich, abhängig von der Codierung, Fahrzeuge wie auch spezielle Waffen formen. Darüber hinaus sind auch sie große Datenspeicher.
• Zu den Fahrzeugen von TRON: LEGACY gehören der schnittige und schnelle Lichtrenner, das Lichtmobil, das im Raster ein Rennwagen mit enormer Power, in den Outlands aber ein extrem belastbares Geländefahrzeug ist, der Deaktivierer, ein riesiges U-förmiges Fluggerät, das auf der Suche nach eigensinnigen Programmen die Straßen durchstreift, die Solarsegler, fliegende Transportschiffe, und der Regulierer, Clus fliegendes Schlachtschiff, das dreimal größer ist als jeder Flugzeugträger in der Realwelt und Clus gesamte Armee beherbergt.
• Weil es sehr zeitaufwendig und arbeitsintensiv war, die Darsteller in ihre Leuchtanzüge zu stecken, wurden spezielle Inversionsbänke bereitgestellt. Diese erlaubten es den Schauspielern, ihre Füße hochzulegen und sich zurückzulehnen, ohne die Anzüge zu beschädigen.
• Die von den Schauspielern getragenen Helme wurden von den Kostümdesignern im Einklang mit den Charakteren und dem Look von TRON: LEGACY entworfen – Helme aus der Requisite wurden nicht verwendet.
• Programme, die loyal zu Clu sind, tragen Anzüge und steuern Fahrzeuge, die in den Farben Orange, Rot und Gelb, den Farben von Clus Herrschaftsbereich, leuchten. Dagegen sind die Bewohner des Rasters und ihr gesamtes Umfeld durch kühle Weiß-, Blau- und Silbertöne gekennzeichnet.
• Um wissenschaftlich korrekt zu bleiben und sich abzusichern, dass die Ideen und Konzepte des Films auch von naturwissenschaftlichen Gesetzen gestützt würden, ließen sich die Filmemacher von der National Academy of Sciences beraten – selbst wenn es die Möglichkeiten, diese Ideen auch zu verwirklichen, bis jetzt noch nicht gibt.
• Die für den Film kreierten Disken bestanden aus 134 LED-Lichtquellen, wurden über Funk gesteuert und mit Magneten an den Anzügen befestigt. Darüber hinaus befanden sich in ihnen auch die Batterien, die die Lichtquellen des Anzugs mit Energie versorgten. Weil die Disken schwer waren, ließ man große Vorsicht walten, wenn sie am Set geworfen wurden.
• Mehrere der Fahrzeuge für TRON: LEGACY wurden nicht digital im Computer realisiert, sondern für bestimmte Szenen komplett gebaut. Das stand im Einklang mit der Vision Kosinskis, die Grenzen zwischen Digitalanimation und Realität zu verwischen.
• Flynns Spielhalle ist für alle Fans von TRON eine Fundgrube für Kultobjekte. Man findet dort das Master Control Program Schreibtischutensilienset aus dem Originalfilm, den Tischcomputer mit dem Interface und eine verdichtete Version des Shiva-Lasers, der Sam einscannt und in den Raster zieht, schließlich auch eine Karte des Rasters, die im Code eines Hintergrundbildes eingebettet ist, und darüber hinaus an der Wand die Zeichnungen aus Sams Kindheit.
• Für TRON: LEGACY realisierten Visual Effects Supervisor Eric Barba und sein Team über 1.400 Einstellungen mit visuellen Effekten.
• Regisseur Joseph Kosinski realisierte die extrem detailreiche Welt von TRON: LEGACY mit einem Team von Künstlern, die in ihren Arbeitsbereichen großes Ansehen genießen: Fahrzeugdesigner, Architekten, Wirtschaftsingenieure, Grafikdesigner und Illustratoren.
• Licht durchdringt das Leben im Raster – von innovativer illuminierter Mode bis hin zu den Lichtrennern und Disken. Licht zieht sich als verbindendes Element nahtlos durch Architektur, Fahrzeuge und Kleidung.
• Die Welt von TRON: LEGACY ist geprägt von minimalistischer Inneneinrichtung und moderner, lichtbasierter Architektur. Außerdem sieht man sehr häufig das Element der Unterbeleuchtung und im Boden eingelassene Leuchtschienen.
• In Kevin Flynns sicherem Haus findet man in der minimalistischen Inneneinrichtung neo-viktorianische Möbel. So entsteht ein Look, der Altes und Neues auf provokative Weise miteinander vermischt.
• Die der Körperform angepassten Anzüge und ihre ausgeprägten Leuchtmuster inspirierten bereits Mode- und Schuhdesigner. In der Folge tauchten modische Elemente aus TRON: LEGACY auf dem Laufsteg und in Modemagazinen auf.
• TRON: LEGACY führt Jeff Bridges wieder mit Bruce Boxleitner, der wie schon in TRON („Tron“, 1982) Alan Bradley spielt, und Steven Lisberger zusammen, den Autor-Regisseur von TRON, der jetzt zu den Produzenten von TRON: LEGACY zählt.
• Jeff Bridges ist wieder in der Rolle zu sehen, die er vor 28 Jahren in TRON erstmals spielte. Wahrscheinlich ist das für einen Schauspieler der längste Zeitraum, der je zwischen der erstmaligen und erneuten Darstellung einer Figur verstrich.
• Kevin Flynn, den Jeff Bridges darstellt, lebt in den Outlands, einem düsteren und gefährlichem Gebiet jenseits des Rasters. Von seinem sicheren Haus aus kann er weit entfernt das leuchtende Stadtbild des Rasters sehen.
• Garrett Hedlund, der Sam Flynn verkörpert, und Olivia Wilde, Darstellerin von Quorra, wollten schon immer zusammenarbeiten, seit sie sich vor sieben Jahren kennen lernten – als sie beide gerade ihre Filmdebüts drehten.
• Garrett Hedlund trainierte Motorradfahren, Nahkampf, den Umgang mit Stützdrähten, die Kampfkunst Capoeira und Parkour, um sich auf die Rolle des Extremsportlers Sam Flynn vorzubereiten.
• Olivia Wilde liebte ihre Rolle und deren körperliche Herausforderungen, trat in Kampfsequenzen zum Angriff an und war Garrett Hedlund bei jedem Stunt ebenbürtig. Weil sie aber vor ihrer Einkleidung durch die Kostümdesigner in flachen Schuhen trainiert hatte, musste sie ihr Training von vorn beginnen, weil Quorra Schuhe mit 10 Zentimeter hohen Absätzen trägt.
• Für die Rückblenden wurde Bruce Boxleitner als Alan Bradley mit Hilfe der Hairstylisten, Make-up-Spezialisten und der digitalen Effektzauberer verjüngt.
• Michael Sheen, Darsteller von Castor, sah TRON erstmals mit 12 Jahren in seinem Heimatland Wales und wurde sofort ein Fan. Niemals hätte er sich vorstellen können, dass sich ihm später die Gelegenheit bieten würde, eine Rolle im Hi-Tech-Abenteuer TRON: LEGACY zu übernehmen.
• Die extrem hohen und angewinkelten Absätze, die die Sirenen tragen müssen, stellten für Beau Garrett in der Rolle der Gem eine große Herausforderung dar. Bevor sie ihre Szenen drehte, konnte man sie deshalb dabei beobachten, wie sie auf der Treppe des Sets für den Nachtclub End of Line das Gehen übte.
• Die Darstellerinnen der Sirenen arbeiteten mit einem Choreographen zusammen, um Gang und Gestik zu synchronisieren, damit ihre Bewegungen absolut gleich aussehen. Ein Team von Hairstylisten und Make-up-Spezialisten brauchte in Zusammenarbeit mit zwei Ankleidern für die „Anzüge“ drei Stunden, um die Schauspielerinnen in Sirenen zu verwandeln.
• James Frain verkörpert Jarvis, den wichtigsten Gefolgsmann des Bösewichts Clu. Frain kennt sich aus mit der Darstellung von Männern, die mächtigen Herrschern dienen. In ELIZABETH („Elizabeth“, 1998) spielte er Alvaro de la Quadra, den spanischen Botschafter am Hofe von Königin Elizabeth I, außerdem Thomas Cromwell, der in der Serie „The Tudors“ („Die Tudors“) seinem König Heinrich VIII ergeben war, und schließlich auch Mott, der in der Serie „True Blood“ („True Blood“) dem Vampirkönig dient.
• Anis Cheurfa, der Rinzler spielt, ist ein weltbekannter Martial-Arts-Kämpfer, der als Pionier im Martial-Arts-Tricking gilt. Rinzler ist der beste Spieler bei den Wettbewerben im Raster und besitzt die Fähigkeit, seinen Diskus in zwei Waffen zu teilen.
• Der Raster ist konzipiert als eine von Licht durchflutete Stadt, in der über eine Million Programme leben. Ein Wolkenkratzer thront mit einer Höhe von 1,6 Kilometern über der Stadt, in seiner Spitze befindet sich der Nachtclub End of Line. Die Outlands, ein düsteres und gefährliches Gebiet, liegen jenseits der Grenzen des Rasters.
• Die Bewohner des Rasters unterhalten sich mit Turnieren, die alten Gladiatorenkämpfen ähneln. Dabei treten die Spieler mit Disken und Stäben gegeneinander an. Außerdem sehen die Bewohner des Rasters gerne tödlichen Lichtrenner-Wettkämpfen zu, die in riesigen Stadien ausgetragen werden auf Strecken mit mehreren Ebenen.

Tron Legacy startet am 27.01.2011 in den Kinos!

The Green Hornet 3D

REGIE & STORY

Michel Gondry (Regie)
Seth Rogen, Evan Goldberg (Story)

BESETZUNG

TRAILER

The Green Hornet Trailer 1 (Deutsch) - Flash Stream

The Green Hornet Trailer 1 (Englisch) - HDTV 480p

The Green Hornet Trailer 1 (Englisch) - HDTV 720p

The Green Hornet Trailer 1 (Englisch) - HDTV 1080p

The Green Hornet Trailer 2 (Deutsch) - Flash Stream

The Green Hornet Trailer 2 (Englisch) - HDTV 480p

The Green Hornet Trailer 2 (Englisch) - HDTV 720p

The Green Hornet Trailer 2 (Englisch) - HDTV 1080p

FEATURETTEN

The Green Hornet Featurette

The Green Hornet B-Roll

Britt Reid (SETH ROGEN) ist der Sohn des prominentesten und mächtigsten Medienmagnaten von LA – und vollauf damit zufrieden, die örtliche Party-Szene aufzumischen und auch weiterhin ein planloses Leben zu führen. Doch als sein Vater (TOM WILKINSON) plötzlich auf mysteriöse Weise stirbt und Britt sein gewaltiges Medienimperium erbt, ändert sich alles. Britt geht eine ungewöhnliche Freundschaft mit Kato (JAY CHOU), einem der fleißigsten und erfinderischsten Angestellten seines Vaters, ein. Gemeinsam sehen sie ihre Chance gekommen, zum ersten Mal in ihrem Leben etwas Sinnvolles zu tun: Verbrechen bekämpfen. Doch um das tun zu können, beschließen sie, selbst zu Verbrechern zu werden. Sie schützen das Gesetz, indem sie es brechen. Als The Green Hornet streift Britt gemeinsam mit Kato nachts durch die Straßen von LA. Dank seiner genialen Einfälle und Fähigkeiten, konstruiert Kato die ultimative, technisch allem bisher Dagewesenem überlegene Retro-Waffe: The Black Beauty, ein unzerstörbares Auto, das über genauso viel PS wie Feuerkraft verfügt. The Green Hornet und Kato sorgen schnell für einiges Aufsehen mit ihrer rollenden, mobilen Festung auf Rädern. Mit Katos cleveren Gadgets bekämpfen sie die bösen Jungs und mit Hilfe von Britts neuer Sekretärin, Lenore Case (CAMERON DIAZ), beginnen sie mit der Jagd auf den Mann, der die ganze Unterwelt von LA kontrolliert: Benjamin Chudnofsky (CHRISTOPH WALTZ). Doch Chudnofsky hat bereits seinen eigenen Plan, wie er The Green Hornet ein und für alle mal aus dem Weg räumen will.

Basierend auf einer der erfolgreichsten Radio-Serien der dreißiger Jahre, kehrt im Winter 2011 unter der Regie von Michel Gondry ("Vergiss mein nicht!") ein weiterer klassischer Comic-Held spektakulär in 3D zurück auf die große Leinwand: The Green Hornet. Die Hauptrollen spielen Seth Rogen ("Beim ersten Mal", "Superbad") sowie Cameron Diaz ("3 Engel für Charlie") und Oscar®-Preisträger Christoph Waltz ("Inglourious Basterds") in einer neuen Paraderolle als schillernder Unterweltboss von LA.

Kritik von Daniel Räbiger

Die Grüne Hornisse ist eine Überraschung. Während der Trailer noch oberflächliche Unterhaltung auf Fantastic Four Niveau vermuten lies, überzeugt der Film durch treffende Besetzung, ein durchdachtes Drehbuch und einer gut dosierten Portion Humor und Selbstironie. Seth Rogen, Drehbuchautor, Hauptdarsteller und ausführender Produzent liefert mit The Green Hornet ein überzeugendes Superhelden-Debut mit großartiger Besetzung. Regisseur Michel Gondry setzte gerade dem Oscar-Prämierten Christoph Waltz in seiner Rolle als Bösewicht Chudnofsky hervorragend in Szene. Die Figur des Widersachers ist auch die, die dem Film seine Besondere Note gibt: Kein Franchise nimmt sich so überzeugend selbst auf die Schippe wie bei The Green Hornet.

Auch auf den 3D Trend ist der grüne Rächer aufgesprungen - dies jedoch nur mäßig überzeugend. Zahllose Szenen im Film sind auch in der 3D Variante noch zweidimensional, oft kann man mangelnde Bildqualität bemerken, gerade in den ersten Szenen des Films. Besonders störend fällt die schlechte Tiefen-Bildregie und der Schnitt auf, der oft Bilder mit völlig unterschiedlichen Tiefenebenen kombiniert und so für den einen oder anderen Migräneschub sorgen dürfte. Der Großteil der 90 Millionen Euro Budget floss sicherlich in die Ausstattung und nicht in die 3D Technik. Aber das kommt dem Streifen auf ganz anderer Ebene zu Gute. Während aktuelle Produktionen oft mit einem CGI-Overkill langweiligen gibt es in The Green Hornet erfreulicherweise wieder echte Autos, Bezinexplosionen und Sets. Es ist einfach ein großer Spaß wenn tatsächlich ein LKW geschrottet wird und nicht ein CGI-Tanklaster. Hier fühlt man sich an manchen Stellen an die famose Verfolgungsjagd in Terminator 3 - Rise of the Machines erinnert, wo Arnold einen echten Straßenzug verwüstet.

Während Humor, Besetzung und Ausstattung des Films erhaben sind, hat das Drehbuch einige schwächen. Gerade im Mittelteil wirkt der Split zwischen Green Hornet und Kato mehr als aufgesetzt und erzwungen. Klar, man musste einen solchen Bruch irgendwie einbauen - kein Film dieser Art funktioniert ohne. Aber einen derart lieblosen und heruntergespielten gab es schon lange nicht mehr zu sehen. Es ist klar, dass die Produzenten sich lieber auf fulminante Action konzentrieren wollten, als auf den Aufbau einer glaubwürdigen Beziehung. So muss der Zuschauer sehr viel selbst in die Beziehung zwischen Green Hornet und Kato hineininterpretieren, was dem Film ein deutliches Maß an Spannung und Möglichkeit zum mit fiebern nimmt.

The Green Hornet startet am 13.01.2011 in den Kinos.

"Überraschungsfilm 2011"
Daniel Räbiger	Wer Lust auf eine neue Art von Superheld hat sollte sich "The Green Hornet" ansehen. Wie schon bei Kassenschlager Iron Man wird die Geschichte mit viel Humor erzählt. Hinzu kommt die fantastische Besetzung. The Green Hornet macht fast alles richtig - die Schwächen der Handlung werden durch die waghalsigen Materialschlachten, den passenden Figuren und Cameron Diaz zu genüge ausgeglichen. Und auch für Battlestar Galactica Fans ist etwas dabei: Edward James Olmos spielt die Vaterfigur Axford, der leitende Redakteur von Green Hornets Medien-Imperium 'The Daily Sentinel".
Spannung Action Humor Erotik Charaktere Kontiunität Anspruch

Wolfman Filmplakat Deutsch

Der Werwolf feiert ein epochales Comeback - mit den Oscar®-Preisträgern Benicio Del Toro und Anthony Hopkins in den Hauptrollen sowie den virtuosen Effekten des sechsfach oscar®gekrönten Make-up-Designers Rick Baker. Inspiriert vom legendären Universal-Klassiker „Der Wolfsmensch“ bringt Actionspezialist Joe Johnston („Jurassic Park III“) den Horrormythos in neuem düsterem Glanz auf die Leinwand.

Trailer 1
Wolfman Trailer 1 (Englisch) - HDTV 1080p Dateityp: mov Größe: 167.05 MB	Wolfman Trailer 1 (Englisch) - HDTV 720p Dateityp: mov Größe: 108.30 MB	Wolfman Trailer 1 (Deutsch) - HDTV 720p Dateityp: mov Größe: 57.28 MB
Trailer 2
Wolfman Trailer 2 (Englisch) - HDTV 1080p Dateityp: mov Größe: 112.82 MB	Wolfman Trailer 2 (Englisch) - HDTV 720p Dateityp: mov Größe: 70.61 MB	Wolfman Trailer 2 (Deutsch) - HDTV 720p Dateityp: wmv Größe: 43.31 MB

Um bei der Suche nach seinem vermissten Bruder zu helfen, kehrt Lawrence Talbot (Benicio Del Toro) in seine Heimat Blackmoor im viktorianischen England zurück, wo eine mysteriöse Serie blutiger Todesfälle die Menschen in Atem hält. Es kommt zum Wiedersehen mit seinem von ihm entfremdeten Vater (Anthony Hopkins). Zusammen mit der Verlobten seines Bruders (Emily Blunt) begibt sich Talbot auf eine Spurensuche, die ihn tief in seine eigene, längst verdrängte Vergangenheit führt. Doch nachdem er selbst von der Bestie gebissen wird, muss er am eigenen Leibe erfahren, dass die Gerüchte von einem uralten Fluch, der einen Menschen bei Vollmond in ein mörderisches Wolfswesen verwandelt, blutige Realität sind. Um dem Morden ein Ende zu bereiten und seine neue Liebe zu retten, muss er die teuflische Kreatur in den Wäldern Blackmoors jagen und sich dem wilden Biest stellen, das in ihm selbst lauert.
Mit unbändiger Action, bahnbrechenden Effekten und leidenschaftlicher Energie erwacht die Werwolf-Legende zu neuem, aufregendem Leben. Del Toro und Hopkins machen das Duell zwischen Vater und Sohn, zwischen Tier und Mensch zu einem unvergesslichen Erlebnis und furiosem Horror-Epos. „Wolfman“ ist ein nachtschwarzer Suspense-Thriller von schicksalhafter Größe und ein wildes Kinoereignis voll ungezügelter Kraft.

Photocall Berlin

Produktionsnotizen

„Auch ein Mann von reinem Herzen, der jeden Abend betet,
kann zum Wolf werden, wenn der Eisenhut blüht und der Herbstmond leuchtet…“
Zigeunerweisheit

In den 30er und 40er Jahren präsentierte Universal Pictures eine Serie von Horrorfilmen, die ein neues Genre schufen: den Monsterfilm. Schauspiel-Legenden wie Bela Lugosi, Boris Karloff und Claude Rains erweckten Ikonen wie Dracula, Frankenstein, die Mumie und den Unsichtbaren Mann zu Albträumen auf der Leinwand, die zuvor nur in der Fantasie von Lesern existierten.
Eine der schauerlichsten Kreaturen wurde 1941 von Lon Chaney, Jr. geschaffen. Ein einsamer Mensch verwandelte sich in ein unheimliches Wesen, das dem Kinopublikum den Atem nahm. Bei Vollmond kam eine archaische Wut zum Vorschein, die aus den dunkelsten Abgründen der Psyche stammt. Halb Mensch und halb Dämon – ein Fluch für alle Zeiten. /p>

Der Wolf heult wieder - Die Neuauflage eines Klassikers

Seit vielen tausend Jahren sind Legenden über Verwandlungen zwischen Mensch und Tier in den verschiedenen Kulturen zu finden. Eine besondere Faszination gilt einer mythologischen Kreatur, die als Lykanthrop bekannt ist – ein Mensch, der sich bei Vollmond zu einer Wolfskreatur verwandelt. Der Mythos Werwolf reicht von der griechischen Antike über die „Otia Imperialia“ von Gervasius von Tilbury aus dem 13ten Jahrhundert bis zu modernen Horrorgeschichten.
Vor sieben Jahrzehnten fand der Werwolf auch den Weg auf die Leinwand. 1935 veröffentlichte Universal „Der Werwolf von London“ von Stuart Walker. Doch erst 1941 wurde mit dem Klassiker „Der Wolfsmensch“ von George Waggner nach dem Originaldrehbuch von Curt Siodmak der Mythos für das Kino etabliert. Die tragische Figur des Lawrence Talbot wird von Lon Cheney, Jr. gespielt, dem Sohn der Stummfilm-Ikone Lon Cheney („Das Phantom der Oper”, „Der Glöckner von Notre Dame”).

Die Figur des Talbot taucht später in weiteren Universal-Filmen auf, so in „Frankenstein trifft den Wolfsmenschen“, „Frankensteins Haus“, „House of Dracula“ und „Abbott und Costello treffen Frankenstein“.
Trotz seiner Laufzeit von nur 70 Minuten wurde „Der Wolfsmensch“ zum sofortigen Erfolg und machte Lon Cheney, Jr. zum Star. Andere Helden aus der Monster-Familie von Universal haben hier ebenfalls Auftritte. Claude Rains aus „Der Unsichtbare“ spielt den Sir John Talbot und „Dracula“ Bela Lugosi verkörpert den Zigeuner Bela, der den Fluch erkennt, der auf Lawrence liegt.

Der Schauspieler und Produzent Benicio Del Toro ist seit langem ein Fan dieses Genres und unterhielt sich bereits vor etlichen Jahren mit seinem Manager und Produzenten Rick Yorn über die Idee zu einer Hommage. Über seine Faszination an dem Projekt sagt Yorn: „Als Jugendlicher machten diese Monsterfilme einen großen Eindruck auf mich und meine Brüder. Schon seit meinen Anfängen in Hollywood wollte ich ein Remake von einem alten Horrorfilm machen. Vor ein paar Jahren besuchte ich Benicio in seinem Haus und mir fiel ein Poster von ‚Der Wolfsmensch’ auf, das eine Großaufnahme von Lon Cheney, Jr. als Monster zeigt. Ich schaute auf das Plakat und dann auf Benicio, der damals einen Vollbart trug, und fragte: ‚Was würdest du von einem Remake von ‚Der Wolfsmensch’ halten?’“

Del Toro war sofort fasziniert von der Idee zu einer Hommage, schließlich ist er seit seiner Jugend ein großer Fan dieser Filme. „Frankenstein, Dracula und die Mumie kenne ich seit meiner Kindheit”, erläutert Del Toro. „Meine früheste Erinnerung an einen Schauspieler ist Lon Cheney, Jr. als Wolfsmensch. Wir wollten diesem Klassiker und Henry Hulls ‚Werwolf von London’ die Ehre erweisen und zwar auf eine klassische, handwerkliche Weise.“
Del Toro wollte mit dem Remake keine bloße Kopie des Originals liefern, sondern eine Neufassung für das heutige Publikum. Deshalb haben die beiden Drehbuchautoren Andrew Kevin Walker und David Self dem Film „einige Wendungen gegeben und moderne Elemente eingefügt, dennoch bleiben sie dem Original treu.“

Del Toro und Yorn machten sich an die Umsetzung des Projekts und bei einem Essen mit Produzent Scott Stuber wurde das Update des Originals beschlossen. „Wir haben ein paar Wendungen eingebaut, aber wir wollten dem Original treu bleiben“, erläutert Stuber. „‚Der Wolfsmensch’ ist deshalb solch eine Ikone, weil er auf gewisse Weise in jedem von uns steckt. Wir alle kennen dieses Gefühl der Wut. Jeder erinnert sich an Situationen, in denen er zu weit ging, zu wütend war und Dinge tat, die er bereut. Es gibt etwas Archaisches in jedem von uns, das wir unter Kontrolle halten müssen, um nicht unterzugehen.“
Es gab nie einen Zweifel für den Produzenten, dass Del Toro die perfekte Wahl für die Titelrolle war. Über den Oscar®-Preisträger sagt Stuber: „Benicio hat sehr ausdrucksstarke Augen, die auch noch unter einer Maske große Wirkung entfalten. Wir wollten den Schauspieler nicht vom Wolfsmenschen trennen. Am Ende hatten wir Benicio auf der einen und das Biest auf der anderen Seite. Um Gefühle für eine Figur zu entwickeln, ist die Darstellung entscheidend. Die Spezialeffekte sind großartig, sie verstärken die Darstellung – aber sie erschaffen sie nicht.“
Die drei Filmemacher bekamen Verstärkung durch den Produzenten Sean Daniel, der durch seine Arbeit an „Die Mumie“ für Universal Pictures bereits über Erfahrung mit der Neuauflage von Monsterfilmen besitzt. Über seine Beteiligung an dem Projekt sagt Daniel: „Es war wirklich aufregend dabei zu sein, wenn ein weiteres klassisches Universal Monster, das mich schon als Kind sehr begeistert hat, zu neuem Leben erweckt wird.“
Gemeinsam machten sich die Produzenten auf die Suche nach einem Regisseur, der nicht nur das Drama der Geschichte umsetzen, sondern einen Horrorfilm inszenieren konnte, bei dem visuelle Effekte, Kreaturen und CGI mühelos verbunden sind.

Als Mark Romanek das Projekt nach der Vorproduktion verließ, übernahm Regisseur Joe Johnston das Ruder. Als art director bekam Johnston einen Academy Award® für seine Arbeit an „Jäger des verlorenen Schatzes“, als Regisseur stellte er sein Können als Geschichtenerzähler mit Filmen wie „October Sky“ unter Beweis und bewies mit Filmen wie „Jurassic Park III“ und „Hidalgo – 3000 Meilen zum Ruhm” sein großes Talent für den Umgang mit visuellen Effekten.
Wie bei all seinen Projekten stand für den Regisseur vor allem die Geschichte im Mittelpunkt. Über die Story der Drehbuchautoren Walker und Self sagt er: „Unter der Oberfläche von Action, Blut und Angst gibt es eine Liebesgeschichte zwischen Lawrence Talbot und Gwen, der Verlobten seines toten Bruders. Ich wollte, dass diese Beziehung die Geschichte zusammenhält. Sie ist der Schlüssel, damit das Publikum versteht, welche schrecklichen Dinge mit Lawrence geschehen.“
Der ehemalige art director war begeistert von den visuellen Herausforderungen, die dieser Action-Horrorfilm bot. „Ich wollte dem Publikum etwas zeigen, was es so noch nie zuvor bei einer Verwandlung zum Werwolf gesehen hat“, erläutert Johnston. „Bei allen bisherigen Werwolf-Filmen geschieht die Umwandlung mehr oder weniger durch die gleichen visuellen Elemente: Knochen werden gestreckt und auf dem Gesicht wachsen Haare. Die Art, wie wir die Verwandlung zeigen, wurde erst durch den Einsatz von computergenerierter Animation möglich. Mit Benicio Del Toro haben wir einen großartigen Ausgangspunkt für die Verwandlung, die mit dem Make-up von Rick Baker vollendet wird.“
Den Filmemachern war klar, dass sie für die spektakulären Sequenzen ein perfektes Gleichgewicht zwischen realen Effekten und Spezialeffekten schaffen mussten. Bevor diese Arbeit in Angriff genommen werden konnte, mussten erst noch die Schauspieler gefunden werden, die Del Toro dabei unterstützen, diese berüchtigte Kreatur noch einmal zum Leben zu erwecken.

Adlige, Detektive und junge Viktorianer - Die Besetzung von „Wolfman“

Den Filmemachern war wichtig, die klassischen Figuren des Originals beizubehalten. Zugleich sollte eine moderne Version entstehen. Ausgebaut wurde deshalb die Figur von John, dem Vater von Lawrence, der 1941 von Claude Rains verkörpert wurde. Ebenfalls mehr Raum bekamen Gwen Conliffe, das Objekt der Begierde von Lawrence, sowie Maleva, die Anführerin der Zigeuner. Über seine Darsteller sagt Produzent Stuber: „Benicio, Anthony, Emily und Hugo verleihen der Geschichte gemeinsam eine unglaubliche Tiefe und bringen zugleich die Horrorelemente zum Leben.“

Die Geschichte des Originals wurde um zusätzliche Elemente erweitert. So kehrt der junge Talbot nicht nur nach Blackmoor zurück, um das Schicksal seines geliebten Bruders zu klären, sondern er will sich auch mit seinem Vater versöhnen, der ihn vor vielen Jahren abgeschoben hatte. Als er von einem Werwolf gebissen wird, muss er erkennen, dass er selbst zu einem Monster wird. Für die neue Qualität der Beziehungen bekam die Figur des Sir John Talbot ein größeres Gewicht.
Besetzt wurde Benicio Del Toros exzentrischer Filmvater mit dem legendären Schauspieler Sir Anthony Hopkins. Seit Jahren hatten Vater und Sohn keinen Kontakt mehr miteinander, entsprechend gespannt ist das Verhältnis zwischen den beiden. Del Toro fiel es nicht schwer, diesen Aspekt der Rolle zu spielen, da er ohnehin mit großer Nervosität der Zusammenarbeit mit Sir Antony Hopkins entgegen sah. „Zu Beginn hatte ich mehr Ehrfurcht als Vergnügen“, lacht Del Toro. „Aber Anthony hat mir wunderbar geholfen und gab mir immer wieder gute Ratschläge. Es ist sehr schön, wenn man Tipps von den Kollegen bekommt. Anthony ist präzise und erledigt seine Szenen in zwei Einstellungen. Es war wunderbar, mit ihm zu arbeiten.“

Über das Verhältnis der beiden Figuren sagt Hopkins: „Die Beziehung ist von Kälte und Verlassenheit bestimmt. Lawrence hat seinen Vater nie kennengelernt, er wurde als Kind fortgeschickt, nachdem er Zeuge einer schrecklichen Tat wurde: dem Tod seiner Mutter. Sir John schickte ihn nach Amerika, als berühmter Schauspieler kehrt er nach England zurück und erlebt, dass sein Bruder in Schwierigkeiten steckt.“
Über seine Faszination an der Rolle sagt Hopkins: „Psychologisch gesehen betrachten die Menschen gerne die düsteren Seiten des Lebens. Transformation, Auferstehung, Rettung – diese Story bietet alles.“ Den Schauspieler interessierte vor allem, wie sich die Beziehung zwischen Vater und Sohn entwickelt. „Sir John ist eiskalt, er zeigt keinerlei Zuneigung und Mitgefühl für seinen Sohn“, erläutert Hopkins. „Er manipuliert und quält ihn mit Bemerkungen, die zwar nie offen grausam sind, aber immer voller Andeutungen stecken.“

Mit dreckigen Fingernägeln, schmutziger Kleidung und ungepflegten Haaren lebt Sir John in einem großen Haus, das zur Ruine verkommen ist. Johnston gefiel es, den Wahnsinn von Sir John anwachsen zu lassen und die Spannungen mit seinem Sohn zu steigern. „Sir John ist vollkommen wahnsinnig, aber er sieht diesen Wahnsinn als die normalste Sache von der Welt“, erläutert der Regisseur. Anthony hat in der Vergangenheit ähnliche Rollen gespielt, aber in ‚Wolfman’ ahnen wir bis zur Hälfte des Films nichts von seinem Wahnsinn. Bis dahin gibt uns Anthony immer kleine Hinweise auf den Wahnsinn von Sir John, doch dann schließt sich das Fenster und wir warten, bis es wieder aufgeht. Mit dieser Methode macht er den Zuschauer ständig neugierig darauf, was als nächstes passiert.“

Über seinen Regisseur sagt Hopkins: „Joe ist erfolgreich, er ist zugänglich, er ist freundlich und absolut jeder kann mit ihm reden. Er hat es für alle sehr leicht gemacht, was gewiss nicht immer einfach ist, bei dieser großen Verantwortung.“
Die Rolle der Gwen Conliffe, die im Original von der zeitlosen Evelyn Ankers gespielt wird, wurde mit Emily Blunt besetzt. Seit ihrem Durchbruch als scharfzüngige Assistentin von Meryl Streep in „Der Teufel trägt Prada“, hat sie mit ihrer Arbeit bei Presse und Publikum gleichermaßen für Furore gesorgt.

Als Gwen spielt sie die Verlobte von Ben, dem Bruder von Lawrence. Sie kommt nach London, um ihren künftigen Schwager um Hilfe bei der Suche nach ihm zu bitten. Als beide entdecken, dass Ben tot ist, verliebt sich Gwen in Blackmoor langsam in Lawrence. Über Blunt sagt ihr Regisseur: „Emily kann alleine mit ihrem Gesicht eine ganze Geschichte ohne Worte erzählen. Jeden überflüssigen Dialog, den wir gefunden haben, haben wir gestrichen. Emily erzählt die Geschichte von Gwen so überzeugend mit Gefühlen und benötigt dazu nicht viele Worte.“

Über ihre Faszination an der Rolle sagt Blunt: „Mir gefiel die Aussicht, mit diesen Kollegen zu arbeiten und ich fand das Drehbuch sehr bewegend. Es hat mich gereizt, dass es nicht nur um den Horror geht, sondern um eine Liebesgeschichte und um menschliche Konflikte. Joe hatte von Anfang an die Absicht, einen klassischen, mitreißenden und großen Monster-Film zu machen und er hat diese Vision bei den Dreharbeiten durchgehalten.“

Blunt, die im Unterschied zu ihren Kollegen nicht stundenlang in der Maske verbringen musste, entwickelte eine intensive Beziehung zu der Kreatur und zu den Gefühlen von Gwen gegenüber dem Werwolf. Übereinstimmend mit Hopkins sagt sie: „Ich glaube, wir mögen diesen Verlust von Kontrolle und die Fähigkeit, die düsteren Seiten in uns zu verstehen. Wenn Tiere angreifen, funktioniert das nach einfachen Regeln. Was Menschen einander antun, ist viel furchterregender, da gibt es Berechnung und Bösartigkeit.“

Gwen erkennt schnell, dass Lawrence eine dunkle Seite und eine Wildheit besitzt, die sie so in ihrem Leben bislang noch nie erlebt hat. Es lauert ständig eine Gefahr in ihm, und sie ahnt, dass diese Gefahr mit ihrer eigenen Person verbunden ist. Wegen ihrer Stärke sieht Blunt in Gwen ein „Fanal der Hoffnung“. Ergänzend erläutert sie: „Mir gefällt besonders, dass Gwen trotz aller Not, aller Angst und aller Verluste die Fähigkeit besitzt, an eine Veränderung zu glauben. Sie gibt die Hoffnung nie auf.“

Der Mord am Bruder von Lawrence erregt die Aufmerksamkeit von Inspector Aberline von Scotland Yard, der von Hugo Weaving gespielt wird. Die Figur basiert auf dem echten Inspector Frederick George Aberline, der die Ermittlungen bei den Morden von Jack the Ripper übernahm, nachdem das London Whitechapel Criminal Investigation Department mit dem Fall überfordert war.
Über die Besetzung von Weaving sagt Produzent Stuber: „Hugo vermittelt eine Intensität, die sehr glaubwürdig wirkt. Für einen Monsterfilm ist das sehr wichtig, damit das Publikum diesen Mythos als sehr real erlebt. Je mehr Realismus eine Story bekommt, umso wirkungsvoller und größer fällt der Schrecken aus.“

Weaving, der von „Priscilla - Königin der Wüste“ bis zur „Matrix“-Trilogie überzeugende Leistungen bot, sagt über seine Rolle: „Ich habe sofort zugesagt. Ich las das Drehbuch und war begeistert. Es war eine instinktive Entscheidung, aber ich mochte den Stoff und fand Aberline eine faszinierende Figur.“ Er führt fort: „Aberline ist eine reale Figur, aber die Autoren und Joe haben ihn neu interpretiert. Er ist ein intelligenter Typ, der bei den Ripper Morden viel durchgemacht hat. Er ist clever, umsichtig und kann charmant sein. Zugleich ist er unglaublich misstrauisch und fest davon überzeugt, dass nur ein Mensch für die Morde in Blackmoor verantwortlich sein kann.“

Aberline hält Lawrence für den Mörder, doch als er für weitere Ermittlungen in das Dorf reist, muss er erkennen, wie sehr er dort selbst zum großen Außenseiter wird. „In diesem kleinen Dorf auf dem Land reden alle über Werwölfe und Dämonen“, erläutert Weaving. „Bei Vollmond verriegeln die Bewohner ihre Türen. Aberline kommt aus London und er glaubt kein Wort von dem, was ihm erzählt wird.“
Doch schließlich wird er persönlich Zeuge, wie sich Lawrence verwandelt.

Zu den weiteren Schauspielen gehören Geraldine Chaplin („Nashville“) als Maleva, die Zigeunerin, die den Fluch von Lawrence erkennt; Art Malik („The Path to 9/11”) als Singh, der Vertraute von Sir John; Anthony Sher („Shakespeare in Love“) als wahnsinniger Bösewicht Dr. Hoenneger und David Schofield („Operation Walküre - Das Stauffenberg-Attentat“) als verhexter Constable Nye von Blackmoor.

Der Höllenhund kommt von der Kette - Kreaturen und Effekte

Für die Effekte konnte der creature effects designer und sechsfache Academy Award®-Gewinner Rick Baker gewonnen werden, der mit seiner Verwandlung von David Naughton im John Landis-Klassiker „American Werewolf“ für Furore sorgte. Baker wollte dem Aussehen des „Wolfsmensch“-Originals von 1941 möglichst treu bleiben und so der Kreatur von Jack Pierce seinen Respekt erweisen. „Jack Pierce war mein Idol“, sagt Baker. „Ich habe ihn sehr bewundert und wollte seiner Arbeit mit Respekt begegnen, ohne dabei auf eine Modernisierung zu verzichten. Es ist noch immer der Wolfmensch von Jack Pierce, mit einer kleinen Prise Rick Baker. Mein Wolfsmensch sollte etwas böser ausfallen, man sollte ihm mehr Zerstörungskraft zutrauen als damals Lon Chaney, Jr.”

Für Produzent Rick Yorn war es unerlässlich, dass einer der besten Make-up-Künstler die Verwandlung von Del Toro übernahm. „Rick war unsere erste Wahl, er ist eine Legende“, sagt Yorn. „Wenn man in sein Atelier geht, sieht man all die Filme, für die er gearbeitet hat. Es ist ein echtes Museum. Für uns hat er ganz großartige Arbeit geleistet.“

Unterstützt wird Baker von dem für den Academy Award® nominierten Dave Elsey, der sich an die ersten Tage der Vorproduktion erinnert: „Unsere Vorgaben für das Aussehen des Werwolfs waren sehr offen, wir konnten also fast alles tun, was wir wollten. Wir saßen im Atelier von Rick und je länger wir über die Konzepte sprachen, desto klarer wurde, dass wir eine frische Version wollten von dem, was die Leute als Wolfsmenschen erkennen. Rick hat enorm viele Ideen und eine große Leidenschaft für diese Art von Film. Es war ein Traum, gemeinsam diese klassische Kreatur neu zu erschaffen.“
Den Produzenten und Regisseur Johnston war klar, dass die Verwandlung eines Menschen in den titelgebenden Werwolf beim Publikum die größte Neugier auslöst. „Wolfman“ geht dabei einen Schritt weiter und nutzt die Möglichkeiten der visual effects, eine Technologie, die Johnston bestens vertraut ist.

Der Regisseur sagt über den Synergieeffekt: „Das Make-up besteht aus unterschiedlichen Elementen und wird individuell angewendet. Weil es keine Maske ist, konnte Benicio sich bewegen und ausdrücken. Wir wollten nicht völlig auf Computeranimation setzen, denn damit überschreitet man leicht die Grenzen der Glaubwürdigkeit oder die Gesetze der Physik. Unser Ziel war es, die Verwandlung so realistisch wie möglich zu gestalten. Die digitalen Effekte waren dabei ein Werkzeug, um die Möglichkeiten des Make-up zu vergrößern.“

Baker testete das aufwändige Make-up zunächst an sich selbst, bevor er Del Toro zum ersten Mal auf seinen Schminksessel bat, worin er drei Stunden verbringen musste. Baker wollte die Maske aus der Sicht des Schauspielers sehen, er schmierte sich Leim in die Haare, schminkte sein Gesicht, trank Theaterblut und fotografierte sich dann als Wolf. „Als Maskenbildner bist du ständig im Wettlauf gegen die Zeit, um das Aussehen der Schauspieler rechtzeitig fertig zu stellen. Und die Uhr tickt immer schneller“, erläutert Baker. „Wenn du hingegen selbst in diesem Sessel sitzt, bekommt die Zeit eine ganz andere Qualität.“

Er ergänzt, dass er oft vertrauter mit seinen Kreaturen ist als mit den Schauspielern dahinter. „Ich verbringe viel Zeit mit Schauspielern, die hinter der Maske sitzen, die ich für sie entworfen habe“, erzählt er. „Wenn sie morgens zu mir kommen, klebe ich ihnen meist sofort die ersten Teile der Maske auf das Gesicht und sehe nur noch die entstehende Kreatur und nicht den Schauspieler. Ich kenne Benicio als Wolf, ich habe ihn kaum in echt erlebt.“
Für Del Toro entwarf das Team von Baker eine Maske aus Schaum und Latex, die Augenbrauen und Nase abdeckte. Die Ränder waren sehr dünn, damit sie nahtlos auf die Haut des Schauspielers übergingen. Anschließend bekam Del Toro eine Kinnprothese, ein Gebiss mit scharfen Reißzähnen, eine Echthaar-Perücke sowie einen Bart, womit er zum furchteinflößenden Wolfsmenschen wurde.

Wenngleich die Maske mehrere Stunden dauerte, war Del Toro von seiner Verwandlung begeistert. „Als Kind wollte ich schon immer so große Zähne haben“, lacht der Schauspieler. „Es ist egal, wie lange du in diesem Schminksessel verbringen musst, bei Rick passiert die Magie Stück für Stück. Du schließt für fünf Minuten die Augen und wenn du sie öffnest, ist etwas passiert. So ein Prozess fällt leicht, wenn du mit einem großartigen Team arbeitest, das sein Handwerk perfekt beherrscht.“

Nachdem Baker für seine Entwürfe von den Produzenten grünes Licht bekommen hatte, machte sich sein Team daran, das Werwolf-Kostüm dem neuen Gesicht von Del Toro anzupassen. Ursprünglich sollte der Werwolf Kleidung tragen, die Baker nicht zu üppig ausfallen lassen wollte. Mit vier Jahrzehnten Erfahrung im Make-up-Geschäft wusste er allerdings, dass es bei einem Film immer neuer Entwicklungen geben kann. „Wir planten ein Ganzkörperkostüm aus Haaren, ein bisschen wie eine gigantische Perücke“, erläutert er. „Aber ein Kostüm allein genügt nicht, man benötigt mindestens drei für den Schauspieler und weitere drei für die stunt doubles, die auf Dächer klettern oder in echtem Feuer kämpfen. Dazu sind viele Haare notwendig!“

Die Wolfskostüme wurden aus Yak-Haaren gefertigt, einem Material, das von Maskenbildnern gerne verwendet wird, um Bärte zu machen. Baker benutzte bei Del Toro das gleiche Material, mit dem Jack Pierce im Originalfilm Lon Chaney, Jr. verwandelt hatte. „Ich verwendete zudem viel Kreppwolle, mit der ich schon als Kind gerne Masken gemacht habe“, erläutert Baker. „Kreppwolle ist viel weicher als Yak-Haare, deshalb benutzten wir es für die Ränder, um nahtlose Übergänge zu Benicios Gesicht zu schaffen.“

Für die Herstellung der Wolfskostüme war die Textilexpertin Lou Elsey zuständig. „Es gibt so viele unterschiedliche Elemente bei Kreatureffekten und ganz verschiedene Spezialisten“, erläutert Elsey. „Unsere Textilabteilung berücksichtigte jede Körperform der Kreatur, wodurch unser Wolfsmensch gut erkennbare Muskeln bekam. Über diese Muskeln kam das Haarkostüm, dessen Grundlage aus einem fleischfarbenen Gummianzug bestand. Für Brust und Arme modellierten wir eigens zusätzliche Elemente.“ Lachend fährt sie fort: „Es müsste inzwischen sehr viele rasierte Yaks in der Welt geben, denn unser Bedarf war ganz enorm.“
Damit der Wolfsmensch seine zerstörerische Kraft bereits optisch demonstrieren konnte, bekam das Kostüm eindrucksvolle Krallen. „Wir arbeiteten eng mit Benicio zusammen, um ihn bei seiner Darstellung der Kreatur zu unterstützen“, erläutert Elsey. „Selbst die Art, wie Benicio seine Hand mit den Krallen hält, bekommt eine eigene Dynamik und macht die Figur lebendig.“

Für die Verwandlung von Del Toro vom ruhigen Zeitgenossen zum Höllenhund mussten sich nicht nur seine Haare an Gesicht und Körper verändern. Um den ohnehin großen Schauspieler noch größer erscheinen zu lassen, bekam er von Bakers Team eine Beinverlängerung, die auf der Technik von Prothesen beruht. Diese sehr leichten künstlichen Beine kamen bei langsamen Bewegungen zum Einsatz, für die Actionsequenzen, bei denen der Wolf rennt oder springt, wurden andere Füße konstruiert.

So, wie Chaney im Originalfilm immer als Wolfsmensch erkennbar war, sollte es auch bei Del Toro sein. „Trotz Maske und Haaren kann man Benicio immer erkennen“, erläutert Elsey. „Andere Werwölfe sehen viel animalischer aus, wir wollten ihm sehr menschliche Elemente verleihen. Auch hinter dem Make-up gelingt Benicio, was nicht viele können: er hat ein großartiges Gesicht mit sehr ausdrucksstarken Augen.“
Del Toro nahm seine Verwandlung sehr ernst. So sehr, dass die Maskenbildner oft Mühe hatten, das Make-up nach wenigen Szenen seiner intensiven Angriffe wieder zu restaurieren. Häufig war die Kinnprothese nach seinen heftigen Attacken lädiert.

Die Bewegungen des Wolfsmenschen erforderten von Regisseur Johnston und Kameramann Johnson eine sorgfältige Planung. „Wir wollten den Wolf mit seinen Hundebeinen zeigen“, erläutert Johnston. „Diese Füße fühlten sich für stuntmen fast wie high heels an. Damit sie damit laufen, rennen oder angreifen konnten, sicherten wir sie mit Seilen von der Decke.“

Für andere Szenen wurden die Beine von Del Toro digital darstellt. „Wir benutzen Computeranimation, wenn die Zehen des Wolfsmenschen in den Boden greifen, wenn er springt oder seine Muskeln anspannt. Dadurch wirkt die Transformation noch glaubwürdiger“, erläutert Johnston. „Die besten visuellen Effekte sind diejenigen, die man nicht sieht. Die man nicht erkennt und die sich nicht in den Vordergrund bringen.“
Das Team um den VFX supervisor Steve Begg hatte die Aufgabe, die Effekte von Rick Baker je nach Bedarf zu erweitern. Wenn Johnston ein hängendes Kinn oder eine mutierte Augenbraue benötigte, brachte Begg die realen, atemberaubenden Effekte von Baker auf ein neues Level. „Einer der eindrucksvollsten Effekte des Films ist die Verwandlung zum Wolfsmenschen“, erläutert Begg. „Mit unserer Verbindung aus Computereffekten, Prothesen und Make-up wollen wir erreichen, dass die Zuschauer nicht wissen, wie diese Effekte gemacht wurden.“

Das Team war stolz darauf, beide Effekt-Schulen zu verbinden. „Der heutige Trend setzt auf völlige Computereffekte und es gibt eine Menge CG“, erläutert Begg. „Aber darin liegt letztlich nicht die Lösung, es ist schön, wenn man die traditionellen Effekte mit Hightech-Einsatz verbindet. Zum Beispiel in jener Szene, wo Joe die Muskeln des Werwolfs noch größer haben wollte. Das haben wir mit digitalen Mitteln erreicht, mit einer Verschmelzung der Effekte, die hoffentlich mühelos wirkt.“

Von London zum Castle Coombe - Design und Schauplätze

Weil Werwölfe nur bei Vollmond heulen, wurden etliche Nachtdrehs für die Produktion erforderlich. Von Anfang an wussten die Filmemacher, dass der Crew anstrengende Dreharbeiten bevorstanden. Die ersten sechs Wochen verbrachten sie in wasserdichten Zelten, in denen sie ihre nasse Kleidung trockneten.

Ein grundlegender Unterschied zwischen den Versionen von 1941 und 2010 liegt in der Zeit, in der sie spielen. Als Schauplatz des Originals diente das Wales der Gegenwart, während die Neufassung im viktorianischen England von 1890 handelt.

Einer der Gründe liegt darin, dass ein dreckiges, nebliges London im Licht von Gaslampen und ein verschlafenes Dorf eine düstere Atmosphäre schaffen, die für einen klassischen Horrorfilm ideal sind.
„Wir müssen alle den selben Film machen“, gab Johnston seinem Team als Vorgabe. „Die Crew hat sehr sorgfältig darauf geachtet, wie die Dinge in jener Zeit ausgesehen haben. Visuell wollte ich flexibel bleiben, um die Story zu erzählen. Ich bin sehr zufrieden, wie alles aussieht: kalt, düster und trostlos.“

Produktionsdesigner Rick Heinrichs, der für die Ausstattung von „Sleepy Hollow“ einen Academy Award® bekam, erzählt über seine Arbeit: „Die Dreharbeiten in England waren eine wunderbare Erfahrung, zugleich war es eine Herausforderung, das viktorianische London nachzubilden. Durch die Bombardierungen im Zweiten Weltkrieg wurden auch viele Gebäude aus dem 19ten Jahrhundert zerstört.“ Heinrichs suchte nach Stadtvierteln, die noch erhalten waren, und erbaute dort mit Hilfe von Kulissen und visuellen Effekten sein viktorianisches London.

Von großer Bedeutung war es, den richtigen Schauplatz für das Familienhaus der Talbots zu finden. „Dieses Haus ist so wichtig für die Geschichte, dass wir bei der Suche danach sehr sorgfältig vorgingen“, erläutert Heinrichs. „Die Architektur sollte zum visuellen Stil der Geschichte passen. In vielen Horrorfilmen gehört ein gotisches Haus zum Standard. Dieses Klischee wollten wir vermeiden, statt der gängigen Gruselfassade sollte unser Haus durch das Design seine ganz eigene Ausstrahlung bekommen.“

Nach langer Suche in ganz England, fand die Crew das Chatsworth House in Derbyshire, das vom Duke und der Duchess of Devonshire bewohnt wird und als „Palace of the Peak” bekannt ist. Das eindrucksvolle Gebäude wurde im Jahr 1500 erbaut, Andrew Robert Buxton Cavendish ist der elfte Duke, der darin residiert.

Die verschiedenen Fassaden von Chatsworth House ermöglichten die vier unterschiedlichen Ansichten, die Heinrichs und Johnston für den Film vorschwebten. Glücklicherweise erlaubten der Duke und die Duchess dem art department, die Außenansicht vorübergehend zu verändern. So wurde der Garten überwuchert und die Eingangsfront umgebaut, um den Eindruck eines verlassenen, ungepflegten Anwesens zu erzeugen, in das niemand gerne zurückkehrt.
„Unsere Geschichte handelt von einem Menschen, der gegen zwei Seiten ankämpft: Die zivilisierte Seite, die von der Gesellschaft bestimmt wird und die animalische Seite, die in ihm steckt“, erläutert Heinrichs die Dualität, die Johnston für den ganzen Film wichtig war. „Wir fanden es eine gute Idee, dass diese beiden Seiten sich visuell im Anwesen der Familie widerspiegeln. Die sehr saubere, klassische Fassade versahen wir mit Gras und Pflanzen, damit alles vernachlässigt und unbenutzt erscheint. Vieles wirkt wie verfilzte Wolle, was die animalische Seite von Lawrence widerspiegelt.“

Das Szenenbild sollte dem Leben der Talbots entsprechen, die Außenfassaden stehen in Kontrast zur Inneneinrichtung: „Wir zeigen den Heiligen und den Sünder”, erläutert Heinrichs, dessen Entwürfe das Publikum auf eine Reise von Ordnung und Zivilisation in wilde, animalische Abgründe führen.

Neben den 13 großen Schauplätzen errichtete Heinrichs mit seinem Team weitere 90 bis 95 Kulissen, um die Welt von „Wolfman“ eindrucksvoll zum Leben zu erwecken. Mit Hilfe von visuellen Effekten wurde für die notwendige Stimmigkeit gesorgt, so wurden die modernen Pflastersteine nachträglich digital von den Straßen entfernt.

Als Double für das viktorianische Dorf Blackmoor diente das 900 Jahre alte Castle Coombe mit seinen mittelalterlichen Gebäuden, die auf die frühste britische Architektur zurückgehen und vielfach als historisch bedeutsam eingestuft sind. Für den Film verwandelte sich Castle Coombe in ein grusliges Dorf mit abergläubischen Bewohnern, die in düsteren Häusern leben und sich gegenseitig mit ihrem Irrglauben anstacheln. Um die notwendigen Drehgenehmigungen der Einwohner von Castle Coombe kümmerte sich location manager Emma Pill. In enger Zusammenarbeit mit Heinrichs und dem art department sorgte Pill dafür, dass die modernen Pflastersteine der Straßen für die Dreharbeiten entfernt oder abgedeckt wurden. Außerdem mussten Stromkabel, Antennen, Alarmanlagen und moderne Türen von den Häusern verschwinden. Nur die Briefkästen der Royal Mail, die sich im Besitz der Queen befinden, durften nicht versetzt werden. Deshalb entwickelte das art department eigens eine raffinierte Abdeckung, die nach jedem Dreh wieder abgenommen werden konnten, damit der Briefkasten weiter in Betrieb blieb.

Als Lawrence Talbot zum zweiten Mal in seinem Leben in die Irrenanstalt geschickt werden soll, beginnt der Wolfsmensch seinen Vernichtungszug durch London. Dafür einen geeigneten Schauplatz in der richtigen Größe zu finden, gestaltete sich als nicht ganz einfach. Die Wahl der Filmemacher fiel auf das Old Royal Naval College in Greenwich, das von Sir Christopher Wren geplant und den Architekten Nicholas Hawksmoor, Sir John Vanbrugh und James „Athenian” Stuart erbaut wurde. Ursprünglich sollte das Gebäude am Ufer der Themse als Krankenhaus für Seeleute dienen, schließlich wurde daraus ein maritimes Ausbildungszentrum für Schiffsoffiziere aus der ganzen Welt. Über die Dreharbeiten sagt Heinrichs: „Es war eine große Herausforderung für unser Team, in London Schauplätze zu finden, die das richtige Aussehen boten und über ausreichend Platz verfügten. Einer dieser Orte ist Greenwich, wo schon viele Filme gedreht wurden und wo wir unsere Vorstellungen perfekt umsetzen konnten. Mit Hilfe einiger visueller Effekte haben wir daraus unsere eigenen Stadt gemacht.“

Greenwich erlaubte den Filmemachern die langen Vorbereitungen und Dreharbeiten, außerdem ermöglichte es acht Nachtdrehs, bei denen zwei Drehteams ideale Bedingungen für die Stuntszenen nutzen konnten. Erweitert wurden die Schauplätze durch visuelle Effekte, die unter Leitung von VFX supervisor Begg entstanden. „Im Verlauf des Films haben wir viele Schauplätze geschaffen, wie etwa den Panoramablick auf London“, erläutet Begg. „Wir waren nicht nur für den Werwolf zuständig, sondern haben bei den verschiedensten Drehorten für die richtige Atmosphäre gesorgt.“

VFX-Produzentin Karen Murphy ergänzt: „Wir haben sehr viel mit matte painting gearbeitet. Es müssen erst viele störende Dinge beseitigt werden, damit in einem Historienfilm jemand über eine nächtliche Straße laufen kann.“

Das einsame Heulen - Der Schrei des Wolfes

VFX, SFX, Make-up, Schauplätze oder Drehpläne waren nichts im Vergleich zur größten Herausforderung, der sich Regisseur Johnston bei dieser Produktion stellen musste. So überraschend es klingen mag, war es ein enormes Problem, das perfekte Heulen der Titelfigur zu finden. Dazu erläutert Johnston: „Für den Sound des Wolfsgeheuls haben wir alles probiert, von Tier-Imitatoren über ein schreiendes Baby bis zu künstlichen Klängen. Wir haben den Sound digital bearbeitet und mit verschiedenen Kombinationen das perfekte Heulen gesucht – aber vergeblich. Wir wollten etwas Einzigartiges schaffen, einen Sound, den die Zuschauer noch nie gehört haben“.
DDer Durchbruch gelang mit einer einzigartigen Idee der Sounddesigner, wie Johnston berichtet: „Howell Gibbens fragte: ‚Wo findet man die reinste und kontrollierteste Stimme, die es gibt? Bei einem Opernsänger!’ Also hörten wir uns etliche Opernsänger aus Los Angeles an und wählten die perfekte Stimme aus: einen Bassbariton.“

Nachdem Johnston und seine Sounddesigner Aufnahmen von einem Dutzend Wolfsstimmen gemacht hatten, fanden sie ihr perfektes Geheul. Dazu sagt der Regisseur: „Der Heulen von Wölfen entspricht unterschiedlichen Stimmungen, von Angst über Triumph bis Trauer. Wir regelten die Klänge um 40 Prozent herunter, wodurch sie wirklich furchteinflößend wurden. Wir bekamen so gespenstische Tierklänge, dass wir im Studio eine Gänsehaut hatten - das war genau, wonach wir gesucht hatten.“

„Ich erinnere mich noch daran, wie Joe uns zum ersten Mal das Heulen des Wolfsmenschen vorspielte“, sagt Stuber. „Es dreht dir den Magen um und bricht dir das Herz. Es lässt dich erschaudern und zittern, aber zugleich fühlt man Mitleid mit dieser fluchbeladenen Figur Lawrence. Neben der Verwandlungssequenz ist dieses Heulen mein liebster Moment des Films.“

Viktorianische Kostüme - Die Entwürfe von Milena Canonero

Die dreifache Oscar®-Gewinnerin Milena Canonero, die zuletzt die atemberaubenden Kostüme für „Maria Antoinette“ entwarf, verfügt über umfangreiche Erfahrungen mit Historienfilmen. Johnston wollte die Kostüme für „Wolfman“ sehr gotisch und mit kantigen Formen, wie sie 1890 üblich waren. Dazu verwendete Canonero dunkle, gedeckte Farben, die sich von den frischen Tönen unterschieden, die man Ende des 19ten Jahrhunderts in England oft findet.
Perfektionistisch bis ins Detail, wollte Canonero die Unterschiede zwischen Oberschicht und Arbeiterklasse deutlich machen. Die Kostüme der Oberschicht bekamen klare Silhouetten und lange, elegante Linien. Die Stoffe aus Seide, Samt und Pelz lassen den sozialen Status erkennen. Für die Kleidung der Arbeiterklasse wurden Wolle, Leinen und Baumwolle verwendet. Während die Oberschicht elegante Zylinder und Bowler-Hüte trägt, bekamen die Männer aus der Unterschicht schlichte Mützen.

Die meisten Kostüme für die Schauspieler wurden von Hand gefertigt. Wegen des Verschleißes bei den Verwandlungs- und Actionszenen, mussten einige Kostüme bis zu zwanzig Mal erneuert werden. Viele Kleidungsteile wurden mehrfach angefertigt, insbesondere für die Szenen mit Blut und Feuer, wobei die Stoffe für die Stuntleute besonders gegen Flammen imprägniert wurden. Für die Massenszenen stattete das Team von Canonero die Darsteller im Hintergrund mit Kostümen aus, die in Frankreich, Italien und ganz England gefunden wurden.
Die Kleidung von Gwen Conliffe, die während des Films meist trauert, ist vornehmlich schwarz gehalten. Als Mitglied der Oberklasse trägt sie ein Korsett aus verschiedenen schwarzen Materialien. Als Farbtupfer wurde der Kragen des Kleides der trauernden Verlobten mit grüner Seide versehen. Nachdem Gwen ihre Trauer überwindet und die unerwartete Liebe zu Lawrence entdeckt, trägt Emily Blunt dunkles Violett und Lila. Über ihr Korsett amüsiert sich Blunt: „In dieser Zeit drehte sich alles um die Hüftweite, was bedeutet, dass mich meine inneren Organe nun hassen.“

Wenngleich Sir John Talbot sehr aristokratisch ist, hat er sein heruntergekommenes Haus in den letzten Jahrzehnten kaum verlassen und kümmert sich nicht um sein Aussehen. Inspiriert von einer Zeichnung von Edward Gorey, entwarf das Team von Canonero die Kleidung für Talbot mit Elementen, die ihre einstige Schönheit ahnen ließen, aber nun völlig abgenutzt sind. Das Ergebnis war eine Kreation der untergegangenen Eleganz. Als ehemaliger Jäger, der gefährliche Expeditionen in Indien machte, besitzt Sir John zahlreiche Trophäen und Souvenirs, die er teilweise als Accessoire benutzt, wie etwa Pelze, die er zu seinem Mantel trägt.
Als Lawrence von Amerika nach England zurückkehrt, tritt er als Star von Shakespeares „Hamlet“ vor das Publikum. Da er lange in Amerika gelebt hat, entwarf das Team von Canonero seine Kleidung großzügiger als die eines britischen Gentleman aus der Oberschicht.

Für die Verwandlungssequenzen wurde der Anzug von Del Toro so präpariert, dass die Nähte platzen und der Stoff zerreißt, wenn seine Muskeln wachsen. Dafür wurden dehnbare Stoffe und Fäden verwendet, die den Anschein erweckten, als könnten sie jederzeit zerfetzen. Die größte Ähnlichkeiten zu den Tweed-Anzügen, die Del Toro sonst meist trägt, fand man in dehnbarem Nylon. Das letzte Ausstattungsstück, das man für Lawrence Talbot entwarf, war zugleich der Liebling der Produktion: Eine Nachbildung des Stocks mit Wolfskopf, den Lon Cheney, Jr. im Film von 1941 trug.

Text: Universal Pictures

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INHALT

Jack Bauer, inzwischen wieder in die USA zurückgekehrt, muss sich wegen seiner Tätigkeiten bei der CTU vor einem Untersuchungssausschuss des Senats verantworten. Jedoch muss diese unterbrochen werden, als das FBI Bauers Mithilfe benötigt. Scheinbar ist ein alter Bekannter zurückgekehrt und plant eine größere Tat in den Vereinigten Staaten.

Die neue Präsidentin Taylor muss sich derweil mit der ausgeweiteten Krise in Sengala befassen. Sie befürwortet einen intervenierenden Militäreinsatz, stößt dabei jedoch auf Widerstände. Überschattet wird ihre Amtszeit vom Tod ihres Sohnes. Zwar gehen die Behörden von Selbstmord aus, doch die trauernden Eltern glauben nicht an diese Erklärung.

KRITIK

Halbzeit! Zum Zeitpunkt des Verfassens dieses Artikels sind in den Vereinigten Staaten nun die ersten zwölf Episoden der siebten Staffel der Echtzeitserie 24 über den Bildschirm geflimmert. Seit zwei Monaten versucht Jack Bauer, der ehemalige CTU-Agent, nicht nur sein Heimatland, sondern auch noch den fiktiven afrikanischen Staat Sangala zu retten. Zeit also für eine kritische Bestandsaufnahme.

Was sollte nicht alles mit dieser neuen Staffel passieren? Ein Neuanfang sollte geschehen, ein kritisches Aufarbeiten der US-amerikanischen Politik der vergangenen Jahre und die Serie sollte nach der kritisierten sechsten Staffel neubelebt werden. Einiges davon mag funktioniert haben, anderes jedoch nicht. So ist das neue Setting in Form von Washington D.C. mehr als gelungen. Die Schauplätze in Los Angeles hatten sich verbraucht und ohnehin war es wenig glaubwürdig, dass alle Katastrophen der Welt in der größten Stadt Kaliforniens kulminierten. Washington D.C. stellt eine schöne Abwechslung dar, welche durch den sparsamen Einsatz eines bläulichen Farbfilters auch noch optisch unterstrichen wird. Ohnehin wird die Hauptstadt durch US-Serien relativ stiefmütterlich behandelt, wodurch gerade der deutsche Zuschauer einige neue Einblicke in diese im übrigen für Touristen sehr lohnenswerte Stadt bekommt.

Doch ein Neuanfang hat dennoch nicht gänzlich stattgefunden. Klar, es gibt neue Figuren und die gefallen mir sogar richtig gut. Ob Larry Moss, Renee Walker, Präsident Taylor oder Henry Taylor, alle werden durch versierte Schauspieler dargestellt und werden sofort zu Identifikationsfiguren. Vor allem Anne Wersching als Special Agent Walker gefällt mir richtig gut, steht sie doch sinnbildlich am Scheideweg des neuen Amerikas. Immer deutlicher sieht man ihr die innere Zerrissenheit an, während sie sich die Frage stellt, ob der Zweck die Mittel heiligt oder nicht. Wie schnell die so stark wirkende Frau ins Emotionale abdriftet, ist schauspielerisch beeindruckend.

Was den Neuanfang erschwert, sind jedoch zwei Dinge. Erstens hat man den Fehler gemacht, das FBI Antiterrorteam nach Vorbild der alten CTU zu kreieren. Larry Moss erinnert an den frühen Bill Buchanan aus Season 4 & 5 und Janice Gold ist eine unfassbare einfallslose Kopie von Chloe O´Brian.

Zweitens schafft man es trotz guter Absichten nicht, sich doch gänzlich von der Vergangenheit zu lösen. Natürlich erfreut es den Serienkenner, wenn Figuren wie Bill, Tony oder Chloe wieder auftauchen. Auch Gastauftritte von Aaron Pierce oder Morris O´Brian sind mehr als gern gesehen. Gleichzeitig machen diese Auftritte deutlich, dass ein harter Schnitt in Form eines Neuanfangs nicht gelungen ist. Hier fühle ich mich hin und hergerissen zwischen Akzeptanz und Ablehnung. Dabei bleibt weiterhin das Manko, dass die Rückkehr von Tony Almeida harter Tobak ist. Oder härter ausgedrückt: sein Überleben ist absolut hanebüchen! Ob am Ende auch noch Michelle Dessler oder Edgar Stiles von den Toten wiederauferstehen werden? Ich hoffe nicht!

Aber auch die Gastrollen sind toll besetzt. Kurtwood Smith, Tony Todd (der in der dritten Staffel schon einmal als Polizist zu sehen gewesen ist) und Jon Voight sind hochkarätig und zeigen, dass die Serie für etablierte Schauspieler immer noch Renomée besitzt.

Das größte Manko der gesamten Staffel ist jedoch die Überraschungsarmut, die sich für Serienkenner einstellt, die wie ich alle Staffeln im Regal stehen haben. Klar, eine Serie mit einem solch limitierten Konzept kann sich inzwischen nicht mehr neu erfinden. Und man muss der ganzen Sache zugute halten, dass Neueinsteiger ohne viele Vorkenntnisse in jeder Staffel einsteigen können. Aber für Langzeitkenner schleichen sich inzwischen vertraute Muster ein, welche die Serie nicht mehr durchbrechen kann. Mal wieder gibt es einen Verräter, mal wieder kämpft Jack allein gegen alle, mal wieder gibt es eine Verschwörung in der Regierung. Inzwischen ist alles soweit bekannt, dass nur noch wenige Cliffhanger mich so richtig überraschen können. Vieles wirkt vorhersehbar, bemüht und verpufft dadurch trotz der guten Absichten.

Wieso floppt die siebte Staffel dann nicht in meinen Augen? Weil 24 immer noch besser ist als 90% des Einheitsbreis, der uns von US-amerikanischen Sendern präsentiert wird und wahrscheinlich besser als 98% der deutschen Sendungen (mal abgesehen vom Tatort). Weil Kiefer Sutherland auch im siebten Jahr der Serie immer noch motiviert genug scheint, all seine Energie in diese Figur namens Jack Bauer zu stecken, welche inzwischen zu einem Alter Ego geworden ist. Weil die Action, die Regie und die musikalische Untermalung immer noch auf allerhöchsten Niveau sind. Und weil die Serie am Ende doch die eigenen Motive kritisch hinterfragt und immer wieder das schwierige Thema der Folter aufgreift. Sie zeigt, wie schnell man trotz guter Absichten wieder in vertraute Muster zurückfallen kann, denn die Geister, welche man einmal rief, wird man so schnell nicht wieder los. In beinahe jeder Episode muss der Zuschauer selbst entscheiden, wie weit er selbst zu gehen bereit wäre.

Deswegen ist 24 immer noch eine Serie, die sich vom Mittelmaß abhebt. Gleichzeitig hat sie ihren Zenit schon überschritten und sollte langsam auf ein verdientes, würdevolles Ende zusteuern. Vielleicht wäre es in der Tat besser, wenn die Serie nach der achten Staffel endet, sofern nicht in den nächsten 12 Episoden die Serienrevolution einsetzt, was ich jedoch für sehr unwahrscheinlich halte. Damit man später einmal mit Wehmut auf eine Zeit zurückblicken kann, in der Kiefer Sutherland und Produzenten uns gezeigt haben, was in Sachen Action im Fernsehen möglich gewesen ist.

Nadir Attars Wertung
Action   Humor   Spannung   Erotik   Anspruch

BRÜNO

Regie: Larry Charles

STORY

Sacha Baron Cohen (screenplay)
Anthony Hines (screenplay)
Dan Mazer (screenplay)
Jeff Schaffer (screenplay)
Sacha Baron Cohen (story)
Peter Baynham (story)
 Anthony Hines (story)
 Dan Mazer (story)

BESETZUNG

Sasha Baron Cohen macht keine halben Sachen. Sowohl als weißer schwarzer Rapper Ali G oder als kasachischer Reporter Borat legte er mit seinen Filmen die Messlatte für Realsatire deutlich höher. Nun zeigt er mit seiner Figur 'Brüno' dass noch deutlich mehr geht.

Der schwule Österreichische Reporter und Model möchte berühmter als Schwarzenegger und Hilter - die laut Brüno beliebtesten Österreicher - werden. Dazu begibt sich das einstige männliche Model nach Amerika und stellt damit sowohl die heuchlerische Allgemeinheit als auch die Lachmuskeln der Kinozuschauer auf eine Zerreißprobe. Zusammen mit seinem ihm treu ergebenen Assistenten Lutz zieht er durch Talkshows, Boot-Camps und spricht mit Hollywood-Schauspielerinnen über die Wichtigkeit von Rassengleichheit und Toleranz. Natürlich während sie auf den Rücken von mexikanischen Arbeitskräften sitzen.

Als jedoch sein Showkonzept bei einem Testpublikum gnadenlos durchfällt fasst er einen ehrgeizigen Plan: durch die Adoption eines Schwarzen Babys will er wie Madonna seine Beliebtheit steigern.

Kritik von Daniel Räbiger

Wer einst dachte Borat sei an der Grenze des guten Geschmacks der bekommt mit Brüno ein ganz anderes Kaliber serviert. Klar, der Film weiß vom Aufbau her kaum neues zu bieten. Letztendlich erzählt Cohen wie schon mit Borat im Prinzip die gleiche Story. Dies funktioniert jedoch gerade was die subtilen Pointen angeht derart gut dass Spaß garantiert ist.

Cohen schafft hierbei auch eine völlig neue Komponente im Kinoerlebnis. Das entsetzte Staunen.

Wie bei einem widerlichen, abscheulichen Horrorfilm fragt sich der Zuschauer 'WTF!!??' und kann gar nicht fassen was er da zu sehen bekommt. Im Gegensatz zum Horrorfilm ist dies aber bei Brüno durchaus positiv zu bewerten. Es ist einfach unfassbar was hier geboten wird. Gefühlte minutenlange Sequenzen die einfach nur einen großen Penis zeigen. Eine Swingerparty auf der sich Brüno an diverse männliche Teilnehmer heranmacht. Von Hinten und schonungslos.

Schauspielerisch ist Sasha Baron Cohen erneut sehr überzeugend. Unterstützt wird er diesmal durch deutlich mehr gecastete Schauspieler und gestellte Situationen. Dies ist fürs erste etwas enttäuschend, jedoch sehr der Handlung zuträglich die deutlich geschlossener wie noch in Borat wirkt. Entschädigt wird man dafür durch Szenen im Nahen Osten wo Brüno von einem Aufgebrachten Mob verfolgt wird. Hier war wohl definitiv kein Inszenieren möglich und Cohen kann froh sein, mit dem Leben davon gekommen zu sein.

Auch sprachlich beweist Cohen erneut ein hervorragendes Gespür. Seine Mischung aus Englisch und Deutsch ist hervorragend umgesetzt - etwa 10% des Films sind gar komplett auf Deutsch. Und wie schon bei Borat gilt auch bei Brüno: dieser Film MUSS im Originalton gesehen werden. Anders ist er weder authentisch noch wird er so viel Spaß machen.

"Ein Film den man gesehen haben muss."
Daniel Räbiger	Wie schon auch der Trailer dem Film in keinster Weise gerecht wird so verhält es sich auch mit dieser Kritik. Brüno ist ein Film den man gesehen haben muss - egal wie abschreckend, schlecht, niveaulos oder unverständlich der Trailer oder dieses Review auch erscheinen müssen. Ein Film den man gesehen haben muss.
Spannung Action Humor Erotik Charaktere Kontiunität Anspruch

Terminator 4 Trailer 2 - Deutsch
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Terminator 4 Trailer 2
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Terminator: Salvation Trailer 1 (US-Version)
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Terminator 4 TV Spot mit Arni

Die Welt steht am Abgrund. Armeen von kybernetischen Organismen – die Terminatoren – streifen im Jahr 2018 durch die postapokalyptische Landschaft, löschen unbarmherzig die menschlichen Überlebenden nach dem „Tag der Abrechnung“ aus oder nehmen sie gefangen. John Connor (CHRISTIAN BALE) führt den Widerstand der Menschen gegen die künstliche Intelligenz des Netzwerks Skynet und die Terminatoren an.

Aber dann geschieht etwas, das Connor nicht vorhersehen konnte – selbst wenn er seit Kindesbeinen an auf diesen schicksalhaften Kampf vorbereitet wurde: die Ankunft des geheimnisvollen Marcus Wright (SAM WORTHINGTON). Das Einzige, an das dieser sich erinnern kann, ist, dass er zum Tode verurteilt wurde – danach fehlt Marcus jegliche Erinnerung, bis er in dieser fremden, lebensfeindlichen Welt aufwachte. Ist Marcus aus der Zukunft gesandt worden, um den Widerstand zu infiltrieren? Oder ist er aus der Vergangenheit gerettet worden? Connor muss sich entscheiden, ob er dem geheimnisvollen Fremden vertrauen kann.

In der Zwischenzeit entwickelt Skynet neue Strategien und bereitet den finalen Vernichtungsschlag vor. Zusammen mit Marcus muss sich John Connor im direkten Kampf gegen Skynet stellen – und dabei decken sie jenes schreckliche Geheimnis auf, das hinter dem möglichen Ende der gesamten Menschheit steht…

Filmkritik von Daniel Räbiger

"Komm mit mir wenn du leben willst" - diesen Satz dürfte ja wohl fast jeder kennen der sich auch nur im entferntesten mit dem Terminator Franchise auseinandergesetzt hat. Terminator Salvation (Terminator - die Erlösung) macht da keine Ausnahme und zelebriert in seinen 115 Minuten Laufzeit einiges an alten Sprüchen. Doch neben dem offensichtlichen - wie schneidet der Film in Sachen Unterhaltung ab? Chefredakteur Daniel Räbiger hat sich den Streifen von McG angesehen.

Als bekennender Fan der Terminator-Filme (Teil zwei geht immer. Und ich meine IMMER!) waren meine Erwartungen an Terminator Salvation durchaus hoch. Haben Teil eins und zwei schließlich ein ganzes Genre definiert und den modernen Actionfilm geschaffen. Auf der einen Seite mit der Terminator-Typischen harten, direkten und vor allem echten Action, auf der anderen Seite mit bahnbrechenden Special-Effects. Erst an dritter Stelle möchte ich hier die Story anführen. Während manch anderer Rezensent den ersten beiden Filmen die Faust von Arnold mit der von Goethe verglich war für mich die Handlung lediglich nettes Beiwerk.

So war dies auch in Teil drei und ist es ebenfalls in Terminator Salvation. Die Zukunft ist grau, kaputt und die Maschinen sind Böse. Mehr ist da nicht. Mehr braucht es aber eigentlich auch nicht.

In Sachen Special Effects machte McG hier alles richtig: Neben George Lucas' Industrial Light & Magic holte er sich gleich sieben weitere Special Effects Firmen mit an Bord um eine überzeugende und echte Vision der Zukunft zu schaffen. Dies gelingt auch über große Teile des Film, lediglich manchmal wirkt einiges in dem doch schon 2018 spielenden Action-Thriller unpassend.

Auf der anderen Seite ist der Special Effects Supervisor Charles Gibson gleichzeitig auch der Second Unit Director und somit für die meisten Action-Aufnahmen zuständig. Und - Gott sei Dank muss man sagen - setzte auch er nicht zu stark auf Computergenerierte Effekte. Unvergessen bleibt z.B. die Szene aus Terminator 3 in welcher Arnold, hängend an einem schweren Kran, durch einen Häuserzug geschleudert wird. So eine Szene ist nur deshalb cool gewesen weil sie mit einem echten Haus gedreht wurde. Dies hat man sich auch bei Salvation zu Herzen genommen und zündet zahlreiche echte Explosionen. Besonders spektakulär ist sicherlich der Napalm-Angriff und die Sprengung eines Tanklasters samt Tankstelle.

Schauspielerisch zeigt Christian Bale als John Connor solides. Für mich ist Bale jedoch durch seine Zahlreichen Rollen im Kino mittlerweile sehr verbraucht. Und mehr als Durchschnittskost kann er auf Basis des Drehbuchs ohnehin nicht liefern. Hier hätte ich mir einen neuen, unverbrauchten Schauspieler mit deutlich mehr natürlichem Charisma gewünscht. Wie zum Beispiel Anton Yelchin der in Terminator Salvation als Kyle Reese brilliert. Ganz im Kontrast zu seiner eher kindlichen Rolle in Star Trek 11 zeigt Yelchin hier dass er viel mehr kann als nur einen überzogenen russischen Akzent sprechen. An dieser Stelle vergeudet der Film allerdings viel Potential da er sich ständig auf John Connor - wohl auf Christian Bales Wunsch hin- konzentriert. In der neuen Zukunft ist Kyle Reese zusammen mit einem jungen Mädchen einer der letzten Menschen in einem zerstörten Los Angeles. Er scheint alles verloren zu haben. Darum hätte man durchaus noch einen Story-Arc spinnen können der dem Film sicher gut getan hätte.

Was mich zu Sam Worthington alias Marcus Wright bringt. Wright ist eine Maschine. Ein Terminator. Jedoch mit einem menschlichen Herz - sowohl im technischen als auch gefühlten Sinne. Er sucht aus ungeklärten Gründen John Connor. Als dieser Ihn findet wird er gebrandmarkt - als Maschine. Große Überraschung. Es gibt aber jemanden der an Marcus glaubt und ihm zur Flucht verhilft. So weit so vorhersehbar. Das Hauptproblem daran ist jedoch, dass Terminator Salvation damit der Figur des Terminators allen Schrecken nimmt. Im Film gibt es ausschließlich große Kampfmaschinen wie den neuen, monströsen T-600, den Vorgänger des Terminator 1 T-800. Diese Roboter sind wirklich nur Roboter ohne lebendes Gewebe. Und sie stehen überall rum und werden platt gemacht. In Kombination mit dem ohnehin bereits guten Terminator Marcus Wright bleibt dem Film damit kein mysteriöses, beängstigendes Element mehr. Kein Arnold in Terminator 3 der jederzeit die Seiten wechseln kann, keine unbekannte Gefahr mehr wie in Terminator 2 mit dem formwandelnden T-1000. Nur plumpe Maschinen. Zack Peng. Explosion. HA!

Während Terminator Salvation ein durchaus sehenswertes Actionspektakel ist fehlt ihm somit eins der wichtigsten Elemente die ein Film braucht: die Spannung.

Einzig in den letzten Minuten wird es nochmals brenzlig als das erste Modell des T-800 sozusagen fertig ist. Und der sieht aus wie Arni damals 1984. Das ist geil. Da dachte ich mir 'jetzt gehts loohoos, Spätzle mit Sooooß'. Das Publikum applaudierte im Saal. Arnis computergenerierte Rückkehr sieht großartig aus. Seinen Kopf hat man auf den trainierten Körper des Österreichers Roland Kickinger montiert. So schnell er gekommen war ist es leider auch schon wieder vorbei und der Film endet Hollywoodtypisch mit einer Art Happy End. Warum nicht den Mut haben und ein offenes, tragisches Ende wie in Terminator 3? Warum baut man einen ganzen Film eine Figur mit Zukunft auf nur um Sie am Ende zu Opfern?

„durchaus sehenswertes Actionspektakel"
Daniel Räbiger Chefredakteur	Terminator Salvation ist ein Film mit verschenktem Potential. Terminator Salvation ist ein netter Actionfilm dem an vielen Stellen die Spannung fehlt. Terminator Salvation ist nicht die erhoffte, würdige Fortsetzung aber dennoch mit Einschränkungen sehenswert. Allein schon wegen Arnold!
Spannung Action Humor Erotik Charaktere Kontiunität Anspruch

Produktionsnotizen

„Das Schicksal liegt allein in unserer Hand“: Das Ende beginnt

Premierenbilder

Das menschliche Drama von TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG entfaltet sich in einem ausgebombten, postapokalyptischen Amerika, das an den Folgen des „Tags der Abrechnung“ leidet.

„Wir erzählen die Geschichte der Welt nach dem Tag der Abrechnung“, sagt McG. „Es ist die Geschichte von John Connor, Kyle Reese, der Stärkung von Skynet und der Frage, wo die Menschheit letztendlich steht. Es ist der Moment, an dem die Menschheit sich gegen die Maschinen erhebt.“

Bei der Umsetzung der lange versprochenen Zukunft des Terminator wollte McG eine Vision erschaffen, die nichts weniger als real ist. „Ich wollte nicht einfach Schauspieler vor einer Green Screen filmen, ich wollte, dass sie auf wahrhaftige Terminatoren reagieren“, sagt der Regisseur. „Ich wollte den verwüsteten amerikanischen Westen – eine weite Fläche, die ein Leben voller Härte suggeriert, das man fühlen und schmecken kann. Weil die Bomben explodiert sind und die Ozonschicht geschädigt haben, hat der Himmel eine andere Farbe bekommen. Die Erde hat sich verändert und man bemerkt sofort, dass etwas nicht stimmt.“

Der Produzent Derek Anderson, der zusammen mit seinem Partner Victor Kubicek und der gemeinsamen Firma Halcyon Company die Terminator-Rechte besitzt, erinnert sich: „Als wir uns mit McG trafen, war seine Vision so klar, dass wir sie vor unserem inneren Auge erkennen konnten.“

„Er hat das Talent, den Enthusiasmus und die Leidenschaft der Geschichte – es war klar, dass er der richtige Regisseur für diesen Film ist“, pflichtet ihm Kubicek bei. „Wir wussten von Anfang an, dass er es schaffen würde.“

McG führte bei TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG die Regie, nachdem er sein halbes Leben lang ein Fan der Kinoserie war. The Terminator (Terminator, 1984), geschrieben und inszeniert von James Cameron, kam 1984 in die Kinos und machte die Welt mit dem Cyberdyne-Systems- Modell 101 T-800 bekannt – das von Arnold Schwarzenegger verkörpert wurde. Der T-800 wird von seinem Schöpfer, dem künstlich intelligenten Netzwerk Skynet, in der Zeit zurückgesandt, um zu verhindern, dass der zukünftige Anführer des Widerstands überhaupt zur Welt kommt. Aber genau dieser Anführer sendet einen menschlichen Soldaten zurück in der Zeit: Kyle Reese (Michael Biehn). Er soll Sarah Connor (Linda Hamilton) schützen und wird schließlich der Vater ihres Kindes – ein Kind, das zum größten Feind von Skynet heranwachsen wird.

„Das, was man in dem ersten Film über den Terminator erfährt, ist, dass er ein unaufhaltsames Biest ist – er steht immer wieder auf“, erklärt McG. „Er ist eine Maschine, die ihr Opfer bis zum Ende jagt. Und selbst, wenn er schon in Stücke geschossen ist: Er wird nicht aufhören, bis sein Opfer tot ist.“

James Camerons Fortsetzung Terminator 2: Judgment Day (Terminator 2 – Tag der Abrechnung, 1991) avancierte weltweit zu einem Box-Office-Phänomen. Die Geschichte setzt ein, nachdem Sarah Connor in eine psychiatrische Anstalt eingewiesen wurde und ihr halbwüchsiger Sohn John (Edward Furlong) sich gegen einen hochentwickelten T-1000- Terminator (Robert Patrick) verteidigen muss, den Skynet aus der Zukunft geschickt hat, um John zu töten. Aber der zukünftige Connor schickt ein reprogrammiertes Modell des T-800 (Schwarzenegger) zurück, um sein jüngeres Selbst zu schützen. Zusammen versuchen Sarah, John und ihr neuer Verbündeter, dem T-1000 zu entkommen und den Tag der Abrechnung zu verhindern.

„Ich war 17 Jahre alt und gerade in den USA angekommen, als T2 in die Kinos kam“, erinnert sich Christian Bale, der nun in TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG die Rolle des John Connor übernimmt. „Diese Begeisterung im Kino - so etwas hatte ich noch nie vorher erlebt. Man konnte den ganzen Film über nichts verstehen, weil die Zuschauer alle so laut schrieen.“

Der Regisseur Jonathan Mostow schloss mit Terminator 3: Rise of the Machines (Terminator 3 – Rebellion der Maschinen, 2003) die erste Trilogie: Am Ende geschieht das Schreckliche – der Tag der Abrechnung, den John Connor (Nick Stahl) und seine Mutter ein Leben lang verhindern wollten, bringt auf das Kommando von Skynet den nuklearen Krieg über die Welt.

Terminator 3 wurde von John Brancato und Michael Ferris geschrieben, die mit ihrem Drehbuch für TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG nun zu der Serie zurückkehren. „Seitdem wir die erste Terminator-Trilogie beendet und die Erde verwüstet hatten, wussten wir, dass die zeitreisenden Terminatoren ausgedient hatten“, bemerkt Brancato. „Der neue Film musste von den Ereignissen nach dem Fall der Bomben handeln.“

„Wir wollten über den lange vorhergesagten Kampf zwischen Mensch und Maschine schreiben“, ergänzt Ferris. „Das gab uns die Möglichkeit, den gesamten Ansatz der Serie zu verändern. Die ersten drei Filme spielen in einer bekannten, zeitgenössischen Welt. Dieser Film ist ein Kriegsfilm – er spielt in einer düsteren, postapokalyptischen Zukunft.“

TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG findet im Jahr 2018 statt, vierzehn Jahre nach der nuklearen Attacke am Ende der ersten Terminator-Trilogie. Produzent Moritz Borman, der schon als Ausführender Produzent an Terminator 3 beteiligt war, erläutert: „Am Anfang haben wir die bewusste Entscheidung getroffen, dass – so, wie die ersten drei Filme in einem uns bekannten Zeitfenster spielen – TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG eine Zukunft enthüllen sollte, von der wir in den ersten Filmen immer nur eine kleine Ahnung bekommen haben. Also springen wir in die Zeit, in der Kyle Reese noch ein Teenager war und die Menschen noch nicht herausgefunden haben, was geschehen wird – vor allem die Zeitreisen, die die Geschichte in Bewegung gebracht haben. Mit diesem Film befinden wir uns mitten in jenem Krieg, vor dem so lange gewarnt wurde und wir werden Zeugen von John Connors Aufstieg zum Anführer des Widerstands.“

„In TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG ist Skynet bereits dominant, aber noch in einem Zustand der Evolution“, fährt Christian Bale fort. „Die Menschen sind definitiv in der Falle. Sie stehen mit dem Rücken zur Wand und ihre Lage ist verzweifelt. Dies ist der letzte, ultimative Kampf um das Überleben der Menschheit.“

„Alles ist schwierig geworden für die Menschen“, stellt auch McG fest. „Es ist schwierig, an Lebensmittel zu gelangen, es ist schwierig, Energie zu bekommen. Alles ist aufgebraucht. Und die Menschen werden ständig gejagt.“
„Aber dennoch besteht Hoffnung für die Menschheit“, bemerkt Borman. „Es gibt etwas in ihrer neuen Lebensweise, das ihren Glauben an die Zukunft nach den Maschinen zeigt – dass sich die Welt wieder aus der Asche erhebt. Und diese Hoffnung wird – natürlich – verkörpert von John Connor.“

„Wenn Sie das hören, gehören Sie zum Widerstand“:
Ein alter Feind in einer neuen Zukunft

Als Darsteller der Figur, die Dreh- und Angelpunkt der gewaltigen Terminator-Saga ist, besetzte McG Christian Bale, der darüber hinaus zu einer sehr kritischen Komponente für McGs Vision des Films wurde. „Christian ist ein unfassbar talentierter Schauspieler und ein echter Mitarbeiter“, sagt der Regisseur. „Nur wenige Schauspieler bringen so viel Tiefe und Gewicht auf die Leinwand wie Christian.“

Die Filmemacher suchten Bale auf, als er in London gerade The Dark Knight (The Dark Knight, 2008) drehte. „Wir haben ein Treffen zwischen McG und Christian arrangiert“, erinnert sich die Ausführende Produzentin Jeanne Allgood. „Christian war am Anfang zurückhaltend, denn er wollte sichergehen, dass es sich hier um mehr als nur einen Actionfilm handelte.“

Schon früh im Entwicklungsprozess schärfte sich eine neue Vision für die Figur des John Connor. „Er ist älter geworden und hat den Tag der Abrechnung erlebt“, sagt Bale. „Ein Ereignis wie dieses zu überleben, verändert jeden auf jede mögliche Weise. Er ist ein völlig anderer Mensch geworden“.

Connor kämpft an vorderster Front des Widerstands, aber er ist noch nicht ihr Anführer. Die neuen Entwicklungen von Skynet haben seine Vision von der Zukunft erschüttert, von der ihm seine Mutter sein Leben lang erzählt hat. Sie hat immer daran geglaubt, dass die Zukunft noch nicht fest steht, aber seine Zweifel wachsen und er glaubt, dass er nicht so lange überleben wird, um die Ereignisse in Gang zu setzen, die zu seiner eigenen Zeugung führen werden – nämlich Kyle Reese in der Zeit zurückzuschicken, um seine Mutter zu schützen.

„John Connor hat keine Ahnung, wie er zu dem werden soll, von dem ihm seine Mutter erzählt hat“, sagt der Produzent Jeffrey Silver, „denn er weiß, dass es verschiedene Möglichkeiten einer Zukunft gibt. Er ist eine sehr komplexe, unglaublich couragierte Figur und nur Christian war in der Lage, ein so vielschichtiges Porträt abzuliefern, nach dem diese Rolle verlangt.“

Der Mann, zu dem Connor sich entwickelt, ist einerseits eine Weiterentwicklung seines jüngeren Selbst und gleichzeitig jemand völlig anderer. „Er ist definitiv jemand, der viel mit sich herumschleppt“, bringt es Christian Bale auf den Punkt. „Er ist jemand, dem sein ganzes Leben lang von der Zukunft erzählt wurde und der die Bürde dieses Wissens nun auf seinen Schultern trägt. Aber seine Mutter hat ihm auch beigebracht, dass das Schicksal allein in unseren Händen liegt, also weiß er, dass er sich nicht einfach verstecken und darauf hoffen kann, dass alles gut wird. Er muss rausgehen und kämpfen. Und er ist ein Kämpfer! Ich sehe ihn als einen Charakter wie Achilles. Er ist jemand, der die Auseinandersetzung liebt. Aber er kämpft auch mit dem, mit dem alle Soldaten tagtäglich umgehen müssen: dem Verlust guter Freunde. Und er hat Angst, dass er nicht der Führer ist, den die Menschen zu diesem Zeitpunkt erwarten.“

Neben seinen Zusammenstößen mit den Anführern des Widerstands und seinen Ängsten vor der Stärke und der Evolution von Skynet erschüttert ein weiteres Ereignis die Vision der Zukunft, an die Connor von Kindheit an geglaubt hat: das Erscheinen eines Mannes, dessen Existenz niemals erwähnt wurde – ein Mensch-Maschinen-Hybrid namens Marcus Wright. John Brancato erläutert: „Der Schlüssel zu der Geschichte war die Figur von Marcus, dessen innere Kämpfe einen größeren Konflikt reflektieren.“

Für die Besetzung dieses starken Anti-Helden an der Seite von John Connor wandten sich die Filmemacher an Sam Worthington, der gerade frisch von der Arbeit mit dem Terminator-Schöpfer James Cameron an dessen Science-Fiction-Film Avatar (Avatar, 2009) kam. „Sam ist ein echt harter Typ, aber gleichzeitig zeigt er eine sehr große angeborene menschliche Sensibilität“, sagt McG. „Er kann mit Christian mithalten und das ist eine gewaltige Leistung, wenn man bedenkt, was für ein grandioser Schauspieler Christian ist. Es war von Anfang an klar, dass Sam unser Mann ist.“

Die letzte Erinnerung von Marcus Wright ist die an sein Todesurteil, nachdem er ein Verbrechen begangen hatte. Er hat ansonsten keine Erinnerung daran, wie er in diese Welt kam und worin seine Aufgabe besteht. „Marcus saß in der Todeszelle“, sagt Sam Worthington. „Er war zum Tode verurteilt. Aber dann wacht er in dieser postapokalyptischen Welt auf und geht auf eine surreale Reise, in deren Verlauf er herausfinden will, warum er nicht tot ist.“

„Niemand weiß, wer Marcus wirklich ist“, fährt Bale fort. „Er hat eine Vergangenheit und er bedauert eine ganze Menge. Das passt zum Thema des Films, denn es geht um die Sehnsucht nach einer zweiten Chance.“

Die Vorstellung einer zweiten Chance ist es auch, die Dr. Serena Kogen antreibt, Marcus im Todestrakt aufzuspüren. Die Wissenschaftlerin aus der Abteilung für Genetik bei Cyberdyne Systems wird von Helena Bonham Carter gespielt. „Helena verkörpert eine sehr kompetente Wissenschaftlerin, die an den modernsten Entwicklungen der Technologie arbeitet“, sagt McG. „Die Tatsache, dass sie an einer tödlichen Krebserkrankung leidet, motiviert sie nur noch mehr. Sie glaubt fest daran, dass ihre Forschung Menschen wie ihr eine zweite Chance gibt. Aber ihre Ergebnisse fallen Skynet in die Hände und die Konsequenzen sind für die Maschinen geradezu revolutionär. Sie ist allerdings diejenige, die Marcus dazu bringt, seinen Körper ihrer ,Forschung‘ zur Verfügung zu stellen… und ihr Gesicht ist das letzte menschliche Antlitz, das Marcus sieht, bevor er stirbt.“

Dahintreibend durch diese feindliche neue Welt, gestohlene Kleidung tragend und einen heftigen inneren Kampf ausfechtend mit der Frage, was nach seinem „Tod“ geschehen ist, wird Marcus von einem jungen Mann vor einem Terminator gerettet. Dieser – von Anton Yelchin gespielte – junge Mann stellt sich als Kyle Reese heraus. „Marcus verschanzt sich in einem verlassenen Gebäude, wo er von einem T-600 beschossen wird“, beschreibt Yelchin. „Und aus heiterem Himmel stürmt dieser Junge herein, schnappt ihn und rettet ihn. Dieser Junge ist Kyle Reese. Wir hören ihn sagen: ,Komm mit, wenn du am Leben bleiben willst!‘ – wie im ersten Film.“

Kyle, der später in der Zeit zurückreisen und Sarah Connor retten wird, ist zu diesem Zeitpunkt noch ein Teenager, der um sein eigenes Überleben kämpft. „Er ist rauflustig, ein grimmiger Überlebender“, beschreibt ihn McG. „Ich brauchte jemanden, der diese Qualitäten verkörpert und sozusagen eine jüngere Version von Michael Biehn ist, der den älteren Kyle Reese in The Terminator spielte. Denn unsere Geschichte findet über zehn Jahre vor seiner Mission in der Vergangenheit statt.“
Yelchin ist Terminator-Fan, solange er denken kann – und er war begeistert von der Aussicht, Kyle Reese in dessen Jahren als Teenager spielen zu können. „McG und ich sprachen darüber, was er als Kind wohl durchmachen musste, damit er zu dem knallharten Typen aus dem ersten Film heranwächst“, sagt er. „Warum ist er als Mann so hart und stark? Man erkennt diese Elemente bereits in dem Jungen. Kyle überlebt von einem Tag zum nächsten, er isst das, was er finden kann. Er ist da draußen, umgeben von T-600s und vielen menschlichen Gaunern, die längst nicht alle freundlich gesinnt sind.“

Immer wenn Kyle die Kurzwellen-Radiobotschaften von John Connor hört, träumt er davon, sich dessen Widerstand anzuschließen. Und Connor seinerseits ist auf der Suche nach Kyle. „Connor fahndet nach Kyle Reese, der sein Vater ist und andererseits zu diesem Zeitpunkt noch ein junger Bursche“, erläutert Bale. „Kyle hat noch keine Ahnung davon, welche zentrale Rolle er in der Zukunft spielen wird, und Connor kann es ihm nicht sagen. Zeitreisen können einen ganz schön verwirren“, grinst er.

Aber Kyle ist nicht allein auf seiner Reise. Er ist in Gesellschaft von Star, einem neunjährigen Mädchen, das durch das Trauma des Kriegs und der Vertreibung von zu Hause stumm geworden ist. Die von Jadagrace Berry gespielte Star hat außerdem die Gabe, die Anwesenheit von Terminatoren zu spüren, bevor sie zu sehen sind. Wichtiger als das ist jedoch, dass sie Kyle eine Aufgabe gibt: „Sie macht Kyle sehr verwundbar, denn er fühlt sich für sie verantwortlich“, sagt Yelchin. „Ich glaube, wenn er sich nicht um sie kümmern würde, würde er sich nicht so viel Mühe geben – Widerstand hin oder her.“

„Star verkörpert die Unschuld in diesem Film“, stellt McG fest. „Sie verkörpert Hoffnung. Man schaut sie an und sagt: ,Das ist es, wofür wir kämpfen. Wir wollen, dass Menschen wie sie überleben. Sie ist die Zukunft.‘ Anders als die Menschen, die sich an die Welt vor dem Tag der Abrechnung erinnern, ist sie in dieser Welt aufgewachsen, die von der Brutalität der Maschinen beherrscht wird. Das hat ihr die Fähigkeit gegeben, ihr Auftreten zu spüren und so kann sie den Helden ab und zu eine große Hilfe sein.“

Von Tag zu Tag ums Überleben kämpfend, werden Kyle, Star und auch Marcus von anderen menschlichen Flüchtlingen, die sie auf ihrer Odyssee treffen, bedroht oder unterstützt– unter anderem von Virginia, die von Jane Alexander gespielt wird. Während die anderen aus ihrer Gruppe das Trio ignorieren wollen, besteht Virginia darauf, die wenigen Vorräte mit ihnen zu teilen. „Die Ironie dieser Szene besteht darin, dass nur hier, wo das Leben selbst eine Herausforderung ist, Marcus wahre Menschlichkeit, Freundlichkeit und Mitgefühl erfährt“, bemerkt Worthington.

Marcus, Kyle und Star werden plötzlich getrennt, als sie von einem Harvester attackiert werden – einer riesigen insektenartigen Maschine mit vielen Armen und Beinen, mit denen sie nach ihren Opfern greift, sie in einen Transporter lädt und sie zu Skynet schafft. Kyle und Star werden von einer Armee von Terminatoren kilometerweit über Straßen, Brücken und Flüsse hinweg verfolgt – von den massiven Hunter-Killers bis hin zu den geschmeidigen, zweirädrigen Moto-Terminatoren – und am Ende doch von dem Harvester gefangengenommen und in dem Transporter einem ungewissen Schicksal entgegengeführt.

„Das ist ein Teil des großen Leids in dieser Maschinenwelt“, kommentiert McG. „Du tust alles, zu dem du als Mensch imstande bist, aber es reicht einfach nicht. Du kannst diese Maschinen nicht besiegen. Alles, was ihnen Kyle und Marcus entgegen schleudern, ist nutzlos. Sie sind unaufhaltsam.“

Marcus dagegen kann der Gefangenschaft entkommen und rettet das Leben eines abgestürzten A-10-Piloten, der bei dem Versuch, die Menschen vor dem Harvester zu beschützen, seinen Schleudersitz betätigen musste. Der Pilot stellt sich als die atemberaubende Blair Williams heraus, die Marcus mit in das Hauptquartier des Widerstands nimmt. „Blair ist eine großartige Kampfpilotin und eine echte Überlebenskünstlerin“, erläutert McG. „Sie weiß, wie sie manövrieren muss, wie sie Maschinen zerstören kann und vor allem, wie sie überleben kann. Marcus rettet ihr das Leben, also fühlt sie sich in seiner Schuld.“

Moon Bloodgood verkörpert Blair Williams und personifiziert die Qualitäten, die die Filmemacher in dieser selbstbewussten Widerstandskämpferin sahen. Gleichzeitig bringt sie auch jene Art weiblicher Stärke mit, die auch schon die vorigen Terminator-Filme ausgezeichnet hat. „Wenn eine Atombombe in Los Angeles explodiert, wäre Moon bestimmt die letzte Frau, die noch am Leben wäre“, scherzt McG. „Also gab ich ihr den Job.“

Auf ihrem Weg zur Basis des Widerstands wird Marcus durch eine Landmine verletzt. Bei der Ankunft im Außenposten der Rebellen wird er sofort von Johns Frau Kate Connor versorgt, die von Bryce Dallas Howard gespielt wird. „In den Jahren seit dem Tag der Abrechnung ist Kate Ärztin geworden und hat, so gut sie unter diesen Umständen konnte, ihre Fähigkeiten trainiert“, erläutert Howard. „Sie hat Bücher gefunden und mit so vielen Überlebenden wie möglich gesprochen, um sich so verschiedene Techniken anzueignen, mit denen sie Leben retten kann.“

KKate ist außerdem die Partnerin von John in dem tobenden Kampf. „John ist ein Soldat, Kate ist eine Ärztin – die beiden verbindet ein starkes Band und sie sind ein großartiges Team“, fährt McG fort. „Sie verfügen beide über eine ausgeprägte Intelligenz und einen starken Führungswillen. Es war unerlässlich, dass wir eine Kate Connor finden mussten, die es Wert ist, den Widerstand anzuführen – und ich wusste, dass Bryce über die Eleganz und die Intelligenz verfügt, das Kommando zu übernehmen, wenn John irgendetwas zustoßen sollte. Kate und Blair führen die Tradition der starken Frauenfiguren in den Terminator-Filmen fort.“

Kate ist darüber hinaus die Erste, die bemerkt, dass der Körper von Marcus in ein neues, bisher unbekanntes Terminator-Modell modifiziert wurde – einen Hybrid mit menschlichem Herz, Hirn und Äußeren, aber mit dem sonstigen Innenleben eines Roboters. br>
MMarcus, bislang komplett ahnungslos von dieser Verwandlung, wird von der Tatsache überwältigt, dass seine Exekution nur das Vorspiel für seinen derzeitigen Zustand war. „Marcus hat Arme und Beine aus Metall, aber immer noch das Herz und das Gehirn eines Menschen“, erklärt Worthington, „und darin liegt der Haken. Ist das genug, um seine Menschlichkeit zu wahren? Er glaubt, dass er ein Mensch ist, aber alle um ihn herum außer Blair sehen ihn als Feind an – darunter auch Skynet. Aber ich glaube, der Film erforscht anhand dieser Figur die Macht der menschlichen Entscheidungsgewalt und des freien Willens. Obwohl er mit Maschinenteilen verbessert wurde, ist sein menschliches Herz noch real.“

„Sobald feststeht, dass Marcus ein Hybrid ist, gibt es kein Vertrauen mehr“, sagt Moon Bloodgood. „Aber Blair bemerkt seine Courage und seinen inneren Kampf. Sie kennt einen Teil von ihm, der den anderen verborgen geblieben ist. Er hat ihr Leben gerettet und sich ihr geöffnet. Und Blair fürchtet sich nicht, sich gegen John Connor zu erheben, weil ihr ihre Werte wichtiger sind als er – und sogar wichtiger als der Kampf gegen Skynet.“
Barnes ist der Stellvertreter von John Connor – er ist Auge und Ohr seines Anführers und wacht über Marcus, bis die Menschen ihn studieren können. Barnes wird von dem Schauspieler und Musiker Common gespielt, den Bale als „fantastisch“ bezeichnet: „Er ist einer der coolsten Typen, die ich kenne. Er ist locker und entspannt und ein exzellenter Schauspieler. Sein Part ist der Lieutenant von Connor und er macht diesen Job großartig.“

„Barnes ist auf vielerlei Art ein spiritueller Krieger, der an der Seite von Connor um die Zukunft der Menschheit kämpft. Und er sieht Marcus als Bedrohung an“, sagt Common. „Aber gleichzeitig hat er eine Menge durchgemacht, das ihn zu einem spirituellen Verständnis gezwungen hat - über seinen Kampf und das Schicksal von John Connor. Und viel davon hat mit Marcus zu tun.“ br>
AAls sich die Lage drastisch verändert, glaubt Connor, dass auch er seine Strategie radikal ändern muss – was ihn in einen Konflikt mit General Ashdown, dem angesehenen Anführer des Widerstands stürzt. Ashdown wird von dem Science-Fiction-Veteranen Michael Ironside gespielt. „Michael Ironside, mit dem ich schon bei The Machinist (Der Maschinist, 2003) zusammengearbeitet habe, spielt den Anführer des Widerstands und wir stehen im Laufe des Films miteinander auf Kriegsfuß. Aber er ist definitiv jemand, dem man abnimmt, dass er der Anführer einer neuen Untergrund-Miliz ist“, erläutert Bale.

John Connor realisiert, dass es nur einen Weg gibt, wie er die sich immer mehr entfaltenden Schlachtstrategien von Skynet wirksam bekämpfen kann: im Inneren von Skynet selbst. Und Marcus könnte der Schlüssel sein, durch den er das Netzwerk infiltrieren kann. „Connor steht vor einer schier hoffnungslosen Aufgabe“, sagt Bale. „Natürlich hat er – abgesehen von Marcus – Waffen, aber es ist so, als würde man eine Festung mit ein paar Steinen und Stöcken bewerfen. Also muss Connor einen gewaltigen Vertrauensvorschuss leisten und alle Regeln brechen, die er sich selbst aufgestellt hat. Er weiß, dass die Maschinen die besten Teile der Menschlichkeit gegen uns verwenden. Wie soll er also Vertrauen in jemanden fassen, von dem er weiß, dass er eine Maschine ist?“

Die einzige Hoffnung für die beiden ist, einander zu vertrauen – allein dieses Vertrauen kann schon ausreichen. „Wo steht die Menschheit wirklich?“, fragt McG. „In der Stärke des menschlichen Herzens? Was bringt uns dazu, unser Leben für jemand anderen zu opfern? Das ist es, was Maschinen niemals erfassen können.“

„Die Hände des Teufels waren sehr feißig“:
Eine Armee von Terminatoren wird gebaut

„Das Tolle an diesem Film ist, dass man sämtliche Maschinen von Skynet zu sehen bekommt“, sagt McG. „Das ist wie beim aktuellen Militär: Man hat Kampffahrzeuge im Wasser, auf dem Land, in der Luft… Es war schon ein gewaltiges Abenteuer, allein die verschiedenen Terminatoren dieser Welt zu beobachten, weil man wissen will, wobei Skynet Erfolge und Fehlschläge zu verbuchen hatte, als es auf dem Weg zum T-800 – dieser wahnsinnig effizienten Tötungsmaschine – experimentierte.“

Die Armee der Maschinen, die ihren Vernichtungszug durch TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG antreten, wurde aufgrund der Zeichnungen von Produktionsdesigner Martin Laing und seinem Team von Art Directors unter der Regie von Stan Winston angefertigt, dem legendären „creature creator“, der schon den Original-T-800 designt hatte. Leider verstarb Winston während der Arbeit an dem Film. „Stan erzählte mir, dass er schon als Kind Monster erfunden hatte, die ihm Gesellschaft leisten konnten“, erinnert sich McG. „Er dachte, er sei das einzige Kind auf der Welt, das dies tat. Er konnte nicht ahnen, dass die Freunde aus seiner Kindheit später die Helden von Millionen werden würden. Aber vor allem war Stan ein prima Kerl, der das geliebt hat, was er tat. Es war für mich eine große Ehre, mit Stan Winston arbeiten zu können. Ich werde diesen Film seinem Andenken widmen.“

John Rosengrant, ein Effects Supervisor des Stan Winston Studios, führte das 60-köpfige Team bei der Erschaffung dieser Generation von Terminatoren und überwachte außerdem das Special-Effects-Make-up. Winston engagierte Rosengrant damals für die Arbeit an The Terminator und wurde zum Mentor des Künstlers. Es war der Beginn einer unglaublichen Reise, in deren Verlauf das Duo phänomenale Fortschritte bei der Konstruktion von Animatronics und Special-Effects erzielte.

Für Rosengrant bedeutete das schiere Arbeitsvolumen, das diese Produktion erforderte, schon die Einführung einiger Neuerungen. „Die Herausforderung bei TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG war es, ein leichteres Material zu finden, das dem Look von Metall gleicht“, sagt Rosengrant. „Wir haben eine Mischung aus Urethan und Plastik ausprobiert, die mit Hilfe von völlig neuen Techniken angemalt wurde, so dass sie wie Metall aussieht.“

Eine weitere gewaltige Herausforderung von TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG war es, Terminatoren zu erschaffen, die im Universum der Saga eine logische Ergänzung sein könnten. „Wir befinden uns in einem Zeitrahmen, der vor den Ereignissen der ersten drei Filme spielt“, erläutert Laing. „Also mussten wir sozusagen rückwirkend konstruieren. Vergleichen wir das mal mit einem Laptop: Der war vor zehn Jahren noch so dick wie ein Ziegelstein und wurde im Lauf der Zeit immer kleiner und schmaler. Die uns bekannten Terminatoren sind nun die dünnen Laptops – und die, die wir für diesen Film designt haben, sind die Ziegelsteine. Sie sind in ihrer Brutalität primitiver und in ihrem Design größer.“

Darüber hinaus hatte McG eine ganz besondere Ästhetik im Sinn, die den ganzen Film bestimmen sollte, aber ganz besonders die Maschinen. „Ich wollte keine glänzende Roboter-Welt“, sagt er. „Ich wollte keine saubere, sondern eine echt verstörende Zukunft. Ich wollte Dreck und Patina auf dem Metall der Maschinen sehen, so, wie auf den Panzern aus der Zeit der Sowjetunion, die eine lange Zeit nicht neu gestrichen wurden.“

Und weil der Film in der postapokalyptischen Zeit nach dem Tag der Abrechnung spielt, enthüllt er eine ganze Palette von Terminatoren, auf die in den ersten Filmen nur hingewiesen wurde. „Wir befinden uns in einer Übergangszeit“, sagt Christian Bale. „In den Ausblicken auf das Jahr 2029, die wir in den vorigen Filmen sehen, beherrscht Skynet die Armeen von T-880 und den Hunter-Killers. Aber hier werden wir Zeuge der Geburt des T-800. In unserer Gegenwart dominieren die T-600, primitive Vorgänger des T-800, und ein gewaltiges Aufgebot an anderen Maschinen.“

Skynets hervorstechender Fußsoldat ist der T-600, den McG als „größer und fieser als den T-800“ beschreibt, „ein 57er-Buick im Vergleich zu einem Mercedes Benz von 2009.“

Die massige, 2,20 Meter große rudimentäre Version dessen, was in absehbarer Zeit zum T-800 werden wird, die eine einfache Gummihaut über dem Gesicht trägt und in zerschlissene Kleidung gesteckt wurde, um das Endoskelett zu verbergen, „streunt durch das Ödland und sucht nach allem mit einem Herzschlag. Es ist eine gnadenlose Maschine, die allein das Töten im Sinn hat“, fährt McG fort.

Die Terminatoren tragen ein Mini-Gewehr, eine M203-Einheit, die pro Minute 3.000 bis 6.000 Schüsse abfeuern kann, sowie einen Rucksack voller Munition. Die Filmemacher wollten ihr Design der Maschinen so gestalten, als würden sie nicht mehr hergestellt, aber weiterhin ihre Patrouillenarbeit auf dem Schlachtfeld leisten – sie sollten heruntergekommen aussehen, ihre Tarnung sollte weitgehend verloren, beschädigt oder von den Elementen zerfressen sein. Oder wie es Kyle Reese im ersten Terminator-Film formuliert: „Die Ersten waren leicht zu erkennen“.

Der T-600 tritt in dem Film in verschiedenen Stadien der Baufälligkeit auf, was mithilfe von bemannten und drahtgesteuerten Puppen in Kombination mit computergenerierten Effekten erzeugt wurde. „Es verleiht ihnen einen gruseligen, Zombie-artigen Look, wenn zum Beispiel ihr Unterkiefer oder Teile ihres Gesichts fehlen“, sagt Rosengrant.

In den Zukunftsvisionen der ersten Filme wurde bereits das Flugzeug der Terminatoren gezeigt – der Hunter-Killer, abgekürzt H-K. Die H-Ks patrouillieren durch die Luft und suchen den Erdboden mit gewaltigen Scheinwerfern ab. Wie die T-600 sind die H-K-Versionen aus TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG rudimentärere Ausgaben des mechanischen Biests, das Skynet schließlich entwickelt.

Die Dronen, die nach menschlichen Überlebenden suchen, sind kleine technische Geräte namens Aerostats. Die 1,20 Meter langen fliegenden Wachposten schwirren über das Land und suchen nach Anzeichen menschlichen Lebens. Ausgestattet mit digitalen Kameras und lasergestützter Technologie, schicken sie drahtlos Berichte an Skynet, das schließlich den Harvester aktiviert.

„Einer meiner Lieblings-Terminatoren ist der Harvester, der die Menschen einsammelt“, sagt McG. Der Harvester ist ca. 24 Meter hoch und mutet mit seinen vielen stählernen Armen und Beinen, die mit scharfen krallenähnlichen Enden aus seinem Thorax-ähnlichen Torso hervorstehen, wie eine Spinne an. Er fängt die Beute ein, die seine Vielzahl von Kameraaugen lange vorher bereits fixiert haben. „Sein Job ist es, in jedes Gebäude vorzustoßen, in denen sich Menschen verschanzt haben, seine Beute einzufangen und sie im Transporter zu Skynet zu bringen“, erklärt McG.

Wenn diese Strategie jedoch fehlschlägt, entfesselt der Harvester die Moto-Terminatoren. „Weil der Harvester so ein riesiges Ding ist, gibt es immer wieder ein paar Menschen, die flüchten können“, fährt Laing fort. „Und wie ein Schäfer seine Schäferhunde losschickt, nutzt der Harvester die Moto-Terminatoren, die Motorrädern ähneln, hinter den Menschen her rasen und sie wieder einfangen. Diese Maschinen verfügen ebenfalls über Kanonen und die Fähigkeit zu töten, aber ihre Aufgabe ist es, die Flüchtigen wieder einzufangen und sie zurück zu dem Harvester zu bringen, der sie dann wiederum in den Transporter verfrachtet.“

Diese glänzenden Terminatoren basieren auf den Maschinen von Ducati, McGs persönlichen Lieblings-Motorrädern. Die Filmemacher wandten sich an das italienische Unternehmen, das begeistert war, an dem Film mitzuwirken: Es stellte der Produktion vier hyper-moderne Motorräder zur Verfügung.

„Wir brauchten glaubwürdig aussehende Moto-Terminatoren in dem Film, also wandten wir uns an die Designer und das Team von Ducati“, erinnert sich McG. „Ducatis sind geschmeidige, kraftvolle, agile Maschinen und das war ein guter Start, als wir begannen, den Look der Moto-Terminatoren zu erschaffen.“

Das Visual-Effects-Team war in der Lage, die echten Ducatis mit dem Look der Moto-Terminatoren zu versehen. Die Produktion verfügte darüber hinaus über einen funktionstüchtigen Moto-Terminator, der in Los Angeles hergestellt und im Film benutzt werden konnte.

Mit diesen Maschinen beherrscht Skynet das Land. Aber für die Seen, Teiche und Flüsse hat es einen einzigartigen Unterwasser-Terminator entwickelt: den Hydrobot. Mit seinen 1,20 Meter langen schlangenartigen Tentakeln und deren augenlosen, aber rasiermesserscharfen Köpfen, die sich in seine Opfer bohren können, reagiert der Hydrobot auf Geräusche und Vibrationen in den Gewässern, die er durchstreift. „Die Hydrobots stellten sich als ziemlich witzige, interessante Figuren heraus“, sagt Rosengrant, „eine Art Kreuzung zwischen einer psychotischen Krabbe und einer Seeschlange. Es sind wilde, boshafte Dinger mit diesen gemeinen Krallen vorne und diesem Stangenbohrer. Wenn sie dich damit zu fassen kriegen, bist du erledigt.“

Diese Maschinen stellten Rosengrant und sein Team vor eine besondere Herausforderung, „nicht nur, weil sie so detailliert sind, sondern weil sie auch unter Wasser funktionieren und dabei ziemlich hart rangenommen werden mussten“, fährt er fort. „Wenn man im Wasser arbeitet, kann man keine Funkfernsteuerungen benutzen, sondern muss mit Kabeln oder pneumatischen Mechanismen arbeiten. Und der Hydrobot musste so haltbar sein, dass man mit ihm ringen, ihn herumschleudern, aus Helikoptern abwerfen und durch Dinge hindurchprügeln konnte. Dabei durfte er aber auch nicht so sperrig und schwerfällig sein, dass wir ihn nicht mehr manövrieren konnten.“

Am Ende benutzte das Team eine Kombination aus stählernen Strukturen, die so leicht wie möglich konstruiert wurden, und leichte Urethan-Teile, die wie Metall lackiert wurden. „Wir haben etliche Extra-Aufnahmen gemacht, von denen niemand dachte, dass wir sie je mit einem tatsächlichen Modell zustande bekommen würden“, sagt Rosengrant stolz. „Wir dachten, dass wir mehr mit computeranimierten Bildern arbeiten müssten, also waren wir ganz überrascht, wie gut unser Modell funktionierte.“

Die Puppenspieler von Stan Winston bei der Arbeit mit den verschiedenen Takelagen zu beobachteten, war für Christian Bale eine echte Inspiration. „Sie haben über einen so langen Zeitraum hinweg geübt, bis ihnen die Bewegungen in Fleisch und Blut übergegangen sind“, sagt Bale. „Es ist unglaublich, wie viel Sorgfalt Stan Winstons Mitarbeiter bei den Details in ihrer Arbeit walten lassen, ihre unglaubliche Geduld und die bedingungslose Liebe für das, was sie tun. Ich liebe es, Menschen bei etwas zuzusehen, von dem sie besessen sind. Und diese Jungs sind davon besessen, Modelle zu bauen. Sie wollten es perfekt haben, wie der T-600 aussieht, wenn er seinen Kopf dreht und jemanden attackiert. Sie nahmen das sehr, sehr ernst und ich finde, das Ergebnis ist fantastisch.“

Allerdings besteht die bei weitem größte Innovation von Skynet nicht ausschließlich aus Metall: Marcus, der menschliche Terminator-Hybrid, der erst im Verlauf des Films von seiner Umarbeitung in einen Cyborg erfährt.

Das Special-Effects-Make-up und die Prothesen für Marcus wurden von Rosengrant geschaffen, dessen Team mehrere Variationen entwickelte, um die verschiedenen Zustände, in denen sich Marcus befindet, darstellen zu können, darunter der Anblick auf sein komplettes Endoskelett, nachdem er von dem Widerstand untersucht wird.

Die Kombination von großen Prothesen-Teilen, die mit Hilfe modernster Technik geformt wurden, Make-up und CGI war bei der Kreation von Marcus ein kompliziertes Verfahren, das ein Höchstmaß an Kreativität und Geduld erforderte – vor allem von Sam Worthington, der über sechs Stunden in seinem Make-up-Stuhl verbrachte und von einem dreiköpfigen Team bearbeitet wurde.

So erreichte McG mit Hilfe des kreativen Teams von Handwerkern aus jedem Bereich der Produktion eine ikonische Vision, die ein wahrhaft neues Kapitel in der Terminator-Saga aufschlägt. „Jeder Film aus der Reihe spielt in der heutigen Zeit“, bemerkt der Regisseur. „Unser Film ist ein neuer Anfang. Wir zeigen die Genesis dieser schrecklichen Maschinen, wir dringen in Skynet ein. Wir zeigen den Prozessor, der die Rebellion der Maschinen und ihre spätere Schreckensherrschaft repräsentiert. Es war ein grandioser Thrill für mich, eine Rolle in der Fortsetzung dieser unglaublichen Geschichte zu spielen, die mich mein ganzes Leben hindurch immer wieder inspiriert hat und auch heute noch so visionär und relevant ist.“

Für Christian Bale, der im Verlauf der Produktion das Material sehen konnte, in dem die Terminatoren in Aktion sind, war der Thrill ähnlich aufregend. „Wir haben die Dreharbeiten absolviert und dachten, wir seien die Hauptdarsteller“, bemerkt er mit einem ironischen Lächeln. „Natürlich ist das nicht der Fall. Die Leute kommen nicht ins Kino, um uns zu sehen. Wir müssen eine schlüssige Geschichte abliefern, denn – egal, wie cool die Terminatoren und die Explosionen sind – man muss eine gute Geschichte erzählen, sonst hat ein Film keinen Zweck. Aber mal ehrlich: Die Terminatoren sind die wahren Stars dieses Films. Und sie werden die Zuschauer aus den Sitzen fegen.“

„Der Tag der Abrechnung ist eingetroffen“:
Die Welt von TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG wird geschaffen

Eine weitere große Herausforderung für die Filmemacher von TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG war es, das Amerika des Jahres 2018 zum Leben zu erwecken – ein Land mit sonnenverstrahlten Flächen, skelettierten Städten sowie menschlichen und metallenen Bewohnern. Von der Suche nach idealen Schauplätzen und Drehorten über die Herstellung aller physischen Elemente bis hin zu dem Filmmaterial, das die unwirtlichen Ansichten, die sich der Regisseur vorstellte, am besten einfangen kann, arbeitete McG eng mit seinem Team zusammen. Das Ziel war es, eine einheitliche und absolut neue Vision einer postapokalyptischen Realität für diese Geschichte zu schaffen.

Um die Bilder mit einer Nachkriegsatmosphäre anzureichern, drehten McG und sein Chefkameramann Shane Hurlbut den Film mit Hilfe einer experimentellen Version des sogenannten „Oz process“ bei der Filmbelichtung. „Wir haben altes Filmmaterial von Kodak lange in die Sonne gelegt und damit seine Beschaffenheiten geschwächt“, erläutert McG. „Danach haben wir es belichtet und dabei mehr Silber hinzugefügt als traditionell bei Farbfilmmaterial üblich. Und im anschließenden digitalen Bearbeitungsprozess haben wir das Material noch mehr manipuliert, um dem Film einen unwirtlichen Look zu verleihen – so bekommt man gleich den Eindruck, dass etwas nicht stimmt mit dieser Welt. Und das bestimmt die Stimmung den ganzen Film hindurch.“

Die Locations spielten ebenfalls eine zentrale Rolle bei der Verankerung des Films in einer beinahe spürbaren Realität. „Wir wollten eine gewaltige, verwüstete Welt zeigen“, bestätigt McG weiter. „Um das zu erreichen, benötigten wir eine riesige Bandbreite an Schauplätzen. In diesem Film fahren wir aufs Meer, klettern auf Bergspitzen, reisen in die Wüste und in den Dschungel. Außerdem wollten wir natürlich eine Welt im Kriegszustand einfangen. Die ganze Welt ist in diesen Konflikt eingebunden, und schon bei der Eröffnung wollten wir dies mit einer gewaltigen kinetischen Erfahrung klarstellen.“

Das Team erreichte all das an einem einzigen Drehort – es wählte Albuquerque in New Mexico aus, wo den Filmemachern weitläufige Wüstenflächen und Berglandschaften sowie die modernen Hallen der Albuquerque Studios zur Verfügung standen.

„Wenn man einen Film über eine amerikanische Ikone dreht und der Odyssee von John Connor auf seiner Jagd nach Terminatoren folgt, muss man das vor einem amerikanischen Hintergrund tun“, erläutert Produktionsdesigner Laing. „Der Tag der Abrechnung ist eingetroffen, also brauchten wir ein verwüstetes Land. Hier war es buchstäblich so, dass wir nur die Tür der Halle öffnen mussten und in diese fantastische Wüste blickten. Und abgesehen davon, dass die Albuquerque Studios ein modernes und vielseitiges Filmstudio bieten, liegen sie inmitten einer riesigen Fläche Land, auf dem wir unsere Sets bauen konnten.“

Weil die ehemals mächtige militärische Kraft des Widerstands eine zentrale Rolle in TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG spielt und die Filmemacher dafür Anleitung, Unterstützung und nicht zuletzt die entsprechende Hardware benötigten, wandten sie sich an das US-Verteidigungsministerium in der nahegelegenen Kirtland Air Force Base. „TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG spielt in einer Zeit nach der Air Force und nach der Armee… hier kämpft allein der Widerstand“, erklärt Produzent Jeffrey Silver. „Aber wir waren der Ansicht, wir sollten den Widerstand aufgrund der Disziplin und der Organisation der aktuellen Armee modellieren. Also sprachen wir mit Chuck Davis, dem Koordinator des Verteidigungsministeriums in Los Angeles, und seinem Verbindungsoffizier zur Filmindustrie. Er machte uns mit der Air Force bekannt und da öffnete man uns alle Türen. Sie stellten uns alle Hardware zur Verfügung, die wir brauchten, wir durften auf dem Gelände der Air Force drehen. Es war eine fantastische Zusammenarbeit, denn sie begriffen, dass in diesem Film die Zukunft dargestellt wird, und dass dort das Militär immer noch aus Männern und Frauen besteht, die uns schützen – egal, was geschehen mag.“

Die Produktion nutzte auch Flugzeuge und Waffen, um das Material zu zeigen, bei dem es denkbar war, dass die Menschen im Kontext der Geschichte Zugang haben könnten. „Der Widerstand verfügt über Waffen und technisches Gerät, sie kämpfen nicht mit Stöcken und Steinen gegen die Maschinen“, sagt McG. „Sie haben A-10-Flugzeuge und einige andere ältere mechanische Geräte, mit denen sie zurückschlagen.“

Ein besonderer Jet, der exzellent in die Geschichte passte, war der A-10 Thunderbolt Two – auch bekannt als Mighty Warthog, Flying Gun oder Tankbuster. Die A-10 wird von Blair Williams geflogen und ist die beste Luftunterstützung, die sich der Widerstand im Kampf gegen Skynets massive Maschinen wünschen kann. Air Force Captain Jennifer Shoeck, ihres Zeichens selbst A-10-Pilotin, war die Frau, die Moon Bloodgood für diesen Part ihrer Rolle anleitete. Sie erklärt: „Die A-10 geht tief runter bis ins Unkraut, sie wird dreckig, weil sie bei ihrer hauptsächlichen Mission tief und langsam fliegt. Sie ist ein Flugzeug für die unmittelbare Luftunterstützung, das den Bodentruppen zu Hilfe kommt.“

Weitere Flugzeuge, die die Produktion mit Hilfe der Air Force und ihrer Piloten nutzen konnten, waren die CV-22 Osprey, die mit der Geschwindigkeit eines Starrflüglers fliegen kann, aber über Rotoren verfügt und somit wie ein Helikopter starten und landen kann, eine massive C-130 Hercules Transportmaschine und der HH-60 Pave Hawk Helikopter, ein modifizierter Blackhawk-Hubschrauber mit externem Waffenanbau.

Weil nicht für sämtliche Sequenzen funktionstüchtige Flugzeuge benötigt wurden, baute das Produktionsteam auch Attrappen und kaufte ausgemusterte Exemplare auf, die auf Bewegungssimulatoren befestigt wurden, um die Flugdynamik der Maschinen künstlich herzustellen. Die Special-Effects-Crew unter Leitung von Special Effects Supervisor Mike Meinardus errichtete einen Tragrahmen und hängte einen Helikopter von einem Kran herab, der auf glaubwürdige Art von oben bedienbar war. McG konnte so das Flugzeug von unten filmen, wie es sich vom Boden entfernte – allerdings ohne den wirbelnden Rotor.

Die Kirtland Air Force Base, die sich eine Start- und Landebahn mit dem kommerziellen Flughafen Albuquerque Sunport teilt, stellte der Produktion einen ungenutzten Hangar als Dreh-Halle zur Verfügung, die unter anderem zur Festung des Widerstands umgebaut wurde.

Im Film besteht dieser Vorposten aus einer ganzen Reihe Raketensilos aus den sechziger Jahren, die durch ein großes unterirdisches Tunnelsystem miteinander verbunden sind. „Alles, was man in dem Vorposten zu sehen bekommt, haben die Kämpfer des Widerstands aufgebaut – sie erzeugen Energie, bauen ihre Nahrung an, haben ein Filtersystem für das Wasser konstruiert und ein Krankenhaus eingerichtet. Und zwar mit dem Zeug, das sie von ihren Erkundungs-Expeditionen mitgebracht und dann zusammengebastelt haben, damit sie über eine funktionierende Basis verfügen können“, sagt Laing.

Um den Look der Widerstands-Basis zu recherchieren, besuchte Laing die Schutzbunker für Nuklearstörfälle im ungarischen Budapest und schaute sich auch andere Katastrophenschutz-Gebäude an. „Ich habe jede Menge Fotos gemacht und konnte aufgrund dessen eine Umgebung gestalten, in der der Widerstand lebt und plant“, sagt er. „Diese Männer und Frauen kämpfen nicht nur gegen Skynet. Sie kämpfen auch mit der Umgebung, in der sie leben müssen. Fast alle Rohstoffe sind so gut wie aufgebraucht, sie müssen mit dem leben, was sie haben.“

Die Filmemacher sprachen weiterhin mit Zukunftsforschern darüber, was im Falle der Prämisse des Films mit der Flora und Fauna und mit von Menschen hergestellten Objekten geschehen würde. „Wir wollten all diese realistischen Details in unseren Film einbauen“, sagt der Kostümdesigner Michael Wilkinson. „Wir haben die Fragen gestellt: ,Was wäre übrig, wenn vor ungefähr 14 Jahren die Bomben explodiert wären und den größten Teil Nordamerikas zerstört hätten? Was würden die Menschen aufsammeln und zusammenflicken, um zu kämpfen und zu überleben?‘“

Veraltete, aber funktionstüchtige Waffen, wiederverwendete Kleidung, elektronisches Equipment, das aus dem Schutt ausgegraben und wieder zusammengebastelt wurde, vom Feind erbeutete oder gefundene Munition – das sind die limitierten Mittel, die dem Widerstand zur Verfügung stehen. Das Design-Team suchte in ganz New Mexico – in dem lange eine sehr große militärische Präsenz herrschte – ausgiebig auf ehemaligen Militärgeländen und bei privaten Sammlern nach authentischen Stücken.

Wilkinson erinnert sich: „McG wollte nicht, dass der Film wie ein an den Haaren herbeigezogener Fantasy-Science-Fiction-Film aussieht. Er spielt im Jahr 2018, in einer nicht allzu weit entfernten Zukunft also. Also haben wir in Bezug auf Momente, die eine unglaubliche Bedeutung für die menschliche Psyche haben, sehr viel Recherchearbeit geleistet – bei Geschichten über vertriebene Menschen und apokalyptische Erzählungen.“

Bei der Gestaltung der Garderobe für die Schlüsselcharaktere des Films arbeitete Wilkinson eng mit McG, Laing und den Darstellern selbst zusammen. Jedes Kostüm sollte bestimmte Anforderungen erfüllen – an erster Stelle sollte es authentisch sein. „Wir haben ein ganzes Arsenal an Kleidung aus verschiedenen Quellen geschaffen – Uniformen von verschiedenen Armeen aus Nordamerika, Kampf- und Polizeikleidung, technische Klamotten oder reguläre Straßenkleidung. Dabei haben wir uns überlegt, welche Kleidung die Menschen nach einem nuklearen Krieg noch tragen würden“, erläutert er. „Was hat überlebt? Was haben die Soldaten zusammengeflickt, um es als Uniform nutzen zu können? Wir haben einerseits versucht, dem Realismus und der Authentizität, die wir angestrebt haben, gerecht zu werden, und andererseits die Dinge künstlerisch überhöht, um interessante und innovative visuelle Eindrücke zu schaffen.“

Der Anschluss an die ersten drei Filme war ein weiterer Faktor, den Wilkinson beim Design der Kostüme berücksichtigen musste. Für die Garderobe von John Connor arbeitete Wilkinson die tigergestreiften Armeehosen ein, die an die Kleidung von dem jungen Connor in Terminator 2 erinnern. Aber darüber hinaus wollte er die Silhouette von Connor sachlich halten. „Bei Christian ist weniger mehr“, gibt er zu Protokoll. „Die Intensität seiner Performance und seine dominierende Präsenz vermitteln einem, wer John Connor ist. Sein Look hat eine gewisse Neutralität, und die hilft dem Zuschauer, den echten John Connor zu erkennen.“

Ein weiterer Wink mit dem Zaunpfahl besteht in den Sneakers von Kyle Reese – eine Anspielung auf die Schuhe, die er als Erwachsener in The Terminator trägt. Dies adaptierten die Kostümdesigner in dem gefütterten Inneren und in den Cord-Senkeln der Schuhe. „Es war ein Spaß, mit diesen fantastischen, ikonischen Figuren zu beginnen und sie in das zu stecken, was unserer eigenen Vision dieses Films entsprach“, lächelt Wilkinson.

Das Kostüm von Marcus, dem Terminator-Hybrid aus dem 21. Jahrhundert, fertigten die Designer aus Lederstoffen an, die an die Garderobe des T-800 erinnert. „Wir hatten eine Biker-Hose aus Leder und haben sie im Grunde kaputtgemacht – wir ließen sie künstlich altern, so dass sie richtig abgewetzt war. Und dann haben wir aus zwei verschiedenen Lederjacken eine neue geschneidert“, führt Wilkinson weiter aus.

Darüber hinaus koordinierte Wilkinson seine Arbeit mit der von den Künstlern aus dem Stan Winston Studio, damit die Kostüme und die Haut der Figur im Verlauf des Films den Blick auf das mechanische Endoskelett freigeben konnten. „Wir besprachen genau, was wir wann und in welcher Form zeigen wollten“, sagt er. „Marcus hat drei Looks in dem Film und jeder Look erforderte zehn bis zwanzig verschiedene Versionen des Kostüms in verschiedenen Stadien: sauber, zerrissen, in Fetzen, verfilzt, angekokelt, durchschossen und so weiter.“

Auch für die Frauen in TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG gestaltete Wilkinson Kostüme mit individuell eingearbeiteten Details. Darunter waren die eigens angepasste, hautenge Fluguniform von Blair und Stars übergroßes Outfit. „McG und ich mochten die Idee, dass die Menschen allesamt anders aussehen – dank ihrer Kleidung, mit denen sie ihr Wesen ausdrücken. Damit stehen sie im kompletten Gegensatz zu den Maschinen, die alle gleich aussehen“, bemerkt er. „Wir besuchten die amerikanischen Ureinwohner in der Gegend und schauten uns an, wie sie ihre Ornamente in die Nutzkleidung eingearbeitet haben. Neben den sehr militärischen Kampf-Kostümen haben wir so noch eine Schicht sehr ausdrucksstarker, handgemachter Elemente. Star trägt zum Beispiel an ihrer Kopfbedeckung einen Polizeistern, und Blair trägt eine Handvoll Ketten, Medaillons, Federn und andere Objekte als Schmuckstücke.“

Die Bewaffnung der Figuren erforderte ebenfalls eine Mischung aus Kreativität und praktischem Realismus. Das Design-Team stattete John Connor mit einem HK 416D-Gewehr aus, der deutschen Version des amerikanischen M4. Barnes, Connors rechte Hand, trägt ein gigantisches Grizzly 50, Blair ist mit einer handlichen Desert Eagle 50 bewaffnet.

Bei den umfangreichen Schusswechseln, Verfolgungsjagden und Explosionen mussten die Filmemacher auf eine gewaltige Feuerkraft zugreifen, die sie so effizient und sicher wie menschenmöglich einsetzen konnten. „Wir wollten alles vor der Kamera drehen“, sagt McG. „Wir haben natürlich CGI eingesetzt, wenn es erforderlich war. Aber wir wollten die Dinge physisch bauen, wieder in die Luft jagen und die Autos zertrümmern. Es ist großartig, wenn die Druckwelle einer richtigen Explosion zusätzlich ein gewisses Maß an Realität in eine Szene bringt. Man sieht die Aufregung in den Augen der Beteiligten, man spürt, wie der Adrenalinspiegel steigt. Natürlich haben wir alles so sicher wie möglich durchgeführt, aber wir wollten dabei wirklich an die Grenzen gehen. Nur so konnten wir einen Film schaffen, der im Kern ein Kriegsfilm ist und die Realität dieses enormen Drucks widerspiegelt.“

Fotorealismus war auch das erklärte Ziel für die Künstler, die die physischen und visuellen Effekte herstellten. Der Visual Effects Supervisor (und Second Unit Regisseur) Charles Gibson erläutert: „McG wollte echte Pyro-Effekte, Explosionen und Action in einem Eins-zu-eins-Maßstab, keine Miniaturen oder Computereffekte. Darum ist dies ein Actionfilm im wahrsten Sinne des Wortes. Also haben wir uns entschlossen, die visuellen Effekte so intelligent wie möglich einzubauen und es dabei nicht zu übertreiben. Und immer, wenn es ging, haben wir echte Effekte erzeugt.“ Gibson arbeitete für den Film mit nicht weniger als acht Firmen zusammen, darunter Industrial Light & Magic, Asylum, Kerner Studios, Whiskey Tree und Rising Sun Studios.
Eine der potentesten Herausforderungen bei den Special-Effects war die Zerstörung einer Tankstelle im Verlauf des Kampfs zwischen Marcus, Kyle und dem Harvester: Marcus erblickt einen Tanklaster und jagt ihn unterhalb des Harvester in die Luft, um weitere Angriffe zu verhindern. Dafür wurde ein Tanklaster mit rund 950 Litern Benzin gefüllt – der Feuerball hatte einen Radius von 48 Metern und war 60 Meter hoch. Die Explosion setzt sich an der Tankstelle selbst fort, gefolgt von einer Detonation der Zapfsäulen. Dieser Effekt erforderte eine Vorbereitungszeit von zwölf Wochen und umfangreiche Sicherheitsmaßnahmen am Tag des Drehs.

Die Produktion hatte dabei natürlich nur einen einzigen Versuch, diese Szene zu drehen. McG ging auf Nummer sicher und filmte die Szene aus etlichen Perspektiven mit ferngesteuerten Kameras: nah positionierten Kameras, Kameras, die in drucksicheren Gehäusen gesichert waren, von Kameramännern bediente Kameras hinter Bunkern und sogar Kameras, die mit Weitwinkelobjektiven aus Helikoptern heraus filmten.

Spektakulärer noch als diese Szene waren allerdings der Abwurf der Napalmbomben und die Bruchlandung von Connors Helikopter im Fluss. Für diese Sequenz hob die Crew mitten in der Wüste ein über 60 Meter langes künstliches Flussbett aus, in dem ein fünf Meter tiefes Becken mit einem hydraulischen Scherenlift eingelassen war, der den Helikopter auf und ab bewegen konnte und so konstruiert war, dass der Hubschrauber ins Wasser stürzen und dort wieder hochgekurbelt werden konnte. Am Rand des „Flussbetts“ standen echte und künstliche Bäume, die mit Benzinleitungen präpariert wurden, um später ein kontrolliertes Feuer erzeugen zu können. Dahinter brannte ein Ring aus Schutzfeuern, die von einem Schwadron Feuerwehrmänner im Auge behalten wurden.

Das „Napalm“ wurde durch eine Reihe von Explosionen über eine Länge von gut 90 Metern am Fluss entlang abgeworfen. Jede Explosion jagte über 375 Liter Benzin in die Luft und erreichte eine Höhe von Dutzenden Metern. Der Effekt dauerte nur sieben Sekunden und mutete an wie der Trommelfeuerbeschuss eines Maschinengewehrs, bei dem eine große Hitzewelle generiert wurde – „und glücklicherweise nicht mehr als das“, schmunzelt Gibson.

„Dabei sprudelte das Adrenalin geradezu“, erinnert sich Moon Bloodgood. „Wir hatten ein paar ziemlich verrückte Stunts – wir liefen los, und auf einmal standen wir mitten in einer Staubwolke, um uns herum explodierten Dinge und ich hatte keine Ahnung, was mir gerade um die Ohren flog. Wir hatten eine solche Angst, dass wir immer wieder hysterische Lachanfälle hatten. Aber ich habe es geliebt!“

„Meine Figur wird richtig in die Mangel genommen“, lacht Worthington. „Er wird gefesselt, geschnitten, in die Luft gejagt, und das bedeutete, dass ich selbst gefesselt, geschnitten und in die Luft gejagt wurde. Wir haben alle Beulen und blaue Flecken davon getragen, aber hey: Wir haben TERMINATOR gedreht und nicht Pride and Prejudice (Stolz und Vorurteil, 2005)!“

Hunderte von Menschen arbeiteten täglich auf dem 7,5 Quadratkilometer großen Gelände und in der Wüste um die Albuquerque Film Studios. TERMINATOR – DIE ERLÖSUNG war, laut Jeffrey Silver, „ein unfassbar gewaltiges Unterfangen. Dafür benötigten wir jeden denkbaren Trick aus dem Lehrbuch: Animatronics, Spezialeffekte, visuelle Effekte, Stunts… alles was man sich vorstellen kann – der Film bietet es.“

Und McG bringt es abschließend auf den Punkt: „Es war heftig… aber wir hatten unglaublich viel Spaß.“

(Pressetext)

X-Men Origins Photocall Video

X-Men Origins: Wolverine Trailer 1 (Englisch)
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X-Men Origins: Wolverine Trailer 2
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Der Inhalt sollte Comicliebhabern altbekannt sein und wird daher hier nur noch einmal kurz dargestellt: die ungleichen Brüder Victor und James sind nicht nur mit außerordentlichen Kräften, sondern auch mit extremer Langlebigkeit und nahezu Unverwundbarkeit gesegnet. Beide werden von Col. Stryker für ein besonderes Team rekrutiert, ohne dabei zu wissen, dass sie damit nur dem Mutantenhasser in die Hände spielen. Doch während sich Victor, Kennern als Sabretooth bekannt, immer mehr vom Menschsein entfernt, versucht sich James Logan einige Werte zu bewahren. Es kommt zum Bruch zwischen den Brüdern und Logan lässt sich nach einem schweren Schicksalsschlag darauf ein, zu Wolverine zu werden.

Kritik

Hugh Jackmann ist Wolverine. Daran bestand schon nach den ersten X-Men Filmen kein Zweifel und auch das neueste Werk aus dem Hause Marvel bestätigt diesen Eindruck. Es fiel mir schwer, die beiden Personen voneinander zu trennen, oftmals wirkte es auf mich schon so, als spiele Jackmann sich selbst. Dass er derzeit eine der angesagtesten Schauspieler weltweit ist, bewies er zuletzt mit zahlreichen anderen Filmen. Comicfans werden ihn aber wohl noch für lange Zeit mit der Rolle des coolen Wolverine, eine der beliebtesten Figuren aus dem Hause Marvel, verbinden.

Dabei gibt es zum neuen Film eigentlich kaum etwas zu sagen, denn die Fortsetzung, die eher ein Prequel darstellt, ist ungemein stimmig und macht einfach Spaß. Allein die furiose Eingangssequenz, in der man die verschiedenen Kriegsaktivitäten von James und Victor betrachten kann, war schon das Eintrittsgeld wert.

Doch das Niveau des Films bleibt weiterhin hoch, der geneigte Kinogänger erhält genau das, was er erwartet hat. Auch wenn es leichte Abweichungen vom Canon gibt, so geschieht doch das, was der Fan erwartet: coole Sprüche, krachende Action und eine leichte Erweiterung der Figurenmythen. Dass dies ganze so gut funktioniert, liegt vor allem an dem sehr guten Schauspielerensemble. Neben Jackmann brilliert vor allem Liev Schreiber in seiner Rolle als Sabretooth, der sich scheinbar immer mehr seinen tierischen Instinkten und der Lust am Töten hingibt. Danny Houston spielt die Figur des Colonel Stryker gewohnt sinister, vielleicht jedoch etwas zu vorhersehbar. Gerne hätte ich mehr von seiner familiären Situation gesehen, damit auch dem Nichtcomickenner seine innere Motivation deutlicher wird.

Will.I.Ams Auftritt ist da wohl eher unter PR zu verbuchen und sein Ableben für mich eher einer der wenigen Schwachpunkte des Films. Ein Mutant mit einer solchen Fähigkeit könnte sich sonst wohin teleportieren und jedem Kampf aus dem Weg gehen. So stirbt er jedoch meines Erachtens viel zu schnell. Ryan Reynolds wiederum schien seine Rolle aus Blade: Trinity eins zu eins transferiert zu haben. Seine wenigen Kampfszenen mit den Katanas sind spektakulär, nichtsdestotrotz spielt er im Film eine genauso geringe Rolle wie Dominic Monaghan. Die Kurzauftritte sollen jedoch nicht die größtenteils guten Leistungen schmälern.

Im Mittelpunkt steht ohnehin die Figur des Wolverine, den mal wieder die Leidenschaft in die Rache treibt. Die Liebe zu einer Frau machte ihn also zu dem, was er ist. Kein neues Motiv in der Filmbranche, dennoch wurde dies im Film gut dargestellt, denn Logan war ,ist und bleibt ein Mann, der sich nach all den Jahrzehnten des Kampfes inzwischen nur noch nach einem normalen Leben sehnt. Daher kann man seinen Schmerz sehr deutlich nachempfinden, als ihm offenbart wird, dass angeblich alles nur eine Lüge gewesen sei.

Die Kampfszenen und sonstigen Effekte sind auf Höhe der Zeit, auch wenn der ansonsten gelungene Auftritt von Patrick Stewart etwas zu sehr nach CGI aussieht. Loben muss man jedoch, wie sehr sich der Film in das bekannte X-Men Universum einfügt. Wir erkennen zahlreiche Figuren sowie Orte aus den Filmen wieder und müssen erkennen, dass Wolverine deutlich älter ist, als viele von uns angenommen haben. So passt am Ende dieses Prequel vorzüglich in die bereits bekannte Filmtrilogie. Vermisst habe ich nur einen Auftritt von Jean Grey, ihr Fehlen ist jedoch nicht weiter tragisch.

„X-Men Origins: Wolverine hat Lust auf mehr gemacht!"
Nadir Attar Chefredakteur	Natürlich haben wir es nicht mit einem hochgradig intelligenten Meisterwerk zu tun und sicherlich hat der Film, gerade für Canonfanatiker (Wolverine am Anfang mit Knochenklauen? Wieso erkennt Cyclops ihn später nicht wieder), einige Schwächen. Doch wenn dieses Niveau gehalten werden kann, so kann es ruhig mit dem nächsten Projekt Magneto weitergehen. X-Men Orgins: Wolverine hat Lust auf mehr gemacht!
Spannung Action Humor Erotik Charaktere Kontiunität Anspruch

X-Men Origins: Wolverine [6]  Special zum Filmstart

X-Men Origins: Wolverine, das erste Kapitel der „X-Men“-Saga, verbindet Wolverine mit einigen anderen Legenden des „X-Men“-Universums. Die Mutanten müssen sich in einem großen Aufstand kampfstarker Mächte erwehren, die entschlossen sind, sie zu eliminieren. Worum genau es im Film geht und wie die Produktion abgelaufen ist erfahrt Ihr in unserem Special!

ILLUMINATI

REGIE & STORY

David Koepp (screenplay) and
Akiva Goldsman (screenplay)
Dan Brown (novel)

BESETZUNG

VIDEOS UND TRAILER

Illuminati - Angels And Demons Trailer 1 (Deutsch) Quicktime

Illuminati - Angels And Demons Superbowl Trailer HDTV 1080p

Illuminati - Angels And Demons Teaser Trailer (Englisch) HDTV 1080p

SZENENBILDER

HINWEIS: Dies ist ein Leser-Review

Tom Hanks im alten Gewand

Trotz, oder vielleicht gerade wegen der Vehemenz, mit der die katholische Kirche vor drei Jahren gegen "The Da Vinci Code - Das Sakrileg" agitierte, erreichte die Verfilmung des gleichnamigen Dan Brown Bestsellers ein Einspielergebnis von 757 Millionen Doller und eroberte damit den 24. Platz im Olymp der erfolgreichsten Filme aller Zeiten. Der Erfolg gab den Machern recht und man machte sich prompt an den zweiten Bestsellerroman um den distinguierten Harvardprofessor Robert Langdon, der im belletristischen Vorgänger „Illuminati“ Vatikanstadt im Kampf gegen gleichnamigen Todfeind unterstützt.
Wie schon beim Sakrileg zeichnete sich der Oscar® prämierte Erfolgsregisseur Ron Howard für die filmische Umsetzung verantwortlich. Robert Langdon wird erneut von Tom Hanks zum Leben erweckt, der für die Darstellung des Symbologen die Rekordgage von 100 Millionen Doller erhalten haben soll. Dieses Mal an Hanks Seite: Der israelische Exportschlager Ayelet Zurer als anmutige CERN-Wissenschaftlerin Vittoria Vetra.

Handlung

Vittoria Vetra und einem Team europäischer Wissenschaftler geling es erstmals, nennenswerte Mengen an Antimaterie zu generieren. Kaum hat man seine Meisterleistung richtig realisiert, ist die erste Leiche im Keller und eine Antimaterieeinheit verschwunden. Als wäre das noch nicht genug, scheint ein alter Todfeind der katholischen Kirche zum Leben erweckt und droht dem Vatikan mitten in der Konklave mit der Ermordung der vier aussichtsreichsten Bewerber auf den Papstposten im Stundentakt, gleichzeitig mit der Vernichtung des Vatikan als abschließenden Höhepunkt durch eine Antimaterieexplosion.
Aus Verzweiflung beordert die Kirche den in katholischen Kreisen ungeliebten Harvardprofessor und Illuminati-Experten Robert Langdon nach Rom, der zusammen mit Vittoria Vetra alles daran setzt, mithilfe über ganz Rom verteilter Symbolik die Tatorte vorauszusagen und die Antimaterie aufzuspüren.

Kritik

In letzter Zeit erobern immer mehr seelenlose Machwerke die Kinoleinwand. Gleichförmiger Brei, der von fader Action lebt und austauschbare Schablonencharaktere unbeholfen durch die Handlungsattrappe mogelt. Das ist eine unschöne Entwicklung, die ich mit Bedauernd und einem Gefühl von Erhabenheit zugleich verfolge. Namen wie Tom Hanks und Ron Howard strahlen dafür um so greller wie Leuchtfeuer in der Einheitsgrütze und sind ob ihres Könnens ein Garant für einen qualitativen Streifen. Angesichts dessen bin ich mit großen Erwartungen in den vermeintlichen Qualitätsstreifen gegangen und wurde anschließend in keinster Weise enttäuscht. Zugegeben, wenn man mit naiver Erwartung, eine 1:1-Umsetzung des Buches zu erleben, die Kinosäle stürmt, dürfte man das anders sehen. Dazu hat Howard die Handlung dieses Mal zu radikal gestrafft. Wichtige Figuren wurden rücksichtslos gestrichen, Zusammenhänge anders dargestellt, Rollen umgeschrieben und eminente Eckpfeiler im Buch überraschend modifiziert. Wer die filmische Umsetzung des Sakrilegs schon als solches empfand, sollte den Kinogang nun lieber von vornherein vergessen. Ich nehme es bei Buchverfilmungen nicht so genau und bin mir darüber im Klaren, dass man Bücher generell nicht unverändert verfilmen kann. Sinnlose Veränderungen können auch mich zur Weißglut treiben, von denen bleiben wir aber im neuen Brown Abenteuer Gott sei Dank verschont. Ron Howard mag bei seinen Änderungen ja radikal gewesen sein, Willkür kann man ihm jedoch nicht bescheinigen, was man an der umstrittensten Szene des Buches besonders eindrucksvoll erkennen kann. Im Film erscheint sie jetzt um ein Vielfaches realistischer, man möchte beinahe sagen, sie wurde um ihre peinliche Idiotie gekürzt. Dramaturgisch verfolgt die Buchverfilmung dagegen ein konservatives Muster. Die Charaktere werden nachvollziehbar in die Handlung eingeführt, der Spannungsfaden steigt stetig an und die Abstände zwischen Entspannung und Spannung verkürzen sich zunehmen und münden in einem monumentalen Showdown, der einem die Kinnlade entkoppelt. Dabei verzichtet der Oscarpreisträger größtenteils auf Stilmittel wie Wackelkamera oder Lensflares und würzt seine größtenteils nicht hektischen Kamerafahrten mit einem sehr präsenten Soundtrack, der einerseits vertraute Sakrilegmelodien serviert, andererseits mit neuen und innovativen Tönen aus dem Hause Zimmer daherkommt.

Wie schon im filmischen Vorgänger, der im Gegensatz zum Buch chronologisch vor Illuminati ansiedelt, merkt man den Darstellern an, dass ihnen die Arbeit verdammt viel Spaß gemacht haben muss. Hanks und seine Weggefährten überzeugen auf ganzer Linie, durch die unzähligen Dialekte und Akzente wirkt der Film unheimlich authentisch – und das hat sogar die Synchro richtig gemacht. Schön anzusehen ist übrigens nicht nur die israelische Schönheit Ayelet Zurer, sondern auch die zahlreichen Kulissen und Computerbauten, die teilweise real existierende Gebilde imitieren mussten, weil sich der Vatikan in gewohnter Borniertheit der Zusammenarbeit verweigerte und Drehgenehmigungen nicht erteilte. Wer den Film gesehen hat, kann über derlei Engstirnigkeit bestenfalls den Kopf schütteln. Die heutige Inkarnation der vatikanischen Kirche kommt in Illuminati erstaunlich gut weg, mir als Atheist ist das schon beinahe zu viel des Guten. Insgesamt versteht sich der Film sogar als kleine Ehrerweisung an den Glauben und verfügt damit über jene moralische Komponente, mit der viele Blockbuster heute nicht mehr aufwarten.

„Hanks und seine Weggefährten überzeugen auf ganzer Linie."
Knut85	Tolle Schauspieler, intelligente Handlung, ein mitreißender Soundrack, überzeugende Optik und die solide Regiearbeit machen aus Illuminati einen sehenswerten Blockbuster, den man unbedingt im Kino erleben sollte. Wer eine 1:1-Kopie des Buches erwartet, sollte seiner Gesundheit willen dem Kino fernbleiben.
Spannung Action Humor Erotik Charaktere Kontiunität Anspruch

X-MEN ORIGINS: WOLVERINE

Regie

Gavin Hood

Autoren

David Benioff (screenplay) and Skip Woods (screenplay)

Darsteller

Hugh Jackman ... Logan / Wolverine Liev Schreiber ... Victor Creed / Sabretooth Danny Huston ... William Stryker Will i Am ... John Wraith Lynn Collins ... Kayla Silverfox Kevin Durand ... Frederick J. Dukes / The Blob Dominic Monaghan ... Chris Bradley / Bolt Taylor Kitsch ... Remy LeBeau / Gambit Daniel Henney ... David North / Agent Zero Ryan Reynolds ... Wade Wilson / Deadpool Scott Adkins ... Weapon XI Tim Pocock ... Scott Summers

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X-Men Origins Photocall Video X-Men Origins: Wolverine Trailer 1 (Englisch) Quicktime HDTV 1080p Dateityp: mov Größe: 257.39 MB X-Men Origins: Wolverine Trailer 2 HDTV Quicktime 1080p Dateityp: mov Größe: 189.64 MB

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X-MEN ORIGINS: WOLVERINE („X-Men Origins: Wolverine“, 2009), das erste Kapitel der „X-Men“-Saga, verbindet Wolverine mit einigen anderen Legenden des „X-Men“-Universums. Die Mutanten müssen sich in einem großen Aufstand kampfstarker Mächte erwehren, die entschlossen sind, sie zu eliminieren.

Hugh Jackman schlüpft einmal mehr in die Rolle, die ihn zum Superstar gemacht hat. Als Logan/Wolverine ist er eine furchterregende Kampfmaschine, mit unglaublichen Selbstheilungskräften, Klingen aus Adamantium und unberechenbarem Temperament.
X-MEN ORIGINS: WOLVERINE orientiert sich in Stil und Tonalität an der beliebten „X-Men“-Franchise, tariert Actionelemente und Realitätsnähe sorgfältig aus, setzt dieses Mal aber noch mehr auf Emotionen und die Beziehungen der einzelnen Figuren zueinander.

Der Film führt auch ein neues Team von Mutanten ein, darunter einige, auf die die Fans lange gewartet haben. Die Zuschauer werden das „Team X“ kennen lernen, eine geheime Militäreinheit, die ausschließlich aus Mutanten besteht. Zu ihren Mitgliedern gehören: Wolverine; sein Bruder Victor Creed alias Sabretooth, ein wildes Geschöpf mit schier unglaublichen Kräften; Wade Wilson, der als Söldner Deadpool bestens mit dem Schwert umzugehen versteht; Agent Zero, ein ausgezeichneter Spurenleser und Scharfschütze; der Teleporter Wraith; Fred J. Dukes, ein extrem starker, monströser Koloss, auch bekannt als The Blob; und Bradley, der Strom manipulieren kann. Angeführt wird die Truppe von William Stryker, der bereits in X2 („X-Men 2“, 2003) vorgestellt wurde. Diesmal werden seine Ursprünge und Motivationen vollständig offengelegt und auch seine komplexe Beziehung zu Wolverine, die mit Logans Vergangenheit – und auch dessen Zukunft – zu tun hat.

X-MEN ORIGINS: WOLVERINE zeigt außerdem Wolverines tragische Romanze mit Kayla Silverfox. Kaylas Schicksal trägt maßgeblich dazu bei, dass Logan mit dem ominösen, höchst geheimen und sündhaft teuren „Weapon X“-Programm in Berührung kommt. Neben Wolverine sind auch andere Mutanten in das Experiment eingebunden, u.a. Gambit, der junge Scott Summers, (später bekannt als Cyclops), die junge hübsche Emma Frost und der bereits erwähnte Deadpool, der Wolverine letztendlich vor seine größte Herausforderung stellen wird.

Während die drei bisherigen „X-Men“-Filme in der nicht allzu fernen Zukunft angesiedelt waren, spielt die Hauptgeschichte von X-MEN ORIGINS: WOLVERINE – als erstes Kapitel der Saga – vor den Ereignissen, die in der Trilogie geschildert wurden. Der aktuelle Film in den 70iger Jahren, beinhaltet aber auch Rückblicke, die 150 Jahre in der Geschichte zurückgehen. Der Film ist in Sachen Anspruch und Umsetzung aber sicherlich das bisherige Highlight der ohnehin schon überaus ambitionierten Serie. „Wir wollten alle Erwartungen in jeder erdenklichen Art übertreffen“, sagt Hauptdarsteller Jackman, der auch als Produzent fungiert: „Wir wollten nicht nur einen sehr guten Film machen, er sollte noch viel besser sein.“

Entsprechend dieser Vorgabe ist X-MEN ORIGINS: WOLVERINE eine wahre Achterbahnfahrt der Gefühle geworden mit spektakulärer Action und jede Menge Abenteuer. Darüber hinaus wurde viel Wert auf die Ausarbeitung der Gefühlswelt der einzelnen Charaktere sowie auf deren komplexe Interaktion gelegt, ein Punkt, der bei den „X-Men“-Filmen immer schon eine maßgebliche Rolle gespielt hat. „Natürlich musste der Film spektakulär aussehen und einen förmlich überrumpeln“, sagt Regisseur Gavin Hood, dessen TSOTSI („Tsotsi“) 2005 mit dem Oscar in der Kategorie Bester fremdsprachiger Film ausgezeichnet wurde. „Aber auch die Geschichte und die Figuren mussten glaubwürdig sein. Im Kern erzählen wir von jemandem, der nicht damit zufrieden ist, wer er ist und der gegen seine eigene Natur ankämpft. So eine Figur zu erforschen, ist interessant. Das Thema des „im inneren Kampf mit sich selbst Liegens“ gibt dem Film eine zusätzliche Komponente und die Action passiert nicht nur um ihrer selbst willen.“

Jackman war überzeugt davon, dass Hood der ideale Regisseur für X-MEN ORIGINS: WOLVERINE ist, nachdem er dessen preiswert produziertes Drama TSOTSI gesehen hatte. Der in Johannesburg angesiedelte Film handelt von einem jugendlichen Kriminellen, dessen Leben sich vollkommen ändert, als er auf dem Rücksitz eines von ihm gestohlenen Autos ein Baby findet. „Tsotsi liegt genauso mit sich selbst im Kampf wie Wolverine“, sagt Jackman. „Tsotsis Reise hat mich emotional sofort mitgerissen – ebenso wie Gavins einfühlsame Annäherung an seinen Helden und dessen Geschichte.“

„Die einzelnen Figuren waren immer schon das Herz der „X-Men“-Comics und - Filme“, fährt Jackman fort. „Die Leute können sich mit ihnen identifizieren.“

In der Tat ist es so, dass die Comic-Legenden Stan Lee und Jack Kirby, die die X-Men vor über 40 Jahren kreierten, schon damals die Figuren und Geschichten mit einem bewegten Innenleben ausstatteten. Die X-Men waren eine höchst ungewöhnliche Heldentruppe - manchmal sarkastisch, unsozial und definitiv auch mit Mankos behaftet – dennoch waren sie höchst sympathisch, wenn sie ihre eigenen Dämonen zu bekämpfen hatten oder den Kampf mit mächtigen Schurken aufnahmen.

Der Charakter des Wolverine entstand viele Jahre nach denen seiner X-Men-Kollegen. 1974 schufen ihn Autor Len Wein und Art Director John Romita Sr. zunächst als Nebenfigur, ehe er Mitglied der X-Men und schließlich gar Held seiner eigenen Comic-Serie wurde. In der Welt der Pop-Kultur hat die Figur einen nachhaltigen Eindruck hinterlassen. So wählte das Magazin Wizard ihn auf Platz eins der „200 wichtigsten Comic-Figuren aller Zeiten“, während Wolverine beim Empire Magazine den Rang vier in der Liste „der 50 besten Comic-Figuren“ belegte.

Der erste „X-Men“-Film, in dem der damalige Hollywood-Neuling Hugh Jackman die Schlüsselrolle des Wolverine übernahm, war X-MEN („X-Men – Der Film“) und kam 2000 in die Kinos. Das Abenteuer begeisterte Kritik und Publikum gleichermaßen und verhalf dem damals schwächelenden Comic-Helden-Genre zu neuer Stärke. X2 („X-Men 2“, 2003) und X-MEN: THE LAST STAND („X-Men – Der letzte Widerstand”, 2006) erzielten ebenfalls große Erfolge. Bis 2009 hatten 70 Prozent aller US-Kinogänger mindestens einen der „X-Men“-Filme gesehen.

Für Jackman, der hier zum vierten Mal in die Rolle des Wolverine schlüpft, war es die Gelegenheit, noch tiefer in den Charakter seiner Figur einzudringen. „Wir begleiten Logan nun auf der Reise, die erzählt, wie er zu dem geworden ist, der er ist und welche inneren Kämpfe er dabei durchzustehen hatte“, sagt Jackman. „Wolverine besitzt einige fast sakrale Qualitäten, die Wichtigste ist , dass er ein knallharter Typ ist. Um es mit seinen eigenen Worten zu sagen: ’Wolverine ist in den Dingen, die er tut, der Beste – und das was er tut, ist nicht sehr nett’.“ Dazu fügt Lauren Shuler Donner, die schon Produzentin der ersten drei „X-Men“-Filme war, hinzu: „Logan hat eine gewisse Einstellung, Humor und Ausstrahlung. Er schert sich um nichts – und genau aus diesem Grund liebt ihn das Publikum.“

Der zentrale Plot von X-MEN ORIGINS: WOLVERINE beginnt in einem entfernten, in den kanadischen Rocky Mountains gelegenen Holzfällercamp, wo Logan Ruhe vor seiner dunklen turbulenten Vergangenheit sucht. Das erste Mal in seinem langen Leben verspürt er Zufriedenheit und führt gemeinsam mit Lehrerin Kayla Silverfox, in welcher er die Liebe seines Lebens gefunden hat, eine scheinbar idyllische Existenz. „So weit wie hier war er noch nie von seiner Vergangenheit, der er immer zu entfliehen suchte, entfernt“, sagt Jackman. „Kayla ist der Auslöser für die größten Veränderungen, denen sich Logan je stellen musste,“ sagt Lynn Collins, die das Angebot für die Rolle bekam, nachdem Jackman sie auf der Bühne als Partnerin von Al Pacino in „Der Kaufmann von Venedig“ gesehen hatte. „Sie bringt ihn dazu, anderes über den Konflikt¸ Mensch und Mutant zu sein, nachzudenken. Ihre Beziehung läßt Logans alte Wunden heilen und ihn, die Risiken und Konsequenzen zu lieben, erfahren.

Aber während Logan nach dem Frieden sucht, der ihm über ein Jahrhundert lang verwährt geblieben ist, „holt ihn die Welt, der er zu entfliehen versucht, wieder ein“, sagt Jackman. „Es ist hier genauso wie mit allen anderen Problemen des Lebens. Wenn man sich nicht wirklich mit ihnen auseinandersetzt und sie löst, werden sie immer wieder auftauchen. Und es ist von Anfang an klar, dass Wolverine vor Problemen weggelaufen ist, mit denen er sich auseinander setzen muss. Und eines dieser Probleme ist Victor , sein Bruder.“

Victor Creed, der auch als Sabretooth bekannt ist, besitzt ähnliche Kräfte wie Logan. Beide sind quasi unzerstörbar und verfügen über immense übernatürliche Kräfte. Zu Victors besonderen Fähigkeiten gehören ein katzenartiger Kampfstil und Sprungkraft; manchmal greift er auf allen Vieren an.

In Rückblicken erfahren wir, dass Logan als James Howlett geboren wurde und bis ins Teenageralter nicht wusste, dass er und Victor Brüder sind. Eine Familientragödie rufen bei Logan erstmals seinen unglaublichen Zorn und rasiermesserscharfe Klingen hervor, die ihn zu einem übernatürlichen Wesen werden lassen. Logan und Victor fliehen von Zuhause und schließen einen Bund, der über Brüderschaft hinausgeht. Als unbesiegbare Krieger nehmen sie im Verlauf von zwei Jahrzehnten an zahllosen kriegerischen Auseinandersetzungen teil, darunter der Amerikanische Bürgerkrieg, die beiden Weltkriege und der Vietnam-Konflikt. „Logan und Victor sind ein Team“, sagt Jackman. „Sie gehen gemeinsam auf eine Reise“.

Dabei genießt Victor das Kämpfen mehr als Logan. „Victor ist unglaublich brutal und verfügt über einen Morddurst, anders als jeder Charakter, den ich bislang gespielt habe“, sagt Liev Schreiber. „Dieser Kerl ist ein echter Killer.“ Victors Brutalität führt dazu, dass die beiden vor einem Erschießungskommando landen – aber natürlich können Kugeln ihnen nichts anhaben. So wird ein Oberst namens William Stryker auf die einzigartigen Fähigkeiten der beiden aufmerksam und fragt sie, ob sie einem Spezialteam anschließen wollen, das er gerade zusammenstellt. Die geheime Truppe für Spezialaufträge heißt laut Comic-Überlieferung „Team X“ und besteht aus Mutanten mit übernatürlichen Kräften – was sie unbezwingbar macht.

Das Kinopublikum kennt Stryker schon aus X2, wo er versucht, alle Mutanten der Welt auszulöschen. In diesem Teil wurde bereits auf die lange Vorgeschichte zwischen Logan und Stryker hingedeutet, jedoch nur mittels kurzer Gedankenblitze Logans verlorener Erinnerungen. In X-MEN ORIGINS: WOLVERINE erfährt man nun die ganze Geschichte, die sich zwischen Stryker, Logan, Victor und den anderen Mutanten ereignete.

Da der neue Film Jahre vor den in X2 gezeigten Ereignissen spielt, brauchte man für den Part des Stryker, den zuletzt Brian Cox verkörperte, einen jüngeren Darsteller. Die Filmemacher kontaktierten Danny Huston. „Danny versteht es, jede Rolle die er spielt, mit Leben zu füllen“, sagt Hauptdarsteller und Produzent Jackman, der Hustons komplexen Part als Bösewicht in THE CONSTANT GARDENER („Der ewige Gärtner“, 2005) besonders hervorhebt.

Huston sieht in Stryker eine Art Dr. Frankenstein: „Er hat in gewisser Weise dazu beigetragen, Wolverine zu erschaffen. Stryker liebt und hasst Logan und will ihn und die anderen Mutanten kontrollieren. Er sieht die Mutanten als Kinder bzw. wilde Tiere. Indem er sie kontrolliert, kann er sie als Waffen benutzen, als Waffen, mit deren Hilfe er die Sicherheit der Menschheit garantieren will. Er liebt Wolverine wie einen Sohn. Aber er muss ihn manipulieren, vielleicht sogar töten. Denn für ihn ist sein persönlicher Kreuzzug wichtiger als das Leben eines einzelnen Menschen – oder das eines Mutanten.

Eine Schlüsselfigur im „Team X“ ist Wade Wilson, der später als Deadpool bekannt wird. Wade ist eine höchst effiziente Killermaschine, die den Spitznamen „Merc with the Mouth“ (Söldner mit Mundwerk) trägt, da er dauernd witzige Bemerkungen macht. Es war für Ryan Reynolds geradezu schicksalhaft, dass er als lebenslanger Fan des Marvel-Comics Deadpool die Rolle übertragen bekam. Er ist sogar schon einmal in einem der Comics erwähnt worden. „Mein ganzes Leben lang wollte ich schon Deadpool spielen“, sagt Reynolds. „Die Comic-Fans lieben diese Figur, also habe ich mich bemüht, diesen Part so gut wie möglich zu spielen.“
Die Waffen von Wade/Deadpool sind japanische Langschwerter, sogenannte Katanas. Mit ihnen übte Reynolds ausgiebig, um auf der Leinwand entsprechend zu überzeugen. „Ich lebte, aß und atmete diese Schwerter“, erinnert er sich.

Ein weiteres Team X-Mitglied ist Bradley, in dessen Rolle Dominic Monaghan, bekannt aus der Serie „Lost“ und der „Herr der Ringe“-Trilogie schlüpft. Bradley, der Elektrizität kontrollieren und manipulieren kann, ist eine bewegende Figur, die als Mitglied einer Zirkustruppe ein verstecktes Dasein führt. „Wenn wir Bradley im Film treffen, ist er irgendwie durch alle Raster gefallen“, erzählt Monaghan. „Im Team X war er ein Guerilla-Kämpfer. Als aber alles außer Kontrolle geriet und er Dinge sah, die ihm nicht gefielen, verlies er das Team“

Das Team X-Mitglied John Wraith, das Wolverines engster Freund wird, ist ein Teleporter, der verschwinden und auftauchen kann wann, wo und wie er will. „Mit ihm legt man sich besser nicht an“, sagt Darsteller und Musiker Will.i.am, Mitglied der bekannten Hip-Hop-Band The Black Eyed Peas, der hier sein Debüt in einem Spielfilm gibt. Obwohl er schon lange das Team X verlassen hat, bleibt er in engem Kontakt mit Fred J. Dukes, einem exzellenten Kämpfer, der sich hat gehen lassen und nun zum 350-Kilo-Koloss - bekannt als The Blob und gemeinster Kerl, den man kennt - mutiert ist. Kevin Durand, der in „Lost“ einen furchtlosen Söldner porträtierte, trägt in dieser Rolle einen der gewaltigsten und ausgeklügeltesten Fettanzüge der Filmgeschichte. Sein Kostüm wird von einem extra für die NASA entwickelten System gekühlt.

Ein gleichermaßen furchteinflößender Krieger ist auch Agent Zero, ein ausgezeichneter Fährtensucher und höchst effizienter Scharfschütze, der von Daniel Henney gespielt wird. Der in Amerika geborene Schauspieler, der in Südkorea zum Mega-Star avancierte, merkt an, dass Zero und Logan, obwohl Mitglieder der gleichen Truppe, Widersacher sind. „Er war immer schon auf Logan eifersüchtig“, sagt Henney, „und nun setzt er alles daran, ihn zu stoppen.“

Der Mutant mit dem Namen Gambit war nie Mitglied des Team X – Logan trifft erst viel spät während seiner Reise auf ihn. Dennoch fällt ihm in Logans Rachefeldzug eine entscheidende Rolle zu. Die Fans der „X-Men“-Comics haben schon lange seinem erstem Auftritt im Kino entgegengefiebert. Gambit, der auch auf den Namen Remy LeBeau hört, ist ein Meister mit dem Bo-Stab und in Sachen kinetischer Energie. Er kann mit bloßer Willenskraft Dinge bewegen und zu explosiven Waffen machen – besonders gut ist er dann, wenn ein Satz Karten ins Spiel kommt. Da kann ein Ass schon mal wirklich tödlich werden.

Das erste Erscheinen von Gambit in X-MEN ORIGINS: WOLVERINE wird sicherlich von den Fans gefeiert und für aufgeregte Diskussionen sorgen, darüber sind sich die Filmemacher im Klaren. Produzent Ralph Winter, der an allen „X-Men“-Abenteuern beteiligt war, merkt dazu an: „Vor dem Start jedes ‚X-Men’-Films kamen die Leute zu mir und fragten mich, ob Gambit im neuen Film mit von der Partie sei. ’Wird er Karten werfen?’ hieß es oft. Ich antwortete dann: ’Nur mit der Ruhe, er wird seinen Auftritt bekommen.’“

Taylor Kitsch, der gerade eine Staffel der hochgelobten Serie „Friday Night Lights“ abgedreht hatte, bekam den Zuschlag für den Part. Er weiß, „dass die Fans schon lange Gambits Kinodebüt entgegenfiebern“ und hat sich entsprechend bemüht, die in ihn gesetzten Erwartungen zu erfüllen. „Als ich in Sydney ankam und mit den Proben anfing, ging ich zu den Produzenten und versicherte ihnen, dass ich hier sei, um zu lernen und hart zu arbeiten.“ Besonders ausgiebig und intensiv trainierte er mit dem Bo-Stab sowie japanischen Kampfstöcken und übte stundenlang den Umgang mit Spielkarten, um möglichst glaubwürdig als Gambit zu wirken. „Als die Kameras zu laufen begannen, konnte ich schon recht gut mit Karten umgehen“, sagt er.

Wenn es aber um die „Ursprünge“ Logans und seine Geschichte geht, gibt es keine wichitgere Figur als die seines Bruders Victor Creed. Zutiefst angewidert von Strykers unethischer Vorgehensweise, hat Logan Victor und dem „Team X“ einst den Rücken gekehrt. Aber die zwei Brüder können weder Zeit noch Raum trennen, sind sie doch beide zwei Seiten ein und derselben Person. „Ich sehe Victor als Logans Doppelgänger, als dessen dunklere Seite“, sagt Liev Schreiber. „Was beide antreibt, ist die Suche nach ihrem richtigen Platz im Leben. Sie wollen irgendwo dazugehören. Und Victor gehört nun einmal zu Logan. Als ihr Bund zerbricht, will Victor ihn wieder kitten – mit allen Mitteln, seien sie nun gut oder schlecht.“

Victors brutaler Mord an Kayla weckt Logans Rachedurst. Als die beiden wieder aufeinander treffen, kommt es zu einem erbitterten Kampf, in dem Logan schwer verletzt wird. Nun tritt Stryker erneut in Logans Leben und verändert es entscheidend. Er bietet die einzige Lösung für Logans Genesung. Diese liegt, so behauptet er, ausschließlich im geheimen „Weapon X“-Programm, dessen Buchstabe „X“ für die römische Ziffer zehn steht. Logans Skelett soll mit Adamantium verstärkt werden, mittels einer Metalllegierung quasi unzerstörbar gemacht werden. So wird Logan zu Wolverine, den man aus den früheren „X-Men“-Filmen kennt. „Um Victor schlagen zu können“, so Stryker zu Logan, „musst du deine dunkle Seite umarmen. Du musst zum Tier werden.“

Um diese Verwandlung durchzustehen, muss Logan mehr leiden, als es jeder andere Mensch ertragen könnte. Die Zuschauer haben in X2 schon Momentaufnahmen dieser „Weapon X“-Prozedur gesehen. Jetzt wird jedoch die gesamte Grausamkeit dieser schmerzhaften Transformation enthüllt. Logan liegt in einem wassergefüllten Plexiglastank von der Größe eines Sarges. Roboterarme mit applizierten 30-Zentimeter-Nadeln dringen mit unglaublicher Geschwindigkeit überall in seinen Körper ein und stählen seine Knochen. Mit Adamantium. Wolverine, der schon mehrfach angeschossen und vielfach mit Messern verletzt wurde, der Autounfälle, Explosionen und Hinrichtungen überlebt hat, musste noch nie so leiden wie bei dieser Operation.

Kaum hat Wolverine diese Tortur überlebt, sieht er sich erneut betrogen und es kommt zu einem weiteren Kampf mit Victor und der neuen Generation von Strykers Militärexperimenten. Unbeeindruckt von Logans Flucht als nun unzerstörbarer Wolverine, missbraucht Stryker weiterhin die Mutanten, um sie ihn Waffen umzuwandeln. Zu seinen unfreiwilligen Helfern gehören die Teenager Scott Summers (Tim Pocock) und Emma Frost (Tahyna Tozzi). Scott, der als Erwachsener Cyclops, Führer der „X-Men“ sein wird, kann mit seinen Augen tödliche Strahlen abschießen; Emma, eine weitere beliebte Figur aus der „X-Men“-Comicwelt, besitzt telepathische Fähigkeiten und eine diamantartige Haut, die unzerstörbar ist.

Jetzt sehen sich die Mutanten einem Feind gegenüber, der geschworen hat, sie zu zerstören, in einem Aufstand, der erahnen lässt, welch große Schlacht nun bevorsteht.

ÜBER DIE PRODUKTION

„Ich hatte bei diesem Film mehr Spaß, den Wolverine zu spielen, als jemals zuvor“, sagt Hugh Jackman. Sicher trug zu diesem grenzenlosen Enthusiasmus für seine Rolle und das gesamte X-Men-Universum die Tatsache bei, dass Jackman hier auch als Produzent verantwortlich zeichnet. Zusammen mit Regisseur Gavin Hood sowie John Palermo, Jackmans Partner bei Seed Productions, und den beiden anderen Produzenten, Lauren Shuler Donner und Ralph Winter, war Jackman in jedes Stadium des Produktionsprozesses voll eingebunden. Dabei genoss er seine neue Verantwortung in vollen Zügen. „Ich komme vom Theater, wo man an jedem Entscheidungsprozess beteiligt ist“, erklärt er. „Wenn man schließlich am Premierenabend auf der Bühne steht, weiß man nicht nur alles über seine Rolle, sondern auch alles über die Bühnendekoration, die Kostüme, die Entwicklung des Plots – einfach alles. Diese Verbindung von Aufregung, Wissen und Vorbereitung ist es, was einem letztendlich große Befriedigung verschafft.“

Am meisten Spaß im gesamten Entstehungsprozess hatte Jackman beim Besetzen der einzelnen Rollen. „Dieser Film hat jede Menge neue ‚X-Men‘-Charaktere“, sagt Jackman. „Es hat besonders viel Spaß gemacht, diese Figuren einzuführen und dafür die richtigen Schauspieler zu finden.“

Jackman, der Produzent, schonte Jackman, den Schauspieler, in keinster Weise. So durchlief er ein Fitnesstraining, wie er es noch nie zuvor absolviert hatte – mit dem Ergebnis, dass er in seinem Leben auch noch nie fitter gewesen ist. Jackman wollte für X-MEN ORIGINS: WOLVERINE noch besser, noch durchtrainierter dastehen als bei den drei vorhergegangenen Abenteuern. „In den drei bisherigen „X-Men“- Filmen sah ich als Logan nie so aus, wie ich mir das vorgestellt hatte“, erklärt Jackman. „Hier wollte ich meinen Vorstellungen ganz entsprechen, ich wollte als Logan wie ein Tier aussehen, mit hervortretenden Adern und gespannt wie eine Feder. Ich wollte beim Publikum glaubhaft rüberkommen. Es sollte denken: ‚Okay, der Typ ist wahrlich Furcht einflößend. Der könnte einem locker den Kopf abreißen’.“

Neben den endlosen Stunden im Fitnessraum erhöhte Jackman auch seine Protein- und Kalorienzufuhr auf die eines professionellen Athleten. Ein typischer Tag sah für ihn folgendermaßen aus: Um Vier Uhr kurz aufstehen und einen speziellen Proteinshake trinken. Dann, um sechs Uhr, endgültig das Bett verlassen und mit dem Gewichttraining beginnen. Dabei versetzte er sich, um mehr Kilos zu stemmen, gedanklich schon in den Part des Wolverine. Jackman führt lachend aus: „Als Wolverine konnte ich rund zwanzig Prozent mehr Gewichte auflegen, zwanzig Prozent härter und länger trainieren. Wenn ich nämlich für mich selbst trainiere, denke ich mir: ‚So, das reicht. Mehr muss ich mich wirklich nicht anstrengen‘. Als Wolverine geht das nicht, da muss ich dessen Kräften entsprechend auch härter zulegen, strenger mit mir selbst sein.“

Trotz all der Muskeln, die Jackman zulegte, verlor er nie seine Athletik, die ihn nicht nur bei seinen Actionfilmrollen sondern auch bei der Bühnenarbeit auszeichnet. „Die Kamera liebt Hugh“, weiß Lauren Shuler Donner, die Produzentin. „Er besitzt die Grazie eines Tänzers – und würde er sich für einen Part nie einfach nur ‚aufpumpen‘.“

Jackmans Arbeitsethos und sein strenges Fitnessprogramm beeindruckte das gesamte Team, besonders Liev Schreiber, der als Victor Creed auf der Leinwand mehrfach die Kräfte mit seiner Nemesis, Jackmans Logan, messen muss. „Hugh hat sicherlich entscheidend dazu beigetragen, dass ich hier kräftiger und besser aussehe als sonst“, sagt Schreiber, der sich für seinen Part zwanzig Kilo zusätzliche Muskelmasse antrainierte. „Zwischen uns hat die Chemie definitiv gestimmt, aber in Sachen Training und Stunts haben wir schon gewetteifert. Schon allein eine Kampfszene mit Hugh zu absolvieren war toll, weil er als Tänzer eine unglaubliche Körperbeherrschung besitzt und Choreographien intuitiv versteht. Ja, wir haben wirklich bemerkenswerte Kampfszenen zusammen.“

Die Filmemacher wollten mehr Action, es gab neue X-Men Charaktere und um den Einsatz noch zu erhöhen, entschieden sie sich, auch noch die Drehorte zu wechseln. Während X-MEN primär in Toronto entstanden war, die Bühnen, Studios und Örtlichkeiten von Vancouver für X2 und X-MEN: THE LAST STAND genutzt wurden, siedelte man für X-MEN ORIGINS: WOLVERINE nach Neuseeland und Australien um und filmte nur einige Schlüsselsequenzen in Vancouver. „Eine weitere Herausforderung für mich bestand hier darin, für dieses Abenteuer eine neue Heimat zu finden, einen neuen Produktionsort“, berichtet Jackman. „Obwohl ich mich dem Stil der Vorgängerfilme verpflichtet fühle, wollte ich auch, dass unsere Produktion imposanter und anders aussieht. Und Neuseeland hat etwas Unwirkliches. Es ist irgendwie magisch. Das half uns, unsere Welt zu kreieren und dem Film seine Realität zu geben.“ Produzent John Palermo fügt hinzu: „In Australien und Neuseeland zu drehen, hat das ‚X-Men‘-Universum erweitert. Das Publikum wird vom Look des Films begeistert sein. Wir hatten Glück, dass wir in diesen beiden Ländern drehen und deren herrliche Landschaften als Hintergrund nutzen durften.“

Jackman, Regisseur Gavin Hood, Chefkameramann Donald McAlpine (MOULIN ROUGE, „Moulin Rouge“, 2001) und Produktionsdesigner Barry Robison nutzten zahlreiche Schauplätze dieser Länder um die Orte für die vier Kriege nachzubilden, die Stadt New Orleans, Hochschulen in den USA und die kanadische Wildnis. Glaubt man McAlpine, waren die herrlichen Landschaften Neuseelands besonders wichtig. Zum einen für den fiktionalen kanadischen Ort Alkali Lake, Basis des geheimen „Weapon X“-Programms, zum anderen – hierfür siedelte man auf Neuseelands South Island um – für das ländliche Paradies, in das sich Logan leider viel zu kurz mit seiner großen Liebe Kayla Silverfox zurückziehen kann. McAlpine führt aus: „Er lebt in höchst idyllischer Umgebung in einer (von Robison entworfenen) Hütte, die auf einem Berggipfel steht, der von zig anderen Bergen umgeben ist“.

Neuseelands South Island war zudem Drehort für eine der größten Actionsequenzen des Films, einer Hubschrauberjagd mit abschließendem spektakulärem Absturz. Hier arbeitete der Regisseur des zweiten Stabs Peter MacDonald (THE BOURNE ULTIMATUM, „Das Bourne Ultimatum“, 2007) eng mit Hood zusammen, während sie unter anderem eine Farm in die Luft sprengten und eine spektakuläre Motorradfahrt Logans filmten – und zwar auf der Harley Davidson, die zu seinem Markenzeichen wird.

Anschließend zog die Produktion nach Sydney, Australien um, wo man an verschiedensten Orten der Stadt drehte, u.a. in einem verlassenen Krankenhaus, einem seit langem nicht mehr bespielten Theater der 20er Jahre – welches zum Boxring umfunktioniert wurde, in dem Logan mit dem 350-Kilo-Koloss Blob kämpft –, im Centennial Park, an den wunderschönen Stränden der North Shore und einem Fußballfeld, das man zu einem Rummelplatz umfunktionierte. Der bemerkenswerteste Drehort war aber Cockatoo Island, das die Bauabteilung in ein still gelegtes Atomkraftwerk umgestaltete – das Zuhause von Strykers Laboratorien und „Aufbewahrungsort für Mutanten“. Die Insel beherbergte einst die größte Werft Australiens mit einem Trockendock, das 1857 von Sträflingen errichtet worden war, und gleichzeitig auch ein königliches Gefängnis. Dieser Drehort drängte sich geradezu auf, um jene isolierte, finstere Welt Strykers auferstehen zu lassen, in der er seine Experimente mit Mutanten durchführt.

Um den lang erwarteten Auftritt Gambits richtig in Szene zu setzen, zog man in die Fox Studios in Sydney. Hier wurden Teile von New Orleans rekonstruiert, der Heimat Gambits. Unter anderem baute das Setdesign-Team eine für New Orleans typische Gasse, wo es zu einem höchst explosiven Kampf zwischen Logan, Gambit und Wraith kommt. Hier, in bestens zu kontrollierender Umgebung und ausgestattet mit den modernsten technischen Möglichkeiten, konnte man Action vom Feinsten in Szene setzen. Die Schauspieler und ihre Stuntdoubles kletterten Wände hoch, sprangen von Dach zu Dach und bekamen die volle Wucht von Gambits Spielkarten und des Bo-Stab zu spüren.

Und dann waren da schließlich noch die Szenen, in denen sich Logan und Victor durch die verschiedenen Schlachtfelder der vier Kriege, an denen sie teilnehmen, kämpfen. Während des Amerikanischen Bürgerkrieges ziehen sie gegen die Konföderierten ins Feld, im Ersten Weltkrieg verhandeln sie in Schützengräben, im Zweiten Weltkrieg landen sie in der Normandie und schließlich sind sie auch im verheerenden Vietnam-Konflikt im Einsatz. Für die zahllosen Uniformen der Hunderten von Soldaten der verschiedenen Epochen war die Kostümdesignerin Louise Mingenbach verantwortlich, Rüstungs- und Waffenspezialisten wiederum unterwiesen die Statisten in Sachen Schießen und korrekter Kleidung.

Nachdem die schwierigen Kriegsszenen zu Ende gebracht waren, schloss man die Hauptdreharbeiten in Australien und Neuseeland ab. Nun blieben nur noch ein paar komplizierte Außenaufnahmen, die aus wetter- und kulissentechnischen Gründen ausschließlich in Kanada realisiert werden konnten. In dem Moment, in dem man auch diese erfolgreich abgeschlossen hatte, setzte der Postproduktionsprozess ein und nahm augenblicklich Geschwindigkeit auf. Ohne auszuruhen, arbeitete Jackman an dem Projekt weiter, erinnerte sich derweilen aber auch an seine eigenen „Ursprünge“ als Wolverine. Wie viele wissen, wurde er im Jahr 2000 – bei seinem Hollywood-Debüt – nur wenige Tage vor Drehbeginn von X-MEN als Wolverine besetzt. Zunächst hatte Jackman Bedenken, den Part überhaupt zu übernehmen, kannte er seinen Charakter und die gesamte „X-Men“-Mythologie doch nicht. „Ich hielt es für äußerst ungewöhnlich, dass man aus ‚X-Men‘ einen Film machen wollte. Und ein Typ, dem Klingen aus der Hand wachsen… Zu dem Zeitpunkt wusste ich noch nichts über die Figur, geschweige denn von der unglaublich vielschichtigen X-Men-Historie. Und wenn ich das alles gewusst hätte, dann hätte ich mich wahrscheinlich gar nicht getraut, die Rolle wegen des zu erwartenden Drucks zu übernehmen“.

„Wenn mir jemand früher gesagt hätte, dass es eines Tages einen Wolverine-Film geben wird, hätte ich nur gelacht“, fährt Jackman fort. „Ich hatte überhaupt keine Vorstellung davon, wie erfolgreich die X-Men-Filme sein und was für einen Hype sie auslösen würden. Ich kann gar nicht sagen, wie dankbar ich den Fans und den Zuschauern bin.“

THE DARK KNIGHT

REGIE & STORY

Jonathan Nolan (Screenplay/Regie) Christopher Nolan (screenplay) Christopher Nolan (story) David S. Goyer (story)

BESETZUNG

Christian Bale ... Bruce Wayne / Batman Heath Ledger ... The Joker Aaron Eckhart ... Harvey Dent Michael Caine ... Alfred Pennyworth Maggie Gyllenhaal ... Rachel Dawes Gary Oldman ... Lt. James Gordon Morgan Freeman ... Lucius Fox Monique Curnen ... Det. Ramirez Ron Dean ... Detective Wuertz Cillian Murphy ... Dr. Jonathan Crane

TWO FACE RETURNS

The Dark Knight Two Face Clip -"Half Alive"

TRAILER

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SZENENBILDER

„Why so serious…?“

Eine Spielkarte mit der Abbildung eines Jokers darauf machte bereits am Ende von „Batman Begins” Appetit auf einen zweiten Teil. Die meisten Kinogänger hatten zu diesem Zeitpunkt noch die überragende Darstellung des Jokers durch Jack Nicholson aus dem Batmanfilm von 1989 im Hinterkopf, und waren schon allein dadurch sofort eingestimmt auf Batmans größten Widersacher.
Der Trailer zu „The Dark Knight“ steigerte den Hunger auf die Fortsetzung noch weiter – vor allem, weil sich bereits dort abzeichnete, dass der neue Jokerdarsteller Heath Ledger sich scheinbar keineswegs vor der Nicholsondarbietung zu verstecken brauchte.
Mit dem unglücklichen Tod von Ledger durch eine falsch dosierte Mischung von Medikamenten im Januar diesen Jahres gewann der „Dark Knight“-Hype dann aber plötzlich eine völlig neue Tiefe. Nun erwartete den Zuschauer nicht nur eine möglicherweise spannende Geschichte vom Kampf Gut gegen Böse, sondern zugleich auch das schauspielerische Vermächtnis eines Darstellers, der in der Blüte seines Schaffens verblichen ist. So bitter es klingen mag: Die Gewissheit, dass man mit dem Besuch von „The Dark Knight“ ein einmaliges Kinoerlebnis haben wird, da Heath Ledger definitiv für keine weiteren Rollen mehr vor der Kamera stehen kann, ist gewiss ein zusätzliches unausgesprochenes Verkaufsargument für die Kinokarte. Aber: Es wäre absolut falsch, den schon jetzt enormen Erfolg von „The Dark Knight“ darauf reduzieren zu wollen.
Der Film hat sehr viel mehr zu bieten.
Um nicht zu viel zu verraten, soll die der Kritik vorangehende inhaltliche Darstellung nur knapp sein.

„It´s all part of the plan.“

Inhalt:
Gotham City hat mit Batman einen starken Kämpfer für die Ordnung in der Stadt gefunden – doch dies hat nicht nur positive Folgen: Die Verbrechersyndikate wollen sich keineswegs geschlagen geben und schmieden Pläne gegen den dunklen Rächer. Und auch Bürger, die sich von Batman inspiriert selbst in ein Fledermauskostüm werfen sind eigentlich eher ein Hindernis als eine Hilfe beim Kampf Batmans gegen das Verbrechen. Wirklich nützlich sind für Batman vor allem Lieutenant Gordon und der ambitionierte Staatsanwalt Harvey Dent.
Dent gelingt eine ganze Reihe von Verhaftungen und Batman alias Bruce Wayne erkennt, dass nicht der Mann versteckt hinter der Maske es sein kann, der für Gotham als Vorbild dient, es muss ein Mann aus dem Volk sein, der den Bürgern als moralisches Leitbild und Lichtfigur Hoffnung und Kraft gibt. Batmans Rolle bleibt die im Verborgenen, um auch solche Kämpfe für das Gute auszufechten, bei denen man sich die Hände schmutzig machen muss – und die einen Mann wie Harvey Dent beschädigen würden, wenn er selbst zu solchen Mitteln griffe.
Doch der Kampf gegen das Verbrechen nimmt ungeahnte Wendungen an – denn der Joker tritt auf die Spielfläche und gestaltet sie nach seinen eigenen Regeln um. Und das heißt vor allen Dingen: Keine Regeln. Nicht Geld ist es, was den Joker bei seinem Treiben motiviert – er möchte Chaos verbreiten, die Ordnung zerstören und ihm ist dabei jedes Mittel Recht, Gotham City in die Anarchie zu stürzen. Und das nicht einfach nur, indem er Zerstörungen an Menschen und Material anrichtet – er will die moralische Grundlage der Stadt und der Bürger, die in ihrer leben, vernichten. Der Joker kreiert dafür immer wieder Situationen, die die Bürger der Stadt, ihre strahlenden Repräsentanten und nicht zuletzt Batman selbst desavouieren und vor schwerwiegende Entscheidungen stellen…

„Let´s put a smile on that face…“

Kritik:
Man möchte eigentlich meinen, dass ein Film von 152 Minuten Länge die Geduld des Zuschauers auf eine harte Probe stellt und die große Gefahr birgt, dass sich an der ein oder anderen Stelle etwas Langeweile breit macht. Und in der Tat hat „The Dark Knight“ das Problem, anfangs etwas schwer in die Gänge zu kommen. Zwar sind auch zu Beginn einige interessante Szenen enthalten, die Handlung selbst braucht aber etwas Zeit um sich zu entfalten – angesichts dessen, welche Inhalte mit den verschiedenen Schichten, die in dem Film enthalten sind, vermittelt werden, ist dies aber auch nicht unverständlich. Gut Ding will schließlich Weile haben.
Und spätestens, wenn der Joker erstmals so richtig vor dem Verbrechersyndikat Gothams in Erscheinung tritt, beginnt sich ein Spannungsbogen aufzubauen, der einen eigentlich bis zum Ende des Films nicht mehr loslässt. Selbst in Phasen, in denen nicht recht klar ist, was einen nun als nächstes erwartet, verliert die Handlung kaum an Fahrt. Beispielsweise als der Joker zunächst hinter Gittern landet, stellt man sich dennoch die Frage, welche Asse er noch auf der Hinterhand hält, die auch ohne, dass er sie persönlich ausspielt, der Stadt und ihrem dunklen Ritter die Initiative aus der Hand winden.
Überhaupt ist der Joker der Dreh- und Angelpunkt des gesamten Films – der Anarchist bestimmt den Takt, er ist es, der zum Prüfstein wird, denn er ist die ultimative moralische Herausforderung. Für ihn gibt es keine Regeln – er unterwirft sich nicht dem Diktat des Kapitals, Geld spielt für ihn keine Rolle, moralische wie materielle Wertvorstellungen sind für ihn nur Spielbälle, die er einzusetzen weiß, um andere zu erpressen. Von besonderer Bedeutung ist für ihn aber die Wahrheit der menschlichen Natur – der Joker stößt gerne auf den Wesensgrund jedes einzelnen hinab, um dort mit scharfen Messern zu entdecken, wer der Mensch wirklich ist. Er erwartet dabei geradezu, Schwäche und Feigheit vorzufinden, Egoismus und den nackten Selbsterhaltungstrieb – er setzt darauf sogar. Darin unterscheidet er sich diametral von Batman, der bei aller Härte immer noch auf das Gute im Menschen setzt; setzen muss, da er alleine schließlich nicht die ganze Stadt retten kann.
Moralische Stärke und Werte sind es, auf die Batman baut – und genau das ist der Punkt, an dem der Joker ansetzt: Er will dieses Fundament vernichten, um die ganze Stadt damit zu Fall zu bringen. Das erschöpft sich nicht einfach nur in Akten von Terrorismus und Zerstörung – er bricht auch die Spitzen Gothams ab, will der Stadt ihre strahlenden Vorbilder, ihre Hoffnungen nehmen. In dem Versuch, dies zu verhindern, wird Batman selbst bis an und über die Grenzen des moralisch vertretbaren hinaus getrieben und zu einigen extremen Entscheidungen gezwungen. Dennoch überschreitet er bestimmte Grenzen nicht, hält sich beinhart an Regeln, die für den nihilistischen Joker bedeutungslos sind – was diesen unterhält:

„You´re just too much fun!“

Bei „The Dark Knight“ wird ein Konflikt zwischen Gut und Böse dargestellt, der ganz offensichtliche Bezüge zu unserer Gegenwart aufweist. Auch unsere realen Gesellschaften haben mit der Bedrohung durch einen Terrorismus zu kämpfen, dessen politische Ziele kaum noch im Vordergrund stehen, sondern der in blankem Nihilismus danach trachtet, möglichst viele Menschenleben auszulöschen und Gesellschaftsordnungen ins Wanken zu bringen – auch und gerade in den Reaktionen der Gesellschaften auf diese Bedrohung.
Auch Batmans Art des Kampfes gegen den Joker nimmt Formen an, die nicht mehr mit der Achtung bürgerlicher Freiheiten in Einklang zu bringen sind – weshalb der dunkle Ritter nun mal dunkel ist. Leider lässt sich aus diesem schmutzigen Kampf für das Gute durchaus auch eine gewisse Legitimation für Folter ableiten – die Parallelen zur Gegenwart und dem Umgang mit diesem Thema gerade in den USA drängen sich dabei geradezu auf.
Um Gotham (wie auch Amerika) jedoch eine lebensfähige Perspektive zu geben, braucht es eines hellen Ritters, eines „White Knight“, an den die Bürger glauben und an dem sie sich erbauen können. Dies kann nicht Batman sein – aber Harvey Dent, dieser Barack Obama Gotham Citys, scheint der richtige Mann dafür zu sein. Kein Wunder also, dass der Joker besonders versucht, Dent zu Fall zu bringen.
Welche Wendungen dieses Ringen um die Seele Gotham Citys zwischen Batman und dem Joker nimmt, sei hier verschwiegen – faszinierend ist diese Geschichte allemal.

Doch nicht nur das großartige Drehbuch weiß zu überzeugen – auch die Darsteller dieses absolut hochkarätig besetzen Films transportieren die Story überzeugend, am beeindruckendsten ist jedoch die Darstellung des Joker durch Heath Ledger.
Nun ist für jeden, der den Batman des Jahres 1989 kennt, natürlich Jack Nicholson das Gesicht des Jokers – hatte der doch damals einen wirklich nachhaltig beeindruckenden Bösewicht abgegeben. Wer hätte schon gedacht, dass dieser Joker noch übertroffen werden könnte?
Ledgers Joker ist noch schockierender, da er in seiner anarchistisch-nihilistischen Grundeinstellung, versehen mit einer zynischen Freude am Zerbrechen der Menschen und dem Spott gegenüber ihrem Anklammern an Regeln und Werten äußerst konsequent ist und er darüber hinaus mit seinem Hang dazu, mit scharfen Messern zu morden eine sehr rohe und direkte Brutalität auslebt. Und das zeigt sich in praktisch jeder einzelnen Bewegung, in der Betonung jedes Wortes. Um nur ein winziges Detail herauszupicken:
Als der Joker auf der Suche nach Harvey Dent auf einem Ball die schöne Rachel antrifft, streicht er sich die Haare aus dem Gesicht. – Als ob er sich für die schöne Frau zu Recht machen wollte, er sich also einer gesellschaftlichen Regel unterwerfen würde. Die Handbewegung und das Spiel mit seiner Zunge dabei sind aber genau so gespielt, dass absolut klar ist, dass er mit dieser Regel nur spielt, sie karikiert, weil es ihm in Wahrheit völlig egal ist, ob Rachel ihn nun hübsch findet oder nicht, während er sich ihr mit gezücktem Messer nähert.
Diese darstellerische Leistung ist beeindruckend, und man darf Christian Bale nur zustimmen, wenn er meint, dass Ledgers Joker noch lange im Gedächtnis bleiben wird.

Die Inszenierung der Actionszenen ist ebenfalls hervorragend gelungen und bewegt sich auf dem Niveau von „Batman Begins“, auch der Soundtrack ist bereits vom ersten Hans-Zimmer-Batman wohl bekannt. Der Track bietet dadurch kaum Innovationen, was allerdings bei dieser Art von Soundtrack nicht wesentlich ins Gewicht fällt – der Batmantrack ist schließlich kein klassischer Soundtrack wie man ihn von John Williams kennt, sondern dient einzig und allein zur Untermalung des Films. Wie schon beim ersten Batmansoundtrack ist auch dieser ohne den Film kaum denkbar und kann eigentlich nicht alleine stehen. Muss er auch nicht – sein einziger Zweck ist es, den Film zu unterstreichen, und das gelingt ihm auch hervorragend.

„Kill the Batman“

„The Dark Knight“ dürfte vermutlich einer der besten Filme des Kinojahres 2008 sein.
Markus Sampl	Nein! Es ist nicht der Tod von Heath Ledger – der Film „The Dark Knight“ hat sich den Erfolg nicht einfach wegen des Hypes durch Ledgers Tod verdient, sondern, weil er wirklich verdammt gut ist. Man kann zwar gerne an der einen oder anderen Sache mäkeln, wie etwa dem etwas langsamen Anfangsteil des Films, nichtsdestotrotz zeichnet sich der Batmanstreifen durch ein hervorragendes Drehbuch aus, das zu vielfältigen Interpretationen einlädt, wie ich sie hier in Grundzügen angerissen habe. Der Cast ist insgesamt sehr gut, und Heath Ledger legt in seiner Rolle als Joker einen Meilenstein in der Reihe berühmter Filmbösewichte, den man gesehen haben MUSS, gerade im englischen Original.
Spannung Action Humor Erotik Charaktere Kontiunität Anspruch

ÜBER DIE PRODUKTION

SZENENBILDER

„Manchen Menschen sind logische Motive wie etwa Geld absolut fremd. Man kann sie weder kaufen, einschüchtern, durch Argumente überzeugen noch mit ihnen verhandeln. Manche Menschen wollen einfach zusehen, wie die Welt in Flammen aufgeht.“

Mit „Batman Begins“ schrieb der Autor/Regisseur Christopher Nolan ein neues Kapitel der Batman-Filmserie, indem er den legendären Helden zu seinen Ursprüngen zurückführte: Er malte sich aus, warum und wie sich der milliardenschwere Industrielle Bruce Wayne in den rätselhaften Kämpfer für Recht und Ordnung verwandelte, der heute als Batman bekannt ist. „The Dark Knight“ nimmt die Motive der Batman-Saga wieder auf, wobei die Figur laut Regisseur Nolan inzwischen „voll ausgereift“ ist.
Nolan weiter: „Wir haben Batmans Welt im ersten Film in einer interessanten Situation verlassen: Der Schluss deutete an, dass die Story sehr spannend weitergehen könnte.“ Nolan entwickelte die Story mit David S. Goyer, mit dem er bereits beim Drehbuch zu „Batman Begins“ zusammengearbeitet hatte. Nolan schrieb dann das Drehbuch zu „The Dark Knight“ zusammen mit seinem Bruder Jonathan.
In „The Dark Knight“ geht es laut Nolan vor allem darum, wie Batmans Existenz Gotham City verändert… und zumindest zu Anfang ist das nicht in jedem Fall eine positive Entwicklung. „Am Ende von ,Batman Begins‘ haben wir angedeutet, dass die Situation eskalieren könnte: Wenn Batman mit seinen Aktionen den Verbrechersyndikaten der Stadt ins Gehege kommt, könnte das organisierte Verbrechen umso heftiger zurückschlagen. Genau das geschieht jetzt. Sein Kreuzzug hat für Gotham City einige äußerst negative Konsequenzen.“
Produzent Charles Roven fügt hinzu, dass das Problem weit über die lokalen Gangster von Gotham hinausgeht: „Einerseits hat Batman angefangen, mit der Kriminalität und Korruption aufzuräumen, die Gotham lähmt. Doch ironischerweise entsteht dadurch ein Vakuum, das noch viel mächtigere Kriminelle anzieht, die jetzt ihre Chance sehen, die gesamte Stadt zu vereinnahmen.“
Produzentin Emma Thomas stellt fest: „In ,Batman Begins‘ haben wir uns vor allem auf die Ursprünge der Figur konzentriert: wie Batman sich aus Bruce Waynes Kindheitstrauma, aus seinen Ängsten, seiner Wut entwickelt hat, die dann zu dem Entschluss führen, Kriminalität und Korruption zu bekämpfen. In ,The Dark Knight‘ ist Batman der Polizei und den Bürgern von Gotham City bereits sehr vertraut. Doch während ihn die einen als Helden verehren, fragen sich die anderen, ob die schädlichen Aspekte seiner guten Taten nicht letztlich überwiegen. Diese Debatte erreicht ihren Höhepunkt, als ein ganz neuer Typ von Verbrecher auftaucht. Interessanterweise entspricht das Image des sorglos in den Tag hineinlebenden Milliardärs Bruce Wayne mit seinen schicken Autos, an jedem Arm eine schöne Frau, so gar nicht seinem wahren Charakter. Während also Bruce Wayne im Grunde eine Maske trägt, um seine Identität als Batman zu verbergen, ist es eigentlich Batman, durch den Bruces Identität am besten definiert wird – seine öffentlichen Auftritte als Bruce Wayne dienen ihm als ,Maske‘, die er trägt, um in der Welt existieren zu können.“
Das war nicht immer so. Christian Bale, der wieder als Bruce Wayne/Batman zu sehen ist, behauptet: „Wahrscheinlich hat Bruce geglaubt, dass die Aktion eines Tages abgeschlossen sein wird, dass Batman der Stadt als Vorbild dienen würde und dass er die von ihm entwickelte Figur irgendwann nicht mehr benötigen würde. Aber im Lauf der Zeit wird ihm klar, dass er nicht mehr einfach damit aufhören kann… vielleicht sogar nie mehr. Denn er muss die Stadt vor neuen Feinden schützen.“
Der gefährlichste Gegner ist Batmans berüchtigtster Erzfeind, der manische, gnadenlose Schurke, den man Joker nennt. „Der Joker ist der Superbösewicht des Kinos schlechthin“, bestätigt Nolan. „Auf seine Art stellt er ebenso eine Ikone dar wie der Dunkle Ritter – was wir als Chance, aber auch als Herausforderung begriffen, denn es gilt natürlich, der verdrehten Weltsicht dieses Typen auf den Grund zu gehen. Wir wollten also einen Bösewicht gestalten, der ebenso schillernd und ausgeflippt ist, wie man ihn sich vorstellt, der aber trotzdem einen realistischen Hintergrund haben soll. Im Einklang mit dem Konzept, das wir für ,Batman Begins‘ entwickelt haben, sehen wir ihn als recht ernsthaften Typen, obwohl er Joker genannt wird. Wir gingen also davon aus, dass der Joker die extremste Variante eines Anarchisten ist: eine chaotische Naturgewalt, ein Krimineller ohne Konzept, der nichts erreichen will und den man daher auch nicht verstehen kann. Er hat nicht nur ein gewaltiges zerstörerisches Potenzial, sondern lebt seine mörderische Natur mit Wonne aus: ein richtig furchteinflößendes Schauspiel.“
„Bei der Entwicklung des Skripts spielten wir durch, welche Auswirkungen ein solcher Typ auf die gesamte Bevölkerung haben könnte“, fährt Nolan fort. „Er verunsichert die Menschen, stellt ihre Alltagsregeln, ihre Ethik, ihre Überzeugungen, ihre Menschlichkeit auf den Kopf. Man könnte sagen, dass es ähnliche Phänomene auch in unserer realen Welt gibt, was mich zu der Überzeugung bringt, dass Anarchie und Chaos – auch schon die Androhung von Anarchie und Chaos – das Schrecklichste ist, was einer Gesellschaft passieren kann, und das gilt heute mehr denn je.“
„Der Joker akzeptiert keinerlei Regeln“, sagt Bale. „Wie soll man jemanden bekämpfen, der nur zerstören will, selbst wenn die Selbstzerstörung die Konsequenz ist? Einen solchen Gegner sollte man nicht unterschätzen.“ Der Schauspieler sagt weiter, dass der völlig amoralische Joker damit seine gefährlichste Waffe im Krieg gegen Batman in der Hand hat, denn Batman seinerseits vertritt „einen sehr strengen Moralkodex: Bestimmte Dinge tut er, andere nicht – und das kann der Joker zu seinem Vorteil nutzen. Batman ist immer noch traumatisiert und weiß sehr wohl, dass er in seiner Wut leicht zu weit gehen könnte, darf also eine gewisse Grenze nicht überschreiten. Er muss aufpassen, dass er bei seinem Kampf mit dem Monster nicht selbst zum Monster mutiert. Dabei wirft Chris Nolan in diesem Film interessante ethische Fragen auf: Es geht um die komplizierten Unterschiede zwischen Machtausübung und dem Streben nach Macht.“
Bale, der in „The Dark Knight“ bereits zum dritten Mal mit Nolan arbeitet, fährt fort: „Chris’ große Begabung besteht darin, das Action-Publikum zu seinem Recht kommen zu lassen, also reine Unterhaltung zu liefern, ohne dabei auf Momente mit schwerwiegenden persönlichen Konflikten oder die Widersprüche der Figuren zu verzichten. Er bringt beides unter einen Hut, ohne Kompromisse einzugehen.“
Während der Joker Chaos und Angst verbreitet, startet der neue Staatsanwalt Harvey Dent in Gotham City seinen Kreuzzug für Recht und Ordnung. „Harvey ist ein Mann aus dem Volk. Er ist ein typischer amerikanischer Held, aber ein ganz anderer als Batman“, sagt Nolan. „Daraus ergibt sich ein Triumvirat aus Batman, Harvey Dent und Lieutenant Gordon – die Justiz, die Polizei und der Selbstjustizler: Sie bilden eine Allianz, um das Verbrechen auszumerzen. Mit Batman an ihrer Seite sind sie den Kriminellen gegenüber im Vorteil, aber diese werden weiterhin von der Polizei verhaftet und dann dem Richter vorgeführt. Dennoch ergibt sich die Frage, ob man die Regeln freier interpretieren kann, ohne sie zu brechen. Das ist der rote Faden, der sich durch die Geschichte zieht.“
Die Dynamik der drei Gesetzeshüter verändert sich abrupt, als unvorhergesehene Entwicklungen die Existenz des unermüdlichen Staatsanwalts vernichten, der dann zum rachelüsternen Schurken Two-Face mutiert. Dazu Nolan: „Harvey ist der Hoffnungsträger von Gotham City, doch durch eine Tragödie verwandelt er sich in Two-Face… wirklich eine außergewöhnliche Story. Der Joker ist der eher extravagante Bösewicht, der sich in den Vordergrund drängt. Aber in gewisser Hinsicht reißt uns Harvey Dent/Two Face noch mehr mit, weil er eine so verblüffende Entwicklung durchmacht. Der Joker kann sich per Definition nicht entwickeln – er ist und bleibt auf Krawall gebürstet. Der Joker und Harvey Dent gehören jedenfalls zu den faszinierendsten Figuren der ,Batman‘-Bücher. Sie entwickeln fast mythische Qualitäten – es war also sehr spannend, sie durch das Prisma der von uns geschaffenen Welt zu betrachten.“
Mit einem innovativen, hier erstmals angewendeten Konzept erweiterte Nolan den Rahmen dieser Welt: Sechs wichtige Action-Sequenzen drehte er mit IMAX-Kameras – damit ist er der erste Regisseur, der die Großbild-Kameras beim Dreh eines traditionellen Spielfilms einsetzt. „Bei der Fortführung von Batmans Geschichte stellten wir uns der Aufgabe, die Dimensionen zu erweitern und zu verbessern. Wir expandieren die Welt, die wir im ersten Film geschaffen haben – nicht nur durch die Story, sondern auch durch ihre Präsentation. Ich bin regelrecht begeistert von der Qualität der IMAX-Bilder. Das Publikum wird dadurch so unmittelbar in die Action hineingesogen, wie es kein anderes Filmformat könnte. Ich fühle mich in meine Kindheit zurückversetzt, als ich auf der Leinwand die großen Bildformate in all ihrer Pracht genießen durfte, wie nur großes Kino sie bieten kann. Wahrscheinlich versucht sich jeder Filmemacher auf solche Erfahrungen zu besinnen, und uns schien es nur angemessen, die Dimension unserer Geschichte mit IMAX zu sprengen.“
Außerdem gibt es in Batmans Welt einige Veränderungen: Bruce Waynes Wohnsitz Wayne Manor ist am Ende von „Batman Begins“ abgebrannt – inzwischen wohnt Bruce in einem modernen Penthouse mit Blick über die Stadt. Batman trägt außerdem einen neu gestylten Anzug, der ihn beweglicher macht und sein Gesichtsfeld erweitert: „Jetzt kann ich den Kopf drehen“, grinst Bale. Und der agile, pfeilschnelle Bat-Pod gibt in „The Dark Knight“ sein mit Spannung erwartetes Debüt, wenn Batman in einer atemlosen Verfolgungsjagd durch den Verkehr von Gotham City prescht. Gedreht wurden diese Szenen in Chicago.
In seinem Bemühen, für Recht und Ordnung zu sorgen, begibt sich Batman auf eine Odyssee um die halbe Welt bis nach Hongkong – erstmals verlässt damit der maskierte Kreuzritter auf der Leinwand die Stadtgrenzen von Gotham City.
„Chris entwickelte ein traumhaftes Konzept zu diesem Film – und er hat sich bei der Umsetzung selbst übertroffen“, sagt Roven. „Er gehört zu den seltenen Regisseuren, bei denen man sich darauf verlassen kann, dass sie ihre Visionen – egal wie ehrgeizig sie sind – nicht nur vollständig umsetzen, sondern meist auch noch besser, als man sich das vorgestellt hat.“

„Entweder stirbt man als Held…
oder man lebt lange genug, um Bösewicht zu werden.“

In „The Dark Knight“ kommen etliche Darsteller wieder zusammen, die bereits bei „Batman Begins“ dabei waren – allen voran Christian Bale in der Titelrolle. Bale freut sich über die Chance, wieder den einsamen Helden spielen zu dürfen, der zum Wohl der Gemeinschaft auf einen Großteil seiner Persönlichkeit verzichtet: „Bruce bringt natürlich Opfer, mental und auch körperlich, denn dass er die Batman-Figur geschaffen hat, bringt Konsequenzen mit sich – er hat das nicht mehr unter Kontrolle. Damit kreiert er keine neue Identität, sondern eher ein Symbol, und dieses Symbol kennt keine Grenzen. Er darf niemals Schwäche zeigen. Daraus ergibt sich der Konflikt: Was nützt Bruce Wayne, und was ist für Batman der richtige Weg? Denn die beiden sind nicht immer kompatibel.“
„Die Arbeit mit Christian bringt richtig Spaß. Er bereichert den Dreh mit seiner Persönlichkeit“, sagt Nolan. „Er arbeitet sehr intensiv, unglaublich konzentriert, wenn er sich in die Psychologie seiner jeweiligen Rolle einfühlt. Er erarbeitet sich den Charakter der Figur und wendet seine Vorarbeit auf das Spiel an. Das hilft mir als Filmemacher sehr, weil ich weiß, dass er bestens vorbereitet ist. Er hat ein eigenes Konzept, mit dem er seine Figur in ihrer Entwicklung gestaltet. Im Grunde ähnelt er darin Bruce Wayne: Beide verwandeln sich von einem normalen Menschen in einen außergewöhnlichen Gesetzeshüter.“
„Christian repräsentiert mit seiner Darstellung alles, was man sich für diese Rolle nur wünschen kann: Präsenz, emotionale Tiefgründigkeit, Komplexität“, stellt Roven fest. „Man staunt immer wieder, wenn man ihn am Set beobachtet. In diesem Film eröffnet er seiner Rolle eine ganz neue Dimension.“
Nolan fügt hinzu, dass Bale in „The Dark Knight“ zwar dieselbe Rolle spielt wie in „Batman Begins“, trotzdem aber vor einer ganz neuen Aufgabe stand: „In ,Batman Begins‘ wurde ihm körperlich eine Menge abverlangt: Er musste hart trainieren und jede Menge Techniken lernen – wie Batman kämpft, wie er sich bewegt. Bei diesem Film würde ich das eher als inneren Prozess bezeichnen, denn Bruce merkt, welche persönlichen Auswirkungen sein Doppelleben hat. Er stellt seine eigenen Entscheidungen infrage. Diesen emotionalen Konflikt drückt Christian absolut überzeugend aus – und oft ganz ohne Worte.“
Dennoch wird ein Batman-Darsteller immer auch körperlich gefordert. Also frischte Bale seine Fertigkeiten in der Keysi Fighting Method (KFM) auf, jener Kampfkunst, die Batman bei der Auseinandersetzung mit seinen Gegnern anwendet. Diese relativ junge Technik ist als Disziplin der Martial Arts eine intuitive Kampfmethode, bei der es vor allem auf mentale Konzentration ankommt, aber Voraussetzung war gleichzeitig, dass Bale sich eine Spitzenkondition antrainierte. Jeden Tag übte er zwei bis drei Stunden mit den Keysi-Kampf-Experten Andy Norman und Justo Dieguez. „Bei KFM lernt man, jeden Körperteil als Waffe einzusetzen – das ist gar nicht so einfach“, berichtet Norman. „Wir haben Christian extrem gefordert, und es war fantastisch zu sehen, wie schnell er das in sich aufnimmt. Er hat sich seit dem ersten Film deutlich weiterentwickelt. Inzwischen versteht er das KFM-Prinzip viel besser, kann es also viel präziser anwenden und unglaubliche Bewegungen ausführen.“
„Eine faszinierende Kampfmethode“, sagt Bale. „Denn das Adrenalin, das jedermann in einer bedrohlichen oder gewalttätigen Situation spürt, wird hier zum Vorteil genutzt. Das kommt ganz aus dem Bauch heraus. Im Gegensatz zu der Zen-Gelassenheit, auf die sich manche Martial Arts berufen, gründet sich KFM auf tierische Instinkte, und wer diese Instinkte in den Griff bekommt, verfügt über eine tödliche Waffe – für Batman also genau das Richtige.“
Doch nun muss sich der Dunkle Ritter einem einzigartigen Verbrecher namens Joker stellen, der sich um Keysi oder sonstige Kampftechniken herzlich wenig kümmert. In einem fairen Kampf „könnte Batman ihn leicht überwinden“, berichtet Bale. „Aber der Joker kämpft eben nicht fair. Er hat jede Menge Tricks auf Lager – das Duell ist also eher mental. Doch er erlebt Batman als ebenbürtigen Gegner, und das macht ihm offensichtlich Spaß.“
Den Joker spielt Heath Ledger als boshaften Clown, der wohl der bekannteste von Batmans Erzfeinden ist. Bei der Besetzung ging es Nolan vor allem um die Eigenschaft „Furchtlosigkeit. Ich brauchte also einen phänomenalen Schauspieler, der aber keinerlei Angst haben durfte, eine so legendäre Rolle zu übernehmen. Heath hat etwas absolut Originelles geschaffen. Überwältigend, einfach mitreißend… die Leute werden ihren Augen nicht trauen.“
Der Regisseur erinnert sich, dass er sich bereits mit Ledger zusammensetzte, als das Drehbuch noch gar nicht existierte. „Wir sprachen darüber, wie er die Rolle sah, und stellten fest, dass sich unsere Konzepte völlig deckten: Der Joker stellt durch seine anarchische Haltung eine massive Bedrohung dar, er schwelgt im Chaos, verunsichert uns und macht uns Angst. Instinktiv erfasste Heath, wie er diese Figur von allen bisherigen Darstellungen absetzen konnte.“
Roven fügt hinzu: „Der Joker ist einer der berühmtesten Schurken der Comic-Welt – ein rätselhafter Psychopath, clever, diabolisch, charmant, komisch und in jeder Phase ein Fest fürs Auge. Natürlich war dafür ein ganz außergewöhnlicher Schauspieler nötig – und Heath hat jeden unserer Ansprüche voll erfüllt. Jede körperliche Nuance, jede sprachliche Phrasierung trägt zu seiner unvergesslichen Leistung bei.“
In „The Dark Knight“ erscheint der Joker ohne Vorwarnung und nimmt skrupellos seinen Platz an der Spitze der Unterwelt-Hierarchie von Gotham City ein. „In diesem Film wollten wir uns zwar nicht über die Herkunft des Jokers auslassen, aber doch zeigen, wie er in der Unterwelt aufsteigt“, berichtet Nolan. „In gewisser Weise ist der Joker die logische Antwort auf Batman, der mit dieser Art Extremverhalten in Gotham angefangen hat.“
Dazu Bale: „Der Joker will Batman das Rückgrat brechen: Er will beweisen, dass jedermann käuflich ist, dass man sogar bei Batman den Hebel ansetzen kann, sodass er seine Prinzipien verrät. Wahrscheinlich freut es ihn im Grunde, dass Batman nicht nachgibt, denn dadurch wächst die Bedeutung seines Gegners in dem von ihm angezettelten Spiel. Eine faszinierende Figur, und Heath zeigt darin eine außergewöhnliche Leistung. Der Film würde längst nicht so gut funktionieren, wenn wir uns nicht auf einen Darsteller von Heath Ledgers Kaliber hätten verlassen können: Er legte die Messlatte deutlich höher – genau wie der Joker es in Gotham tut.“
Nolan bringt es auf einen einfachen Nenner: „Der Joker soll das reine, unverfälschte Böse verkörpern, das heißt: Es gibt kein logisches Motiv für sein Verhalten. Genau das wollten wir auf Gotham loslassen: Er ist etwas Absolutes.“
Doch Emma Thomas stellt gleichzeitig fest: „Er ist richtig komisch. Klar, das klingt jetzt etwas bizarr, denn wie kann ein so schrecklicher Mensch lustig sein? Heath spielt ihn überhaupt nicht kitschig, aber man lacht sich weg – wegen seiner Körperlichkeit, wegen seiner trockenen, hämischen Art. Der Joker versetzt die Zuschauer in Angst und Schrecken, und gleichzeitig amüsieren sie sich köstlich über ihn.“
Auch auf der Seite der Rechtschaffenheit gibt es in Gotham City einen neuen Prominenten: Harvey Dent, der frisch gewählte Staatsanwalt, startet einen Kreuzzug gegen das organisierte Verbrechen, das die Stadt zu ersticken droht. Die Rolle des Harvey Dent übernimmt Aaron Eckhart: „Harvey stellt sich selbst die Aufgabe, in der Unterwelt kräftig aufzuräumen. Er ist der Hoffnungsträger in Gotham City, der ,Weiße Ritter‘, wie man ihn nennt. Er geht optimistisch und mit großem Enthusiasmus ans Werk… um bald eine totale Kehrtwendung zu machen“, meint Eckhart vielsagend. „Das ist eine tolle Rolle, zumal ich Chris Nolan sehr schätze. Als er mich wegen des Films ansprach, musste ich keine Sekunde überlegen.“
Laut Nolan sieht Eckhart einerseits genauso aus, wie er sich einen attraktiven und charismatischen Staatsanwalt vorstellt, aber er hatte noch weitere Gründe, um gerade diesen Schauspieler zu besetzen: „Uns schwebte jemand vor, der den typischen amerikanischen Charme verkörpert, denn wir müssen ihn am Anfang des Films als sehr gut aussehenden Helden ernst nehmen. Aber in der Figur steckt noch mehr: Unser Schauspieler musste auch ausdrücken können, dass Harvey Dent eine unterschwellige Dimension hat, dass düsterer Zorn in ihm schlummert – nur so kann er uns in seiner späteren Entwicklung überzeugen. Eine solche Figur kann man nicht als simplen Helden präsentieren, die keine Fehler, keine negativen Seiten hat. All diese Facetten drückt Aaron äußerst überzeugend aus.“
Als neuer Staatsanwalt von Gotham City muss sich Harvey Dent nicht nur mit der steigenden Kriminalität auseinandersetzen, sondern auch mit dem maskierten Batman, der das Gesetz in die eigene Hand nimmt. „Das ergibt eine interessante Dynamik“, stellt Eckhart fest. „Denn Harvey erlebt, wie Batman gegen Verbrecher vorgeht – er selbst würde gern ähnlich handeln, darf es aber nicht. Harvey muss sich immer im Rahmen der Gesetze bewegen. Er muss öffentlich das tun, was Batman heimlich tut. Er bewundert Batman für sein Engagement, auch wenn er ihn in der Öffentlichkeit nicht unterstützen kann. Was er von Bruce Wayne hält, ist wiederum eine andere Sache. Bruce erlebt er nur als einen leichtlebigen Playboy – er kann ihn nicht ernst nehmen.“
„Harvey hält Bruce für einen High-Society-Deppen“, bestätigt Nolan. „Er wäre sehr überrascht, wenn er wüsste, wer hinter der Maske steckt.“
Doch egal was Dent von Bruce Waynes öffentlichen Auftritten hält – Bruce seinerseits weiß zu schätzen, wie der Staatsanwalt sich um seine Stadt bemüht. Nolan kommentiert: „Wir fanden es logisch, dass Bruce Batmans Kreuzzug ursprünglich nur als kurzfristig geplant hat, als Symbol, um die Aufrechten in Gotham aufzufordern, in ihrer Stadt aufzuräumen. Harvey Dent ist endlich die Reaktion, auf die er gewartet hat. Harvey ist der Held, den Gotham braucht – ein Held mit einem Gesicht, ohne Maske.“
Dagegen sagt Thomas: „Da ist aber auch ein gewisser Opportunismus im Spiel, denn wenn Harvey Dent Erfolg hat, braucht Bruce vielleicht nicht mehr als Batman einzuschreiten. Vielleicht wird es ihm doch noch vergönnt sein, ein normales Leben zu führen. Denn er wünscht sich durchaus, sein Cape an den Nagel zu hängen. Ob Bruce zu diesem Zeitpunkt glücklich werden würde, wenn er Batmans Cape ablegt, weiß ich nicht. Wahrscheinlich weiß er es selbst nicht. Aber im Grunde seines Wesens merkt er, dass ihm sein Konzept entgleitet, und vielleicht ist Harvey Dent der Einzige, der das Dilemma beenden kann.“
Ein normales Leben für Bruce Wayne würde auch eine gemeinsame Zukunft mit seiner großen Liebe Rachel Dawes einschließen, die inzwischen als stellvertretende Staatsanwältin für Dent arbeitet. So gesehen ist der Staatsanwalt allerdings keine Hoffnung für Bruce, sondern ein Stolperstein, denn Rachel arbeitet nicht nur für ihn, sondern ist auch in ihn verliebt. „In Bezug auf Rachel ist Bruces Haltung Dent gegenüber widersprüchlich. Er respektiert Dent zwar, möchte ihm andererseits aber am liebsten an die Gurgel gehen“, sagt Bale augenzwinkernd. „In Bruce streiten sich also seine ideologischen Überlegungen mit seinen sehr menschlichen Regungen.“
Die Rolle der Rachel übernimmt Maggie Gyllenhaal – sie berichtet: „Rachel hat mit blutendem Herzen beschlossen, dass sie unmöglich mit Bruce zusammenleben kann, solange er Batman ist. Dann lernt sie Harvey Dent kennen und verliebt sich in ihn. Wahrscheinlich bewundert sie an Harvey das, was ihn von Batman unterscheidet – oder das, was Bruce Wayne als Batman tut: Harvey übt keine Selbstjustiz. Er stellt sich nicht über das Gesetz, wenn er sich für die Bewohner von Gotham City einsetzt. Vielmehr glaubt Harvey an das System, auch wenn es nicht mehr funktioniert, und er will die Korruption innerhalb des Systems bekämpfen. Deswegen liebt ihn Rachel und hält ihn für einen Helden. Gleichzeitig liebt sie Bruce immer noch, und natürlich weiß sie auch, dass er sie liebt – sie steckt also in der Zwickmühle. Für mich persönlich ist das allerdings egal, denn entweder bekomme ich Christian Bale oder Aaron Eckhart, beides echt großartige Typen. Als Schauspielerin will ich also mit dieser Zwickmühle gerne leben“, lacht Gyllenhaal. „Dass ich unbedingt dabei sein wollte, liegt vor allem an Chris Nolan und den übrigen Darstellern. Von Anfang an hat sich Chris aufrichtig für meine eigenen Ideen zur Rolle interessiert. Er will Rachel als clevere und fähige Frau zeigen – sie ist durchaus nicht das Klischee-Fräulein in Nöten, obwohl sie manchmal durchaus in Nöten ist. Dadurch ergänzten wir uns wunderbar, denn genauso sehe ich Rachel auch, und wir haben uns gegenseitig inspiriert, um daraus die Rachel des Films zu gestalten.“
„Maggie ist ganz einfach eine fantastische Schauspielerin“, stellt Nolan fest. „Ich schätzte ihre Leistungen auch schon in ihren früheren Filmen und habe mir seitdem gewünscht, mit ihr zu arbeiten. Die Rolle der Rachel schien mir die ideale Gelegenheit. Maggie ist sehr intelligent und sehr reif, aber auch sehr gefühlsbetont und natürlich eine Augenweide. Man nimmt ihr die Rolle in jeder Phase ab. Ganz wunderbar stellt sie Rachels Konflikt zwischen den beiden Männern dar, und wir verstehen sofort, warum sich beide Männer zu ihr hingezogen fühlen. Mit Bruce hat Rachel viel gemeinsam erlebt, er hat einen festen Platz in ihrem Herzen, aber Harvey liebt sie ebenfalls – sie kann sich durchaus ein gemeinsames Leben mit ihm vorstellen.“
Das alles spielt plötzlich keine Rolle mehr, als ein schreckliches Ereignis den einst unermüdlichen Harvey Dent in den grausig entstellten Two-Face verwandelt, der fortan nur noch an Rache denken kann. „Aufgrund fürchterlicher Ereignisse wird sein Leben auf den Kopf gestellt – jetzt ist er nur noch von Wut erfüllt“, sagt Eckhart. „Seine Trauer, sein Leid geben ihm Kraft, er will die Bösewichte umbringen… oder eben jene, die er für die Bösewichte hält. Er fordert immer noch sein Recht, nun aber außerhalb der Gesetze, für die er zuvor eingetreten ist. Ich sehe ihn nicht als eindeutigen Schurken, wie der Joker einer ist. Aber Harvey hat sich jetzt in Two-Face verwandelt, seine Weltsicht hat sich derart verzerrt, dass er den Joker als Seelenverwandten wahrnimmt… und der Joker begreift, dass Harvey jetzt genauso reagiert, wie er es sich gewünscht hat. Das ist eine tolle Szene, und Heath zeigt darin eine wunderbare Leistung. Als Schauspieler fand ich es sehr spannend, mit ihm zu arbeiten. Durch Heaths Darstellung wird der Joker eine unvergessliche Kinofigur. Er bietet alles, was man von einem berüchtigten Erzgegner wie dem Joker erwartet, und trotzdem drückt er ihm seinen ureigenen Stempel auf.“
Dazu Nolan: „Der Joker verstört uns so sehr, weil seine Haltung offenbar von keinerlei Logik geleitet wird. Er bricht sich Bahn wie eine Naturgewalt. Bei Two-Face erleben wir die Verwandlung mit, wir verstehen seinen Zorn, wissen, warum er leidet. Aaron liefert eine Spitzenleistung als Harvey Dent, der das traurige Schicksal von Two-Face erdulden muss – er lässt uns diese emotionale Achterbahnfahrt hautnah miterleben.“
Neben der augenfälligen Entwicklung von Harvey Dent/Two-Face gibt es im Film laut Nolan „eine Reihe weiterer Gegensätzlichkeiten, und auch in den Beziehungen gibt es etliche Spiegelungen. Die Beziehung zwischen Batman und dem Joker ist in dieser Hinsicht interessant, aber auch die Beziehung zwischen Harvey Dent/Two-Face und Lieutenant Gordon.“
Lieutenant Jim Gordon wird wie in „Batman Begins“ von Gary Oldman dargestellt. Gordon leitet bei der Gotham City Police die Major Crime Unit (MCU). „Gary ist ein wirklich bemerkenswerter Darsteller“, sagt Roven. „Gordon könnte man leicht als ganz geradlinige Rolle auffassen, vor allem wenn man sie mit all den exzentrischen und bizarren Figuren vergleicht, die ihn umgeben. Aber durch Gary wird auch er zu einer sehr schillernden Figur.“
Nolan kommentiert: „Im ersten Film trat Gordon sehr zurückhaltend auf. Dafür brauchten wir einen Schauspieler, der eine bedeutende Rolle ausfüllen kann, aber gleichzeitig sehr subtil und zurückgenommen agiert. Umso mehr freue ich mich, dass Gary den Gordon auch im neuen Film spielt, denn die Story fordert Gordon diesmal sehr viel mehr – Gary kann richtig vom Leder ziehen und zeigen, was er kann.“
In „The Dark Knight“ steht Lieutenant Gordon zunehmend unter Druck von allen Seiten, weil die Kriminalität beängstigend zunimmt. Als erfahrener Cop weiß er, dass er sich auf seine Instinkte verlassen kann, und die sagen ihm: Verlass dich auf Batman. Er begreift zwar, dass Batman zur Gefahr für Gotham wird, glaubt aber, dass nur Batman die Stadt retten kann, vor allem, wenn der Joker mitmischt. „Gegen den Joker ist die Polizei machtlos“, sagt Oldman. „Geld interessiert ihn nicht, auch nicht die Macht im landläufigen Sinn. Der Joker steht für Chaos und handelt nur nach dem Lustprinzip. Wie soll man als Polizist in solch einem Fall vorgehen?“
Thomas fügt hinzu, dass Gordon nicht nur unter Druck steht, weil Batmans Aktionen ungeahnte Konsequenzen für die Stadt haben, sondern „auch Harvey Dent ist in Gordons Augen nicht recht vertrauenswürdig, denn bisher hat es in Gotham City noch nie einen Politiker gegeben, der nicht mehr oder weniger korrupt war. Gordon weiß, dass etwas geschehen muss, hält aber Batman für den geeigneten Mann, weil er weiß, wie Batman motiviert ist: Er vertraut einfach darauf, dass Batman die Sache langfristig in den Griff bekommt.“
Bruce Wayne kann außerdem auf zwei weitere Verbündete zählen: seinen treuen Butler Alfred Pennyworth, der nach dem Mord an Bruces Eltern zum Ersatzvater des Jungen wurde; und den genialen Lucius Fox, der inzwischen Wayne Enterprises leitet und weiterhin Batmans High-Tech-Ausrüstung entwickelt. Die Oscar-Preisträger Michael Caine und Morgan Freeman sind wie in „Batman Begins“ als Alfred und Lucius zu sehen.
Als Bruce Waynes engste Vertraute kennen Alfred und Lucius Batmans wahre Identität – aber mit diesem Wissen ist auch Verantwortung verbunden. Beide dienen ihm auf ihre Art als Mentor, Anwalt und manchmal auch als Bruces Gewissen. „Was sie zusammenhält, ist überdeutlich, aber man entdeckt durchaus Unterschiede in den Beziehungen“, sagt Nolan. „Lucius Fox weiß ganz genau, was Bruce als Batman tut, größtenteils ist er damit einverstanden. Aber im Handlungsverlauf wird Lucius’ Akzeptanz von Bruces/Batmans Aktionen auf eine harte Probe gestellt.“
Freeman meint: „Ich sehe Lucius als Praktiker – er tut alles, um die Mission dieses Mannes zu erleichtern. Batman erklärt sich selbst zum Kämpfer für das Recht, und sobald er sich einen Namen gemacht hat und die Welt auf ihn zählt, muss er diesem Anspruch auch gerecht werden. Aber Lucius fragt sich auch, ob es Grenzen gibt, ob er sich in bestimmten Situationen weigern würde, Bruce bei seiner Aufgabe zu unterstützen.“
Dagegen ist Alfred laut Nolan „unbedingt von dem überzeugt, was Bruce tut. Er macht ihm sogar Mut, einen Schritt weiter zu gehen, wenn es nötig sein sollte. Natürlich macht sich Alfred um den Menschen Bruce Sorgen – Alfred hat ihn immerhin großgezogen. Aber er lässt sich nie von seinen eigenen Ängsten leiten, wenn es um Bruces persönliche Sicherheit geht: Immer ermuntert er ihn, seine Mission weiterzuführen.“
Bruce Wayne behauptet Alfred gegenüber, dass Batman als Symbol keine Grenzen kennt, doch „Alfred sieht den Menschen in Bruce, und der stößt durchaus an seine Grenzen“, sagt Caine. „Bruce ist praktisch sein Sohn, und für die Eltern bleiben die Kinder immer die Kleinen, selbst als Erwachsene noch. Also macht sich Alfred natürlich Sorgen. Ich sehe Alfred als Bruces Schutzengel, nicht nur physisch, sondern auch psychologisch und moralisch. Es geht um ganz handfeste Probleme, über die Alfred und Bruce öfter streiten. Die beiden haben eine sehr menschliche Beziehung, aber auch eine sehr humorvolle“, grinst Caine.
Laut Nolan ist Alfreds Humor naturgegeben: „Michael ist ein sehr lustiger Mensch – ich habe noch nie mit einem Schauspieler gearbeitet, der das Comedy-Timing derart spielend beherrscht. Er weiß genau, wie man aus einer Dialogzeile den größtmöglichen Lacher herausholt. Bei der Arbeit mit bewährten Stars wie Michael Caine und Morgan Freeman profitiere ich ungeheuer von ihrer Erfahrung. Sie prägen den Set mit ihrer Gelassenheit, die sich auf alle Beteiligten positiv auswirkt, und sie spornen alle zu Höchstleistungen an. Es war ein Privileg für mich, den ersten Film mit ihnen zu machen, und ich fühle mich geehrt, weil sie auch in ,The Dark Knight‘ wieder mitwirken.“
Zur Besetzung zählen außerdem Eric Roberts als Maroni, einer der Gangsterbosse in Gotham City; Chin Han als Lau, ein asiatischer Geschäftsmogul, der dem Verbrechersyndikat von Gotham ein Angebot macht, das es nicht ablehnen kann; Nestor Carbonell als Bürgermeister von Gotham City; und Anthony Michael Hall als Fernsehreporter. Cillian Murphy ist in einem Gastauftritt erneut als Scarecrow zu sehen.
Insgesamt freut sich Nolan über sein „hervorragendes Ensemble, darunter einige der außergewöhnlichsten Begabungen in der heutigen Filmbranche. Deshalb war dies für alle Beteiligten ein äußerst spannendes Unternehmen, wir genossen die tolle Atmosphäre am Set. Wie durch einen Zauber erlebten wir, dass die Schauspieler mit ihren sehr unterschiedlichen Ansätzen zu einer Einheit zusammenwuchsen und auf das gemeinsame Ziel hinarbeiteten.“

„Brauchen Sie den Bat-Pod, Sir?“
„Mitten am Tag, Alfred? Nicht gerade unauffällig.“

Auf der Leinwand ist Lucius Fox für die Ausrüstung verantwortlich, die Batman mit technisch ausgeklügelten Innovationen in die Lage versetzen, den Schurken das Handwerk zu legen: von seinem neuen, verbesserten Anzug über die Waffen bis zu seinen verschiedenen Fahrzeugen. Tatsächlich aber sind Chris Nolan und sein Design-Team dafür verantwortlich, allen voran Produktionsdesigner Nathan Crowley und Kostümbildnerin Lindy Hemming, aber auch der für die Spezialeffekte zuständige Chris Corbould mit seinem Team, das die Entwürfe praktisch umsetzt.
Dazu Nolan: „In ,Batman Begins‘ konnten wir zeigen, wie das Batmobil und der Batman-Anzug entwickelt wurden. Aber wir haben die technischen Geräte durchaus nicht in allen Einzelheiten vorgestellt. In der Fortführung der Geschichte können wir nun also demonstrieren, wie Batman sich weiter technisch aufrüstet, ohne dass das unglaubwürdig wirkt. Was mir an ihm besonders gefällt: Er verfügt ja über keinerlei Superkräfte – nur über sehr großen Reichtum. Von dieser Warte aus betrachtet stellt sich die Frage: Wenn mir unbegrenzte finanzielle Mittel zur Verfügung stehen, ich materiell also über eine Menge Macht verfüge, wie kann ich die einsetzen, um verblüffende technische Vorrichtungen und Techniken für die Verbrechensbekämpfung zu entwickeln, die aber auf wissenschaftlicher Grundlage immer einer logischen Überprüfung standhalten müssen?“
Nolan und Crowley hatten bereits für „Batman Begins“ das berühmte Batmobil neu entworfen – es entstand eine Mischung aus Lamborghini und Humvee-Jeep. Das unübertreffliche Batmobil trägt den Spitznamen Tumbler, es ist eine Kombination aus der Spurtstärke und Wendigkeit eines Sportwagens und einem Chassis, das eher an einen Panzerwagen erinnert. Das Batmobil hat sechs mit Monsterreifen bestückte Räder, aber keine Frontachse, was den Kurvenradius erheblich verringert. Obwohl es 2,5 Tonnen wiegt, kann es Sätze von zwei Meter Höhe und 20 Meter Länge machen und beim Aufsetzen sofort abdrehen. Die Beschleunigung von null auf 100 beträgt fünf Sekunden.
In „The Dark Knight“ hat das Batmobil wieder starke Auftritte, aber auch Batmans neuestes Gefährt kommt zum Einsatz: der Bat-Pod mit Turboantrieb, schwerer Bewaffnung und doppelrädriger Maschine. „Natürlich verwenden wir das Batmobil wieder“, berichtet Nolan. „Aber wir wollten Batman auch etwas Neues zur Verfügung stellen, ein aktuelles Transportmittel, sehr exotisch und sehr dynamisch. Ein Zweirad, das aber eindeutig kein Motorrad ist. Im Grunde stellt der Bat-Pod im Motorradbereich das dar, was der Tumbler im Autobereich leistet.“
Mit dem Bat-Pod kann Batman flexibel durch die Straßen von Gotham City manövrieren, aber auch jedes andere Terrain befahren. Er verfügt über die gleichen Monster-Reifen wie das Batmobil und kann ohne Ständer von selbst stehen. Für etwaige Angriffe ist er bestens gerüstet – an beiden Seiten befinden sich Waffen: 40mm-Kanonen, Maschinengewehre Kaliber 50 und Enterhaken-Werfer.
Ausgedacht haben sich den Bat-Pod Crowley und Nolan. Mehr als eine vage Idee hatten sie nicht, als sie sich in ihr liebstes Design-Hauptquartier zurückzogen: Nolans Garage. Dort wurden die Details ausgearbeitet. Crowley erinnert sich: „Wir überlegten: ,Wir bauen das ganz einfach in Originalgröße.‘ Und genau das haben wir getan. Wir besorgten uns Werkzeug und schraubten einen originalgroßen Prototyp zusammen – mit allem drum und dran, was wir für geeignet hielten.“
Natürlich hatten Nolan und Crowley keine Ahnung, ob ihre Erfindung auch funktionieren würde. Dafür war das Spezialeffekte-Team unter Leitung von Chris Corbould zuständig. Corbould berichtet: „Ich erinnerte mich, wie Chris Nolan mir sein Konzept für das Batmobil zeigte. Ich hatte keine Ahnung, wie wir das umsetzen sollten, aber es wurde ein großer Erfolg. Jetzt rief er wieder an und bat mich vorbeizukommen und seinen sogenannten Bat-Pod anzuschauen. Da dachte ich: ,Au weia, was hat er sich jetzt wieder ausgedacht?“
Corbould flog nach L.A., betrat Nolans Garage und warf einen ersten Blick auf Nolans und Crowleys Prototypen des Bat-Pod. „Ich bin fast in Tränen ausgebrochen“, lacht Crowley. „Er war total entsetzt von der Vorstellung, das Ding irgendwie zum Laufen zu bringen. Wir schenkten ihm ständig Tee nach, aber er starrte nur auf das Gefährt und machte ein Gesicht, als ob er dachte: ,O mein Gott, wann geht mein Rückflug?‘ Es war die übliche Kollision von Design und Ingenieurtechnik.“
Tatsächlich hat Crowley Corboulds geistige Verfassung recht gut eingeschätzt. „Ich war wie vor den Kopf gestoßen“, gibt Corbould zu. „Ich sagte gar nichts und tat so, als ob ich darüber nachdachte, aber mir ging nur durch den Kopf, dass die beiden total durchgedreht waren. Wo sollte ich die Kraftübertragung unterbringen? Und wie sollte sich das Ding bei so gewaltigen Reifen lenken lassen? Es gab jede Menge Probleme.“
Trotz seiner Bedenken kehrte Corbould nach London zurück, um mit seinem Team Ideen zusammenzutragen, wie man den Bat-Pod zum Fahren bringen könnte. Nach etlichen erfolglosen Versuchen entwickelten sie tatsächlich einen funktionierenden Bat-Pod, der dem von Nolan und Crowley ursprünglich gebauten Modell überraschend ähnlich sieht. Nolan gibt zu: „Im Grunde kann er gar nicht funktionieren, aber irgendwie haben Chris und sein Team es trotzdem geschafft.“
Corbould weiter: „Witzigerweise haben weder Chris noch Nathan jemals auf einem Motorrad gesessen. Sie waren also völlig blauäugig, was die Mechanik für den Antrieb angeht. Letztlich war das sogar ein Vorteil, denn dadurch ließen sie sich nicht mal unbewusst vom Konzept orthodoxer Motorräder leiten. Weil sie von der Mechanik keine Ahnung haben, gelang es ihnen viel leichter, dieses total abgedrehte, wunderbare Gefährt zu entwerfen.“
Eine ganz andere Sache war es dann, den Bat-Pod tatsächlich zu fahren. Nolan bestätigt: „Was Chris und sein Team letztendlich konstruiert haben, war ein sehr beeindruckendes, äußerst effektives Gefährt, was sehr gut funktioniert, sich aber unglaublich schwer fahren und lenken lässt.“
Um den Bat-Pod zu manövrieren, muss sich der Fahrer fast horizontal nach vorn lehnen und eher mit seinen Ellbogen als mit seinen Händen lenken. Tatsächlich gelang es nur einer Person, den Bat-Pod unter Kontrolle zu bringen: dem professionellen Stuntfahrer Jean-Pierre Goy. Dazu Corbould: „Ich habe mit Jean-Pierre schon mehrfach gearbeitet – er ist einer der besten Fahrer der Welt, wenn nicht gar der beste. Er hat sich sofort voll darauf konzentriert, sich die Maschine anzueignen. Er sagte: ,Ich steige auf kein anderes Motorrad, bevor ich diese Sequenz im Kasten habe.‘ Denn er musste sich ganz auf die ungewöhnliche Handhabung des Bat-Pod einstellen. Ich müsste lügen, wenn ich behaupten würde, dass ihm das leicht gefallen wäre. Aber er tat es und lieferte spektakuläre Bilder – es hat sich also gelohnt.“

„Ich brauche einen neuen Anzug. Dabei geht es nicht um Mode, Mr. Fox, sondern um Funktionalität.“
„Sie wollen den Kopf drehen können…“

Batmans Silhouette ist zur Ikone geworden, die selbst dem flüchtigen Betrachter sofort ins Auge fällt. Chris Nolan und Kostümbildnerin Lindy Hemming wollten also dieses Image unbedingt bewahren, als sie ihre Entwürfe für Batmans neuen Anzug in „The Dark Knight“ diskutierten.
Hemming und ihr Team konzentrierten sich vor allem auf größere Flexibilität und höheren Tragekomfort. Sie recherchierten, welche Schutzanzüge Motocross-Fahrer tragen und welche Panzeranzüge fürs Militär entwickelt wurden. „Der neue Batsuit sollte geschmeidiger, praktischer sein und Batman mehr Raum zum Atmen geben, also kein Gummianzug, sondern eine moderne Rüstung“, sagt Hemming, wobei sie auf das Neopren-Material anspielt, das für den Anzug in „Batman Begins“ verwendet wurde.
Der neue Anzug besteht aus 110 Einzelteilen. Die Basis bildet ein Polyestergewebe, das beim Militär und bei High-Tech-Sportherstellern zum Einsatz kommt, weil es Feuchtigkeit aufsaugen kann. Darauf brachte man einzeln gegossene Teile aus biegsamem Urethan an, die zusammen die Rüstung ergeben. Als zusätzlicher Schutz wurden Kohlefaserplatten, die leicht, aber unglaublich widerstandsfähig sind, in bestimmte Urethan-Elemente an den Beinen, auf Brust und Bauch integriert.
Um die Veränderungen des Anzugs zwischen „Batman Begins“ und „The Dark Knight“ zu beschreiben, sagt der für die Kostümeffekte zuständige Graham Churchyard: „In ,Batman Begins‘ bestand der Anzug aus drei Hauptteilen – im neuen Film sind es über 100: Es war also ein sehr komplizierter Anzug. Jedes Einzelstück musste geformt werden, um daraus eine Gussform zu erstellen, in der das endgültige Teilstück entstand. Jedes Teil stand dutzendfach zur Verfügung, weil für die Produktion etlich Batsuits erforderlich waren. Wir haben richtig hart gearbeitet.“
Sowohl Nolan als auch Bale baten Hemming, sich vor allem um eine flexiblere Halspartie zu kümmern, die das Drehen des Kopfes erlaubt. „Früher musste Batman immer seine Schultern drehen, wenn er zur Seite blicken wollte – diese Neuerung war uns also sehr wichtig“, bestätigt Bale. Eine naheliegende Lösung war, die Kappe vom Anzug zu trennen, doch der Übergang musste nahtlos sein, um die beeindruckende Silhouette des Dunklen Ritters nicht zu verändern.
Christian Bale war mit dem völlig überarbeiteten Design rundum zufrieden: „Der Anzug ist viel bequemer, man bekommt keine klaustrophobischen Gefühle wie im ersten Anzug. Er ist auch viel flexibler und erlaubt größere Bewegungsfreiheit, was besonders für die Action- und Kampfsequenzen wichtig ist. Doch ich fühle mich nach wie vor unbesiegbar“, bestätigt er. „Man kommt sich absolut sicher und sehr mächtig vor, wenn man den Batsuit trägt. Er funktioniert!“
Was Kampfeinsatz und Schutz angeht, bot der neue, verbesserte Anzug nicht nur zusätzliche Flexibilität. Er wurde auch mit etlichen technischen Finessen ausgestattet, die Batman bei seinen Einsätzen helfen. Dazu gehören rasiermesserscharfe Flossen, die ausgefahren und von den Stulpen seiner Handschuhe abgefeuert werden können; Linsen mit dreidimensionalen Radarbildern, die innerhalb der Batman-Maske heruntergeklappt werden, wobei seine Augen von glänzend weißen Schilden verdeckt werden.
Nur ein Design-Element des Anzugs aus „Batman Begins“ wurde für „The Dark Knight“ unverändert übernommen: Das Cape. Hemming sagt: „Wir haben uns viel Zeit genommen, um das Cape für den ersten Film richtig hinzubekommen – das sollte so bleiben. Eine zusätzliche Eigenschaft hat das Cape aber doch: Es lässt sich zu einer Art Rucksack zusammenschnüren und auf Kommando entfalten, was mit digitalen Effekten bewerkstelligt wird.“
Bruce Waynes Image hat nicht den Ikonencharakter seines Alter Ego, aber er pflegt ebenfalls seinen persönlichen, maßgeschneiderten Stil, mit dem er seinen Wohlstand und sozialen Status ausdrückt. Um den Mann hinter der Maske einzukleiden, arbeitete Hemming mit dem legedären Couturier Giorgio Armani zusammen. „Chris Nolan und ich stellten uns Bruce Wayne in eleganten Maßanzügen vor“, berichtet Hemming. „Giorgio Armani ist das Sinnbild für den klassisch-modernen Look, der uns vorschwebte. Wir suchten die Stoffe aus und arbeiteten dann direkt mit Mr. Armani und seinen Leuten zusammen, die Christian mit einer kompletten, ganz auf die Rolle zugeschnittenen Garderobe ausstaffierten.“ Als Bruce Wayne trägt Bale Armanis neueste Kollektion: Giorgio Armani Hand Made-to-Measure. In jedem Anzug findet sich Armanis traditionelles, extra für den Besitzer angefertigtes Label – in diesem Fall also Giorgio Armani for Bruce Wayne.
Harvey Dent hat natürlich nicht die Mittel eines Bruce Wayne, doch Hemming sagt, dass er mit seiner Kleidung trotzdem Autorität und Zuversicht ausdrücken muss. „Wir kleiden ihn einfach, aber tadellos in Anzüge von (Ermenegildo) Zegna.“
Bei den Outfits für den Joker konnte die Kostümdesignerin dagegen aus dem Vollen schöpfen – sie veränderte den bekannten Look der Figur und passte ihn Heath Ledgers Generation an. Dazu Hemming: „Als feststand, dass Heath die Rolle spielen würde, beschloss ich, dem Kostüm einen jüngeren, trendgerechten Look zu verpassen. Meine Recherchen umfassten Vivienne Westwood, Johnny Rotten, Iggy Pop, Pete Doherty und Alexander McQueen. Ich habe regelrecht Images gesammelt.“
Der endgültige Entwurf ist laut Hemming ein Ensemble, das „das Geckenhafte des Jokers betont, und ein Touch Grunge ist auch dabei“. Das Outfit betont die traditionelle Farbpalette des Jokers: Er trägt einen violetten Mantel über einer grünen Weste. Doch dann wechselt er den Look und trägt ein leichteres Jackett, das sich am Carnaby-Street-Mod-Look orientiert. Das Hemdmuster wurde einem Hemd nachempfunden, das Hemming auf einem Flohmarkt aufstöberte.
Der Joker trägt Schuhe aus Mailand, die die Kostümbildnerin auswählte, weil die Spitzen nach oben gebogen sind – dadurch fühlte sie sich an Clown-Schuhe erinnert. Seine Krawatte wurde aus einem Stoff geschneidert, der nach Hemmings genauen Anweisungen bei Turnbull & Asser extra gewebt wurde: Bei diesem Londoner Ausstatter kleidet sich auch das britische Königshaus ein. „Heath wollte sie schmal halten, es ist also ein Schlips im Stil der 60er-Jahre, aber aus dem Stoff von Turnbull & Asser. Ich darf wohl mit Recht annehmen, dass Turnbull & Asser noch nie einen so verrückten Schlips angefertigt haben“, lacht Hemming. „Als Heath hereinkam und wir ihm all die Einzelheiten des Kostüms präsentierten, fand er sie äußerst originell und hat sie sofort akzeptiert.“
Auch das Makeup des Jokers weicht von den bisherigen Darstellungen ab. Zwar wird das weiß getünchte Gesicht und die spöttische Grimasse beibehalten, aber das Makeup in „The Dark Knight“ lässt ihn fanatischer aussehen, um die Schockwirkung zu unterstreichen. Das Gesicht des Jokers ist unter einer dicken Schicht Schminke verborgen, die teilweise Risse zeigt und zerläuft. Die Augen sind dick schwarz umrahmt, das rote Grinsen ist schlampig aufgemalt und zieht sich von den Mundwinkeln über die Wangen, verbirgt aber nicht ganz die darunter liegenden schrecklichen Narben. Seine Haare sind eher unauffällig, aber deutlich grün gefärbt.
Der für das Makeup und die Frisuren verantwortliche Peter Robb-King stellt fest: „Natürlich haben die Zuschauer bereits eine gewisse Erwartungshaltung, was das Aussehen des Jokers angeht. Aber wir wollten sozusagen unter seine Haut, um seiner Funktion in der Story näherzukommen. Er hat als Persönlichkeit Schaden genommen – in jeder Bedeutung des Wortes. Es lag uns also viel daran, ihm einen Look zu verpassen, der eben ganz und gar nicht zum Lachen ist.“
Heath Ledgers Maskenbildner John Caglione, Jr., bezeichnet das Makeup des Schauspielers als „einen Tanz“. Dazu sagt er: „Heath verzog sein Gesicht zu bestimmen Grimassen, runzelte die Stirn, kniff die Augen zusammen, und ich pinselte die Schminke über dieses verzerrte Gesicht. Durch diese Technik entstand eine Struktur, ein Ausdruck, wie man ihn durch das einfache Bemalen des Gesichts mit normalem Weiß nicht hätte erreichen können. Dann verwendete ich schwarzes Makeup für Heaths Augen, wobei er sie fest zukniff – auch dadurch ergaben sich entsprechende, dazu passende Strukturen. Nach dem Auftragen der schwarzen Farbe sprühte ich Wasser über seine Augen, und er kniff die Augen zusammen und schüttelte den Kopf, sodass das Schwarz zerlief und verschmierte.“
Das Makeup des Jokers umfasst auch eine revolutionäre Weiterentwicklung bei der Verwendung von Maskenteilen, die der für die Masken verantwortliche Conor O’Sullivan und der Masken-Makeup-Experte Robert Trenton entwarfen und anbrachten. „Sie benutzten ein ganz neues Verfahren auf Silikonbasis, mit dem man Maskenteile nahtlos auf der Haut anbringen kann“, berichtet Robb-King. „Das wirkt absolut verblüffend, weil man mit der Kamera ganz nah ans Gesicht fahren kann – sogar mit der IMAX-Kamera. Es gibt keinerlei Probleme.“
O’Sullivan verrät: „Wir haben für die Entwicklung dieser Technik etwa zwei Jahre gebraucht, doch nach ein paar Pannen haben wir es geschafft. Damit können wir Silikon-Teile herstellen, die direkt auf die Haut aufgetragen werden. Sie fügen sich perfekt in die Gesichtshaut ein – wenn man von ihrer Existenz nichts wüsste, könnte man sie überhaupt nicht erkennen.“
Außerdem verkürzte das neue Verfahren das Auftragen der Maske auf ein Bruchteil der üblichen Zeit. O’Sullivan bestätigt: „Die Maske des Jokers hätte früher mindestens drei bis vier Stunden erfordert. Jetzt brauchten sie nur noch 25 Minuten, und es sah sogar viel besser aus – einfach toll.“
Die Clown-Masken der Joker-Bande wurden individuell gestaltet, geformt und dann per Hand bemalt. Interessanterweise erfuhren die Filmemacher, dass jedes Clownsgesicht registriert ist – die Person, die es erstmals verwendet hat, besitzt das Copyright. Entsprechend mussten die Clownsmasken des Films zunächst abgenommen werden – keine durfte bereits existierenden Clownsgesichtern entsprechen.
Die drastischeren Makeup-Effekte für Two-Face bestanden aus einer Mischung von Maskenteilen und visuellen Effekten. Robb-King und sein Team arbeiteten dabei eng mit dem für die visuellen Effekte verantwortlichen Nick Davis zusammen, um festzulegen, in welcher Form Harvey Dents Gesicht entstellt wird – die Schäden sind derart massiv, dass sie sich allein durch eine Maske nicht darstellen ließen. Eckhart erinnert sich: „Für mich war das in Bezug auf die Technik interessant, denn ich musste nicht täglich stundenlang im Schminkstuhl verbringen. Das ganze Verfahren verlief völlig problemlos… wenigstens für mich“, grinst er.

„Weil wir für einige Action-Sequenzen die IMAX-Technik verwenden, dehnen wir beim Erzählen der Story unseren Aktionsradius buchstäblich bis zum Anschlag aus. So entsteht ein unglaubliches Filmerlebnis, das uns mitten ins Bild eintauchen lässt.“
- Christopher Nolan

Die Produktion von „The Dark Knight“ begann im Grunde schon einige Wochen vor dem offiziellen Drehstart. Darsteller und Team reisten nach Chicago, um die Eröffnungssequenz des Films zu drehen: einen dramatischen Banküberfall, der den kriminellen Amoklauf des Jokers in Gang setzt. Diese vorab gedrehten Szenen waren ein Meilenstein der Filmgeschichte, weil Christopher Nolan als erster Regisseur IMAX-Kameras für Szenen eines traditionellen Spielfilms einsetzte. „Mich interessierte seit jeher, mit IMAX-Kameras zu filmen“, berichtet Nolan. „Ich habe IMAX-Präsentationen in Museen miterlebt und finde das Format absolut überwältigend. Die Klarheit und Schärfe der Bilder ist beispiellos, und ich war überzeugt: Wenn man einen dramatischen Film mit IMAX-Kameras drehen könnte (statt das 35mm-Format zu vergrößern und dann auf die IMAX-Leinwand zu projizieren), dann könnte man die Zuschauer wirklich in die Action mit einbeziehen.“
Emma Thomas stellt fest: „An welche IMAX-Filme erinnern wir uns? Sie haben die Kameras den Mount Everest hinaufgeschleppt, haben im Meer gefilmt, die Astronauten haben sie ins All mitgenommen… wenn das möglich ist, dann können wir doch auch in den Straßen von Chicago mit der IMAX-Kamera drehen.“
Wie es bei solchen Pioniertaten üblich ist – das wussten auch Nolan und sein langjähriger Kameramann Wally Pfister –, waren auch die Dreharbeiten in den Straßen von Chicago kompliziert, weil die IMAX-Kameras sehr groß sind. „Die Kameras sind riesig und viel schwerer als 35mm-Kameras“, bestätigt Pfister. „Wir mussten also völlig umdenken. Aber man darf sich von solchen Herausforderungen nicht einschüchtern lassen. Man arbeitet die Probleme Stück für Stück ab, bis es irgendwann klappt.“
Das erste „Stück“ für Nolan und sein Team war die Eröffnungssequenz des Films. Pfister erinnert sich: „Die Woche, die wir für den Bankeinbruch brauchten, war unsere IMAX-Ausbildung.“ Den Kurs haben sie mit Auszeichnung abgeschlossen: Die Arbeit mit den IMAX-Kameras übertraf alle Erwartungen, sodass die Filmemacher beschlossen, noch etliche weitere Szenen mit IMAX-Kameras aufzunehmen, vor allem einen Großteil der wichtigsten Action-Sequenzen.
Pfisters Team musste den Umgang mit den sperrigen Kameras lernen, die die Action nicht nur aufnehmen, sondern sich hautnah auf sie einstellen sollten. Deshalb baten sie das Team der Firma Ultimate Arm um Hilfe: Es hat mit der Entwicklung von kardanisch stabilisierten, ferngesteuerten Kamerakränen Preise gewonnen. Den Technikern von Ultimate Arm gelang es, die Spitze des Krans so zu verstärken, dass man die schwere IMAX-Kamera darauf montieren konnte. Pfister verrät: „Die meisten Bat-Pod-Sequenzen haben wir mit Ultimate Arm gedreht – so konnten wir die Kamera nach oben oder nach unten schwenken und den Bat-Pod umkreisen: Dadurch haben wir umwerfende Bilder bekommen.“
Kamerabühnenmann Mike Lewis baute außerdem robuste Gestelle, mit denen man die schweren IMAX-Kameras auf der Kühlerhaube eines Wagens, außen an einem Lkw oder je nach Bedarf überall anbringen konnte. Begeistert reagierten Nolan und Pfister auch auf die Arbeit des Steadicam-Kameramanns Bob Gorelick, der laut Pfister „außergewöhnliche Leistungen zeigte, weil es ihm gelang, die riesige Kamera immer korrekt auszurichten.“
Pfister ging davon aus, dass das große Gewicht der IMAX-Kamera jeden Versuch, aus der Hand zu filmen, unmöglich machen würde. Aber Nolan dachte bereits weiter. Pfister erinnert sich: „Schon zu Anfang der Vorbereitungsphase sagte Chris: ,Irgendwann musst du die IMAX-Kamera auch mal in die Hand nehmen – nur um sagen zu können, dass du das gemacht hast.‘ Darauf sagte ich: ,Kommt gar nicht in Frage! Das Ding lade ich mir nicht auf die Schulter.‘ Aber er fing immer wieder damit an, ich sollte es doch versuchen, und schließlich gab ich nach. Tatsächlich habe ich eine Einstellung mit der Hand gedreht: Ich laufe vor dem Einsatzteam ins Gebäude. Die Einstellung selbst war wohl gar nicht entscheidend, aber Chris war schon deswegen stolz auf sich, weil er mich dazu gebracht hatte, die Aufnahme zu machen“, gibt er zu.
„Wir konnten die IMAX-Kameras genau wie die üblichen Kameras einsetzen, ohne dass dadurch die Dreharbeiten eingeschränkt wurden. Auch zeitlich gab es keinerlei Probleme – es war äußerst spannend, mitzuerleben, wie alles zusammenpasste“, sagt Nolan.
Doch nicht nur mit der Größe und dem Gewicht der Kameras musste die Crew umgehen lernen – es gab bei dem größeren Filmformat auch andere Faktoren zu bedenken. „Der Bildaufbau solcher Einstellungen ist völlig anders, weil das Bild viel riesiger ist. Man muss die Handlung also mehr ins Zentrum rücken. Und die Schärfe spielt eine größere Rolle, weil das Bild flacher wirkt“, erklärt Pfister und fügt hinzu, dass das größere Bild auch Auswirkungen auf die Beleuchtung hat. „Eines der größten Probleme beim Filmen mit IMAX besteht darin, dass man die Scheinwerfer verstecken muss. Mit dem größeren Bildausschnitt sieht man viel mehr auf beiden Seiten, auch unten und oben. Man kann die Scheinwerfer also nicht hinstellen, wo sie normalerweise stehen würden. Man muss sie hinter Gegenständen oder sonstwo verstecken.“
Weil das IMAX-Material ein derart riesiges und klares Bild liefert, waren auch andere Filmabteilungen betroffen. Dazu Nathan Crowley: „Für den Produktionsdesigner bringt IMAX den Vorteil, dass der Zuschauer Dinge erkennen kann, die er normalerweise nicht sieht. Die Perspektive ist gewaltig. Das heißt, wir haben die Decken niedrig gehalten und die Fußböden gewienert, weil sie ins Bild kommen. Alles musste blitzsauber sein, denn man sieht auf dem Boden jedes Staubkorn“, lacht er.
Alle waren sich am Ende einig: Der Aufwand der Lektion hatte sich mehr als gelohnt. „Der Unterschied ist deutlich sichtbar“, bestätigt Pfister. „Das Bild ist schärfer, hat eine höhere Auflösung, mehr Kontrast und sattere Farben. Das Bild wird auf ganzer Linie verbessert, ob man es nun auf einer IMAX- oder einer normalen Leinwand sieht. Und in jedem Kino springt uns die Action direkt ins Gesicht.“

„Bei der Fortführung der Batman-Story geht es uns darum, die vertraute Umgebung zu verlassen und Gotham als eine Weltstadt zu zeigen.“
- Christopher Nolan

Mit „The Dark Knight“ will Christopher Nolan Batmans Welt buchstäblich erweitern: Er befreit die Handlung aus dem Rahmen der Studiohallen und siedelt sie an ausgedehnten Originalschauplätzen an. „Wir wollten das Panorama des Films expandieren – mir lag viel daran, die Außendrehs noch viel intensiver einzusetzen als bei ,Batman Begins‘“, sagt der Regisseur. „Denn die richtige Welt hat einen Maßstab, den man im Studio unmöglich nachbauen kann.“
Wie in „Batman Begins“ dient Chicago wieder als Gotham City. „Ich habe als Kind einige Jahre in Chicago gewohnt“, berichtet Nolan. „Ich kenne und liebe die Stadt. Die Architektur ist berühmt, und als Filmemacher wird man sehr zuvorkommend empfangen. Schon für ,Batman Begins‘ haben wir wochenlang dort gedreht, aber diesmal haben wir Monate dort verbracht – mit außergewöhnlicher Unterstützung der Stadt.“
Chuck Roven bestätigt: „Ich muss Bürgermeister Daley, das Filmbüro Chicago und vor allem die Bürger der Stadt ausdrücklich loben, denn sie haben uns wirklich begeistert und gastfreundlich aufgenommen. Sie haben äußerst intensiv mit uns zusammengearbeitet und uns wirklich unglaubliche Straßendrehs ermöglicht. Das wissen wir zu schätzen – in jeder Phase haben wir versucht, diesem Privileg auch gerecht zu werden.“
Die unglaublichste Szene war zweifellos ein Stunt, wie ihn die Stadt bisher noch nie genehmigt hat: Ein zwölf Meter langer Lastzug überschlug sich im Herzen der Stadt, im Bankenviertel, mitten auf der LaSalle Street. Als Chris Corbould die Szene mit dem Truck im Skript las, „versuchte ich Chris davon zu überzeugen, dass hier wohl Kompromisse angebracht wären – vielleicht überschlägt sich nicht der ganze Truck, oder wir nehmen einen kleineren Truck – aber er ließ sich nicht davon abbringen.“
Dazu Nolan: „Eines Tages sagte ich zu ihm: ,Chris, wir brauchen wirklich einen Lastzug mit neun Achsen. Und ich weiß, dass du das hinbekommst, denn das ist dein Fachgebiet, das ist dein Job.‘“
Zunächst musste festgestellt werden, ob sich solch ein Stunt überhaupt realisieren lässt. „Sechs Wochen lang haben wir kalkuliert, erst dann haben wir einen realen Test gemacht“, erinnert sich Corbould. „Auf einem freien Gelände brachten wir den Truck auf Tempo, drückten auf den Knopf, und er überschlug sich. Ich musste Chris Nolan gestehen, dass es perfekt funktioniert.“
Trotzdem war den Filmemachern klar, dass der Überschlag auf freiem Gelände eine ganz andere Sache ist, als wenn man das mitten in der Stadt probiert. Bevor der Stunt ausgeführt werden konnte, wurden die bei der Stadt angestellten Ingenieure befragt, um sicherzustellen, dass der viele Tonnen schwere Truck beim Überschlag nicht die Infrastruktur der LaSalle Street beschädigen würde, denn unter dem Straßenpflaster laufen etliche Versorgungsleitungen. Als ein sicherer Sektor abgesteckt war, bekam die Produktion grünes Licht.
In der Nacht des Stunts überschlug sich der Truck mit der Präzision eines Uhrwerks und bekam Applaus von den versammelten Darstellern und Crew-Mitgliedern. „Es war beeindruckend, den Truck durch die Luft fliegen zu sehen – er landete genau so, wie Chris es vorausgesagt hatte“, berichtet Nolan. „Auf dem Höhepunkt der Flugbahn sah er fast wie ein in den Himmel ragender Wolkenkratzer aus, und dann neigte er sich anmutig zu Boden. So etwas habe ich noch nie gesehen.“
Die explosivste Szene des Films zeigt, wie ein ganzes Gebäude zusammenstürzt – diese Sequenz entstand in der nicht mehr benutzten Brach-Süßwarenfabrik. Corbould und seine Crew arbeiteten bei der Explosion mit der Firma Controlled Demolition, Inc. unter Leitung von Doug Loizeaux zusammen. Corbould berichtet: „Chris lehnte einen konventionellen Kollaps ab, bei dem das Gebäude wie ein Kartenhaus zusammenfällt. Ich entwickelte mit Doug ein System, das das Haus eher in Wellen, in einer Sequenz kollabieren lässt. Außerdem bauten wir noch ein paar Spezialeffekte ein, um das Ganze spektakulärer zu gestalten.“
Für die Filmemacher war die Sicherheit oberste Priorität. Man musste vor allem den Verkehr auf den angrenzenden Straßen berücksichtigen, und auch eine Bahnlinie führt an dem Gebäude vorbei. In Absprache mit der Eisenbahngesellschaft wurden die Fahrpläne berücksichtigt, um sicherzustellen, dass im Moment der Explosion kein Zug passierte. Auch die umliegenden Straßen wurden gesperrt, um Schaulustige und Passanten von der Explosion fernzuhalten. Laut Drehbuch befindet sich ein Bus ganz in der Nähe der Explosion. Deshalb wurden die Scheiben mit Folie beklebt, um zu verhindern, dass eventuell Glassplitter durch den Bus flogen, in dem sich die Schauspieler befanden.
Bei den Dreharbeiten in Chicago nutzten die Filmemacher auch einige Wahrzeichen der Stadt, darunter weltberühmte Gebäude und Straßen auf mehreren Ebenen. Geschickt setzte Nolan die übereinander angebrachten Fahrspuren für eine entscheidende Autojagd ein, die sich der Joker, die Polizei und Batman liefern. Bei der halsbrecherischen Verfolgung rasten zahlreiche Autos, Panzerwagen und der unter einem schlechten Stern stehende Neunachser über den Upper und Lower Wacker Drive, Lower Lower Randolph, Lower Lower Columbus und LaSalle Street. Bei der Verfolgung nimmt der Bat-Pod eine Abkürzung und rast durch den gerade neu gestalteten Bahnhof unter dem Millennium Park.
„The Dark Knight“ ist bereits der vierte Film, den Nathan Crowley in der Stadt am Michigan-See dreht. Dazu der Produktionsdesigner: „Chicago hat eine phänomenale Architektur; alle großen Architekten des vergangenen Jahrhunderts haben dort gebaut. Für Filmemacher ist das ein Fest.“
Crowley wählte zwei Gebäude aus, die der berühmte Architekt Mies van der Rohe entworfen hat, und nutzte sie für etliche Sets. Das IBM Building stellte den Konferenzraum von Wayne Enterprises, Harvey Dents Büro, das Büro des Bürgermeisters und das Büro des Polizeichefs. Der Eingangsbereich des Gebäudes mit der Adresse One Illinois Plaza diente als Wohnzimmer in Bruce Waynes neuem Penthouse. Da sich dieses „Penthouse“ im Erdgeschoss befindet, mussten visuelle Effekte dafür sorgen, den Dachgeschoss-Blick über die Stadt aus den vom Fußboden bis zur Decke reichenden Fenstern zu gewährleisten. Bruces Schlafzimmer wurde getrennt davon im 39. Stock des Hotel 71 am East Wacker Drive eingerichtet.
Bruce und Alfred ziehen in das Penthouse, weil Wayne Manor nach dem verheerenden Brand noch nicht ganz wieder aufgebaut ist. Dazu Nolan: „Am Ende von ,Batman Begins‘ sagt Bruce, er werde Wayne Manor Stein für Stein wieder aufbauen. Das dauert natürlich seine Zeit – es wäre also recht unwahrscheinlich, dass er bereits wieder dort wohnen könnte. Und es gibt in den Comics tatsächlich eine Periode, in der Bruce Wayne in einem Penthouse mitten in der Stadt wohnte – das haben wir als Aufhänger benutzt. Wir wollten ihn mitten in der Stadt ansiedeln, weil es in dieser Story um die Stadt selbst geht – uns war es daher wichtig, dass Bruce mitten im Geschehen ist.“
Das Penthouse wirkt erheblich moderner als Wayne Manor. Crowley erklärt: „Wir durften in den wunderbar modernistischen Stockwerken drehen und hatten das deutliche Gefühl, dass diese Architektur traumhaft zu dem passt, was wir emotional ausdrücken wollen: Sie wirkt kalt und leer; dieses Ambiente strahlt keinerlei Wärme aus.“
Nolan fügt hinzu: „Bruce führt eigentlich ein sehr einsames Leben – das karge Penthouse-Design ist also eine Spiegelung seiner inneren Verfassung.“
Zu den Schauplätzen in Chicago zählen auch die Kongresshalle am McCormick Place West, in der das riesige Lagerhaus der Abteilung für angewandte Wissenschaft von Wayne Enterprises eingerichtet wurde; der Marine-Kai, auf dem es zu einer dramatischen Szene mit völlig panischen Bürgern in Gotham City kommt; und das alte Postamt von Chicago, das mehrfach zum Einsatz kam, darunter auch bei dem Banküberfall in der Eingangssequenz. Und außen am Trump Tower von Chicago, der sich zu diesem Zeitpunkt in einem frühen Baustadium befand, kam es zu einer entscheidenden Konfrontation zwischen Batman und dem Joker. Die Innenansicht dieses Rohbaus wurde im englischen Cardington sorgfältig nachgebaut – in einem ehemaligen Zeppelin-Hangar, den man zu einer Studiohalle umgerüstet hatte. Dort enstanden die eigentlichen Kampfszenen.
Der aus dem Stadtbild von Chicago ragende Sears Tower war der Schauplatz einer luftigen Außenaufnahme, und Christian Bale ließ es sich nicht nehmen, auf dem höchsten Gebäude der Vereinigten Staaten zu stehen. Der Schauspieler berichtet: „Ich hörte, wie mein Stunt-Double Buster Reeves sagte, dass er auf dem Weg zum Sears Tower war, um die Szene zu drehen, und sagte ihm: ,Sorry, Kumpel, aber so läuft das nicht. Das muss ich wirklich selbst machen.‘ Denn wie oft bekommt man schon die Gelegenheit, vom 110. Stockwerk auf Chicago hinabzuschauen? Merkwürdig und wohl auch richtig gefährlich war es, dass ich mich da oben sehr schnell wie zu Hause fühlte, bald auch auf der Dachkante herumging und in den Abgrund blickte“, lacht er.
Nolan machte sich allerdings keinerlei Sorgen und unterstützte seinen Hauptdarsteller, der die einmalige Gelegenheit unbedingt nutzten sollte. „Christian stellt sich solchen Herausforderungen gern, und mir war natürlich klar, dass er keiner greifbaren Gefahr ausgesetzt sein würde. Das war alles sehr sicher; aber es gehört durchaus Mut dazu, sich dort hinzustellen. Ich persönlich verzichte gern darauf, aber ihm machte es offensichtlich Spaß, und wir bekamen eine wunderbare Einstellung. Nach dieser Erfahrung war der Blick von der Dachkante eines Gebäudes in Hongkong sicher ein Kinderspiel.“
In „The Dark Knight“ reist Batman in den Fernen Osten, um einen internationalen Finanz-Magnaten dingfest zu machen, der die mächtigsten Verbrechersyndikate von Gotham City manipuliert. Diese Szenen entstanden vor Ort in Hongkong, vor allem auf dem prachtvollen IFC2 Building, dem höchsten Gebäude der Stadt. „Mir gefiel die Idee, Batman in eine exotische Umgebung zu schicken“, sagt Nolan. „Mit Bruce Wayne hatten wir das schon im ersten Film gemacht, bevor er Batman wurde, aber ich wollte jetzt auch Batman selbst außerhalb von Gotham City zeigen. Ich habe vor vielen Jahren ein Filmfestival in Hongkong besucht und erinnerte mich, wie wunderbar die Stadt für einen Film geeignet ist. Sie hat eine unglaubliche Optik – fürs Kino ist sie einfach ideal.“
Für einige Innenaufnahmen kehrte das Filmteam nach Cardington zurück, wo ein wesentlicher Set gebaut wurde: Der Bat-Bunker, der als Ersatz für die Bat-Höhle dient, während Bruce und Alfred im Penthouse wohnen. Weil die gesamte Decke aus Leuchtstoffröhren besteht, wirkt der Bat-Bunker „wie ein gigantischer Leuchttisch“, berichtet Wally Pfister, „was mir die Ausleuchtung natürlich wesentlich erleichtert hat.“
Crowley berichtet, dass Batman ein neues Hauptquartier benötigt, während er in der Stadt wohnt: „Er kann nicht bis zur Bat-Höhle fahren. Deswegen dachten wir uns den Bunker aus, der das architektonische Motiv des Penthouses aufnimmt: Er ist riesig, aber ganz einfach gestaltet. Im Grunde handelt es sich um einen Betonkasten, in dem alles in den Wänden untergebracht ist und dort auch wieder verschwindet. Dennoch soll er optisch reizvoll wirken. Es geht um Proportionen und Perspektiven, was großen Spaß macht.“
Christopher Nolan überlegt: „Jede Phase eines so gewaltigen Filmprojekts bringt ihre eigenen Probleme mit sich, ist aber auch sehr erfüllend. Es ist echt spannend, um die Welt zu reisen, in Helikoptern herumzusausen und mit dem Batmobil durch die Straßen von Chicago zu rasen. Manchmal muss ich mir bewusst machen, wie außerordentlich privilegiert ich bin, an einem derartigen Projekt mitwirken zu dürfen.“
Ein weiteres wesentliches Design-Element in „The Dark Knight“ sieht man nicht – man hört es. „Das Sound-Design des Films war extrem kompliziert“, berichtet Nolan. „Bei der Mischung kamen enorme Mengen von Elementen zusammen, und manchmal war kaum auseinanderzuhalten, ob es sich um Geräusche oder Musik handelte. Lange Segmente des Films enthalten kaum oder gar keine Musik. Dadurch werden unser Sounddesigner Richard King und sein Team besonders gefordert, denn sie müssen eine Bandbreite von Geräuschen liefern, die den Zuschauern unter die Haut gehen – genauso, wie es üblicherweise die Musik tun würde. Am Ende des Films kommt eine Menge Musik zum Einsatz – das hängt direkt von der Entwicklung der Handlung ab.“
Die Komponisten Hans Zimmer und James Newton Howard haben bereits gemeinsam an „Batman Begins“ gearbeitet und liefern jetzt auch die Musik zu „The Dark Knight“. Dazu Nolan: „Mir gefällt Filmmusik, die eine Entwicklung parallel zum Filmschnitt aufzeigt. Hans und James verstehen es hervorragend, diese Idee umzusetzen. Ohne überhaupt den Endschnitt zu sehen, liefern sie mir Musiksequenzen, die mein Cutter und ich im Schneideraum verwenden können. Das ist ein sehr organisches Verfahren, das den Komponisten sehr viel mehr Einsatz als üblich abverlangt, aber sie haben das fantastisch gemeistert.“
Wie bei „Batman Begins“ teilten sich Zimmer und Howard die Arbeit an „The Dark Knight“: Zimmer schrieb das Joker-Thema, und Howard übernahm die Gestaltung der gespaltenen Persönlichkeit von Harvey Dent/Two-Face. Auch die allgemeine Filmmusik fällt anders aus – heldenhafte Fanfaren sind kaum zu hören. Dazu Zimmer: „Ich sehe Batman nicht als typischen Superhelden, also vermeide ich auch alles, was in der Musik nach ,super‘ klingt. Ständig hatte ich das Fledermaus-Symbol vor Augen. Es ist die Ikone, die Batman repräsentiert, aber gleichzeitig wirkt sie düster und schlicht.“
„Batman ist eine sehr komplexe Figur“, fügt Howard hinzu. „Wir kennen ihn immer noch nicht richtig – wenn man also versuchen würde, ihm ein Musikthema zuzuordnen, das ihn näher definiert, wäre das der falsche Weg.“
Abschließend sagt Nolan: „Für mich übt Batman eine nachhaltige Faszination aus, weil wir uns in seine Lage versetzen können. Man bezeichnet ihn zwar als Superhelden, aber eigentlich ist er ein selbsterfundener Superheld. Und die Vorstellung von einem Mann, der durch schiere Willenskraft und Selbstdisziplin über sich hinauswächst und in eine Heldengestalt verwandelt… das ist wirklich ein unwiderstehlicher Mythos.“

DARSTELLER

CHRISTIAN BALE
Bruce Wayne/Batman

Der gebürtige Waliser wuchs in England und den USA auf. Sein Debüt gab er in Steven Spielbergs Weltkriegs-Drama „Empire of the Sun“ (Das Reich der Sonne).
Zu Bales Filmen zählen „Henry V“ (Heinrich V.), „The Portrait of a Lady“ (Portrait of a Lady; auch: Das Porträt einer Lady), „The Secret Agent“ (Der Geheimagent), „Metroland“ (Metroland), „Velvet Goldmine“ (Velvet Goldmine), „All the Little Animals“, „American Psycho“ (American Psycho), „Shaft“ (Shaft – Noch Fragen?), „Captain Corelli’s Mandolin“ (Corellis Mandoline), „Reign of Fire“ (Die Herrschaft des Feuers), „Laurel Canyon“ (Laurel Canyon), „El maquinista“ (The Machinist), „Batman Begins“ (Batman Begins), „The New World“ (The New World), „The Prestige“ (Prestige – Die Meister der Magie), „Harsh Times“ (Harsh Times – Leben am Limit), „Rescue Dawn“ (Rescue Dawn) und „3:10 to Yuma“ (Todeszug nach Yuma).
Inzwischen hat Bale Michael Manns „Public Enemies“ (Public Enemies) abgedreht. Derzeit arbeitet er an „Terminator Salvation“ (Terminator Salvation: The Future Begins) unter der Regie von McG.

MICHAEL CAINE
Alfred

Caine zählt zu den angesehensten Darstellern der Filmbranche – seine Karriere umfasst über ein halbes Jahrhundert, mehr als hundert Filme und unzählige Filmpreise. Zweimal gewann er den Oscar: als Bester Nebendarsteller mit „Hannah and Her Sisters“ (Hannah und ihre Schwestern), der ihm auch Nominierungen für den Golden Globe und den British Academy Award (BAFTA) einbrachte. Den zweiten Oscar erhielt er als Bester Nebendarsteller für „The Cider House Rules“ (Gottes Werk und Teufels Beitrag), mit dem er auch den Preis der Screen Actors Guild (US-Gewerkschaft der Film- und TV-Schauspieler; SAG) gewann und für den Golden Globe und den BAFTA nominiert wurde.
In der Kategorie Bester Darsteller wurde Caine viermal für den Oscar nominiert, erstmals 1966 für seine Titelrolle in „Alfie“ (Der Verführer lässt schön grüßen), mit der er auch für den Golden Globe und den Preis der New Yorker Filmkritiker nominiert wurde.
Die zweite Oscar-Nominierung folgte zusammen mit einer Golden-Globe-Nominierung und dem Preis der Tageszeitung Evening Standard für seine Darstellung des Milo Tindle in „Sleuth“ (Mord mit kleinen Fehlern; 1972). „Educating Rita“ (Rita will es endlich wissen) brachte ihm die dritte Oscar-Nominierung sowie den Golden Globe und den BAFTA ein. –Nominierungen für den Oscar, den Golden-Globe und den BAFTA erhielt er zuletzt für „The Quiet American“ (Der stille Amerikaner; 2002), für den er auch von den Londoner Filmkritikern ausgezeichnet wurde. Zuvor bekam er den Golden Globe und den Preis der Londoner Filmkritiker sowie eine BAFTA-Nomierung als Nebendarsteller in „Little Voice“ (Little Voice; auch: Die Stimme ihres Lebens).
Aktuell gewann Caine abermals den Preis der Londoner Filmkritiker – diesmal für seine Leistung in „The Prestige“ (Prestige – Die Meister der Magie; 2006), bei dem er nach dem Blockbuster „Batman Begins“ (Batman Begins; 2005) ein zweites Mal mit Regisseur Christopher Nolan zusammenarbeitete. Zu Caines neuesten Filmen zählen Gore Verbinskis „The Weather Man“ (The Weather Man), Alfonso Cuaróns „Children of Men“ (Children of Men) und das Remake von „Sleuth“ (1 Mord für 2; 2007), in dem er die Seiten wechselt und statt wie 1972 den Milo diesmal seinen Widersacher Andrew spielt.
Caine wurde 1933 als Maurice Micklewhite in South London geboren. Sein Vater war Packer auf dem Fischmarkt und seine Mutter Putzfrau. Schon früh begann er sich für die Schauspielerei zu interessieren. Mit 16 verließ er die Schule, nahm Gelegenheitsjobs bei örtlichen Filmproduktionen an und hoffte, entdeckt zu werden. Mit 18 wurde er zum Wehrdienst zum Queen’s Royal Regiment und den Royal Fusiliers eingezogen. 1953 wurde er entlassen und begann seine Schauspielkarriere, wobei er sich seinen Künstlernamen vom Titel „The Caine Mutiny“ (Die Caine war ihr Schicksal) auslieh. Als Bühnendarsteller ging er mit etlichen Stücken auf Tournee und bekam bald auch zunehmend interessantere Rollen bei Film und Fernsehen.
1964 ergatterte Caine seine erste bedeutende Filmrolle als Lieutenant Gonville Bromhead in „Zulu“ (Zulu). Ein Jahr später spielte er die Hauptrolle in dem erfolgreichen Thriller „The Ipcress File“ (Ipcress – Streng geheim), die ihm für seine Darstellung des Geheimagenten Harry Palmer eine erste BAFTA-Nominierung einbrachte. Doch zum internationalen Star stieg er mit einem Schlüsselfilm der 60er-Jahre auf: „Der Verführer lässt schön grüßen“. Ende der 1960er-Jahre trat er in elf Filmen auf, darunter in den „Ipcress“-Sequels „Funeral in Berlin“ (Finale in Berlin) und „Billion Dollar Brain“ (Das Milliarden-Dollar-Gehirn); in „Gambit“ (Das Mädchen aus der Cherry-Bar), der ihm eine Golden-Globe-Nominierung einbrachte; „Hurry Sundown“ (Morgen ist ein neuer Tag); „Woman Times Seven“ (Siebenmal lockt das Weib); „Deadfall“ (Todesfalle); „The Magus“ (Teuflische Spiele); „The Italian Job“ (Charlie staubt Millionen ab) und „Battle of Britain“ (Luftschlacht um England).
In den folgenden beiden Jahrzehnten spielte Caine Hauptrollen in über 40 Filmen, zum Beispiel in Robert Aldrichs „Too Late the Hero“ (Himmelfahrtskommando Okinawa); „X, Y and Zee“ (X, Y & Zee) neben Elizabeth Taylor; „Mord mit kleinen Fehlern“ mit Laurence Olivier; John Hustons „The Man Who Would Be King“ (Der Mann, der König sein wollte); „Harry and Walter Go to New York“ (Und morgen wird ein Ding gedreht); Richard Attenboroughs „A Bridge Too Far“ (Die Brücke von Arnheim); in Neil Simons Komödie „California Suite“ (Das verrückte California-Hotel); Woody Allens „Hannah und ihre Schwestern“, mit dem er seinen ersten Oscar gewann; Brian De Palmas „Dressed to Kill“ (Dressed to Kill); John Hustons „Victory“ (Flucht oder Sieg); Sidney Lumets „Deathtrap“ (Das Mörderspiel); „Rita will es endlich wissen“; Stanley Donens „Blame It on Rio“ (Schuld daran ist Rio); John Frankenheimers „The Holcroft Covenant“ (Der 4 1/2-Billionen-Dollar-Vertrag); Neil Jordans „Mona Lisa“ (Mona Lisa) und „Dirty Rotten Scoundrels“ (Zwei hinreißend verdorbene Schurken), mit dem er für den Golden Globe nominiert wurde.
In den anschließenden 15 Jahren war Caine in folgenden Filmen zu sehen: in der Komödie „Noises Off…“ (Noises Off – Der nackte Wahnsinn); in „Blood & Wine“ (Blood & Wine – Ein tödlicher Cocktail); „Little Voice“; „Quills“ (Quills – Macht der Besessenheit); „Miss Congeniality“ (Miss Undercover); „Austin Powers: Goldmember“ (Austin Powers in Goldständer); „Der stille Amerikaner“; und in den Lasse-Hallström-Filmen „Secondhand Lions“ (Löwen aus zweiter Hand) und „Gottes Werk und Teufels Beitrag“, mit dem er seinen zweiten Oscar verbuchte.
Auf dem Bildschirm verdiente sich Caine Emmy- und Golden-Globe-Nominierungen für die doppelte Titelrolle in dem TV-Film „Jekyll & Hyde“ (Jekyll und Hyde) und für seine Darstellung des südafrikanischen Präsidenten F.W. de Klerk in dem Historienfilm „Mandela and de Klerk“ (Mandela und de Klerk – Zeitenwende). Für den Golden Globe wurde er außerdem mit dem TV-Film „Jack the Ripper“ (Jack the Ripper – Das Ungeheuer von London) nominiert, und eine Emmy-Nominierung folgte mit dem dokumentarischen Film „World War II: When Lions Roared“.
Als Autor veröffentlichte Caine seine Autobiografie unter dem Titel „What’s It All About?“ sowie das Buch „Acting on Film“, das sich auf eine Reihe von Vorlesungen beruft, die er für BBC Television aufnahm.
1992 wurde Caine während der Feierlichkeiten zum Geburtstag der Queen mit dem Orden „Commander of the British Empire“ ausgezeichnet. 2000 schlug die Queen ihn zum Ritter.

HEATH LEDGER
Joker

Ledger wurde mit seiner Leistung in Ang Lees „Brokeback Mountain“ (Brokeback Mountain) für den Oscar nominiert. Seine Darstellung des Ennis Del Mar brachte Ledger außerdem Nominierungen für den Golden Globe, den Independent Spirit Award, den British Academy Award (BAFTA) und den Preis der Screen Actors Guild (US-Gewerkschaft der Film- und TV-Schauspieler) ein. Außerdem gewann er damit etliche Preise der Kritikerverbände.
2007 sah man Ledger in Todd Haynes’ „I’m Not There“ (I’m Not There), der ihm zusammen mit dem Ensemble den Robert Altman Award bei der Verleihung der Independent Spirit Awards 2008 einbrachte.
Zu seinen Filmen zählen außerdem „Candy“ (Candy – Reise der Engel), „Casanova“ (Casanova), „The Brothers Grimm“ (Brothers Grimm), „Lords of Dogtown“ (Dogtown Boys), „The Order“ (Sin Eater – Die Seele des Bösen), „Ned Kelly“ (Gesetzlos – Die Geschichte des Ned Kelly), „The Four Feathers“ (Die vier Federn), „Monster’s Ball“ (Monster’s Ball – Zwei Welten – Eine Liebe), „A Knight’s Tale“ (Ritter aus Leidenschaft), „The Patriot“ (Der Patriot) und „10 Things I Hate About You“ (Zehn Dinge, die ich an dir hasse), mit dem sich der aus Australien stammende Schauspieler dem amerikanischen Publikum vorstellte.

GARY OLDMAN
James Gordon

Oldman spielte Gotham Police Lieutenant James Gordon bereits in „Batman Begins“ (Batman Begins). Außerdem verkörperte er den Sirius Black in „Harry Potter and the Prisoner of Azkaban“ (Harry Potter und der Gefangene von Askaban) und spielte diese Rolle auch in „Harry Potter and the Goblet of Fire“ (Harry Potter und der Feuerkelch) und „Harry Potter and the Order of the Phoenix“ (Harry Potter und der Orden des Phönix).
Oldman begann seine Karriere 1979 mit zahlreichen Auftritten auf Londoner Bühnen. Zwischen 1985 und 1989 trat er ausschließlich am Royal Court Theatre auf. 1985 wurde er mit seiner Darstellung in „The Pope’s Wedding“ vom Londoner Magazin Time Out mit dem Preis für den Besten Nachwuchsdarsteller ausgezeichnet. Im selben Jahr teilte er sich den Darstellerpreis der Londoner Theaterkritiker mit Sir Anthony Hopkins.
1986 spielte Oldman seine erste bedeutende Filmrolle in „Sid and Nancy“ (Sid & Nancy): Die Darstellung der Punk-Rock-Legende Sid Vicious brachte ihm den Nachwuchsdarstellerpreis der Tageszeitung Evening Standard ein. Ein Jahr später übernahm er die Hauptrolle in Stephen Frears’ „Prick Up Your Ears“ (Prick Up Your Ears) und wurde für seine Leistung als todgeweihter britischer Theaterautor Joe Orton von den Londoner Filmkritikern als Bester Darsteller ausgezeichnet. Damit etablierte er sich als einer der renommiertesten Schauspieler der Branche und trat sowohl in Mainstream-Hits als auch in gefeierten Independent-Filmen auf. Zu Oldmans frühen Filmen zählen Nicolas Roegs „Track 29“ (Track 29 – Ein gefährliches Spiel); „Criminal Law“ (Der Frauenmörder); „Chattahoochee“ (Chattahoochee); Tom Stoppards „Rosencrantz & Guildenstern Are Dead“ (Rosenkranz & Güldenstern), der ihm in der Kategorie Bester Darsteller eine Nominierung für den Independent Spirit Award einbrachte; „State of Grace“ (Im Vorhof der Hölle); „Henry & June“ (Henry & June); Oliver Stones „JFK“ (John F. Kennedy – Tatort Dallas), als Lee Harvey Oswald; und die Titelrolle in Francis Ford Coppolas „Dracula“ (Bram Stoker’s Dracula).
Es folgten wichtige Rollen in Tony Scotts „True Romance“ (True Romance); „Romeo Is Bleeding“ (Romeo Is Bleeding); in Luc Bessons Filmen „Léon“ (Léon – Der Profi) und „The Fifth Element“ (Das fünfte Element); in „Immortal Beloved“ (Ludwig van B. – Meine unsterbliche Geliebte); „Murder in the First“ (Murder in the First); Roland Joffes „The Scarlet Letter“ (Der scharlachrote Buchstabe); Julian Schnabels „Basquiat“ (Basquiat); Wolfgang Petersens „Air Force One“ (Air Force One); in der Kinoversion von „Lost in Space“ (Lost in Space) und in Ridley Scotts „Hannibal“ (Hannibal).
1995 gründete Oldman mit seinem Manager/Produktionspartner Douglas Urbanski die Produktionsfirma The SE8 Group, die Oldmans Regiedebüt „Nil by Mouth“ produzierte (Oldman schrieb außerdem das Drehbuch). Der Film lief als Eröffnungsfilm im Wettbewerb der 50. Filmfestspiele in Cannes, Kathy Burke wurde mit ihrer Rolle als Beste Darstellerin ausgezeichnet. Außerdem gewann der Film zwei BAFTAs – für den Besten britischen Film und das Beste Drehbuch sowie den Channel-4-Regiepreis auf dem Edinburgh International Film Festival 1997; und den Empire Award für den Besten Debütfilm. Für die SE8 Group produzierte Oldman außerdem „The Contender“ (Rufmord – Jenseits der Moral), in dem er auch eine Hauptrolle übernahm. Der Film erhielt zwei Oscar-Nominierungen und brachte Oldman als Nebendarsteller eine Nominierung der Screen Actors Guild (US-Gewerkschaft der Film- und TV-Schauspieler) ein.
Auf dem Bildschirm verdiente sich Oldman eine Emmy-Nominierung mit seiner Gastrolle als alkoholkranker Schauspieler in der erfolgreichen Komödienserie „Friends“ (Friends). Zu seinen früheren TV-Auftritten zählen Mike Leighs „Meantime“ (Meantime) und Alan Clarkes „The Firm“.

AARON ECKHART
Harvey Dent

Mit seiner Darstellung eines selbstbewussten Tabak-Lobbyisten in „Thank You for Smoking“ (Thank You for Smoking; 2005), mit dem Jason Reitman sein Regiedebüt gab, wurde Eckhart für den Golden Globe und den Independent Spirit Award nominiert. Seitdem übernahm er Hauptrollen in Brian De Palmas authentischer Mordfall-Verfilmung „The Black Dahlia“ (The Black Dahlia); in der romantischen Komödie „No Reservations“ (Rezept zum Verlieben) mit Catherine Zeta-Jones; und in dem Independent-Film „Meet Bill“. Demnächst ist er in Alan Balls „Towelhead“ zu sehen, der im Herbst 2008 mit begrenzter Kopienzahl in den Kinos startet, und außerdem in „Traveling“ mit Jennifer Aniston.
Eckhart studierte Theaterwissenschaften und Film an der Brigham Young University in Provo/Utah. Dort lernte er Autor/Regisseur Neil LaBute kennen und trat in mehreren von LaButes Theaterstücken auf. 1997 machte Eckhart die Filmkritiker auf sich aufmerksam, als er die Hauptrolle in LaButes erstem Spielfilm „In the Company of Men“ (In the Company of Men) übernahm. Der viel diskutierte Film wurde von der Kritik gefeiert und gewann etliche Preise, darunter den Independent Spirit Award für Eckhart als Nachwuchsdarsteller.
In den folgenden fünf Jahren trat er in drei weiteren LaBute-Filmen auf: „Your Friends and Neighbors“ (Männer, Frauen und die Wahrheit über Sex) mit Ben Stiller und Catherine Keener; „Nurse Betty“ (Nurse Betty) mit Renée Zellweger; sowie „Possession“ (Besessen) mit Gwyneth Paltrow. Gleichzeitig begeisterte Eckhart die Kritiker mit seinem unvergesslichen Auftritt als Freund der Titelheldin in Steven Soderberghs berühmter Filmbiografie „Erin Brockovich“ (Erin Brockovich; 2000) mit Julia Roberts.
Weitere Filme: „Conversations With Other Women“ neben Helena Bonham Carter; John Woos Action-Film „Paycheck“ (Paycheck) mit Ben Affleck und Uma Thurman; Ron Howards „The Missing“ (The Missing) mit Tommy Lee Jones und Cate Blanchett; Jon Amiels „The Core“ (The Core – Der innere Kern) neben Hilary Swank; Sean Penns „The Pledge“ (Das Versprechen) mit hochkarätigen Kollegen wie Jack Nicholson und Vanessa Redgrave; Oliver Stones „Any Given Sunday“ (Jeden verdammten Sonntag); und John Duigans „Molly“ (Molly) neben Elisabeth Shue.
Zu Eckharts Bühnenauftritten zählt Michael Cristofers „Amazing Grace“ mit Marsha Mason.

MAGGIE GYLLENHAAL
Rachel Dawes

In nur wenigen Jahren hat sich Maggie Gyllenhaal als eine der meistgefragten Hauptdarstellerinnen der Filmbranche etabliert. Ihre Aufritte in großen Studiofilmen wie in unabhängigen Produktionen werden gleichermaßen hoch gelobt. 2002 trat sie neben James Spader in dem provokanten „Secretary“ (Secretary – Womit kann ich dienen?) auf, der bei der Premiere auf dem Sundance Film Festival begeisterte Kritiken bekam. Als Hauptdarstellerin wurde Gyllenhaal mehrfach ausgezeichnet, sie erhielt Nominierungen für den Golden Globe und den Independent Spirit Award und gewann den Preis der Bostoner Filmkritiker sowie den Preis des National Board of Review (branchenunabhängige Institution zur Förderung der Filmkunst). Außerdem zeichneten sie die Filmkritiker von Chicago als Nachwuchsdarstellerin aus – dieser Preis bezog sich auch auf ihre weiteren Leistungen des Jahres 2002: Spike Jonzes „Adaptation“ (Adaption – Der Orchideen-Dieb) und George Clooneys „Confessions of a Dangerous Mind“ (Geständnisse – Confessions of a Dangerous Mind).
Ihre zweite Golden-Globe-Nominierung bekam Gyllenhaal neben etlichen weiteren internationalen Filmfestivalpreisen für ihre Hauptrolle in dem unabhängig produzierten „SherryBaby“ (2006). Im selben Jahr übernahm sie Hauptrollen in Marc Forsters berühmter Komödie „Stranger Than Fiction“ (Schräger als Fiktion) mit Will Ferrell, Emma Thompson, Queen Latifah und Dustin Hoffman; in Oliver Stones Doku-Drama „World Trade Center“ (World Trade Center); und in einem Segment des Episodenfilms „Paris, je t’aime“ (Paris, je t’aime). Als Sprecherin wirkte Gyllenhaal im Animationsfilm „Monster House“ (Monster House) mit, der Oscar-Nominierungen verbuchte.
Weitere aktuelle Rollen spielte sie in Bart Freundlichs „Trust the Man“ (Liebe ist Nervensache) mit David Duchovny und Julianne Moore; Don Roos’ „Happy Endings“ mit Lisa Kudrow; John Sayles’ „Casa de los babys“ (Casa de los babys); und „Mona Lisa Smile“ (Mona Lisa Lächeln), in dem sie neben Julia Roberts, Kirsten Dunst und Julia Stiles unter der Regie von Mike Newell zu sehen war.
Als renommierte Bühnendarstellerin trat Gyllenhaal in Tony Kushners Stück „Homebody/Kabul“ (Homebody/Kabul) auf, das in Los Angeles und an der Brooklyn Academy of Music gezeigt wurde. Zuvor spielte sie die Alice in Patrick Marbers preisgekröntem Stück „Closer“ (Hautnah), zunächst am Berkeley Repertory Theatre und dann am Mark Taper Forum in Los Angeles. Zu ihren Theaterauftritten gehört außerdem „Antony and Cleopatra“ (Antonius und Cleopatra) am Vanborough Theatre in London.
Bereits als Teenager gab Gyllenhaal ihr Spielfilmdebüt in „Waterland“ (Das Geheimnis der Liebe) neben Jeremy Irons und Ethan Hawke. Es folgte John Waters’ schrullige Hollywood-Satire „Cecil B. Demented“ (Cecil B.), die ihr eine Hauptrolle in dem Fantasy-Thriller „Donnie Darko“ (Donnie Darko) einbrachte.
1999 machte Gyllenhaal neben ihrer Arbeit als Schauspielerin ihren College-Abschluss in Literatur an der Columbia University.

MORGAN FREEMAN
Lucius Fox

Morgan Freeman gewann den Oscar als Bester Nebendarsteller für seine Rolle in Clint Eastwoods „Million Dollar Baby“ (Million Dollar Baby), mit der er außerdem von der Screen Actors Guild (US-Gewerkschaft der Film- und TV-Schauspieler; SAG) ausgezeichnet und für den Golden Globe nominiert wurde. Drei weitere Male wurde er für den Oscar nominiert: 1987 für seine eiskalte Darstellung eines mörderischen Zuhälters in „Street Smart“ (Glitzernder Asphalt), für die er auch von den US-Filmkritikern sowie den Kritikern in Los Angeles und New York geehrt wurde. Außerdem erhielt er den Independent Spirit Award als Bester Nebendarsteller und seine erste Golden-Globe-Nominierung. 1989 wurde er mit der Kinofassung seiner ursprünglichen Bühnenrolle in „Driving Miss Daisy“ (Miss Daisy und ihr Chauffeur) wieder für den Oscar nominiert und gewann den Golden Globe sowie den Preis des National Board of Review (branchenunabhängige Institution zur Förderung der Filmkunst). Ein drittes Mal wurde er 1994 mit Frank Darabonts „The Shawshank Redemption“ (Die Verurteilten) nominiert, der Freeman auch Nominierungen für den Golden Globe und den Preis der SAG einbrachte.
Neben „The Dark Knight“ ist Freeman im Sommer 2008 auch in dem Action-Thriller „Wanted“ (Wanted) zu sehen. Etliche weitere Filme befinden sich in Vorbereitung: „The Code“; „The Lonely Maiden“, den er auch produziert; und „The Human Factor“, an dem er als Co-Produzent und Hauptdarsteller beteiligt ist: Neben Matt Damon tritt er als Nelson Mandela auf.
Zu Freemans Filmen der letzten Jahre zählen Rob Reiners „The Bucket List“ (Das Beste kommt zum Schluss) mit Jack Nicholson; Robert Bentons „Feast of Love“ (Fest der Liebe); Ben Afflecks „Gone Baby Gone“ (Gone Baby Gone – Kein Kinderspiel); „Lucky Number Slevin“ (Lucky # Slevin); Lasse Hallströms „An Unfinished Life“ (Ein ungezähmtes Leben) mit Robert Redford und Jennifer Lopez; Christopher Nolans „Batman Begins“ (Batman Begins); der von Luc Besson geschriebene Action-Film „Unleashed/Danny the Dog“ (Unleashed – Entfesselt) mit Jet Li; sowie die Komödie „Bruce Almighty“ (Bruce Allmächtig) und das Sequel „Evan Almighty“ (Evan Allmächtig). Daneben war seine unverkennbare Stimme in Steven Spielbergs „War of the Worlds“ (Krieg der Welten) und in der Oscar-preisgekrönten Dokumentation „March of the Penguins“ (französischer Originaltitel: La marche l’empereur; Die Reise der Pinguine) zu hören.
Zuvor drehte er „The Sum of All Fears“ (Der Anschlag), „High Crimes“ (High Crimes – Im Netz der Lügen), „Along Came a Spider“ (Im Netz der Spinne), „Nurse Betty“ (Nurse Betty), „Deep Impact“ (Deep Impact), „Hard Rain“ (Hard Rain), Steven Spielbergs „Amistad“ (Amistad), „Kiss the Girls“ (…denn zum Küssen sind sie da), „Se7en“ (Sieben), Clint Eastwoods „Unforgiven“ (Erbarmungslos), „Glory“ (Glory), „Lean on Me“ (Der knallharte Prinzipal), „Clean and Sober“ (Süchtig), „Marie“ (Marie – Eine wahre Geschichte; auch: Marie – Die Unbestechliche; auch: Marie – Eine Mutter in Angst), „Teachers“ (Die Aufsässigen), „Harry & Son“ (Harry & Sohn) und „Brubaker“ (Brubaker).
Sein Regiedebüt gab Morgan Freeman 1993 mit „Bopha!“ (Bopha!). Bald darauf gründete er seine eigene Produktionsfirma Revelations Entertainment. Zuletzt produzierte die Firma Brad Silberlings Komödie „10 Items or Less“ (10 Items or Less – Du bist wen du triffst), in der Freeman neben Paz Vega zu sehen war.
Freeman stammt aus Memphis/Tennessee. Seine Laufbahn begann er Anfang der 1960er-Jahre auf New Yorker Bühnen, nachdem er seinen Militärdienst als Mechaniker bei der Air Force geleistet hatte. Zehn Jahre später machte er sich landesweit durch seine TV-Auftritte als Easy Reader in der beliebten Kindersendung „The Electric Company“ einen Namen.
In den 1970er-Jahren spielte er weiterhin regelmäßig Theater. 1978 gewann er den Drama Desk Award und den Clarence Derwent Award für seine herausragende Leistung in „The Mighty Gents“, die ihm auch eine Tony-Nominierung einbrachte. Den Obie Award gewann er 1980 als Shakespeares Anti-Held „Coriolanus“ (Coriolan) auf dem New York Shakespeare Festival sowie für seine Rolle in „Mother Courage and Her Children“ (Mutter Courage und ihre Kinder). Einen weiteren Obie erhielt Freeman 1984 für die Rolle des Boten in Lee Breuers berühmter Inszenierung von „The Gospel at Colonus“ an der Brooklyn Academy (für die er 1985 auch den Dramalogue Award erhielt). 1987 spielte Freeman die Rolle des Hoke Coleburn in Alfred Uhrys mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Stück „Driving Miss Daisy“, das ihm seinen vierten Obie einbrachte. 1990 war Freeman als Petruchio in „The Taming of the Shrew“ (Der Widerspenstigen Zähmung) im Rahmen des New York Shakespeare Festivals neben Tracey Ullman zu sehen.
Vor kurzem ist Freeman auf die Bühne zurückgekehrt und tritt am Broadway neben Frances McDormand und Peter Gallagher in Clifford Odets Drama „The Country Girl“ (Come back) unter der Regie von Mike Nichols auf.

S E R E N I T Y
FLUCHT IN NEUE WELTEN

REGIE & STORY

Joss Whedon

BESETZUNG

EXKLUSIVE FEATURETTE

TN-Exklusiv: Serenity Featurette mit Behind the Scenes Material, Interviews uvm.

SZENENAUSSCHNITTE

Serenity Szenenausschnitt - Reaver!

Serenity Szenenausschnitt - Barschlägerei

Serenity Szenenausschnitt - Buddha, bitte bring mit ein Pony!

Serenity Szenenausschnitt - Konfrontation mit The Operative

Serenity Szenenausschnitt - River übernimmt die Kontrolle

Serenity Szenenausschnitt - Ein Blatt im Wind

TRAILER

» Teaser Trailer
» Trailer 1
» Trailer 2

RIVER TAM SESSIONS

 R. Tam Session 1
R. Tam Session 22
R. Tam Session 165
R. Tam Session 416 First Excerpt
R. Tam Session 416 Second Excerpt

Wer TREKNews ließt weis: wir hypen nicht - nein, wir sind in den Augen mancher Fans aufgrund der angeblich zu harten Kritiken für den Untergang von Star Trek Enterprise verantwortlich. Umso wichtiger ist für uns folgendes Special zu Joss Whedons neuem Kinofilm SERENITY - FLUCHT IN NEUE WELTEN. Warum? Ganz einfach: Serenity ist all das, was Star Trek hätte sein können: Tiefgründig, unterhaltsam, humorvoll, spannend und auch die Action kommt nicht zu kurz. Kurz gesagt: Der perfekte Science-Fiction Film. Warum dies so ist erfahrt ihr in unserem umfangreichen Special!

INHALT

500 Jahre in der Zukunft, wir schreiben das Jahr 2507 in den neuen Welten eines Sonnensystems fern von der alten Erde: Die Besatzung des Raumfrachters „Serenity“ durchstreift den äußeren Rand der von der Menschheit kolonialisierten neuen Galaxie. Diese wird von der übermächtigen Koalition, der sogenannten Allianz, beherrscht.

Captain Malcolm Reynolds, ein desillusionierter Veteran, kämpfte im galaktischen Bürgerkrieg auf der Verliererseite und verdient sich seinen Lebensunterhalt nun mit kleinen Gesetzesübertretungen und dem Transport von Passagieren und Fracht auf der „Serenity“, einem Schiff der Firefly-Klasse. Dabei führt er eine kleine, gut ausgewählte Crew an, die für ihn fast wie eine Familie ist – die sich zankt, aufmüpfig ist, aber auch hundertprozentig loyal. Keiner von ihnen ist ein Fan der Allianz, und so versuchen sie möglichst unauffällig an den Rändern des Universums ihren Geschäften nachzugehen.

Aber als Mal einen jungen Arzt und seine labile, telepathische Schwester an Bord nimmt, lässt er sich auf mehr ein, als er ahnt. Die beiden sind auf der Flucht vor der Allianz – die vor nichts zurückschreckt, die junge Frau zurückzubekommen, denn sie birgt ein dunkles Geheimnis. Und die Besatzung steckt plötzlich mittendrin in einer Auseinandersetzung mit der scheinbar unbezwingbaren militärischen Macht der Allianz und den sogenannten Reavers, einer Gruppe kannibalistischer Wilder, die sich am Rande des Weltraumes herumtreiben.

Aber Mal sieht sich nicht nur von zwei ganz unterschiedlichen aber gleichermaßen todbringenden Feinden gejagt – schon bald müssen er und seine Crew feststellen, dass die größte Gefahr für sie an Bord der „Serenity“ selbst lauern könnte...

KRITIK VON MARKUS SAMPL UND DANIEL RÄBIGER

Mit Chinesische Flüche und höchst ausgefallene Sprüche sind eine der vielen markanten Ecken an Serenity - der Kinofilm, der aus der kultigen, aber viel zu kurzen Firefly-Serie (nur 14 Folgen) geboren wurde, lässt sich einfach nicht recht in eine klassische Kategorie einordnen. Die Sci-Fi-Wildwestmischung wirkt wie eine Frischzellenkur für Episode I bis X-geschädigte, die schon seit langem einen Weltraumcowboy im Stile eines Han Solo vermissen.

Nathan Fillion, der die Rolle des Serenity-Captains Mal Reynolds spielt, bedient diese Sehnsucht aufs trefflichste. Es klappt halt alles einfach nicht so, wie man es gerne hätte. Die Pläne des Captains laufen oft einfach nicht so ab, wie sie sollten, an seinem Schiff brechen immer wieder Teile ab, die vielleicht wichtig gewesen sind, und es beim Wiedereintritt in die Atmosphäre hoffentlich nicht werden, und die Crew spurt einfach nicht auf Kommando, sondern zeichnet sich durch ein hohes Maß an Individualität und Eigenwilligkeit aus.

Und genau diese Imperfektheit, die dem Leben nun mal eigen ist, wird auf eine sehr perfekte und überaus unterhaltsame Weise in Firefly und auch Serenity gekonnt zusammengesetzt. Der Kinofilm Serenity bietet eine wundervolle Abwechslung zum üblichen Sci-Fi-Einheitsbrei - auch wenn Fireflypuristen sich an den Film erst ein wenig gewöhnen müssen: Serenity wirkt nicht mehr ganz so wildwestmäßig und ist auch nicht ganz so pointenreich wie die Serie - der Plot mit den Reavern lässt den Film etwas weit in das Genre eines Vampirfilms abgleiten, dafür gibt es jedoch einen netten Endkampf nach dem altbewährten "hack´n´slay"-Prinzip.

Und auch das ist wieder ein Beweis dafür, wie variabel Serenity ist - dem kreativen Schaffen werden nicht die üblichen Grenzen gesetzt, Serenity basiert inhaltlich und konzeptionell stark auf dem Gedanken von Freiheit und Vielfalt. Und dies führte bereits in der Serie zu zahlreichen Überraschungen, sowohl im Storybogen als auch in den einzelnen Dialogen - im Kinofilm Serenity findet dieses Fireflyfeeling seine auf die Kinoleinwand ausgebreitete Fortsetzung - bleibt nur zu hoffen, dass der Serenity den Erfolg haben wird, der Firefly leider verwehrt blieb.

Regisseur Joss Whedon, bereits mit einer Oskar-Nominierung für das Drehbuch zu Toy Story ausgezeichnet, vollbringt mit Serenity das, was man im Sci-Fi Genre schon lange vermisst hat: eine anspruchsvolle Story die dennoch unterhaltsam ist. Der gelungene Mix aus Anspruch, Humor und Action wird perfekt von den zum Großteil unbekannten Schauspielern auf die Leinwand portiert. Auch musikalisch weiß der Score von David Newman zu überzeugen. Einziges Manko: wer die spanischen Gitarren der Serie erhofft wird enttäuscht sein - Newman komponierte bis auf wenige Passagen einen klassischen Soundtrack.

Schauspielerisch hat keiner der Besetzung, sieht man von Adam Baldwin einmal ab, eine große Referenzliste vorzuweißen. Besonders Summer Glau ist eine absolute Newcomerin - lediglich ein Gastauftritt in Buffy/Angel gingen ihrer Arbeit an Serenity voraus. Umso beeindruckender sind ihre Schauspielerischen Fähigkeiten. Sie weint, sie lacht - sie ist genau das was man von einem traumatisierten Mädchen erwartet. Auch Nathan Fillion (der 'falsche' Private Ryan in Saving Private Ryan) und der Rest der Besetzung weiß zu überzeugen.

"Wie könnt ihr so einen Film eigentlich so in den Himmel loben?" mag sich manch einer Fragen. Nun ja - nach sechs Kinobesuchen innerhalb von 8 Wochen (Zweimal England, Viermal Deutschland) und immer noch andauernder Begeisterung ist für mich eins sicher:
Dieser Film wird mindestens weitere sechs mal angeschaut. Hier stimmt Regie, Story und Schauspielerleistung. Besonders hervorzuheben ist auch der unvergleichliche Humor der Serie der gekonnt in den Film portiert wurde. Neben der Haupthandlung schwingt sehr gekonnt eine zentrale Frage des Lebens mit: Was ist Glauben, wohin kann er führen, was ist die Essenz des Glaubens. Für mich ist Serenity die Wiederbelebung des Glaubens in das SciFi Genre. Film ab!

DANIEL RÄBIGER   d.raebiger@treknews.de

»Dieser Film bewegt einen. Man lacht, man weint, man fiebert mit. Dieser film zeigt, dass unbekannte Schauspieler nicht schlecht sein müssen. Dieser Film ist mit Summer Glau. Dieser Film ist das, worauf Science-Fiction Fans seit Jahrzehnten warten!«

Spannung Action Humor Erotik Anspruch

INTERVIEWS MIT DER CAST

Chefredakteur Daniel Räbiger flog nach England um mit Joss Whedon, Nathan Fillion, Morena Baccarin und der unglaublichen Summer Glau über den Film zu sprechen - hier die Ergebnisse:

Interview mit Joss Whedon über Serenity	Interview mit der unglaublichen Summer Glau über Serenity
Interview mit Morena Baccarin über Serenity	Interview mit Nathan Fillion über Serenity
Reel Life with Joss Whedon - Paneldiskussion vom Edinburger Filmfestival	> Weitere Interviews

ÜBER DIE PRODUKTION

Joss Whedon, der Oscar- und Emmy-nominierte Drehbuchautor und Regis-seur der internationalen Fernseherfolge „Buffy – Im Bann der Dämonen“ und „Angel – Jäger der Finsternis“ und Ko-Autor von „Toy Story“ – gibt mit dem Science Fiction Westernabenteuer „Serenity - Flucht in neue Welten“ sein Spielfilmdebüt.

Der Film basiert auf Whedons vielfach gelobter, aber kurzlebiger Fernsehserie „Firefly“, die in den USA im Herbst 2002 bei FOX TV Network ausgestrahlt wurde. Die Geschichte spielt in einem futuristischen, nach-erdgeschichtlichen Universum, das von einer planetarischen Allianz beherrscht wird, und erzählt von den Abenteuern des abgehalfterten Raumschiffs ‚Serenity’ und seiner bunten Crew von Außenseitern, angeführt von Captain Malcolm „Mal“ Reynolds, den Nathan Fillion verkörpert. Obwohl FOX TV die Serie nach der Ausstrah-lung von 11 der bis dahin 14 produzier-ten Episoden absetzte, hatte sich die mit ihrer ganz eigenen Mischung aus Hu-mor, vielschichtigen Charakteren und Sci-Fi bereits eine loyale und leidenschaftliche Fanbasis geschaffen.

Die untröstlichen Fans, die Besetzung und Whedon selbst wollten das Ende der Serie nicht mit dem Ende ihres Universums gleichsetzen. Für Whedon war „diese Geschichte noch ganz und gar nicht zu Ende erzählt. Ich hatte noch nicht damit abgeschlossen... und die Darsteller hatten ebenfalls noch nicht damit abgeschlossen“. Obwohl sich die Suche nach einem neuen Zuhause der Serie bei einem anderen Fernsehsender oder Kabelkanal als ergebnislos erwies, waren alle Beteiligten fest entschlossen, die Kampagne am Leben zu erhalten. Der Einsatz für eine Veröffentlichung der Serie auf DVD schien sich auszuzahlen, als man nach Verkaufsstart die Anzahl der Fans erheblich steigern konnte – fast exakt ein Jahr später, nachdem die letzte Folge bei FOX ausgestrahlt worden war. Die Verkaufszahlen von „Firefly“ zeigten auf beeindruckende Weise sowohl die Treue der Fans als auch das Potenzial, mit der Serie neue Zuschauer zu gewinnen.

So sehr allerdings alle sich weigerten, ihren gutgemeinten Kampf aufzugeben, so sehr war doch jedem, der in die Serie involviert war, klar, dass nur ein Wunder die Show würde wiederbeleben können.

Dieses Wunder passierte Anfang 2004. Bei Universal Pictures, wo man ganz begeistert über eine Zusammenarbeit mit Whedon und beeindruckt von den Nachwirkungen der Serie, sah man eine Gelegenheit, die bevorstehende Leere für Science Fiction-Enthusiasten zu füllen, die das Ende der „Star Wars“ und „Star Trek“-Sagas hinterließen. Das Studio stimmte der Entwicklung eines Spielfilms auf Basis der „Firefly“ Serie zu – die von Whedon selbst als sein Spielfilmdebüt geschrieben und inszeniert werden sollte. Der Film mit dem Titel „Serenity - Flucht in neue Welten“ sollte eine Mischung aus der Fortsetzung der Abenteuer der „Serenity“-Crew und einer eigenständigen Story sein, die auch Kinogänger ansprechen sollte, welche bisher keine Berührungspunkte mit „Firefly“ gehabt hatten.

Während einige Analysten in der Filmbranche und die Medien über die Absicht verwundert waren, dass man einen Film nach einer missratenen Fernsehserie machen wollte, waren die „Firefly“ Fans – auch „Browncoats“ genannt nach den gegen die Allianz aufstehenden Freiheitskämpfern – ganz aus dem Häuschen. Sie mobilisierten ihre Kräfte, um sicherzustellen, dass das Studio an dem Vorhaben festhielt, grünes Licht für das Projekt gab und die notwendige volle Marketingunterstützung bereitstellte, die ein großer Spielfilm zum Erfolg benötigt.

Firefly: Ein Hoffnungschimmer

Joss Whedons Fähigkeit, eine in sich schlüssige Welt voller mitreißender Figuren, unerwartetem Humor und phantasievoller Geschichten zu erschaffen, haben in seiner Karriere bereits einer Unzahl von Projekten einen eigenen Stempel aufgedrückt. Neben seiner Arbeit als „Creator“ und ausführender Produzent seiner Serien „Buffy – Im Bann der Dämonen“, „Angel – Jäger der Finsternis“ und „Firefly“ (von denen er auch zahlreiche Folgen geschrieben und inszenierte hat), war er als Drehbuchautor bei vielen Filmen beteiligt, darunter „Speed“, „Alien – Die Wiedergeburt“ und „Toy Story“, für den er eine Oscar-Nominierung erhielt.

Die TV-Serie „Firefly“ erschuf Whedon, nachdem er Michael Shaaras Bürgerkriegsroman „The Killer Angels“ gelesen hatte. Die Idee von Überlebenden eines Krieges, die sich am Außenrand der Gesellschaft herumdrücken – in ei-nem Science Fiction-Kontext – sprachen Whedon an. „Ich beschäftigte mich mit der Idee eines Bürgerkrieges und dem Wiederaufbau aus dem Blickwinkel der Leute, die den Krieg verloren haben“, erzählt er. „Nach dem Krieg gab es Leu-te, die das Geschehen so furchtbar verinnerlicht hatten, dass es sie völlig zerstörte.“

Whedon fing an, sich die verschiedenen Charaktere auszumalen und entwarf dann eine humanistische Geschichte, die anstatt in weiten Ebenen in den Grenzbereichen der Planeten spielt. „Ich wollte eine Story erzählen über Leute, die im Weltraum leben, aber nicht in voller Pracht und Herrlichkeit“, erklärt er.

„Wir haben die Erde verbraucht und sind deshalb in ein neues Sonnensystem vorgestoßen“, fährt er fort. „Das, was früher die Entdeckung neuer Länder war ist heute die Entdeckung der Planeten. Wir haben kein außerirdisches Leben irgendeiner Art entdeckt. Noch immer sind nur wir da. Es ist eine Vision der Welt, wie sie mehr oder weniger heute schon existiert.“

„Der Ansatz der Serie war, dass sich in der Zukunft nichts geändert hat“, so Whedon weiter. „Wir haben mehr Technologie. Es gibt mehr Menschen. Aber wir haben noch genau die gleichen Probleme: persönliche, politische und ethische.“

In dieser Welt begegnen wir Mal (Nathan Fillion), einem Soldaten, der im galaktischen Bürgerkrieg auf der Verliererseite kämpfte. Er verdient sich seinen Lebensunterhalt mit kleinen Gesetzesübertretungen und dem Transportschiff „Serenity“. Er führt eine kleine Crew an, die für ihn eine Art Familie ist: Da ist seine Stellvertreterin Zoe (Gina Torres), Zoes Ehemann und Pilot Wash (Alan Tudy), der Söldner Jayne (Adam Baldwin) und die Schiffsmechanikerin Kaylee (Jewel Staite). Sie sind die eigensinnigen, aufmüpfigen und letztlich hundertprozentig loyalen Freunde, die Mal braucht, um in den Außenbezirken des Alls zu überleben.

Ihr Überleben wird bedroht durch zwei ganz außergewöhnliche Gegner: zum einen die universelle Allianz (die als Sieger aus dem Krieg hervorgegangen ist), zum anderen die grauenhaften, kannibalistischen Reavers – eine Gruppe Wilder, die sich am Rande des Weltraumes herumtreibt. Zwischen diesen beiden Fronten findet sich die Crew wieder; zwischen der Allianz, deren Ziel es ist, den verschiedenen Planeten Ordnung zu bringen – ob von den Bewohnern gewollt oder ungewollt – und den Reavers, die nach willkürlichem Chaos und Zerstörung streben.

Für Mal verkomplizieren sich die Dinge zusätzlich durch die schöne Kurtisane Inara (Morena Baccarin), einer Frau, die ihn abwechselnd inspiriert und wütend macht, Shepherd Book (Ron Glass), einem Prediger, der Mal immer wieder aufs Ganze herausfordert sowie zwei mysteriöse Passagiere: der junge Arzt Simon (Sean Maher) und seine labile, telepathische Schwester River (Summer Glau). Ihre Talente wurden lange von der Allianz eingesetzt, wodurch sie im Besitz gefährlicher Geheimnisse ist, die so tief verschüttet sind, dass nicht einmal sie selbst weiß, um was es dabei geht.

Die Fernsehserie, die viel Kritikerlob bekam und schnell eine breite Fanbasis aufbauen konnte, überdauerte dennoch nur 11 Folgen, bevor sie eingestellt wurde, nicht zuletzt aufgrund der schlechten Ausstrahlungszeiten und –taktik und dem ganz eigenen Ton und Inhalt der Serie, die schlecht in eine Schublade passte.

„Alle fühlten sich wie in einer großen Familie“, erinnert sich Christopher Buchanan, der ausführende Produzent von „Serenity - Flucht in neue Welten“. „Insofern hatten wir großes Glück. Aber als die Serie dann abgesetzt wurde, war das für alle Beteiligten ein echter Schlag in die Magengrube“.

Aber Whedon sah dies eher als ein Aufschieben als ein Ende. Er schwor seiner „Firefly“ Besetzung und Crew, dass er nicht ruhen würde, bis er eine neue Heimat für das Projekt finden würde. „Ich habe an alle neun Darsteller Weihnachtskarten verschickt, in denen ich ihnen mitteilte, welche Fortschritte ich gemacht hatte, und sie hielten mich auf dem Laufenden darüber, was für sie an Projekten anstand“, sagt Whedon. „Ich glaubte einfach so fest an diese Charaktere und besonders an diese Schauspieler, dass ich mich weigerte zu glauben, dass die Serie abgesetzt war. Ich habe das einfach ernsthaft verleugnet.“

Als die Sets der Serie abgebaut wurden, rettete Schauspieler Alan Tudyk ein Requisit aus einer zentralen Episode für Whedon. „Das Schiff stirbt, und die einzige Chance für die Crew ist, auf anderen Schiffen anzuheuern und Hilfe zu suchen, und Mal zurückzulassen“, erläutert Tudyk. „In dieser Folge installiert Wash diesen besonderen Schalter und sagt ‚Wenn dein Wunder war wird, dann drücke einmal auf diesen Knopf und es wird uns alle zurückbringen’.“

„Diesen Schalter habe ich noch immer in meinem Büro“, sagt Whedon liebevoll.

Whedons Glaube, „Firefly“ am Leben zu halten, war ansteckend. „Jedes Mal, wenn ich kurz davor stand, aufzugeben, rief einer der Schauspieler an und sagte, ‚Wir warten immer noch. Wir glauben noch daran’“, erinnert er sich.

„Als die Show vor der Absetzung stand, taten sich die Fans zusammen und schalteten mit eigenem Geld eine Anzeige in ‚Variety’.“

Einmal ein Browncoat...

Whedons Fans wussten noch aus den Tagen von „Buffy – Im Bann der Dämonen“ und „Angel – Jäger der Finsternis“, dass der Regisseur die Tendenz hatte, eine Niederlage nicht einfach hinzunehmen. 1992 schrieb Whedon das Originaldrehbuch für den Spielfilm „Buffy, die Vampirjägerin“, nur um dann mitzuerleben, wie die Schlüsselelemente für den Film verändert wurden. Daraufhin adaptierte er den Stoff fürs Fernsehen – und machte daraus eine der erfolgreichsten Serien aller Zeiten. Er ist niemand, der schnell aufgibt.

Und das tun auch seine ihm ergebenen Fans nicht. Ein Online-Kampagne, gepaart mit guten DVD-Verkäufen und Unterstützung der Kritiker, gaben Whedon die Argumente an die Hand, die er brauchte, um seine Sci-Fi-Vision einer breiten Publikumsschicht zu präsentieren. Die „Browncoats“ identifizierten sich mit dem alltäglichen Kampf der „Firefly“ Crew – Außenseiter, die sich weigerten, sich in einem von der Allianz beherrschten Universum anzupassen. Online-Portale wurden überschwemmt mit Rufen der Fans nach einer Rückkehr von „Firefly“. Hoffnungsvolle Fanpost erreichte die Studioführung. Anzeigen erschienen in ‚Variety’, um die Serie am Leben zu halten. Die Browncoats hatten eine gemeinsame Heimat auf diesem angeschlagenen Raumfrachter gefunden und gemeinsam waren sie stark.

Und da war jemand, dem das alles nicht entging...

Die „Serenity“ hebt ab

Die Wiedergeburt begann, als Whedon und Produzent Barry Mendel („The Sixth Sense“, „Die Royal Tenenbaums“) mit der Idee für eine Spielfilmversion zu Mary Parent gingen, die zu der Zeit Vizepräsidentin der Abteilung Worldwide Production bei Universal Pictures war. „Viele Leute haben gefragt, wie schwer es war, das Studio von dem Projekt zu überzeugen, und es ist seltsam... das war es überhaupt nicht“, erklärt Mendel. „Mary war ein Fan von Joss und blieb mit ihm und mir in Verbindung. Und man muss Universal lassen, dass sie begriffen, dass Joss eine Leidenschaft für dieses Projekt hatte.“

Das Studio glaubte sowohl an Whedons Vision als auch an diese Story und kaufte die Rechte für einen großen Kinofilm, basierend auf seiner einzigartigen Fernsehserie. Die „Browncoats“, die weltweit loyale und aktive Fangemeinde von „Firefly“, jubelte. „Diese Leute haben eine irre Leidenschaft für die Dinge, die sie mögen“, kommentiert Fillion. „Und Joss schafft es auf unkomplizierte Art, sie für die Figuren und deren Beziehungen untereinander zu begeistern.“

Nachdem grünes Licht für den Film gegeben worden war, stand Whedon vor einer ganz neuen Herausforderung. Er erzählt: „All diese Charaktere und verschiedenen Welten zum Leben zu erwecken mit der Art von Erzählweise, die man beim Film benutzt... ich musste ihnen eine epische Geschichte geben, die nicht nur einfach eine weitere Episode im Leben dieser Figuren war, sondern eine Reise, die sie für immer verändern würde.“

Gut zweihundert Seiten später hatte Whedon einen Entwurf, aus dem das Drehbuch für „Serenity - Flucht in neue Welten“ werden sollte – und das er die „Version aus dem Küchenspülbecken“ nannte – und die er zu einer machbaren und nicht zu langen Fassung abschlacken musste. „Wenn es um das große Tamtam geht, ja, das haben wir alles: ein Hovercraft, Action, Schießereien, Faustkämpfe, Kannibalen – alles, was man sich in einem Film wünschen kann“, sagt er. Aber noch wichtiger war ihm, das ungenutzte Potenzial seiner Crew und dieser Story zu erforschen... Potenzial, das sich nur auf Spielfilmlänge verwirklichen ließ.

Er entschied, einen Großteil der Filmhandlung um die geheimnisvolle Figur der River Tam herum aufzubauen, das mädchenhafte Wunderkind, das die Allianz unter ihre Fittiche genommen und für geheime Zwecke mit ihr experimentiert hatte – bis sie von ihrem Bruder gerettet und an Bord der „Serenity“ geschmuggelt wurde. Die Allianz schickt einen todbringenden „Operative“, der sich durch nichts aufhalten lässt, um das Mädchen zurückzuholen. Als River in einer vollen Bar scheinbar aus dem nichts heraus anfängt, die Anwesenden mit dem Können einer ausgebildeten Killerin anzugreifen, wird Mal und seiner Mannschaft klar, dass sich eine Gefahr, die größer für sie sein könnte als die Allianz oder die Reavers, an Bord der „Serenity“ selbst befinden könnte.

„Die TV-Serie hatte neun Hauptfiguren, die alle auch im Film auftauchen“, so Whedon. „Obwohl man sagen könnte, dass Mal der Held ist, ist jeder einzelne der Held seiner eigenen Geschichte, und sie sind mir alle gleich wichtig. Wichtiger als alles andere war mir, dass das Publikum aus dem Film gehen sollte mit dem Gefühl, dass sie gerade ein Abenteuer erlebt hatten mit Leuten, die ihnen etwas bedeuten. Wir haben hier neun Menschen an Bord eines kleinen Raumfrachters, die an den Rändern des Universums leben, und die Art von Arbeit machen, die man normalerweise nicht in Science Fiction-Filmen sieht: die Gelegenheitsjobs, die Drecksarbeiten. Ich liebe diese Crew – es sind außergewöhnliche Charaktere. Das beste für mich ist, dass auch die Darsteller, die sie spielen, außergewöhnliche Schauspieler, außer-gewöhnliche Menschen sind, und ich mich ungeheuer glücklich schätzen kann, wieder mit ihnen zu arbeiten.“

Wenngleich die Besetzung miteinander in Kontakt geblieben war nachdem „Firefly“ abgesetzt wurde, war das Treffen für ein erstes gemeinsames Lesen des Drehbuchs eine emotionale Erfahrung für alle. „Einige dieser Leute sehe ich regelmäßig, aber sie dabei zu sehen, wie sie ihre Figuren spielten, das war, als würde man Freunde sehen, die man lange nicht mehr getroffen hat“, erklärt Fillion.

„Joss sagte, er habe damit noch nicht abgeschlossen“, erinnert sich Glass. „Er sagte, wir sollten nicht überrascht sein, wenn wir uns eines Tages an einem anderem Ort wieder zusammenfinden würden, oder in einer anderen Ausdrucksweise.“

Baldwin beschreibt Whedon als „Held, denn dieses Projekt musste fortgeführt werden, und hier sind wir“. „Es ist, als ob man nach Hause  kommt“, so Torres.

Zusätzlich zu den neun Hauptfiguren aus der Serie gab es ein paar Schlüsselrollen, die von Newcomern in der Truppe gespielt werden mussten, an vorderster Front die Rolle des „Operative“. Whedon wollte, dass „die Allianz eine Präsenz bekam, die unseren Figuren wirklich Angst machte“. Und er fährt fort: „Ich wollte, dass der „Operative“ nobel und ehrbar und freundlich sein sollte, und einem dennoch das Blut in den Adern gefrieren ließ.“ Whedon besetzte Chiwetel Ejiofor, der für seine darstellerische Leistung in dem hoch gelobten Independent-Film „Schmutzige kleine Geschäfte“ begeisterte Kritiken und für das Drama „Vier Brüder“ vor der Kame-ra stand. Whedon merkt an: „Chiwetel gelang es, die Figur des „Operative“ völlig zu verinnerlichen, und ihn als eine reale Person darzustellen. Ehrbar, nachdenklich und doch ein Massenmörder.“

Vervollständigt wurden die Hauptrollen mit der Besetzung von David Krumholtz (bekannt aus der CBS-Serie „Numbers“) als Mr. Universe, dem geheimnisvollen Mann, der über die gesamte Kommunikation des Universums wacht.

Noch bevor die Dreharbeiten anfingen waren sich alle einig, unbedingt die begierigen „Firefly“ Fans während des gesamten Produktionsprozesses mit einzubeziehen. Im Juli 2004 – nur einen Monat, nachdem die Hauptdreharbeiten begonnen hatten – traten Whedon und seine Schauspieler auf der jährlichen Comic-Convention in San Diego auf, wo ihnen (und einigen sehr frühen Filmausschnitten) ein umwerfender Empfang von den über 5000 Zuschauern bereitet wurde.

Im Dezember 2004, nur wenige Monate nachdem die Dreharbeiten abgeschlossen wurden, waren die Entscheidungsträger von Universal Pictures nicht wirklich auf das vorbereitet, was sie bei einer ohne Filmtitelnennung angesetzten Sneak Preview mit dem Publikum erlebten. Irgendwie sickerte an die „Browncoats“ durch, dass es eine Vorführung von „Serenity - Flucht in neue Welten“ geben würde, und der ganze Saal war voll von ihnen. Das Kinoerlebnis mit 300 absolut begeisterten Fans, die – obwohl es sich bei der Version um eine sehr frühe und unfertige Kopie handelte – während des gesamten Geschehens lachten, johlten und applaudierten, veranlasste das Studio, die Pläne zur Veröffentlichung des Films noch einmal zu überdenken. „Browncoat“ Denise Gribe, ein 40jähriger Fan aus dem kalifornischen Silverlake, fasste die Begeisterung des Publikums so zusammen: „Ich denke, die Fans haben das möglich gemacht. Cowboys mit Waffen im Weltall... die chinesisch reden. Das ist unsere kleine Show da oben auf der Leinwand!“

Der Kinostart wurde vom Frühjahr auf den Herbst 2005 verschoben, um mehr Zeit sowohl für die Nachbearbeitung zu bekommen als auch innovatives Marketing weiterzuentwickeln. Der US-Start wurde für den 30. September 2005 angesetzt. Um einer Enttäuschung darüber, dass sie noch sechs Monate länger auf den Film warten mussten, bei den Fans vorzubeugen, entwarfen die Filmemacher und das Studio einen ausgeklügelten Plan, um die Treue und Ausdauer der „Browncoats“ zu belohnen und sie bei der Stange zu halten.

Zuerst waren Whedon und die Schauspieler zu Gast auf den Wonder-Con und Wizard-Con Fan Conventions Anfang 2005, wo sie dem Publikum Ausschnitte von unfertigen Sequenzen aus dem Film präsentierten. Im April dann postete Whedon für die „Browncoats“ eine Online-Einladung zu einer besonderen Preview des sich noch in der Arbeit befindlichen Films, die angesetzt war für Donnerstag, den 6. Mai, in zehn amerikanischen Städten. Er gab den Fans links zu Webseiten, wo sie im Vorverkauf Karten kaufen konnten. In dem für ihn typischen Stil schrieb Whedon an die Fans: „Als ich über das verschobene Startdatum jammerte und jeder schrieb ‚was machen wir denn bis September’, da hat das Studio zugestimmt, eine Sneak Preview zu machen.“

Die Vorstellungen waren innerhalb weniger Stunden ausverkauft. Einige „Browncoats“ kamen aus anderen US-Staaten und eine studentische Gemeinschaft mietete sogar einen Bus für seine Mitglieder, damit sie zu der Preview fahren konnten. Auf Ebay wurden Tickets für 300 Dollar pro Stück verkauft. Einige Leute erschienen schon am Tag vorher und campierten über Nacht auf den Gehweg vor den Kinos, obwohl sie ihre Tickets schon in der Tasche hatten. Whedon und seine Schauspieler traten in fünf der Städte live vors Publikum, und der Regisseur und Autor nahm eine eigens an die Zuschauer gerichtete Botschaft auf, die zu Beginn der Vorführung abgespielt wurde. Diese Botschaft lautete:

„Hi, ich bin Joss Whedon. Bevor wir mit dieser Sondervorführung anfangen, möchte ich Euch eine kleine Geschichte erzählen. Es geht um eine TV-Serie mit dem Titel ‚Firefly’. Vor ein paar Jahren startete ‚Firefly’ im Fernsehen und umgehend bejubelten die Kritiker sie als eine der besten abgesetzten Sendungen des Jahres. Sie wurde ignoriert und aufgegeben, und hier sollte die Geschichte dann eigentlich enden. Aber das tut sie nicht, denn die Leute, die die Serie gemacht haben und die Leute, die sie gesehen haben – was in etwa dieselbe Größenordnung hatte – hatten sich ein bisschen zu sehr darin verliebt, um einfach so loszulassen, zu sehr, um die Waffen niederzulegen, obwohl der Kampf ziemlich verloren aussah.
In Hollywood nennt man solche Leute unrealistisch, idealistisch, besessen. In meiner Welt nennt man sie „Browncoats“. Also egal, ob Ihr die Serie im Fernsehen gesehen habt oder auf DVD – oder noch nie zuvor im ‚Firefly’ Universum unterwegs wart – die Tatsache, dass Ihr jetzt hier seid, heißt, Ihr seid Teil von etwas, was ein klein bisschen bemerkenswert ist. Diesen Film dürfte es eigentlich nicht geben. Aus abgesetzten Fernsehserien macht man keinen großen Kinofilm – es sei denn, der Macher, die Schauspieler und die Fans glauben daran jenseits aller Vernunft. Das habe ich gespürt, und habe es an den DVD-Verkäufen gesehen, an den Verkaufsständen der Fans auf den Conventions, den Webseiten und den Fundraisern – die ganze Arbeit, die die Fans geleistet haben, hat dabei geholfen, diesen Film zu realisieren.

Es ist auf eine bisher nie da gewesene Weise Euer Film. Das heißt wenn er schlecht ist, dann seid Ihr schuld. Ihr habt es vermasselt. Ihr habt uns enttäuscht. Aber lasst uns nicht über mögliches Versagen nachdenken, denn die Arbeit ist noch nicht vorbei. Ich muss den Film noch fertig stellen. Das hier heute ist noch nicht ganz die endgültige Fassung, und Ihr werdet an einigen Stellen Platzhalter für die Musik und die Spezialeffekte bemerken. Aber wir sind sehr nahe dran, und wenn wir dann fertig sind... dann müsst Ihr die Leute dazu bringen, sich den Film anzusehen.

Natürlich wird das Studio sein eigenes Ding machen. Es wird Anzeigen geben und Trailer und all das Trara, aber dieser Film hat keine Stars. Er hat kein riesiges Mega-Budget. Er hat noch nicht einmal die Voraussetzungen, ihn auf einfache Weise mit einem Satz an den Mann zu bringen. Was er hat, sind wir – diejenigen, die entgegen aller Vernunft geglaubt haben. Wenn Euch dieser Film etwas bedeutet, dann sagt das jemandem. Sagt es allen. Macht Euch bemerkbar.

Wenn Ihr den Film nicht mögt... dann ist das die Zeit des Schweigens, für einige Monate still nachzudenken. Aber wenn heute der noch unfertige Abspann rollt, und Ihr Euch selbst noch „Browncoats“ nennt – dann denkt an die Millionen von Menschen, die das nicht von sich behaupten... aber es vielleicht eines Tages tun. Ich will, dass wir das zusammen durchziehen. Die Schauspieler werden auftreten wo immer es möglich ist. Ich selbst werde im Internet aktiv sein und mir den Mund fusselig reden und was mir sonst noch einfällt. Unsere Webseite „cantstopthesignal.com“ steht im Netz.

Ich bin mir ziemlich sicher, dass wir alle alles tun werden, um hieraus den Event zu machen, den der Film verdient. Denn denkt daran: Sie haben versucht, uns umzubringen. Sie haben uns umgebracht, und hier sind wir. Wir haben das Unmögliche geschafft, und das macht uns mächtig. Vielen Dank dafür, dass Ihr uns geholfen habt, diesen Film dahin zu bringen, wo er jetzt ist. Willkommen auf der ‚Serenity’.“

Aufgrund der umwerfenden Reaktionen setzten Whedon und das Studio für den unfertigen Film drei Wochen später eine zweite Serie dieser Previews an, am Donnerstag, dem 26. Mai. Diesmal wurde „Serenity - Flucht in neue Welten“ in 20 Städten gezeigt – in den ursprünglichen zehn und in zehn weiteren. Wieder waren alle Karten wenige Stunden vergriffen, nachdem Whedon im Internet darüber berichtet hatte. Ein großer Prozentsatz der Leute sah den Film dabei bereits zum zweiten Mal. Begeisterte Fans verlangten nach weiteren Screenings und überschwemmten die Filmemacher prompt mit Emails, Telefonanrufen und Internet Postings. Vier Wochen später, am Donnerstag, 23. Juni, gab es wieder mit großem Erfolg zum dritten Mal Sneak Previews, diesmal lief der Film vor ausverkauften Häusern in 35 Städten – den vorhergegangenen 20 und 15 weiteren Orten. „Browncoat“ Clayton Dilts, 28, aus dem südlichen Kalifornien, verlangte mit stolzgeschwellter Brust von Whedon: „Kämpfe mit Zähnen und Klauen und gib mir mehr!“

Neben den eingeschworenen Fans saßen bei den zweiten und dritten Screenings auch neue Interessierte und solche, die das Phänomen neugierig betrachteten, im Kino. Die Veranstaltungen hatten ein Presseecho auf lokaler Ebene zur Folge und schon bald auch in den nationalen Publikationen wie „Entertainment Weekly“, „Wired“ und „The Hollywood Reporter“.

Als Whedon und die Schauspieler aus „Serenity - Flucht in neue Welten“ im darauf folgenden Juli wieder auf der Co-mic-Con auftraten, wurden sie von den 6500 Fans mit stehenden Ovationen empfangen. Die ganze Convention war voller Spannung und Erwartung über die Weltpremiere des inzwischen fertig gestellten Films. 200 „Browncoats“ durften die Vorführung miterleben, bei der Whedon persönlich den Film ankündigte und im Anschluss Fragen beantwortete und Autogramme schrieb. Zu den zur endgültigen Fertigstellung hinzugefügten Komponenten gehörte eine wunderbare Filmmusik von David Newman. Die Zuschauer in San Diego waren einfach begeistert von dem Film. Die Musik von Newman bewegte die Zuschauer ganz besonders und veranlasste Joss zu der Bemerkung: „Er gab mir meinen Western, meinen multikulturellen Mischmasch. Ich mag die „Serenity“ entworfen haben, aber es war David Newman, der sie zum Fliegen brachte.“

Am 22. August 2005 trat die „Serenity“ dann auf dem Edinburgh Film Festival in Schottland sozusagen ihren Jungfernflug an. Das Publikum sprang auf, als Joss und seine Crew die Bühne betraten. Dank überschäumender Kritiken in den Festivalbesprechungen, extrem hohen Zuschauerbewertungen und dem Lob von Insidern des Filmgeschäfts, schien nichts ihren Flug aufhalten zu können.

Das Publikum auf der Comic-Con und in Edinburgh, die Fans von „Firefly“, Leute, die die Serie erst auf DVD entdeckten, und jene, die völlig unvoreingenommen den Film gesehen hatten, hatten eines gemeinsam: Sie hatten das Gefühl, mitreißende Figuren in einer spannenden und unterhaltsamen Story zu sehen – etwas, was sie seit langem in keinem Science Fiction Film mehr gesehen hatten. Und nicht nur die eingeschworene „Serenity“ Fangemeinde feierte, sondern auch neue Fans kamen an Bord, um mit zufliegen.

ÜBER DIE WELT DER „SERENITY“

Crew und Passagiere

Im Jahr 2507 nach Christus, 500 Jahre in der Zukunft, ist die Erde, wie wir sie heute kennen, nicht länger bewohnbar und die Menschheit hat eine entfernte Galaxie kolonisiert. Die zentralen Plane-ten in diesem neuen Sonnensystem sind durch ein Gesetz, eine Allianz verbunden. „Für jede Aktion gibt es eine Reaktion, und die Bildung einer Allianz erschafft kein böses Imperium oder einen totalitären Staat“, erklärte Whedon, „aber es entsteht eine Macht, die so groß ist, dass sie einfach nicht gerecht über das ganze Universum herrschen kann. Wann immer man eine Art Utopie erschafft, findet man unter der Oberfläche auch etwas hässliches.“

Captain Mal Reynolds (Nathan Fillion) war einer derjenigen, die sich auf der Verliererseite des großen Krieges der Vereinigung wieder fanden, in dessen Verlauf die Allianz anstrebte, die äußeren Planeten unter ihre Kontrolle zu bringen. „Mal ist jemand, der zu einer Zeit kämpfte, in der ihm die gegnerische Seite einfach haushoch überlegen war“, sagt Whedon. „Er hatte keine Chance, den Gang der Geschichte aufhalten zu können. Und diese Erfahrung hat ihn verändert.“

„Er ist kein böser Mensch“, befindet Whedon. „Er hat seinen moralischen Kompass nicht gänzlich verloren. Er hat nur die Idee aufgegeben, dass der Mensch von Natur aus anständig ist. Oder dass es sich lohnt, um irgendetwas zu kämpfen außer um die nächste Mahlzeit und die Menschen um ihn herum.“ Nathan Fillion fügt hinzu: „So leer er auch ist, so hart gesotten, er hält mit aller Macht an dem fest und beschützt das, was ihn ausmacht, und das ist das Schiff und jeder darauf.“

Seine Stellvertreterin, Zoe Alleyne (Gina Torres), hat in mehr als einem Dutzend Kämpfen an Mals Seite gestanden, darunter bei dem letzten Kampf ihres Planeten um die Unabhängigkeit von der Allianz. Neben ihm war sie die einzige weitere Überlebende der 57. Einheit nach dem blutigen Kampf um das Serenity Valley. Zoes Ehemann, Hoban Washburn – Wash – (Alan Tudyk) ist das genaue Gegenteil von ihr: ein gutgelaunter Pilot, der es liebt zu fliegen, aber hasst zu kämpfen. „Zoes große Leidenschaft ist es, das Schiff vor dem Untergang zu bewahren“, sagt Torres. „Sie hat eine militärische Karriere hinter sich, und ist absolut loyal Mal gegenüber, was manchmal zu Spannungen mit ihrem Ehemann führt.“

„Zoe ist eine Killerin... und das ist weit weg von dem, was Wash ist“, erklärt Tudyk. „Er will einfach nur das Schiff fliegen und ein bisschen Geld machen. Und dann, wenn sie ein bisschen Geld zusammen haben, dann will er Urlaub machen. Er liebt das Verbrechen nicht, aber seine Künste als Pilot kommen gelegen, wenn es darum geht, dass er sozusagen der Fahrer des Fluchtfahrzeuges ist.“

Kaylee (Jewel Staite) ist ein Bauernmädchen mit einem genialen Händchen für Maschinen. „Kaylee ist eigentlich die Seele des Schiffes“, erläutert Whedon. „Sie glaubt daran, dass das Leben anständig sein kann. Sie liebt Maschinen. Sie liebt es, auf diesem Raumschiff zu sein, es am Laufen zu halten. Sie hält das für ein großartiges Leben.“ Und Jewel Staite erklärt: „Da draußen gibt es so viele schöne, höherwertige Schiffe mit viel mehr technischem Schnickschnack. Aber die Schiffe der ‚Firefly’ Klasse sind etwas besonderes, denn sie sind schnell, sie lassen sich leicht manövrieren, und sie haben alle möglichen Verstecke, in denen sich Schmuggelware lagern lässt. Die „Serenity“ ist wie eine Art Oldtimer... sie ist Ausschuss, sie hat andauernd eine Panne, aber man repariert sie immer wieder.“

Wo Kaylee ein großes Herz hat, da hat der Söldner Jayne Cobb (Adam Baldwin) Muskeln. „Jayne ist ein großer Kerl voller Eigeninteresse“, sagt Whedon. „Er hatte nichts mit dem Krieg zu tun. Er erschießt Leute, weil er dafür bezahlt wird. Er ist nicht unbedingt jemand, den man bei einer Schießerei im Rücken haben will, denn wenn die andere Seite mehr bezahlt, dann kommt er dir wo-möglich näher, als du möchtest.“

Während ihrer Reisen zwischen Planeten, die primitiv oder auch zivilisiert sind, fliegt die Crew unter dem Radar, so weit weg von der erzwungenen Ordnung der Allianz wie das Schiff und eine Reihe kleiner Gelegenheitsüberfälle sie bringen können. Ihre Freiheit bezahlen sie damit „nicht genug Essen zu haben, pleite zu sein, Probleme mit dem Schiff zu haben“, erklärt Alan Tudyk. Aber ohne dass sie es wissen, wird sich ihr Schicksal eng mit dem der zwei neuen Passagiere verknüpfen, die sie an Bord nehmen. Simon Tam (Sean Maher), ein junger Arzt, und seine labile Schwester River (Summer Glau).
„Malcolm Reynolds und seine Abtrünnigen haben ein junges Mädchen und ihren Bruder aufgenommen, die nicht ganz das sind, was sie auf den ersten Blick scheinen“, sagt Whedon. „Sie sind auf der Flucht vor der Allianz, und Mal neigt dazu, denen ans Schienbein zu treten, wenn er die Möglichkeit hat. Aber dieses hilflos erscheinende Mädchen, das er an Bord genommen hat, stellt sich weder als so hilflos, noch als bestmögliche Wahl für einen Passagier heraus.“

River, eine natürliche Telepathin, verbrachte Jahre bei Experimenten in den Laboren der Allianz, was sie für immer verändert und möglicherweise sogar gefährlich gemacht hat. Ohne Absicht kam sie in Berührung mit dem dunklen Geheimnis, das die Ordnung aufrechterhält, die die Allianz zu bewahren sucht. „Sie steckt voller Geheimnisse, von denen sie lieber nichts wissen möchte... denn selbst die besten Gesellschaftsformen haben Wege, ihre eigene Macht zu erhalten“, erläutert Whedon.

Die Spieler im „Serenity“ Universum

Die Allianz schickt einen geschulten und tödlichen „Operative“, der River zurückholen soll – und die Geheimnisse, die in ihrer kaputten Psyche eingesperrt sind. Der „Operative“ glaubt daran, dass es seine Mission ist, die Allianz um jeden Preis zu schützen, was ihn viel gefährlicher macht als einen bezahlten Killer. „Der ‚Operative’ hält sich selbst für ein Instrument“, so Whedon. „Die Tatsache, dass er keinen Namen hat, finde ich gruselig und zugleich auf eine seltsame Weise adelnd.“

Wenn er tötet, dann mit einer Absicht. „Seine Mission ist es, eine Welt zu schaffen, in der nichts Schlechtes geschieht“, sagt Whedon. „Er sieht, was böse ist, und er hasst es. Er weiß, dass er Böses tut, aber er gestattet es sich, aus seiner eigenen moralischen Struktur herauszutreten, um das zu erreichen, was er erreichen muss, und das hat ihn zu etwas weniger menschlichem gemacht. Und das ist zugleich eigenartig und krank und irgendwie schön.“

Der „Operative“ gibt der Allianz das Versprechen, egal wie weit und schnell die Crew der „Serenity“ davonfliegt, er einen Weg finden wird, sie aufzustöbern und River zurückzubringen. Keine einfache Aufgabe, wie Chiwetel Ejiofor erklärt. „Der ‚Operative’ erkennt einen Wesenszug in Mal, und zwar, dass dieser nicht klein beigeben wird.“

Whedon erklärt: „River bringt all die Schwierigkeiten innerhalb der Crew und die Löcher im Schiff sozusagen an die Oberfläche... denn durch sie bekommen sie in Form des „Operative“ die ganze Macht der Allianz zu spüren, und auch weil River ohne ihr Wissen eine Agentin der Allianz ist – eine Waffe – und sie letztlich jeden an Bord töten könnte, wenn man entscheidet, es ihr zu befehlen. Und somit hat Mal, auf seine eigene Art, sich und das Schiff in exakt die Gefahrenlage gebracht, die er in den letzten Jahren zu vermeiden suchte.“

Mals Widerstand der Allianz gegenüber und die Menschenjagd des „Operative“ haben seine Freunde in Gefahr gebracht. Dabei hegt der Captain eine tiefe Zuneigung für eine schöne Gefährtin namens Inara Serra (Morena Baccarin), die der „Operative“ benutzt, um Mal aus seiner Deckung zu locken. „Eine Gefährtin ist im Grunde eine futuristische Geisha“, erklärt Baccarin. „Sie leben in einer Zeit, in der Prostitution legal ist, und man betrachtet es als hochwertigen Berufsstand aufgrund dessen, was die Gefährtinnen lernen und was sie wissen. Inara hat viele verschiedene Sprachen gelernt und Tanz und Bogenschießen. Sie kann kämpfen und ist zugleich äußerst gebildet und kultiviert.“

„Man sieht Inara und ihre Kultiviertheit, und man sieht sofort, warum sie und Mal nie zusammengekommen sind“, sagt Whedon. „Sie haben beide einen starken Willen, sind völlig unterschiedlich und perfekt füreinander geschaffen.“

Zwei weitere Überbleibsel aus Mals bunter Vergangenheit geben ihm eine Führungshilfe. Shepherd Book (Ron Glass) ist ein Mann des Glaubens mit geheimnisvollem Wissen über die Alli-anz und die Wege des „Operative“. Und schließlich ist da Mr. Universe (David Krumholtz), der in einem entlegenen Versteck – das er mit seinem weiblichen „Liebesroboter“ teilt – die Signale überwacht, die durch die Galaxie rasen.

Weitere große Gefahr erwartet die „Serenity“ am äußeren Rand des Sonnensystems – die Reavers, bösartige Kreaturen, die sich am Rande des Weltraums herumdrücken. „Auf der einen Seite haben wir die Allianz, verkörpert durch den „Operative“, der moralisch völlig unangreifbar ist und jeden töten wird“, erläutert Whedon. „Und auf der anderen Seite haben wir die Reavers.“

„Wenn man auf einen Reaver trifft, dann war’s das“, erzählt Nathan Fillion. „Man kann sich abschreiben. So schlimm sind sie. Sie wollen dich nicht umbringen; sie wollen dich langsam umbringen. Sie wollen dich auffressen; sie wollen dich häuten. Ihre teuflische Boshaftigkeit kennt keine Grenzen.“

„Sie sind so abgedreht, dass sie nicht bemerken, welche Gewalt sie ausüben – es ist einfach ihre Art zu leben“, fügt Jewel Staite hinzu. „Dadurch sind sie schlimmer als Monster oder Außerirdische, denn hinter all diesem Irrsinn stecken menschliche Wesen.“

Aber die wahre Bedrohung für die Crew befindet sich womöglich an Bord der „Serenity“ selbst. „Mals ganze Motivation ist es, den Tag zu überleben, und dann kommt da dieses Mädchen, mit dem er keinerlei Verbindung hat, keinen Grund, sich um sie zu kümmern“, sagt Summer Glau. „Im Gegenteil, eigentlich müsste er sie aus seinem Leben verbannen, denn sie wird nur Schwierigkeiten machen. Aber irgendwie kann er das einfach nicht.“

Von allen Seiten unter Beschuss, steht Mal vor der Wahl, seine problembelastende, möglicherweise tödliche Passagierin aufzugeben, oder Stellung zu beziehen und das Geheimnis, um dessen Wahrung die Allianz so hart kämpft, aufzudecken. „Für sie alle geht es um Freiheit“, so Whedon. „In diesem Film geht es eigentlich darum, dass Mal herausfinden muss, ob es doch etwas gibt, das es Wert ist, daran zu glauben und wieder dafür zu kämpfen.“

Das Entwerfen der neuen Welten

Als Universal grünes Licht für den Film gab, war allen Beteiligten klar, dass das Projekt für einen vernünftigen Preis gemacht werden musste. Produzent Barry Mendel beschreibt „Serenity“ als „ein ‚Underdog Movie’ – wir sind rank und schlank“, sagt er. „Bei diesem Film wurde nichts aufgebläht. Sie gaben uns eine bestimmte Menge Geld und sagten, ‚seid kreativ, seid schlau... seht, wie ihr es hinbekommt’.“

Bei seinem Spielfilmdebüt als Regisseur entschied sich Whedon, sich mit einer Mischung aus langjährigen, vertrauten Weggefährten und einigen der meistbegehrten Könner hinter der Kamera zusammenzutun. Cutterin Lisa Lassek hatte bereits bei einer Reihe von Episoden von „Buffy – Im Bann der Dämonen“ mit ihm gearbeitet. Für Whedon ist sie ein Naturtalent, er prahlt damit, dass „sie auf der Avid-Schnittmaschine spielen kann wie Vladimir Horowitz“.

Da er des Öfteren Filme von Clint Eastwood zur Beschreibung des physischen und emotionalen Terrains von „Serenity“ herangezogen hatte, ergriff Whedon ohne zu zögern die Gelegenheit zur Zusammenarbeit mit dem Oscarnominierten Kameramann Jack N. Green, ASC, der unter anderem bei Eastwoods „Erbarmungslos“, „Die Brücken am Fluss“ und „Bird“ auf dem Kamerastuhl saß.

„Für den Film musste alles ein bisschen größer sein“, sagt Whedon. „Wir mussten alles, was wir vorher getan hatten, auf ein höheres Level bringen. Ich wollte unbedingt, dass dieser Film in Cinemascope entstand, denn es ist ein Drama mit vielen Darstellern, es ist ein Raumepos und ein bisschen Western. All das schrie nach dem Cinemascope-Format. Aber man muss das dann auch mit etwas angemessen Epischem ausfüllen.“

Um das Universum der „Serenity“ zu entwerfen, engagierten die Filmemacher den Produktionsdesigner Barry Chusid, der zuvor für einen der Kinohits des Jahres 2004, „The Day After Tomorrow“, die Zerstörung der Erde überwacht hatte. Seine Hauptaufgabe bestand darin, ein Gefühl einzubeziehen und zu erhalten, dass die Fans der Serie sofort wieder erkennen würden, aber gleichzeitig eine Welt zu entwerfen, die auch diejenigen gefangen nahm, die sich noch nie zuvor damit beschäftigt hatten.“

Alisa Tager, die für die ausführende Produktion mitverantwortlich war, sagt dazu: „Barry verlieh dam ganzen eine Vielschichtigkeit und Textur. Er machte einen tollen Job mit dem Schiff – der einen Sache, die so gut wie perfekt kopiert sein musste. Jeder, der den Raumfrachter aus der Serie kannte, würde ihn sofort wieder erkennen. Als die Schauspieler ankamen, hatten sie sofort eine emotionale Reaktion... ein Gefühl, dass sie wieder zu Hause waren.“

Chusid baute die Innenräume der „Serenity“ in den Studiohallen auf dem Gelände von Universal. Er stattete viele der Sets mit beweglichen Wänden aus, um so eine Umgebung zu schaffen, die eine Umsetzung von Whedons Vision für eine lange Eröffnungssequenz ermöglichte. Er hielt es für äußerst wichtig, dem Kinozuschauer das Schiff vorzustellen, in dem er sie in einer einzigen Einstellung durch den Frachter führte.

Whedons Auftrag an Chusid und die anderen Produktionsleiter war es, die von ihm erdachte Welt, in der die chine-sische und die amerikanische Kultur dominieren, absolut realistisch zu machen. „Diese Zukunft ist anders als die, die wir uns normalerweise ausmalen“, bemerkt dazu die Kostümdesignerin und zweifach Oscarnominierte Ruth Carter („Amistad“, „Malcolm X“), die Wege finden musste, die visuellen Themen der Serie einzubeziehen, aber auch neue Ausdrucksmöglichkeiten suchte. „Ich glaube, wir gehen immer davon aus, dass es etwas in der Art wie Matrix ist, wo alles ganz original und neu ist. Aber diese Science Fiction greift zurück auf verfallene Zivilisationen ebenso wie auf jene Welten und Kulturen, die sich weiterentwickelt haben.“

Die Meister der Spezialeffekte

Für die visuellen Effekte des Films wandte sich Whedon an Loni Peristere (der für seine Arbeit an „Firefly“ mit dem Emmy in der Kategorie Best Visual Effects ausgezeichnet worden war) und das Team von Zoic, mit dem er in den vergangenen sieben Jahren bei „Buffy – Im Bann der Dämonen“ und „Angel – Jäger der Finsternis“ zusammengearbeitet hatte. „‚Serenity’ wurde einer sechsmonatigen Bearbeitung unterzogen, in Bezug darauf, wie das Schiff modelliert, bemalt und beleuchtet werden sollte“, erklärt Peristere. „Es gab Dinge, die wir während der Fernsehzeit nicht machen konnten, die wir jetzt für den Film umzusetzen imstande waren.“
Mit der Leitung der Spezialeffekte am Set beauftragte Whedon den Experten Dan Sudick, der für seine Arbeit an „Master & Commander: Am anderen Ende der Welt“ für einen Oscar nominiert worden war.

Eine der großen Set-Sequenzen findet sehr früh im Film statt, wenn Mal und drei andere versuchen, in einer Art „Hovercraft“ Gefährt zur „Serenity“ zurückzukommen, während sie von den Reavers verfolgt werden. „Ich wollte das mit unseren Schauspielern vor dem tatsächlichen Hintergrund drehen – mit echter Luft, die ihnen durch die Haare fährt, und ohne diese digitale Künstlichkeit, die mir immer so unangenehm auffällt“, bemerkt Whedon.

Um dies zu erreichen, choreographierten Peristere und sein Team die gesamte Sequenz in einer animierten Pre-Visualisierung („pre-vis“ genannt), um so ein bewegliches Storyboard nicht nur der Action sondern auch der Positionierung jedes Crewmitgliedes oder Fahrzeuges zu bekommen, die an der Sequenz beteiligt waren.

Währenddessen entwarf und baute der Special Effects Supervisor Sudick eine Art Hovercraft – in Wirklichkeit ein Aufbau, der von einem Truck gezogen werden konnte. Er fertigte vier verschiedene Versionen des Gefährts – von denen eine sogar scharfe Kurven in Echtzeit fahren konnte – um das Drehen aus unterschiedlichen Winkeln und Entfernungen zu ermöglichen.

Für die Reavers, die in der Fernsehserie nie gezeigt worden waren, wollte Whedon Kreaturen erschaffen, die eine wirkliche Verkörperung von Angst darstellten. „Der Gedanke hinter dem Design der Reavers war, dass sie entstellte Gesichter haben würden“, erläutert Whedon. „Es geht um Aggression. Es geht darum, was beim Gegenüber am meisten Furcht einflößt.“

Die Abteilung für die künstlerische Leitung lieferte Konzeptillustrationen des legendären Künstlers Bernie Wrightson, die Whedons albtraumhaftes Konzept für die Reavers in grausigem Detail einfingen. Dann überlegten sich Whedon und Kameramann Green Weg, wie die Zuschauer flüchtige Blicke auf die Reavers würden erhaschen können, aber sie nie richtig sehen würden. „An die Tür zu klopfen ist immer ein klein bisschen furchteinflößender als das, was dann durch die Tür kommt“, so Whedon. „Wir wollten sie einfach ein bisschen außen vor halten. Sie sollten eine riesige Präsenz sein, aber wir wollten keine langen, verweilenden Einstellungen eines einzelnen Reavers, es sei denn, Rivers Faust kommt einige Einzelbilder später ins Bild.“

„Kicking Ass“ im 26. Jahrhundert

Das Drehbuch beinhaltete mehrere Kampfsequenzen, für die ausgedehntes körperliches Training notwendig war. Allein River hatte zwei Szenen, in denen sie sich gegen mehrere Dutzend Männer behaupten musste.

Als gelernte Tänzerin war es Summer Glau dank ihrer Stärke, Ausdauer und Flexibilität möglich, einen nahtlosen Übergang zu Kampfbewegungen zu machen. „Sie erscheint sehr zerbrechlich“, sagt Whedon. „Aber sie hat versteckte Vorräte an Kraft und Entschlossenheit in sich, die man auf den ersten Blick nicht wahrnimmt. Man entdeckt, dass sie in Wahrheit unglaublich stark ist. Die Tatsache, dass sie eine Menge Martial Arts gegen eine Menge großer Kerle anwenden konnte, war da besonders erfreulich.“

Summer Glau arbeitete mit der legendären Hong Kong Stuntfrau Ming Lu, bevor sie einen intensiven Workshop mit den Stuntkoordinatoren Chad Stahelski und Hiro Koda (die beide an Actionfilmen wie „Matrix Reloaded“, „Matrix Revolutions“ und „Van Helsing“ beteiligt waren) und deren fünfköpfige Stunt-Team absolvierte.

„Wir versuchten, einfach unmögliche Bewegungen zu kreieren, die sie alleine ausführen, und bei denen man sie dann als Heldin filmen konnte“, erzählt Koda. „Am Ende machte sie 98 Prozent des Kampfes in der Maidenhead ohne Double.“

Und was für eine Kämpferin sie war. Summer Glaus schonungsloses Trainingsprogramm spiegelte den Einsatz der gesamten Darsteller- und Filmcrew, die mit ganzem Herzen bei der Arbeit waren, wieder. Dank der Kombination der talentierten Darsteller, der Intelligenz und dem Können der Crew und der unermüdlichen Unterstützung der Fans hatte Joss Whedon am Ende eine Spielfilmversion der „Serenity“ (deren Schiffsname übersetzt soviel wie Klarheit oder Gelassenheit bedeutet), die sich mutig in die neuen Welten der äußeren Planeten aufschwang.
Am besten beschreiben es die Fans. Danielle Nikolosi, eine 20jährige „Brown-coat“ aus dem kalifornischen Glendale, sagte kurz nach dem Screening im Früh-jahr: „Danke, dass sie uns „Serenity“ gegeben haben, und die Möglichkeit, Klarheit und Gelassenheit zu erhalten.“

Daniel Räbiger und Markus Sampl präsentieren das erste SFN Video Review zu "Cloverfield."
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Kurzinhalt

New York. In der Nacht vor seiner Abreise nach Japan feiert Rob (Michael Stahl-David) mit seinen Freunden eine große Abschiedsparty. Die Stimmung ist ausgelassen, die Freunde genießen den Abend und höchstens ein paar verpasste Chancen und emotionale Eingeständnisse trüben die gute Laune mit einem Hauch von Melancholie. Doch dann werden die Feiernden plötzlich von einem Beben durchgeschüttelt und in den Nachrichten ist zunächst tatsächlich von einem Erdbeben die Rede.
Um sich einen Überblick zu verschaffen, rennen Rob und seine Freunde aufs Dach und sehen am Horizont den gewaltigen Feuerball einer Explosion. Ein Stromausfall löscht die Lichter Manhattans und aus Staunen und Verwirrung wird schnell Panik während die Partybesucher die dunklen Treppen hinunter auf die Straße rennen. Spätestens als ihnen der abgerissene Kopf der Freiheitsstatue vor die Füße fliegt und sie ein tosendes, gewaltiges Brüllen hören, ist klar, dass sie es nicht mit einer Naturkatastrophe zu haben, sondern mit etwas Großem, etwas Zornigem, das in der Lage ist, die gesamte Stadt in Schutt und Asche zu legen.
Wie in einem Videotagebuch filmt einer von Robs Freunden alles, was ihm vor die Linse kommt: vom Partybeginn bis zur Flucht durch die zerstörte Stadt, von der heilen Welt bis zum zertrümmerten Straßenlabyrinth, in dem nur noch Angst, Schrecken und ein gigantisches Monster herrschen.

	Teaser Trailer
Cloverfield Teaser Trailer (Englisch) - Quicktime HDTV 1080p Größe: 121.41 MB	Cloverfield Teaser Trailer (Englisch) - Quicktime HDTV 720p Größe: 68.98 MB	Cloverfield Teaser Trailer (Deutsch) - Quicktime HDTV 480p Größe: 12.75 MB
	Cloverfield Teaser Trailer (Deutsch) - Quicktime HDTV 720p Größe: 132.94 MB	Cloverfield Teaser Trailer (Deutsch) - Quicktime HDTV 480p Größe: 12.75 MB
	Theatrical Trailer
Cloverfield Trailer 1 (Englisch) - Quicktime HDTV 1080p Größe: 161.23 MB	Cloverfield Trailer 1 (Englisch) - Quicktime HDTV 720p Größe: 104.11 MB	Cloverfield Trailer 1 (Englisch) - Quicktime HDTV 480p Größe: 31.60 MB
	Cloverfield Trailer 1 (Deutsch) - Quicktime HDTV 480p Größe: 47.03 MB

Die Entstehung von „Cloverfield”

„Wir leben in einer Zeit großer Angst. Ein Film über etwas so Abwegiges wie eine riesige Kreatur, die eine unserer Metropolen angreift, erlaubt den Menschen diese Angst auf eine unglaublich unterhaltsame und sichere Art zu durchleben. Genau danach sehne ich mich auch als Kinogänger – einen Film zu sehen, der größer als das Leben ist und dabei hyper-real. ‚Cloverfield’ erfüllt genau diesen Anspruch.” - J.J. Abrams, Produzent von „Cloverfield”

Der erste Keim von „Cloverfield” bildete sich im Juni 2006 während J. J. Abrams Publicity-Tour für die Paramount-Produktion „Mission: Impossible III” in Japan. Mit seinem Sohn Henry besuchte er einen Spielzeugladen in Tokio und war erstaunt über eine Unmenge an Godzilla-Spielzeugen. „Mir wurde klar, dass wir es hier mit einem Monster zu tun haben, das tatsächlich die Jahrzehnte überlebt hat. In unserer amerikanischen Kultur fehlt uns das”, erklärt Abrams. Bald darauf hatte Abrams die Idee, einen Film über ein neues Monster zu machen - in der Tradition von „Godzilla” und seiner zahlreichen Fortsetzungen und Remakes - aber mit einem deutlich anderen Ansatz.
„Was wäre, wenn man ein Monster von der Größe eines Wolkenkratzers durch die Augen eines Wesens sieht, das eben im Verhältnis nur die Größe eines Sandkorns hat? Was wäre, wenn man dieses Monster eben nicht durch Gottes Auge oder aus der allmächtigen Perspektive eines Regisseurs wahrnimmt?”, fragt sich der Erfolgsproduzent.
Abrams kontaktierte Drehbuchautor Drew Goddard, mit dem er schon bei „Alias - Die Agentin” und „Lost” zusammengearbeitet hatte. „J.J. rief mich an und sagte, es ginge um etwas Riesiges”, erinnert sich Goddard. „Die Eckpunkte seiner Idee waren: ein Film über ein gigantisches Monster, der aussieht als wäre er mit einer kleinen Videokamera gedreht. Ich habe sofort zugesagt.”
„Drew war der Erste, der mir in den Sinn kam, weil er ganz genau weiß wie man Spektakel, Genre und Monster mit menschlichen und komischen Momenten kombiniert”, sagt Abrams.
Produzent Bryan Burk fügt hinzu: „Es sollte definitive ein Genrefilm werden, aber wir wollten, dass er von den Menschen erzählt, die diese Katastrophe erleben, und dass er wirklich emotional ist. Für diese Aufgabe konnten wir uns keinen Besseren als Drew vorstellen.”
Abrams und Goddard trafen sich eine Woche später und erarbeiteten ein fünfseitiges Treatment für den ersten Akt des Filmes. Über die Weihnachtsfeiertage 2006 erweiterte Goddard das Treatment zu einem 58-seitigen Story-Umriss. Die Idee, die Abrams als „ein Cameron Crowe Film trifft auf ‚Godzilla’ und begegnet dem ‚Blair Witch Project’” beschreibt, wurde dann den erfahrenen Paramount-Managern Brad Weston und Brad Grey vorgestellt. Beide waren sofort begeistert und gaben grünes Licht. „Die Leute bei Paramount sagten: ‚Wir verstehen, wo ihr hin wollt, aber bekommt ihr das auch wirklich hin?’, und wir haben ‚Ja’ gesagt”, erinnert sich Burk.
„Es war das genaue Gegenteil von dem, was man immer über Hollywood hört. Alle waren sofort bereit mitzumachen. Es war eine traumhafte Erfahrung.”
Während Goddard das Drehbuch weiter entwickelte überlegten sich die Produzenten, wer Regie führen könnte, und einigten sich schließlich auf Matt Reeves. Abrams und Reeves sind seit ihrer Kindheit Freunde und Partner als Filmemacher. Sie trafen sich im Alter von 13 Jahren als Teilnehmer bei einem 8mm-Filmfestival. 1998 schufen sie gemeinsam den Fernseherfolg „Felicity” und arbeiten seitdem eng zusammen.
Da er keine Genre- und Effekt-Erfahrung hatte, erschien Reeves auf den ersten Blick als ungewöhnliche Wahl, aber Abrams wusste, dass er der richtige Mann für den Job war. „Dieser Film ist das genaue Gegenteil von dem, was ich von Matt je gesehen habe”, sagt Abrams. „Aber ich wusste, dass er sich um das Herz jedes einzelnen Charakters kümmern würde und das hätten viele kommerzielle Regisseure oder Werbeclip-Regisseure vielleicht nicht getan. So viele Horrorfilme sind heutzutage nur Folter-Pornographie. Sie sind ultra-brutal, aber es gibt nichts mehr, mit dem man sich identifizieren kann. Ich wusste, dass Matt dafür sorgen würde, dass wir uns um die Charaktere sorgen und ihnen nahe sind.”
Tatsächlich liegt der Fokus des Filmes nicht auf einem gigantischen Monster, das New York in Schutt und Asche legt, sondern auf einer Gruppe von jungen Menschen, die eine extreme Krise durchleben. Im Mittelpunkt von „Cloverfield” stehen ein paar Freunde, die eine Abschiedsparty für Rob (Michael Stahl-David), feiern, weil er nach Japan zieht. Einer der Freunde, Hud (T.J. Miller), soll den Abend mit einem Camcorder aufzeichnen, wobei er eigentlich ziemlich unqualifiziert für diese Aufgabe ist.
„Das Faszinierende an diesem Projekt”, so Reeves, „war für mich, etwas so Gigantisches auf einem intimen Level herunterzubrechen. Die Stimmung des Filmes entwickelt sich dadurch, dass man die Situation mit diesen Charakteren erlebt. Es wurde zu unserer Herausforderung, etwas so Außergewöhnliches und fast schon Absurdes wie einen Monsterangriff zu haben, ihn aber auf eine sehr reale Art und Weise zu behandeln und zu zeigen.“
Die Lösung dieser Aufgabe lag schon in Abrams Originalkonzept, den Film aus der Perspektive von Huds Camcorder zu drehen und so sowohl die komplizierten Beziehungen der Charaktere untereinander zu zeigen als auch ihre Reaktion auf den Angriff des Monsters.
Der erste Teil des Filmes ist eine 20minütige Partysequenz, in der diese Beziehungen der Charaktere untereinander deutlich werden. „Wenn man einen Film so anfängt, vergisst das Publikum, dass es um etwas völlig anderes gehen könnte, oder denkt gar nicht daran. Das war die Idee“, so Reeves. „Auf einmal, nachdem man dieses komplexe Beziehungsgeflecht etabliert hat – welche Verbindungen haben sie, was ist diesen Menschen wichtig – verwandelt sich der Film in einen verrückten Monsterangriff und erhöht damit den Einsatz um ein Vielfaches.“
„Wenn der Kopf der Freiheitsstatue erstmal ab ist, bekommt man keine Zeit mehr, kurz innezuhalten und Charakterstudien zu machen“, fügt Goddard hinzu. „Es war uns also wichtig, all das, was wir über die Charaktere erzählen wollten, schon vorher zu zeigen. Bevor die Welt in sich zusammenbricht.“
Darüber hinaus hat Reeves geschickt die frühere Beziehung zwischen Rob und Beth (Odette Yustman) als Storyline eingeflochten. Hud löscht aus Versehen frühere Aufnahmen auf dem Videotape, die Rob und Beth in einer sehr ruhigen und intimen Situation zeigen. „Man kann ihre verliebten Blicke sehen. Es ist eine kleine Liebesgeschichte“, sagt Reeves.
Es ist eine parallele Geschichte. Immer wieder, wenn Hud die Kamera kurz anhält, kann das Publikum Bilder der ursprünglichen Aufnahme auf dem Tape sehen bevor Hud wieder die nächste Action filmt.
„In diesen Aufnahmen sehen wir zwei Menschen und ihre Sehnsucht füreinander, und dann sehen wir, wie diese beiden im Angesicht dieses Schreckens dann doch zusammen kommen“, erklärt der Regisseur. „Durch das hin und her springen zwischen diesen beiden Teilen wird das Drama kraftvoller. Durch das Zurückschauen auf diese Beziehung und darauf, wie sie hätte sein können, wird dem Zuschauer erst wirklich klar, warum es Rob so wichtig ist, sie zu retten.“
„In einem Film, der so viel Action und Bewegung hat, war es einfach wichtig, Orte und Momente zu finden, sich wieder den Charakteren zu nähern“ so Reeves. „Und wir mussten auch den Charakteren die Möglichkeit geben, diese extremen Erlebnisse zu verdauen. Diese dramatischen, ruhigen Zwischenspiele sind sehr wichtig für den Film. Ohne sie würde man nur einem Videospiel zuschauen.“

Ein besonderer Blick auf das Monster

Das Resultat aus der Mischung eines überlebensgroßen Monsterangriffs und intimen, ‚kleinen’ Bildern einer Handkamera ist eine adrenalingeladene Achterbahnfahrt, bei der die Verbindung des Zuschauers zu den Charakteren durch eine einzige Kamera aufrechterhalten wird. Dass persönliche Geschichten und Erlebnisse mit einem Camcorder aufgezeichnet werden, ist in den letzten Jahren zum Alltag geworden.
„Als mir die Idee zu diesem Film kam, habe ich auch über die ‚YouTubisierung’ unserer Welt nachgedacht“, sagt Abrams. „Wenn man heute nur zwei Minuten online ist, findet man Videos aus dem Irak, aus London, Spanien oder Manhattan, in denen sich Leute in Läden oder unter Autos verstecken und die Reaktionen der Menschen filmen.“
„Es gibt heute kein Ereignis mehr, das nicht eingefangen wird“, fügt Burk hinzu. „Wenn also ein gigantisches Monster eine Stadt angreift... würden die Leute das dann nicht auch mit der Kamera dokumentieren?“
Solche Aufnahmen, wie man sie in zahllosen hausgemachten Katastrophenfilmchen sehen kann, haben einen ungewöhnlichen Effekt auf den Zuschauer. „Diese Videos sprechen den Voyeur in uns an, auch wenn nur die alltäglichsten Dinge gezeigt werden“, bemerkt Goddard. „Aus irgendeinem Grund kann man sich das ewig anschauen – es ist als würde man in das Leben von Menschen eindringen können. Wir wussten, dass der Film real wirken muss, damit es funktioniert, so als würde man eben heimlich irgendeine Party beobachten. Wenn dann das Chaos ausbricht überträgt sich diese Realität auch auf das Monster.“
Die Herausforderung war nun, diese Art der Videobilder für eine Kinogeschichte zu erschaffen. „Wir haben uns gefragt, wie es aussieht, wenn Leute ein plötzlich auftretendes schreckliches Ereignis filmen“, erklärt Abrams.
„Es war eine unglaubliche Umstellung“, sagt Reeves. „Um die Illusion zu erzeugen, dass wir nur mit einer einzelnen Kamera filmen, mussten wir auf alle gewohnten Erzählinstrumente verzichten. Es gibt keine große Totale, keinen Gegenschuss, um zu zeigen, wie eine andere Person zuhört und zuschaut. Alles, was man sieht sind Bilder aus Huds Kamera und dementsprechend aus seiner Perspektive.“
Diese extreme Einschränkung der möglichen Einstellungen wurde zu einem Schlüsselelement für den authentischen Look des Films. „Es musste sich so anfühlen, als hätte eben kein erfahrener Filmemacher diesen Film gemacht“, führt Reeves weiter aus, „sondern Leute, die gerade mitten in dieser Situation stecken.“
Burk sagt dazu: „Wir wollten, dass der Film wie echtes Leben aussieht. Als würde ein riesiges Monster meine Stadt angreifen und ich hätte mir einfach meine Kamera geschnappt, wäre runter auf die Straße gerannt und hätte drauf gehalten – genau solche Bilder wollten wir.“
Ein wichtiger Aspekt dieser Technik, der für Spannung und Schrecken sorgt, ist die Tatsache, dass der ‚Kameramann’ die Action, die Sichtungen des Monsters oft gerade so verpasst. „Viel vom Reiz amateurhafter Videos liegt in dem, was man hört aber nicht sieht – die Panik, die Reaktionen auf das, was man nicht sieht, und die Geräusche der Dinge, die man nicht sieht“, erklärt Abrams.
„Was man nicht sehen kann, ist Angst einflößend”, fügt Reeves hinzu. „Jeder Moment ist geladen mit der Vorstellung dessen, was vielleicht passieren könnte oder was gerade außerhalb des Blickfelds passiert. Man malt sich einfach aus, was man nicht sieht und das sorgt für einen ordentlichen Nervenkitzel.“
„Die Idee ist, dass alles fast willkürlich erscheint. Im Augenwinkel nimmt man etwas war, aber man ist sich nicht ganz sicher, was es ist“, erklärt Visual Effects Supervisor Michael Ellis. „Was Hud filmt, wird oft dadurch bestimmt, in welche Richtung ihn die anderen lenken. Sie sehen das normalerweise vor ihm, er versucht es zu finden und oft ist es dann schon wieder weg oder vorbei. Er hat es gerade verpasst und seine Freunde rennen weg.“
Eine der Schwierigkeiten dieser amateurhaften Aufnahmen lag darin, dass erfahrene Profis wie Chris Hayes diese Aufnahmen machen mussten. „Chris ist ein toller Kameramann“, so Reeves, „nur musste ich ihn manchmal darauf hinweisen, dass er etwas zu toll arbeitet. Es sollte eben alles ziemlich versehentlich wirken, so als hätte jeder Mensch mit einer Kamera diesen Film machen können.“
Eine ebenso wirkungsvolle wie offensichtliche Methode, diesen Eindruck zu erzeugen, war, T.J. Miller für eine ganze Reihe von Sequenzen die Kamera in die Hand zu drücken und ihn genau das tun zu lassen, was seine Rolle Hud in dieser Szene macht. „T.J. hat tatsächlich ziemlich viel gedreht”, so Bonvillain. „Er hat die ganze Zeit gewitzelt, dass er dafür normalerweise schon längst seinen Gewerkschaftsausweis als Kameramann bekommen hätte.“
Die Szenen mit teilweise extrem langen Einstellungen für nur „eine“ Kamera zu orchestrieren, brauchte viel Erfahrung und Planung. In einem eher genretypischen Film wären solche Szenen mit vielen verschiedenen Einstellungen aus ganz unterschiedlichen Perspektiven gefilmt worden und jede Einstellung hätte eine bestimmte wichtige Information oder einen Eindruck transportiert. In „Cloverfield” mussten die frenetischen Kamerabewegungen sorgfältig geplant werden, um jede Aktion, jedes Bild, jede Information und jede Stimmung einzufangen, die Reeves den Zuschauer sehen lassen wollte.
Die Szenen mit dem Monster brauchten eine ausgeklügelte Strategie, um die Sichtungen am Anfang des Filmes auf ‚flüchtige Eindrücke’ zu reduzieren und erst später frontale Sichtungen zu erlauben. Meistens kann man das Monster nur vom Erdboden aus sehen, da sich Hud dort die meiste Zeit des Filmes bewegt. „Das sorgt für eine einzigartige Perspektive“, merkt Reeves an.
„Schließlich aber wurde uns klar“, so Goddard, „dass wir dem Publikum ein Bild des Monsters schulden.“ Die Luftaufnahmen aus der „Gott-Perspektive“ eines traditionalen Genrefilms gibt es hier nicht, abgesehen von zwei sorgfältig geplanten Sequenzen wie zum Beispiel einem Helikopterflug, den Reeves in den Film eingebaut hatte. „Als sie in einem Elektronikladen sind, sehen sie einen Fernsehbericht in den laufenden TV-Geräten und eine Helikopteraufnahme des Monsters, wie es mit seinem Schwanz ein Stück der Brooklyn Bridge herausschlägt“, erläutert der Regisseur.
Einen intimen Blick auf das Monster gibt es dafür, wenn unser Kameramann Hud von dem Monster angegriffen wird und die Kamera kurz das Innere des Monsterschlunds zeigt, bevor sie auf die Straße gespuckt wird. „Für einen Monsterfilm-Fan gibt es nichts, das cooler wäre, als von einem Monster aufgefressen zu werden“, schmunzelt Reeves.

Ein besseres Monster

Die visuellen Effekte für „Cloverfield” entstanden unter der Leitung der Visual Effects Supervisors Kevin Blank, Eric Leven von Tippett Studio und Michael Ellis von der in London ansässigen Effektschmiede Double Negative. Tippett schuf alle Aufnahmen mit dem Monster während Double Negative für alle anderen Zerstörungsszenen und Sequenzen verantwortlich war, in denen das Monster nicht zu sehen ist.
Das Konzept für das Monster (vom Team zärtlich „Clover“ genannt) ist simpel, sagt Abrams: „Er ist ein Baby. Er ist brandneu. Er ist verwirrt, desorientiert und gereizt. Und er war tausende Jahre unten im Wasser.”
Und woher stammt er? „Das sagen wir ganz bewusst nicht,“ antwortet Goddard. „In unserem Film gibt es keine Wissenschaftler in weißen Kitteln, die uns solche Dinge erklären.“
Die Kreatur ist nicht nur desorientiert, sondern schlichtweg zornig. „Da gibt es diese kleinen Dinger – Menschen – die es ärgern auf ihn schießen, in etwa so nervig wie ein Schwarm Bienen“, so Reeves. „Keines dieser Dinger ist in der Lage, es zu töten, aber sie tun weh und verwirren es. Es ist diese neue Umgebung, die es beängstigend findet.“
Für das Monsterdesign engagierte Abrams den erfahrenen Kreatur-Designer Neville Page, der gerade mit seinen Charakter-Entwürfen für James Camerons kommenden „Avatar” fertig war (und im Augenblick arbeitet er an Abrams’ „Star Trek”).
„Es wurden schon so viele riesige Kreaturen in so vielen verschiedenen Filmen gezeigt, dass der schwierigste Trick war, einen einzigartigen neuen Charakter zu erschaffen“, erklärt Abrams. Abrams machte sich zunächst mit Pages Arbeit vertraut über die ‚The Gnoman Workshop’-Reihe von Bildungs-DVDs für Designer. „Was mir besonders auffiel, war die Art wie er sich Allem von einem sehr realistischen Standpunkt aus nähert. Er entwirft zwar nichtexistierende Wesen, aber kann ihre Beschaffenheit, ihre Knochenstruktur und ihren Muskelaufbau ganz genau erklären.“
Nachdem Pages Entwürfe fertig waren, mussten sie von Tippet Studio ausgearbeitet und in die wenigen, aber entscheidenden Aufnahmen, in denen das Monster zu sehen ist, eingefügt werden.
Nach seiner Geburt sieht man wie das Monster sich den Rücken an einem Gebäude kratzt (und es dabei zerstört), um eine Schicht Parasiten loszuwerden, die dann ebenfalls einen ziemlichen Schaden in der Stadt anrichten.
„Drew und ich hatten uns mit dem Problem befasst, dass man als Mensch angesichts eines solchen Monsters völlig irrelevant erscheinen kann“, sagt Abrams. „Wie bekommt man so das Gefühl ‚Mann-gegen-Mann’ hin, das wichtig für so einen Film ist?“
„Weil es so groß ist, wussten wir, dass es unmöglich ist, nahe und eindringliche Monster-Szenen zu haben. Es ist ja nicht so, dass irgendeiner der Charaktere es bekämpfen oder irgendwie verletzten könnte.“
Aus dieser Schwierigkeit heraus wurde die Idee mit den Parasiten geboren: „Es sind erschreckende, hundegroße Wesen, die der Nacht ein zusätzliches Grauen verleihen“ so Abrams.
„Die Parasiten sind gefräßig, wild und sprunghaft, und auf der anderen Seite sind sie wie Krebse“, erklärt Reeves. „Sie haben die Boshaftigkeit tollwütiger Hunde, können aber auch an Wänden hochklettern und sich an Dinge heften.“
Zudem bewegen sich die Parasiten deutlich schneller als ihr Wirt. „Tippett Studio hat sehr viel Erfahrung mit solchen superschnellen Kreaturen, die Menschen in Stücke reißen können. Solche Kreaturen machen immer sehr viel Spaß“, so Leven. „Es sind kleine Wirbelwinde, die alles zerstören, was ihnen in den Weg kommt. Sie sind absolut tödlich.“

Der Big Apple wird zerquetscht

Eines der ersten Anzeichen der zerstörerischen Kraft des Monsters gibt es am Anfang des Filmes. Die jungen Freunde verlassen Robs Party, um zu schauen, was die Unruhe draußen zu bedeuten hat, und werden vom Kopf der Freiheitsstatue begrüßt, der ihnen buchstäblich vor die Füße fliegt.
Diese Einstellung beendete schon den zweiminütigen Teaser, der 2007 seine Premiere vor Michael Bays Blockbuster „Transformers” hatte. Der Trailer zeigt Partyszenen, den Kopf der Freiheitsstatue und andere Bilder der Zerstörung, die alle noch vor den eigentlichen Dreharbeiten aufgenommen wurden.
„Die Sequenz mit dem Kopf der Freiheitsstatue war eine mutige Entscheidung des Studios”, erklärt Burk, aber der Trailer hinterließ tatsächlich sofort einen bleibenden Eindruck bei Genrefans. „Die Reaktionen waren genau so, wie wir sie uns erhofft hatten”, erinnert sich Abrams. „Niemand hatte von dem Film gehört. Wir haben noch nicht einmal den Titel eingeblendet. So etwas hatte die MPAA noch nie erlebt.”
Der Titel des Filmes entstand aus dem Decknamen für das Projekt. Die Produzenten wollten nicht, dass Informationen über den Film zu früh veröffentlicht werden. „Wir wollten einen Film machen, über den man eben nicht schon früh alles weiß und den man noch entdecken kann, so wie wir Filme während unserer Jugend noch entdecken konnten”, sagt Abrams.
Das Interesse am Film – basierend ausschließlich auf dem Trailer und ein paar Gerüchten – war bemerkenswert, um es vorsichtig auszudrücken.
„Ich hätte nicht mit diesem Ausmaß an Neugier und intensiver Spekulationen gerechnet”, sagt der ausführende Produzent Clark. „Die Fans versuchten mit allen Mitteln, sich an den Set zu schmuggeln und Fotos zu schießen oder Videos aufzunehmen. Es war eine intensive Zeit. Die Leute scheinen wirklich ziemlich interessiert an J.J. und Allem, was er macht.”
Es war John Fogelman, einer von Abrams’ und Burks Agenten, der den Vorschlag machte, das Projekt „Cloverfield” zu nennen, weil er das Wort „Monster” einfach in zu vielen Mail-Korrespondenzen gelesen hatte. „Cloverfield”, nach einer Straße in der Nähe von Abrams Büro in Los Angeles benannt, wurde zum Spitznamen für das Projekt. „Wir hätten allerdings nicht gedacht, dass dieser Spitzname tatsächlich zum Titel werden würde”, erinnert sich Abrams. „Wir hatten sogar einen anderen Titel: ‚Greyshot’. Das ist Name der Brücke, unter der sich Rob und Beth am Ende des Filmes im Central Park verstecken, und diesen Titel wollten wir auf der Comic-Con bekannt geben. Zu dieser Zeit war aber ‚Cloverfield’ schon durchgesickert und die Fans kannten den Film unter diesem Namen. Also entschieden wir uns, es bei ‚Cloverfield’ zu belassen.”
Die schockierenden Aufnahmen vom Kopf der Freiheitsstatue wurden auf dem Studiogelände von Paramount gedreht und von Hammerhead Productions mit Spezialeffekten versehen. Diese Einstellung, die auch im Film verwendet wurde, erhielt noch Detailverbesserungen durch Double Negative. Die Szene ist Abrams’ Hommage an John Carpenters „Die Klapperschlange” von 1981, der auf seinem Originalposter ein ähnliches Motiv zeigte. „Ich war als Kind völlig begeistert von dem Film”, sagt er, „aber mich hat es damals wirklich geärgert, dass die Posterszene mit dem Kopf der Freiheitsstatue mitten in New York im Film nicht zu sehen ist. Das war für mich immer eines der verrücktesten und erschreckendsten Bilder. Ich wollte es unbedingt in unserem Film haben.”
So schwer es war, einem fiktionalen 25 Stockwerke hohen Monster ein reales Aussehen zu verleihen (was für Reeves entscheidend für den Erfolg es Filmes war), so viel größer war die Herausforderung für Tippett Studio und Double Negative, realistisch aussehende Szenen der Zerstörung für ein Publikum zu erschaffen, dem die sich die Wirklichkeit der einbrechenden Türme des World Trade Centers fest ins Bewusstsein gebrannt hat.
Vor einigen Jahren hatten nur wenige Menschen eine Vorstellung davon, wie ein in sich zusammenfallendes Gebäude wirklich aussieht. „Heute”, so Michael Ellis, „haben fast alle Menschen eine ziemlich genaue Vorstellung davon.”
„YouTube”, merkt Leven an, „hat auch in dieser Hinsicht der visuellen Referenzen die Anforderungen an unsere Arbeit verändert.”
Für das Zusammenfallen der Gebäude arbeiteten die beiden Effektteams unermüdlich daran, Reeves ‚realistische’ Vorstellungen zu verwirklichen. „Wir haben einzelne Etagen als Modell errichtet und dann das Gebäude Schicht für Schicht zerstört”, erklärt Leven. „Angefangen haben wir mit der Glasfront außen und sind dann weiter ins Innere vorgedrungen. Wir haben teilweise sogar Inneneinrichtungen gebaut, um zu sehen, wie sich diese Form der Zerstörung auf sie auswirken würde. Es war extrem zeitaufwändig, aber wir habe es alle geliebt. Es ist der Traum eines jeden kleinen Jungen – Dinge in die Luft jagen!”
Besonders schwierig waren die „verwackelten” visuellen Effekte, die aussehen als hätte man sie mit einem simplen Camcorder im Rennen aufgenommen. Durch die sprunghaften Bewegungen wurde die korrekte Platzierung der Effekte oder der CGI-Charaktere zu einer Herausforderung. „Normalerweise passiert die Anpassung der Effekte an die Frame-Sprünge bis zu einem gewissen Grad automatisch”, sagt Ellis. „Aber viele der Einstellungen waren einfach zu komplex. Es war eine gigantische Aufgabe. Wir hatten Leute, die die einzelnen Einstellungen Frame für Frame angepasst haben. Zoom-Einstellungen sind immer schwierig anzupassen, aber diese teilweise wild zuckenden Aufnahmen waren extrem schwierig – keine sanften vorhersehbaren Bewegungen, sondern die Kamera war gleichzeitig überall.”
Zu den bekannten Sehenswürdigkeiten, die vom Monster zerstört werden, gehört die 125 Jahre alte Brooklyn Bridge, die vom Schwanz des Monsters zerschlagen wird. Eine 15-Meter lange Sektion der Brück wurde in den Downey Stages in Downey, Kalifornien, aufgebaut, umgeben von einem 360-Grad Green Screen, der als Platzhalter für die Hintergrundaufnahmen von der echten Brücke diente. Eine Horde von Statisten, die die New Yorker darstellten, die in Panik versuchen zwischen den abgestellten Autos vor dem Monster zu flüchten, hatten ihre eigenen Autos auf der „Deck”-Ebene der nachgebauten Brücke geparkt, um das „Blickfeld” auszufüllen.
Während die Filmemacher für so viel Spannung und Realismus wie möglich sorgen wollten, war ihnen natürlich trotzdem bewusst, welche Erinnerungen diese Bilder wachrufen könnten. „In vielerlei Hinsicht”, so Reeves, „ist das Monster vielleicht auch eine Metapher für die Zeit in der wir leben und den Terror, dem wir überall begegnen. Es war wichtig, diese Gefühle anzusprechen, ohne sie auszuschlachten oder sie nicht Ernst genug zu nehmen. Es war wichtig, diesen Gefühlen mit Respekt zu begegnen.”