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Sechs Monate nach den schrecklichen Geschehnissen, die die Journalistin Rachel Keller (Naomi Watts) und ihren Sohn Aidan (David Dorfman) im wahrsten Sinne des Wortes fast zu Tode ängstigten, haben die beiden Seattle verlassen, um möglichst viele Kilometer zwischen sich und die alptraumhaften Erinnerungen an das  von Samara (Kelly Stables) mit einem tödlichen Fluch belegte  Video zu bringen. In dem kleinen Küstenstädtchen Astoria, im USBundesstaat Oregon, hoffen Rachel und Aidan auf ein neues, friedvolles Leben. Zu ihrem großen Schreck muss Rachel aber sehr bald feststellen, dass es in Astoria zu einem Verbrechen gekommen ist, bei dem ein unbeschriftetes Video eine wesentliche Rolle zu spielen scheint. Rachel ist zutiefst schockiert. Doch das ist erst der Anfang. Denn schon bald wird ihr klar, dass hier wieder der grausame Racheengel Samara am Werk ist. Und diesmal, so scheint es, kann niemand Samaras Teufelskreis aus Terror und Tod entkommen...

Über die Produktion

Im Jahr 1998 brachte der japanische Regisseur Hideo Nakata mit „Ringu“ den sogenannten „JHorror“ – oder auch Japanischen Horror – in die asiatische Kino und Popkultur ein. Der JHorror zeichnete sich besonders dadurch aus, dass er mehr Wert auf die Story und die Charaktere legte, als auf Spezial und GoreEffekte. Basierend auf den HorrorRomanen von Koji Suzuki war Nakatas „Ringu“Verfilmung der erfolgreichste Film in der japanischen Kinogeschichte und zog zwei Sequels nach sich, bei denen ebenfalls Nakata Regie führte.

Aufgrund des phänomenalen Welterfolges von „Ringu“ produzierten Walter F. Parkes und Laurie MacDonald eine amerikanische „Ring“Version, in der Naomi Watts die Hauptrolle spielte. Der absolute Horror des Films bestand darin, dass jeder, der sich das mit einem schrecklichen Fluch belegte Video angesehen hatte, mit tödlicher Sicherheit exakt sieben Tage später starb. Als der Film dann im Frühjahr 2002 in die USKinos kam, wurde aus dem anfänglichen „Sleeper“ ein MegaHit, der  wie vorher schon ganz Asien  nun Amerika in seinen Bann schlug.

Walter F. Parkes, der auch diesmal wieder mit Laurie MacDonald „The Ring 2“ produzierte, meint zu diesem Phänomen: „In den letzten Jahren wurde das HorrorGenre ja mehr und mehr eine Domäne für SlasherMovies. Dabei gab es einmal eine Zeit, da waren HorrorFilme tatsächlich Mainstream in Hollywood und für die besten Regisseure, Autoren und Schauspieler von großem Interesse. Erinnern wir uns nur an solche Meisterwerke wie „Der Exorzist“, „Das Omen“ und „Rosemarys Baby“. Mit unserer „Ring“Version wollten wir das HorrorGenre wieder auf dieses Niveau anheben. Und da zu unserer größten Überraschung der Film so erfolgreich war, wie wir es uns nie hätten träumen lassen, waren wir in der glücklichen Lage, den „Ring“Mythos weiterführen zu können. Unser Hauptziel bei „The Ring 2“ war es, dem ersten Film voll und ganz gerecht zu werden.“

Um das zu erreichen, versammelten Parkes und MacDonald wieder die bewährte Riege, die schon „Ring“ zum Erfolg führten, also den Drehbuchautoren Ehren Kruger, der das Sequel schrieb, sowie drei der ausführenden Produzenten, Mike Macari, Roy Lee und Michele Weisler. Und natürlich am wichtigsten von allen: Naomi Watts als Journalistin Rachel Keller und David Dorfman als ihr Sohn Aidan.

„Ich glaube nicht, dass wir den ersten „Ring“ ohne Naomi hätten machen können. Und ganz sicher nicht den zweiten“, stellt Parkes sachlich fest. „Nach einer über zweijährigen Pause las Naomi das Drehbuch und war sofort wieder Rachel Keller, diese leicht ängstliche, aber dann wieder furchtlosaggressive, und dabei doch so verletzbare, starke Frau. Sie ist wirklich eine Sensation.“

Dazu Watts: „Ein Sequel zu drehen ist eine ziemlich knifflige Angelegenheit, vor allem wenn das Original von den Fans des Genres so gut aufgenommen wurde. Auf der einen Seite wollen wir die Zuschauer natürlich keinesfalls in ihren Erwartungen enttäuschen – ohne uns freilich zu wiederholen. Auf der anderen Seite ist es schon toll, dass ich wieder eine Rolle spielen kann, die mir schon beim ersten Mal sehr viel gegeben hat und bei der ich jetzt die Möglichkeit habe, sie weiterzuentwickeln. Es ist also eine große Herausforderung und gleichzeitig auch ein großer Spaß.“

Gore Verbinski, der beim ersten Teil Regie führte und diesmal nicht zur Verfügung stand, schlug als Regisseur für die Fortsetzung keinen anderen als Hideo Nakata selbst vor. MacDonald erinnert sich: „Wir sprangen alle sofort auf diese großartige Idee an, mussten aber feststellen, dass Hideo an einen anderen Film gebunden war und somit nicht in Frage kam. Also entschlossen wir uns, den Film mit einem hochtalentierten RegisseurNewcomer zu realisieren, was aber leider nicht richtig funktionierte. Da erfuhren wir, dass auch Hideos Filmprojekt geplatzt und er plötzlich frei für unser Projekt war. Es schien, als ob das Schicksal es eben doch so gewollt hatte, dass er  und kein anderer  bei „The Ring 2“ auf dem RegieStuhl sitzen sollte.“

Und Parkes fügt hinzu: „Hideo war ja auch deshalb genau der Richtige dafür, da er es nicht einfach als Job, sondern als große Aufgabe betrachtete, den Mythos, den er schließlich selbst kreiert hatte, auf HollywoodNiveau weiterzuführen.“ MacDonald meint: „Natürlich war Hideos japanisches Original sehr stark. Und obwohl es mit einem kleinen Budget realisiert wurde, kam darin doch die große Vision und die ganz besondere Sensibilität des Filmemachers zum Ausdruck. Genau das hatte natürlich auch schon unseren ersten „Ring“ beeinflusst. Aber es war nun doch ein ganz besonderes Ereignis, dass bei „The Ring 2“ genau dieser Mann hinter der Kamera stand. Außerdem gab das Naomi, die ein großer Fan von „Ringu“ ist, sehr viel Auftrieb.“

Watts stimmt dem gerne zu: „Hideo ist ein ganz außergewöhnlicher HorrorfilmRegisseur. Ich kannte sowohl „Ringu“ als auch seinen Film „Dark Water“ und vertraute ihm deshalb vollkommen. Er versteht nicht nur eine Geschichte in Bildern zu erzählen, sondern hat auch das nötige Timing dafür. Er weiß ganz genau, wie und wann er uns Dinge zeigt und wann es besser ist, dass er sich damit noch etwas Zeit lässt. Dass Hideo Regie führte, machte nicht nur sehr viel Sinn, sondern es war auch so, als ob sich dadurch ein Kreis geschlossen hätte.“

Mit „Ringu“, wie auch seinen anderen Filmen, ist es Nakata auf sehr kunst und stilvolle Art und Weise gelungen, Schockelemente zu kreieren, die er vor allem in Geschichten einbettet, die von Rache, dem Bösen an sich und von unbeschreiblichem Grauen handeln. Nicht umsonst fand man Nakata letztes Jahr im Time Magazin auf der Liste der „100 einflussreichsten Personen der Welt“ in der Kategorie „Künstler und Entertainer“, aufgrund seiner stilbildenden GeisterFilme.

Auch bei „The Ring 2“ finden sich ganz bestimmte Motive aus seinen früheren Werken wieder: Allein lebende Mütter, Waisenkinder, rachsüchtige Geister, Wasser sowie gewisse Auswirkungen, die technologische Errungenschaften auf die Gesellschaft haben. In Nakatas Oeuvre sind so banale Rituale des Alltagslebens wie zum Beispiel das Klingeln eines Telefons oder das Zudrehen eines Wasserhahns mit nervenaufreibender Spannung aufgeladen. Dadurch wird aus Normalität wahrer Terror.

Oder wie es Ehren Kruger sieht: „Das Interessante an den ersten beiden japanischen „Ring“Filmen war ja, was Hideo da an neuen Ideen und Erfindungen hineingepackt hatte. Auch diesmal hat er wieder viel Neues in das einfließen lassen, was er vor Jahren so einzigartig kreierte. Es war tatsächlich so, dass Hideo uns damit überraschte, dass er noch sehr viel mehr von seiner ganz eigenen Mythologie und seiner Sichtweise auf das Übernatürliche einbrachte. Es war ganz eindeutig ein großer Vorteil einen Regisseur zu haben, der die komplexe „Ring“Thematik so gut wie kein Zweiter kannte. Schon beim ersten Film hatten wir ja versucht – ohne es je für möglich zu halten, dass er selbst einmal einen „Ring“Film für uns machen würde , seiner künstlerischen Vision eine Art Reverenz zu erweisen.“

Nakata wiederum legte Wert darauf, dass es Krugers Drehbuch war, das ihn veranlasste wieder zum „Brunnen des Bösen“ zurückzukehren. „Als ich das Drehbuch zu „The Ring 2“ las“, so Nakata, „fand ich es äußerst interessant, dass es sich von meinem Drehbuch zu „Ringu 2“ sehr unterschied. Und genau das gab mir schließlich die Möglichkeit, einer Geschichte auf die Spur zu kommen, die sich sowohl von meinem Original als auch von der USVersion von „Ring“ deutlich abhob.“

„Die große Herausforderung bei einem Sequel ist, dass es sowohl dem ersten Teil standhalten, als auch für sich selbst Bestand haben muss“, meint Kruger. „Und so war es von besonderer Bedeutung, dass wir wieder genügend gute Gründe dafür fanden, die Geschichte von Rachel und ihrem Sohn weiterzuerzählen, die auch plausibel machten, warum der böse Rachegeist ihnen das Leben erneut zur Hölle macht.“

„Zwischen den beiden Filmen gibt es allerdings einen wesentlichen Unterschied“, stellt MacDonald fest. „Bei „Ring“ wurde die Geschichte vor allem in SinnBildern erzählt. Das Video beinhaltete nicht nur die ultimative Todesgefahr, sondern war auch die einzige Spur, die Rachel bei der Entschlüsselung des schrecklichen Geheimnisses einsetzten konnte. Es war also möglich, mittels dieser Bilder  fast wie anhand einer Landkarte  der Filmhandlung zu folgen. Diesmal ist die Geschichte nicht so metaphorisch, sondern basiert mehr auf Emotionen und ist auch viel tiefer in der Psyche der Protagonisten verankert. „The Ring 2“ beruft sich zwar auf Aspekte des ersten Teils, weitet diese aber enorm aus.“

DIE AUSWEITUNG DES RINGS

In „Ring“ spielte Naomi Watts die Journalistin Rachel Keller, die alles daran setzt, das Geheimnis zu lüften, das hinter einem tödlichen Video steckt  nicht zuletzt um so ihr eigenes Leben und das ihres Sohnes zu retten. Dabei kommt Rachel einer furchtbaren Tragödie auf die Spur. Es ist die Tragödie von Samara Morgan, einem kleinen Mädchen, das von seiner Adoptivmutter in einem tiefen Brunnen zurückgelassen wird, mit der Absicht es dort umkommen zu lassen. Doch Samara stirbt nicht, sie überlebt gewissermaßen – und ist seither von blinder Rachsucht getrieben und hat nur noch ein Ziel: Tod und Verderben über die Menschen zu bringen. Außerdem findet Rachel noch heraus, dass die einzige Möglichkeit, Samaras Todesfluch zu brechen, darin besteht, dass man das todbringende Video kopiert  und weitergibt. Da Rachels Sohn ganz oben auf der Todesliste steht, entschließt sich Rachel zum Äußersten...

Dazu Nakata: „Der Film „Ring“ endet damit, dass Rachel das Video kopiert, um so ihren Sohn zu retten. Das aber bedeutet, dass sie dadurch Samaras Fluch in der ganzen Welt verbreitet. Der Fluch endet im ersten Film also nicht. Jetzt, zwei Jahre später, lebt Rachel mit ihrem Sohn in dem malerischen Städtchen Astoria, in Oregon. Es scheint alles ruhig und friedlich zu sein – aber natürlich ist es alles andere als das.“

Naomi Watts fügt hinzu: „Nach all dem, was geschehen ist, war Seattle für Rachel und ihren Sohn sicher nicht mehr der richtige Ort. Deshalb sind die beiden weit weg in ein kleines, beschauliches Städtchen gezogen. Rachel hat sich inzwischen sehr verändert. Sie muss ja schließlich immer noch mit diesem schrecklichen Geheimnis leben  und mit der großen Schuld. Immer wieder fragt sie sich: „Was habe ich getan? Welchen Schaden habe ich mit meiner Tat angerichtet?“ Dadurch ist sie zu einer Person geworden, die sehr isoliert lebt und in Hinblick auf ihren Sohn einen großen Beschützerinstinkt entwickelt hat. Als damals die ganze Geschichte ins Rollen kam, war es leicht, sie nicht gerade für die Beste aller Mütter zu halten. Sie war viel zu ichbezogen und karriereorientiert. Jetzt hingegen ist sie nur für ihr Kind da. Und die Ironie der Geschichte ist, dass sich diese schlechte Mutter in genau den Typ Mutter verwandelt hat, den Samara dringend braucht...“

„Tatsächlich übertreibt sie es bei diesem Film anfangs etwas mit dem Beschützen“, meint Parkes. „Sie weiß natürlich, dass sie allein dafür die Verantwortung trägt, dass sich das Böse so ungehindert in der Welt verbreiten konnte. Und es hat sich verbreitet, wie sie sehr bald feststellen muss. Und diesmal muss sie dem Horror selbst ins Auge blicken – und nicht, wie im vorigen Film, vor ihm davonlaufen oder anderen aufladen.“

Watts stimmt dem voll und ganz zu: „Natürlich weiß sie nur zu gut, dass sie die Einzige ist, die sich dem Horror entgegenstellen kann, denn nur sie weiß, wodurch er in die Welt kam und wie er sich verbreiten konnte. Sie ist, wie wir alle wissen, dabei durch die Hölle gegangen. Und sie wird wieder durch die Hölle gehen müssen, wenn das ganze Unheil sich ein weiteres Mal voll entfaltet.“

„Naomi spielt ihre Rolle mit sehr viel Gefühl“, sagt Nakata. „Als Heldin des Films muss sie sowohl in der Lage sein, Angst und Furcht ausdrücken zu können, als auch genügend Kraft und Stärke zu zeigen, die nötig sind, diesem bösen Geist erneut die Stirn zu bieten. Und ich bin der Meinung, das hat sie perfekt hingekriegt. Sie war immer hoch konzentriert und wirklich sehr gut darin, die Gefühle einer Mutter auszudrücken, die ihren Sohn beschützen will und dabei mit sehr unnatürlichen Gefahren konfrontiert wird.“

Rachels sensiblen Sohn Aidan spielt natürlich, wie auch schon im ersten Teil, David Dorfman, der mit Samara auf eine ganz besondere Art und Weise verbunden ist. Und dieser unheilvolle Bund wird im zweiten Teil noch weitaus lebensbedrohlicher.

MacDonald meint: „David hat diesmal eine viel anspruchsvollere Rolle als das letzte Mal, denn er ist nicht mehr nur Rachels süßer Sohn Aidan – jetzt verkörpert er auf gewisse Weise sogar Samara selbst. Seine Rolle war diesmal wirklich sehr komplex, aber er hat die Herausforderung blendend gemeistert. Außerdem haben sich er und Naomi bei den Dreharbeiten wunderbar verstanden. Es sah sogar manchmal so aus, als wären sie tatsächlich Mutter und Sohn.“

Für Dorfman war diese persönliche Nähe sehr wichtig, nicht zuletzt um die Filmfigur Aidan besser darstellen zu können. „Aidans einziger Bezugspunkt im Film ist seine Mutter Rachel. Er hat sonst niemanden – keinen Vater, keine Freunde , nur Rachel und die alptraumhafte Erinnerung an Samara.“

Nakata meint hierzu: „ David Dorfmans Figur ist auch deshalb so schwierig zu spielen, weil er tatsächlich zu Samara wird. Das geschieht nicht etwa plötzlich, sondern in einem schleichenden Prozess. Wie ich das mit David während des Drehens klärte, war etwa so: „Okay, David. Auf der SamaraSkala stehst du in dieser Szene bei 25, 50 oder 75 Prozent.“ Es war natürlich eine ziemliche Vereinfachung, aber es funktionierte. David ist sehr intelligent und hat außerdem ein gutes Bauchgefühl. Er war auch immer sehr gut vorbereitet. Kurz, er hat hervorragende Arbeit geleistet.“

„Ich stellte mir einfach vor, dass ich gleich ein paar Figuren spielte“, erinnert sich Dorfman. „Ich war nicht nur Aidan, ich war auch Aidan/Samara und Samara/Aidan. Und am Ende des Films bin ich dann tatsächlich voll und ganz Samara.“

Abgesehen von ihrem Sohn Aidan hat Rachel nur noch zu einer Person Kontakt, nämlich zu ihrem Boss Max Rourke. Ihm gehört die Lokalzeitung The Daily Astorian, bei der Rachel jetzt arbeitet. Max hat zwar keinen blassen Schimmer von der Vorgeschichte, wird aber doch zunehmend neugierig und besorgt, als er Rachels Persönlichkeitsveränderung wahrnimmt. Max wird vom australischen Schauspieler Simon Baker gespielt, der frei bekennt, dass er eigentlich kein großer Fan des Horrorgenres ist, sich aber der Faszination von „Ring“ nicht entziehen konnte. „Der erste Film war eine wunderbare Kombination aus HorrorMovie und klassischem Drama. Der Horror war in dem schrecklichen Video begründet und das Drama entstand aus der komplizierten MutterSohnBeziehung. Das hat mir sehr gut gefallen und war auch der Grund, weshalb ich sehr gerne bei dem Sequel mitmachen wollte.

Zur Besetzung der MaxRolle meint Parkes: „Wir wollten jemanden, der offen und sensibel genug war, um sich mit dem Schicksal von Rachel auseinander zu setzen, und der gleichzeitig genügend Stärke und Selbstvertrauen aufwies, um glaubhaft als eventueller Beschützer der beiden auftreten zu können. Wir sahen sehr schnell, dass Simon all diese Voraussetzungen erfüllt. Und es half sicher auch, dass Simon und Naomi alte Freunde sind. Die Chemie zwischen den beiden stimmte auf Anhieb. Das kann man auch auf der Leinwand sehen.“

Baker dazu: „Naomi und ich hatten zwar noch nie zuvor gemeinsam vor der Kamera gestanden, aber da wir schon viele Jahre miteinander befreundet sind, hatten wir ein instinktives Vertrauen zueinander, was dem Film sicher zugute kam. Mit Naomi kann man sehr viel Spaß haben, was gut war, denn schließlich arbeiteten wir an einem sehr düsteren Film. Es tat uns beiden wohl sehr gut, in den Drehpausen ein paar helle Momente zu haben.“

„Es war wirklich sehr schön mit jemanden einen Film zu drehen, den ich schon gut kannte“, meint Naomi. „Max sollte ja dieser sehr starke, sehr männliche Typ sein, der aber einen ganz sanften Charakter hat, sodass Rachel sich bei ihm sicher fühlen konnte. Außerdem erkennt Rachel, dass er auch nicht wirklich in diese Kleinstadt gehört. Und so fühlen sie sich durchaus etwas seelenverwandt.“

„Max und Rachel sind beide irgendwie Außenseiter, obwohl Max, den ich spiele, dort geboren wurde, dann zwar wegging, aber schließlich doch wieder zurückkehrte“, meint Baker. „Max interessiert sich für Rachel und fragt sich, warum sie so geheimnisvoll tut und so zurückgezogen lebt. Als Rachel ihm schließlich die Hintergründe eröffnet, kann er kaum glauben, was sie ihm da erzählt. Es klingt einfach zu verrückt. Es war gar nicht so einfach da die richtige Balance zu halten, nach dem Motto: ‚Okay, meine süße Freundin, du bist zwar komplett durchgeknallt, aber ich beschütze dich trotzdem und werde dir helfen.‘“

Max macht sich die größten Sorgen, als Aidan plötzlich mysteriöse Symptome entwickelt, die von der Ärztin des Astoria Hospital als ziemlich bedenklich eingestuft werden und für die sie Rachel verantwortlich macht. Elizabeth Perkins spielt die Ärztin und Psychologin, Dr. Emma Temple, die äußerst alarmiert ist, als Aidan mit nicht erklärbaren Symptomen einer extremen Unterkühlung ins Krankenhaus eingeliefert wird. Als sich Aidans Zustand noch verschlimmert, weiß Rachel, dass sie nur eine einzige Chance hat, dem grausamen Spuk ein Ende zu machen. „Samara ist inzwischen viel cleverer geworden, um sich auf Rachels Leben Zugriff zu verschaffen“, meint Naomi Watts. „Als Aidan diese seltsamen Dinge passieren, wird nur allzu klar, dass Samara mit den beiden noch lange nicht fertig ist. Von diesem Zeitpunkt an gilt es, Samaras Beweggründe zu erforschen und zu begreifen, warum sie so aggressiv ist und soviel Leid und Chaos in die Welt bringt. Dazu muss sich Rachel noch einmal den seelischen Abgründen stellen und zu den schrecklichen Ursachen zurückkehren, die das Unglück damals ausgelöst haben.“

MacDonald meint hierzu: „Rachel begreift, dass sie diesmal nicht davonlaufen kann... dass sie sich Samara stellen muss. Das Einzige, was sie unternehmen kann, ist, zum Ursprung von Samaras Unglück zurückzukehren – nur will sie nun nichts über Samaras Adoptivmutter erfahren, sondern über die leibliche Mutter.“

Rachels Odyssee führt sie in ein Irrenhaus, wo sie auf eine geheimnisvolle Frau mit dem Namen Evelyn trifft, die das Geheimnis von Samaras wahrer Herkunft kennt. „Als wir das Drehbuch entwickelten, wussten wir bereits, dass Evelyn eine Schlüsselfigur werden sollte“, sagt MacDonald. „Es ist im Film nur eine einzige Szene, aber eine ungeheuer wichtige – alle Elemente der Geschichte fließen in dieser Szene zusammen.“

Die Filmemacher sind überzeugt, bei der Besetzung von Evelyn einen wahren CastingCoup gelandet zu haben: Sie wird von OscarPreisträgerin Sissy Spacek gespielt, die hier seit 1973, also seit ihrer Oscarnominierten Darstellung der Titelrolle in Brian De Palmas Verfilmung des Stephen KingRomans „Carrie Des Satans jüngste Tochter “, zum ersten Mal wieder in einem HorrorFilm zu sehen ist. Parkes erinnert sich: „Als Sissys Name fiel, meinten alle im Raum: ‚Ob das wohl möglich wäre?‘ – denn sie ist ja nicht nur eine Oscarpreisgekrönte Schauspielerin, sondern leistet für HorrorFans auch mit der klassischen Verbindung zu „Carrie – Des Satans jüngste Tochter“ einen großen Beitrag. Aber Sissy ist eine sehr seriöse Künstlerin, und sie war einfach wunderbar. Die Zusammenarbeit mit ihr war einer der echten Höhepunkte dieses Films.“

Nakata meint: „Ich war begeistert, als sie für die Rolle der Evelyn zusagte. Sie ist eine der besten Schauspielerinnen weit und breit, und das war bestimmt keine einfache Rolle. Sie ist nur in einer einzigen Szene, trägt aber in sich den Schlüssel dazu, wie Rachel mit Samara umgehen muss. Es ist eine sehr stille, aber gleichzeitig nervenaufreibende und verstörende Szene.“

Rachels Suche führt sie auch erneut auf die unheimliche Morgan Ranch zurück, wo sie auf den ortsansässigen Immobilienmakler Martin Savide trifft, der die Ranch an unwissende Käufer abstoßen will. In einem der heitereren Momente des Films hat Gary Cole – bestens bekannt aus seinen Rollen in der TVSerie „Office Space“ und dem ComedyHit „Voll auf die Nüsse“ – einen CameoAuftritt als Makler, der die grausige Geschichte der Ranch vor Rachel verbergen will – nicht wissend, dass sie nur allzu gut über deren fürchterliche Vergangenheit informiert ist.

Zum Schauspielensemble gehören außerdem auch Emily VanCamp (aus der TVSerie „Everwood“) und Ryan Merriman, der in „Steven Spielberg’s Taken“ zu sehen war – gemeinsam spielen sie die Teenager, die eine katastrophale Begegnung mit dem verfluchten Video haben.

DER RING DES TODES

Im Mittelpunkt des geheimnisvollen „The Ring 2“ steht Samara selbst; Drehbuchautor Ehren Kruger bezeichnet sie als „Racheengel – oder eher Dämon – aller verlassenen Kinder. Denn in vielerlei Hinsicht ist ihr Verhalten, so grausam und zerstörerisch es auch wirkt, aus dem Blickwinkel eines ungerecht behandelten Kindes völlig nachvollziehbar und verständlich. Trotz ihres monströsen Aussehens ist sie eine tragische Figur.“

Hideo Nakata stimmt dem zu: „Wir können Angst, aber auch Mitgefühl empfinden – was oft die Schlüsselelemente in japanischen Geistergeschichten sind. Und da „Ring“ ja ursprünglich ein japanischer Roman war, findet sich diese Dualität auch hier wieder.“

„Mehr als alles andere geht es hier um die Gegenüberstellung von Unschuld einerseits und dem reinen Bösen andererseits“, meint Parkes. „Da ist dieses unschuldige kleine Mädchen in einem weißen Kleid, langes schwarzes Haar bedeckt ihr Gesicht und verdeckt ihre wahren Absichten... ein hilfloses kleines Mädchen, das in Wahrheit mächtiger ist, als man sich jemals vorstellen könnte."

Kelly Stables, die Schauspielerin, die schon in „Ring“ eine von Samaras Doubles verkörperte, spielt in der Fortsetzung nun die Evil Samara. Obwohl sie ironischerweise panische Angst vor Horrorfilmen hat, bereitete sie sich auf ihre Rolle vor, indem sie sowohl „Ringu“ als auch „Ring“ ansah, um Samaras physische Eigenheiten einzufangen. „Samaras besondere Körpersprache ist für die Rolle von grundlegender Bedeutung“, meint sie. „Samara hat ganz typische Abläufe, sie bewegt sich im Stakkato. Und wenn ich vollständig geschminkt war, habe ich mich vor mir selbst gefürchtet!“

In „The Ring 2“ ist Samara ausschließlich in ihrem bösartigsten Zustand zu sehen, weshalb Kelly Stables auch täglich eine mindestens fünfstündige MakeupSitzung durchzustehen hatte. Der sechsmalige Oscarpreisträger Rick Baker, verantwortlich für das SpezialeffekteMakeup, erschuf bereits für „Ring“ Samaras Look sowie die grotesken, verzerrten Gesichter ihrer Opfer. In „The Ring 2“ mussten er und sein Team die attraktive Mittzwanzigerin Stables in den Geist eines jungen Mädchens verwandeln, der die Narben eines schauerlichen Todes und des Lebens danach in einem tiefen, dunklen Brunnenschacht trägt.

Hideo Nakata erzählt: „Rick und ich haben ausführlich darüber gesprochen, wie viel wir von Samaras Gesicht zeigen sollten; wir sind beide zu dem Schluss gekommen, dass in diesem Fall weniger mehr ist. Er mochte den Ansatz, in „Ringu“ nur eines von Samaras Augen zu zeigen, also konzentrierten sich Rick und sein Team stärker auf das Aussehen ihres gesamten Körpers, auf die Art, wie ihr Haar ihr Gesicht bedeckt, und auf die Details an Armen und Beinen. Es ist eine sehr ausgefeilte Arbeit, und Samaras Makeup musste praktisch vor jedem Take überarbeitet werden.“

Rick Baker fügt hinzu: „Am beängstigenden war bei Samara im ersten Teil, dass man nur ihre Haare sieht und nicht wirklich erkennt, was sich darunter verbirgt. Nichts ist furchteinflößender als die eigene Phantasie.“

Die Verwandlung von Stables zog sich über Stunden hin und begann damit, dass sie von Kopf bis Fuß mit einem Spray in geisterhafte Blässe eingefärbt wurde. Dann wurden im AirbrushVerfahren die blauen Venen aufgetragen, die sich durch die weiße Haut abzeichnen. Da die Schauspielerin Mitte 20 ist, wurden besondere Accessoires erschaffen, damit ihr Gesicht kindlicher wirkt – obwohl ihr Antlitz meist von dem langen, dunklen Haar verdeckt wird.

Für Samaras Körper führte Baker lange forensische Recherchen durch um zu erfahren, was mit einem Körper geschieht, der lange im Wasser gelegen hat. „Man kennt das ja, wenn man lange gebadet hat und die Hände so schrumpelig werden; mit der Zeit wird das nur noch schlimmer“, erklärt Baker. „Genau dieses Aussehen wollten wir auch erzielen.“ Dafür wurden Hunderte Einzelteile kreiert, die überall auf Stables Händen, Armen, Beinen und Füßen befestigt wurden. Es waren so viele Kleinteile, dass Baker seufzt: „Es war schwer festzustellen, was genau wohin genau gehörte, also fertigten wir kleine „Landkarten“ dafür an und legten die Reihenfolge fest, in der sie aufgetragen werden mussten.“ Außerdem musste jedes Teilchen mehrmals vorhanden sein – denn jedes konnte nur ein einziges Mal verwendet werden und wurde dann weggeworfen.

Doch die wahrscheinlich größte Herausforderung für das MakeupTeam lag wohl darin, diese Teile auch wasserbeständig zu machen. „Wir haben eine neue Technik entwickelt und unsere Einzelteile aus dem gleichen Material gefertigt wie Prothesen zum Aufkleben, sodass sie auch besonders durchscheinend wirken. Uns gefiel dieser Look, aber besonders die Beständigkeit im Wasser war wichtig. Wir haben wirklich gut haltbaren Klebstoff verwendet...!“

Der Nachteil dieser Prozedur bestand darin, dass es fast genauso lange dauerte, das Makeup zu entfernen, wie es gedauert hatte, es aufzutragen. Doch trotz der vielen Stunden, die Kelly Stables am Beginn und am Ende eines jeden Drehtages in der Maske verbringen musste, sagt Baker über sie: „Kelly hat sich toll gehalten. Sie hatte während der gesamten anstrengenden Prozedur immer gute Laune.“

Samaras augenscheinlichstes Markenzeichen, ihr langes, schwarzes Haar, war eine aus echtem menschlichen Haar geknüpfte Perücke. Kelly Stables musste außerdem maßgefertigte Kontaktlinsen tragen, um blind zu wirken – was dazu führte, dass sie nicht gut sehen konnte. Durch das weiße Kleid war Stables‘ Verwandlung in Evil Samara dann vollständig gelungen.

DIE NUANCEN DES RINGS

Die Dreharbeiten zu „The Ring 2“ begannen in Downtown Los Angeles, wo die Nachrichtenredaktion des ehemaligen Los Angeles Herald ExaminerGebäudes als Büro des The Daily Astorian diente. Die real existierende Zeitung der Gemeinde von Astoria, im USBundesstaat Oregon, war so großzügig es den Filmemachern zu gestatten, ihren wirklichen Namen und Schriftzug im Film zu verwenden.

Weitere Drehorte in Kalifornien, die in der Anfangsphase der Dreharbeiten zum Einsatz kamen, waren auch das St. Luke Hospital in Pasadena, die Mary Adrews Clark Residence – ein um 1912 errichteter ApartmentKomplex, der sich in der Gegend von MidWilshire befindet und heute ein Frauenhaus ist – sowie das Terminal AnnexGebäude in Downtown Los Angeles.

Nach dreiwöchigen Dreharbeiten in und um Los Angeles zog die Produktion in das seltsam altmodische und pittoreske Städtchen Astoria, in Oregon, wo das oft wolkenverhangene Wetter viel dazu beitrug, dem Film seinen düsteren Unterton zu verleihen. Astoria liegt auf einer Halbinsel und hat eine Beziehung zum Wasser, die mit einem der großen Themen der Geschichte absolut im Einklang steht. Hideo Nakata erläutert die Bedeutung des Wassers im Film: „Ich stamme aus Japan, einer von Wasser umzingelten Insel. Durch Naturkatastrophen kann Wasser zu einem Symbol für den Tod werden, also haben Japaner eine angeborene Angst vor dem Wasser, und das beeinflusst mich. Und in diesem Film ist Wasser natürlich ein Symbol für Samaras bösartigen Geist, denn sie musste lange Zeit auf dem Grund eines tiefen, dunklen Brunnens ausharren.“

Ehren Kruger fügt an: „Symbolisch ist Wasser die Quelle des Lebens – aber es ist auch ein Umfeld, in dem wir nicht auf natürliche Weise überleben können. Also bildet Wasser die perfekte elementare Metapher für beides, Leben und Tod.“

Das Thema Wasser hatte auch großen Einfluss auf die Farbnuancen, die im Film eingesetzt werden. Produktionsdesigner Jim Bissell erklärt: „Wasser ist im Film sehr bedeutsam, und das hatte zur Folge, dass meist auf kalte Blau und Grüntöne zurückgegriffen wurde. Der grau verhangene Himmel, der oft an der NordwestPazifikküste auftritt, beeinflusste die Farbwahl ebenfalls. Es ist ein sehr monochromatischer Look, wirkt etwas klaustrophobisch – und das ist das perfekte Setting für unseren HorrorFilm. Meiner Meinung nach ist alles noch viel beängstigender, wenn man nicht großartig ankündigt, dass gleich etwas Grausiges geschehen wird. Man nimmt einfach eine Umgebung, die ganz natürlich wirkt, fast einladend – und verändert nur ein wenig die Lichtintensität, und schon befällt einen diese unheilvolle Ahnung...“

Zu diesem Zweck arbeitete Bissell bei der gesamten Farbpalette eng mit Kameramann Gabriel Beristain zusammen, der meint: „Wir mussten berücksichtigen, dass das Wasser in diesem Film ein wiederkehrendes Thema ist, genau wie das Grün der idyllischen ländlichen Umgebung. Deshalb haben wir dichte Pastellfarben und intensive Primärfarben vermieden und stattdessen auf Blau, Grün, Grau und Erdtöne zurückgegriffen.“

Beristain setzte auch das wechselvolle Wetter zu seinen Zwecken ein: „Rachel sehnt sich nach Normalität und nach einer friedvollen Umgebung, einer Welt, in der sie die Alpträume der Vergangenheit vergessen kann. Also kamen uns auch sonnige Tage gelegen, denn wir sind in einer neuen Welt, einer neuen Zeit, einer neuen Stadt. Doch das Klima in Astoria ist sehr wechselhaft – die Sonne kann scheinen, doch schon fünf Minuten später gießt es wie aus Eimern.“

Um die Szenen zu harmonisieren, entschlossen sich die Filmemacher dazu, jede Einstellung zu befeuchten, wie Beristain sagt: „Für alle Fälle eben. Und das erwies sich als wunderschön – diese Stimmung, wenn sich die Sonne nach einem Regenschauer wieder zeigt und alles glitzert. Egal welches Wetter uns Astoria zu bieten hatten – wir haben das Beste daraus gemacht. Man konnte ja nicht auf das perfekte Wetter warten – also war unser perfektes Wetter eben die Unvorhersehbarkeit des Klimas in Astoria.“

Als Verstärkung der unheilvollen Beziehung zwischen den Tieren und der bösartigen Ausstrahlung von Samara wurde Rachels und Aidans verstörende Begegnung mit einer Rotwildherde auf den von Bäumen gesäumten Straßen des Nationalparks von Fort Stevens gedreht, der in Hammond, Oregon, knapp 16 Kilometer außerhalb von Astoria liegt. Aus praktischen Gründen und zur Einhaltung der Tierschutzgesetze wurde kein echtes Rotwild eingesetzt, denn sie sind bekanntlich schwer zu dressieren. Stattdessen wurde das Wild per Computeranimation generiert; verantwortlich dafür waren die Visual Effects Supervisor Betsy Patterson und ihr Team von Rythm & Hues.

Die Einbeziehung des Rotwildes in die Geschichte war für Regisseur Hideo Nakata sehr bedeutsam, denn im alten Japan galten sie als heilige Tiere – göttliche Boten, die auch heute noch als nationaler Schatz gehütet werden.

DER BRUNNEN

Nach Abschluss der Dreharbeiten in Astoria kehrten die Filmemacher nach Los Angeles zurück. Die Schlussszenen wurden dann in den Soundstages der Universal Studios und der LA Center Studios gedreht. Erneut spielte Wasser eine grundlegende Rolle in zwei der wichtigsten Szenen des Films. Die erste spielt in Max‘ Badezimmer, wo das Wasser von Samaras Anwesenheit wortwörtlich zurückweicht. Wie in einer AntiSchwerkraftKammer drängt das Wasser aus der Badewanne hinaus und überzieht Wände und die Decke, bevor es flutartig herabströmt. Nakata erklärt: „Der Grundgedanke lautet, dass Samara, die lange Jahre auf dem Grund eines Brunnens ausharren musste, nun die Macht hat, Wasser zu verdrängen.“

Um diese Szene zu realisieren, benutzte der Koordinator der Spezialeffekte, Pete Chesney, zwei verschiedene BadezimmerSets. Eines war ein vollständig auf dem Kopf stehendes Badezimmer, in dem ca. 100 dünne Drähte alle Handtücher und Vorhänge an Ort und Stelle hielten. Somit konnte man die „Decke“ mit einer kleinen Pfütze fluten. Danach wurde im richtig herum konstruierten Badezimmer gedreht, in welchem das Team eine Reihe von sieben langen, schmalen Tanks aus durchsichtigem Kunststoff eingebaut hatte. Die Tanks wurden zeitversetzt und der Reihe nach geöffnet, sodass sich das Wasser von einer Seite des Raums zur anderen hin ausbreitete. Mehrere Kameras wurden eingesetzt, um diese Sequenz einzufangen, wobei einige davon in Hochgeschwindigkeit drehten, um die Bilder dann in Zeitlupe zur Geltung zu bringen. Betsy Pattersons Team vervollständigte dann die Szene, indem alle visuellen Elemente integriert und vergrößert wurden.

Die letzten Drehtage zu „The Ring 2“ gehörten auch zu den schwierigsten, denn sie spielten im schrecklichen Brunnen, in dem Samara zu Tode kam und in den sie Rachel erneut hineinzieht. Die symbolträchtige Lichtung mit der Brunnenöffnung, die zu Beginn des verfluchten „Ring“Videos erscheint, wurde in den L.A. Center Studios in Los Angeles erschaffen. Produktionsdesigner Jim Bissell und seine Crew füllten das gesamte Stage 1 mit frisch ausgelegtem Rasen und 220 Erlen, umgeben von einem gigantischen GreenScreen, auf welches das SpezialeffekteTeam dann das Bild einer steilen Klippe am Rande der Lichtung projizierte.

Für den Höhepunkt in der Verfolgungsszene im Brunnen wurden mehrere Sets, sowohl trockene als auch wassergefüllte, für die Innenaufnahmen in zwei Soundstages in den Universal Studios errichtet. Nakata meint: „Für mich war es die dritte Rückkehr zum BrunnenDrehort, und das vermittelte mir ein sehr klaustrophobisches Gefühl. Es war sehr hart, dort zu arbeiten.“

Naomi Watts gibt zu: „Es ist etwas sehr Unheimliches daran, dort drinnen zu sein – obwohl man weiß, dass es gar nicht echt ist. Es war ein tolles Set.“ Die Schauspielerin hat auch die meisten der Klettersequenzen unter der Anleitung von StuntKoordinator Keith Campbell selbst absolviert. Ein Double wurde eingesetzt, um die Sequenz auszuarbeiten, dann wurden Watts die Sicherheitsleinen angelegt und sie begann mit dem Einsatz. „Die Arbeit in diesem Klettergeschirr ist wahnsinnig unbequem“, sagt Campbell. „Unglücklicherweise ist es auch ein sehr steiler Winkel, und die Steine waren unglaublich hart. Es waren ja keine echten Steine, aber genauso hart wie echte, und außerdem war alles feucht, rutschig und voller Moos. Es roch sogar feucht und faulig, also war die Arbeit extrem hart – doch Naomi hat einen großartigen Job gemacht.“

Samaras unnatürliche, spinnenartige Bewegungen machten die Verfolgungsjagd noch furchterregender. Nakata offenbart: „Samaras Bewegungen werden immer verrückter, also haben wir darüber beraten, wie das umzusetzen wäre – vielleicht sogar mit Computeranimation , aber ich war der Überzeugung, das würde in der Szene nicht funktionieren.“ Stattdessen engagierte man Bonnie Morgan, eine professionelle Stuntfrau und Kontorsionistin, die ihre einzigartige SchlangenmenschBegabung bereits in Filmen wie „Minority Report“ und „Men in Black 2“ zur Geltung brachte. Als Stunt für Samara im Brunnen verdrehte Morgan ihre Arme und Beine so gekonnt, dass Samaras bizarre Bewegungen wahr werden konnten.

BEUNRUHIGENDES

Auch hinter der Kamera spielten sich einige bizarre Ereignisse ab  während der gesamten Produktion von „The Ring 2“ wurde man wiederholt von verstörenden Vorfällen heimgesucht.

Die eigenartigen Geschehnisse begannen am 20. Mai 2004, der zufällig auch der „siebte Tag“ der Produktion war. Frühmorgens traf das Personal ein und stellte fest, dass die Büroräume unter Wasser standen. Obwohl als Ursache schon bald ein Rohrbruch ausgemacht werden konnte, bedeutete die Überflutung – die in so engem Zusammenhang mit einem großen Thema des Films zu stehen schien – für manche ein Omen bezüglich zukünftiger Ereignisse.

Um mögliche Schwierigkeiten für die Zukunft aus dem Weg zu räumen, ließ Regisseur Hideo Nakata eine japanische Reinigungszeremonie durchführen, die vom ShintoPriester Igawa geleitet wurde, und zwar sowohl in den überfluteten Büroräumen als auch an den Sets. Walter Parkes erinnert sich: „Ich habe mir den Tagesplan angeschaut, und darauf stand: 8.30 Uhr – Reinigungszeremonie. Ich habe schon bei über 30 Filmen mitgearbeitet, so etwas war mir jedoch noch nie untergekommen. Also wollte ich es auf keinen Fall verpassen“, meint er lachend. „Es war großartig. Und meiner Meinung nach hat es die Schauspieler und die Crew schon früh zusammengeschweißt.“

Und obwohl die Dreharbeiten nun gesegnet worden waren, setzte sich eine Kette höchst eigenartiger Ereignisse fort.

An einem Drehort ließ sich urplötzlich ein Schwarm aus Tausenden von Bienen auf den Lkw mit der Ausstattung nieder, was die sofortige Evakuierung der gesamten Abteilung zur Folge hatte – worauf die Bienen so schnell wieder verschwanden, wie sie gekommen waren.

Ohne erkennbaren Grund brach im Produktionsbüro ein 20LiterWasserkanister urplötzlich auseinander und setzte so genau die Räume, die erst vor wenigen Wochen durch den Rohrbruch beschädigt worden waren, erneut unter Wasser.

An einem Morgen in den Universal Studios trat ein Mitarbeiter der Kostümabteilung aus der Garage, nur um festzustellen, wie ein gehörnter Rehbock über den Asphalt in ihre Richtung rannte. Obwohl es relativ häufig vorkommt, dass Wild aus den umliegenden Hügeln auf das Studiogelände gerät, war die Ähnlichkeit mit der RotwildAttacke im Film schon beängstigend.

Diese Vorfälle brachten etliche Mitarbeiter und Schauspieler zu der Annahme, Samaras Anwesenheit mache sich irgendwie bemerkbar.

Nakata meint: „Die Vorstellung einer Schwelle zwischen der Realität und einer anderen Welt kann sehr beängstigend sein, und ich denke, Samaras Anwesenheit ist in diesem Film viel greifbarer als in den vorangehenden. Samara ist nicht nur auf dem TVBildschirm, sie ist direkt an deiner Seite. Und das löst unter den Zuschauern dieses Film wohl die größte Furcht aus.“

Einen Großteil der Summe hat demnach ein gewisser Daniel Räbiger zur Verfügung gestellt. Räbiger ist unter Insidern kein Unbekannter, in der Vergangeheit hatte er sich schon unzählige Male in den Dienst der Allgemeinheit gestellt. So war Räbiger, geboren 1983 bereits 1975 im Alter von 6 Jahren als rechtschaffener Nachwuschsmissionar im tiefen Afrika tätig und heilte zahllose krebskranke Kinder. Anfang der neunziger Jahre suchte er dann nur mir Spitzhacke und Schaufel nach Landminen in den neuen deutschen Bundesländern. Vor einigen Jahren gab es Ermittlungen gegen Räbiger, der angeblich in dubiose Ölgeschäfte in Sibirien verwickelt gewesen sein soll, diese haltlosen Unterstellungen konnten die Ermittler allerdings nie wirklich beweisen. Der Hauptverantwortliche für die Untersuchung, dessen Namen aus Sicherheitsgründen unter Verschluss bleibt, wanderte kurzfristig nach Australien aus.

Als Sprecher des Konsortiums kündigte Räbiger gestern auf einer Pressekonferenz an, dass er und seine Teilhaber kurzerhand den ganzen "Viacom"-Konzern gekauft haben. An der Pressekonferenz nahm auch Bundeskanzler Gerhard Schröder teil, der Räbiger in mehreren internen Gesprächen davon überzeugen konnte, die gesamte "Viacom"-Belegschaft durch Billigkräfte aus Deutschland zu ersetzen, die früher ihr Geld in Schlachthöfen verdient haben. "Es ging um die Wurst", kommentiert Schröder anschließend die Gespräche. Aus der Produktion der Serie will sich Räbiger trotz aller seiner Verdienste heraushalten und hat im gleiche Zuge das neue Produktionsteam für die Serie vorgestellt. Erfreulich für alle "Star Trek"-Fans ist, dass Rick Berman natürlich weiterhin die Hauptverantwortung für die Serie tragen wird. Als erstes wurden gestern Abend noch Manny Coto und sein Autorenstab vom Paramount-Gelände vertrieben, der Einsatz von Schußwaffen wurde nachträglich von allen Seiten begrüßt. Coto, der sich an die Spitze des Produktionsteams geschlafen hatte, war verantwortlich für den kurzfristigen Untergang des "Star Trek"-Franchises. Coto selbst dazu nach seinem Rauswurf: "Ich wollte auf der Bühne stehen wenn der Vorhang fällt".

Das neue Produktionsteam besteht hauptsächlich aus den Geschäftspartnern von Daniel Räbiger. Der Autorenstab wird in Zukunft von Nadir Attar, Sebastian Ostsieker und Marcel Labbé-Laurent geleitet, die mit ihren innovativen Geschichten Räbiger erst zur Rettung der Serie überzeugt hatten. Neuer Chefdramaturg soll laut Räbiger Steffen Henkel werden, Henkel besitzt als fanatisches Mitglied von Hannover 96 eine große Leidensfähigkeit und ist deshalb auch bestens für diese Position qualifiziert. Auf der gestrigen Pressekonferenz präsentierten die Verantwortlichen nur einige wenige Ausblicke auf die fünfte Staffel. Die "Enterprise" wird in den ersten Episoden zurück in das Raumdock gerufen und gründlich aufgemotzt. Statt eines läpischen Warpantriebs, kommt ab jetzt ein 5,7l V8 zum Zuge, übrigens eine exklusive Leihgabe des neuen Co-Executive Producers und Hobby-Mafiosi Jens "Big Pussy" Großjohann. Laut Attar soll auch mehr Wert auf die technischen Errungenschaften des "Star Trek"-Universums gelegt werden. So soll in einer Episode der Erfinder des Turbolifts an Bord des Schiffes kommen und erstmals versuchen, organische Masse mit einem Gewicht von mehr als 300kg zu transportieren. Die Verhandlungen mit William Shatner, der als "Organische Masse" auftreten soll, laufen bereits.

Zum Abschluss der Pressekonferenz ernannte Räbiger Jan-Hendrik Lanschoof zum neuen Präsidenten von "Paramount", dieser soll in seinem Büro sogar über einen eigenen Breitbandanschluß verfügen dürfen.

Enterprise gerettet! Pressekonferenz: Daniel Räbiger und Gerhard Schröder


Enterprise gerettet! Pressekonferenz: Nadir Attar und Gerhard Schröder

Inhalt

Zum Auftakt dieses mit Oscar®Stars besetzten Action-Abenteuers, das als erster Kinofilm mit über 2000 Digitaleffekten vollständig am Computer entstand, landet die gigantische „Hindenburg III“ in einer verschneiten Nacht auf dem Dach des Empire State Building. An Bord des Zeppelins befindet sich ein ängstlicher Wissenschaftler, der seinem deutschen Kollegen Dr. Walter Jennings kurz vor der Landung noch eine letzte Nachricht übermitteln kann: „Ich werde verfolgt“. Zur gleichen Zeit arbeitet die Reporterin Polly Perkins (Gwyneth Paltrow) an einer Geschichte über das geheimnisvolle Verschwinden von Forschern rund um die Welt. Ein sehr nervöser Dr. Jennings verabredet sich am Abend mit Polly, um der Journalistin im Kino der Radio City Hall wichtige Informationen zu geben. Während auf der Leinwand „Der Zauberer von Oz“ läuft, treffen sich die beiden. Doch das Gespräch wird durch Alarmsirenen jäh beendet: Eine Invasion von riesigen Robotern marschiert durch die Straßenschluchten der Metropole und zerstört alles, was sich ihren in den Weg stellt. In ihrer Verzweiflung sendet die Polizei einen Notruf an Sky Captain (Jude Law). Während Polly mutig den Angriff der Giganten mit ihrer Kamera festhält, kämpft Joe Sullivan alias Sky Captain aus der Luft in einem tollkühnen Kampf gegen die Maschinenmenschen.
Es gelingt ihm, einen der riesigen Roboter in sein Hauptquartier auf einer Insel vor New York zu bringen. Sein Partner, der Technikfreak Dex Dearborn (Giovanni Ribisi), will den Stahlgiganten genauer unter die Lupe nehmen. In seinem Büro wartet auf den Helden freilich schon die nächste Überraschung: Polly wittert ihre ganz große Geschichte und ist Sky Captain gefolgt. Die beiden kennen sich von früher. Doch das Verhältnis ist denkbar abgekühlt. Für viel Diskussionen bleibt allerdings keine Zeit, eine Armada von Flugmaschinen greift den Stützpunkt von Sky Captain an. Während Sky und Polly gemeinsam im Flugzeug den Kampf gegen die Angreifer aufnehmen, versucht Dex mit allen Tricks, die Signale der ferngesteuerten Roboter zurückzuverfolgen. Nach einer halsbrecherischen Verfolgungsjagd suchen Polly und Sky das Labor von Dr. Jennings auf. Neben einem leibhaftigen Miniatur-Elefanten finden sie dort den schwer verletzten Wissenschaftler. Während sich Sky einen Kampf mit der vermummten „Geheimnisvollen Frau“ (Bei Ling) liefert, drückt der sterbende Forscher Polly zwei Metallhülsen in die Hand und warnt sie, dass diese beiden Dinge niemals in die Hände von Dr. Totenkopf geraten dürften.

Nach dem Dex den Urspung der Funksignale in Nepal lokalisieren konnte, machen sich Sky und Polly auf den Weg nach Asien. Dort führt sie ein alter Freund von Sky in die verbotene Zone im Gebirge. In einer verlassenen Uran-Mine warten neue Gefahren auf die Abenteurer: Erst wird Polly gewaltsam gezwungen, die beiden Metallhülsen herauszugeben. Dann werden die Helden in eine Höhle voller Dynamit eingesperrt. Bevor die Zündschnüre für eine gigantische Explosion im Stollen sorgen, gelingt in letzter Minute die Flucht.
Sky und Polly setzen im Flugzeug ihre Suche nach Dr. Totenkopf fort. Mit fast leeren Benzintanks gelingt die Notlandung auf der fliegenden Militärstation von Commander Franky Cook (Angelina Jolie). Sky und Franky kennen sich aus alten Zeiten – sehr zum Missfallen von Polly. Doch für Eifersucht bleibt keine Zeit. Die Station wird bereits von den Truppen von Dr.Totenkopf angegriffen. Sky und Polly starten erneut, diesmal werden sie in ihrem Kampf von Franky und ihrer weiblichen Amphibientruppe unterstützt. Nachdem Franky mit einer heldenhaften Aktion die Kampfroboter auf dem Meeresboden außer Gefecht setzt, gelingt Polly und Sky der Zugang zur verborgenen Zentrale des Bösen. Nachdem sie sich gegen die geklonten Saurier des Dr. Totenkopf zur Wehr gesetzt haben und abgrundtiefe Schluchten überquerten, kommt es zum alles entscheidenden Kampf gegen die Mächte des Bösen....

Produktionsnotizen

Mit nie zuvor gesehenen Spezialeffekten, mit modernster Technologie und über 2000 Effekt-Aufnahmen schreibt „Sky Captain and the world of tomorrow“ ein neues Kapitel Kinogeschichte. Mehr als 6 Jahre dauerten die Arbeiten an diesem bahnbrechenden Projekt von Erstlingsautor und Regisseur Kerry Conran und seinem Produzenten Jon Avnet. „Dieser Film existiert nur wegen der Risikobereitschaft von Jon Avnet, seinem Glauben an mich und seiner Liebe zu diesem Projekt“ sagt Conran.
Wenngleich „Sky Captain and the world of tomorrow“ vollständig auf Kulissen und reale Schauplätze verzichtet, entführt er mit seinen Effekten das Publikum in eine atemberaubende Science Fiction-Welt, in der die Fantasie zur Wirklichkeit wird. Zur Eröffnung fliegt die gigantische „Hindenburg III“ über die Skyline von New York, um auf dem Dach des Empire State Building zu landen. Riesige Roboter trampeln durch die Straßen, zerstören Autos und Gebäude. Rund um den Globus sind berühmte Wissenschaftler auf mysteriöse Weise verschwunden. Die „Chronicle“-Reporterin Polly Perkins (Gwyneth Paltrow) macht sich an die Recherche. An ihrer Seite Captain H. Joseph Sullivan (Jude Law), ein absolutes Flieger-Ass - besser bekannt unter dem Namen „Sky Captain“. Im Himalaja müssen sich die beiden aus einer gewaltigen Eishöhle, die mit Sprengstoff-Fallen gesichert ist, befreien. In einem ruhigen Tal des Shangri-La werden sie von furchterregenden Flugrobotern angegriffen. Mit einer halsbrecherischen Operation müssen sie auf einer mobilen Landeplattform in luftiger Höhe landen. Auf dem Meeresgrund warten weitere Abenteuer bei ihrer Suche nach Dr. Totenkopf, dem Verbrechergenie, das die Welt zerstören will.
Polly Perkins und Sky Captain werden zur letzten Hoffnung des Planeten. Unterstützt werden sie bei ihrer Mission von Franky Cook (Angelina Jolie), der mutigen Anführerin einer weiblichen Unterwasser-Einheit. Sowie von dem technischen Genie Dex (Giovanni Ribisi).

Mit sechs Minuten zum großen Staunen

„Etwas vergleichbares war nie zuvor zu sehen“ verspricht Produzent Jon Avnet, „dieser Film ist auf vielen Ebenen völlig einzigartig“. Als Avnet Jude Law einen sechsminütigen Ausschnitt aus dieser „World of tomorrow“ zeigte, war der Schauspieler derart begeistert, dass er nicht nur die Rolle des Sky Captain übernahm, sondern sich zudem als Produzent an dem Projekt beteiligte. „Was ich da sah, war das aufregendste und inspirierendste Stück Kino, das ich je erlebt habe“ erinnert sich Law, „nie zuvor habe ich etwas ähnliches gesehen. Mir war nicht klar, wie das alles gemacht wurde. Aber das Ergebnis erinnerte mich sofort an die klassischen Serien der 30er und 40er Jahre. Zugleich traf es genau den Geschmack des heutigen Blockbuster-Publikums. Es hat mich absolut umgehauen.“
Die Oscar®-Gewinnerin Gwyneth Paltrow, die von Anfang an die erste Wahl von Avnet und Law für die Rolle der Polly Perkins war, erinnert sich: „Als ich diesen sechsminütigen Ausschnitt gesehen hatte, war mir sofort klar, worüber zuvor immer geredet wurde. Diese Szenen waren mit nichts zu vergleichen, was ich je gesehen habe. Noch bevor ich das Drehbuch bekam, sagte ich zu. Diese Eindrücke waren schlicht atemberaubend.“
„Fantastisch“ schwärmt Giovanni Ribisi, der das technische Genie Dex spielt, „das war völlig überwältigend.“
Mit seinem Laptop hatte Conran nicht nur eine Welt geschaffen, die nahezu realistisch war. Er ging dabei einen entscheidenden „Was wäre wenn“-Schritt weiter und vermischte Science Fiction, Fantasy und Geschichte. Fünf Jahre lang verbrachte Conran fast jede freie Minute damit, auf seinem Mac© mit Ideen und Software zu experimentieren, um seine Vision der künftigen Welt in künstliche Realität zu verwandeln. Seine stillen, digitalen Anstrengungen gerieten zu einem revolutionären Prozess des Filmemachens.
„Es gibt enorm viel Action – aber das ist nicht alles“ sagt Produzent Avnet, „Kerry verfügt über eine besondere Vision, ein Gespür für Dimensionen und großes Talent für die Verwendung von Licht und Dunkelheit, was zu überwältigenden Ergebnissen führt.“
Conrans „World of tomorrow“ gründet zum einen auf den kollektiven Kinoerinnerungen der TV-Serienklassiker, der Samstagmorgen-Fernsehunterhaltung und der Superhelden aus den Comic Heften. Gleichzeitig betritt er völliges Neuland.
Bereits mit seinem sechsminütigen Kurzfilm präsentierte Conran, was er am Kino liebt: Eine alternative Wirklichkeit. Eine Vision zwischen „Was wäre wenn“ und „Es war einmal“. Den puren Adrenalinrausch.
„Trotz all unserer heutigen Technologie dachte man damals viel futuristischer“, sagt Conran über die Kultur der 30er und 40er Jahre. „Mein Film ist eine Art idealisierte Version der Zukunft, die es so natürlich nie gab. Aber die es durchaus hätte geben können.“
Mit seinem sechsminütigen Kurzfilm gibt Conran dem Ausdruck „Bewerbungsfilm“ eine ganz neue Bedeutung. Wenngleich der Erfolg bei allen Zuschauern sofort ganz enorm war, musste erst Kevin Conran, der Bruder des Regisseurs, die ganze Sache in Gang bringen. „Ich wollte diese Szenen nicht zeigen“ sagt Kerry, „ich hatte mir all die Mühe schließlich nicht für einen Kurzfilm, sondern für einen abendfüllenden Spielfilm gemacht.“
Im November 1999 lud Kevin, der für das Projekt seines Bruders einige Illustrationen und Zeichnungen gemacht hatte, eine alte College-Freundin seiner Frau zum Abendessen mit anschließendem Kurzfilm ein. Kerry wollte eine unabhängige Meinung über das Projekt und die Produzentin Marsha Oglesby schien eine geeignete Expertin dafür zu sein. Doch nach der Vorführung fehlten Oglesby die Worte – bis auf: „Kann ich das noch einmal sehen?“. Gleich am nächsten Tag nahm sie den Film zu ihrem Produktionspartner Joe Avnet mit. Kommentarlos sagte sie ihm nur: „Schau dir das bitte einmal an“.
„Die Komposition der Bilder, der Einsatz des Lichtes, die Art der Inszenierung hatte Qualitäten eines ‚film noir’, die mich künstlerisch sehr ansprachen“ erinnert sich Avnet an jene sechs Minuten. „Dann gab es diese gigantischen Roboter, die New York belagerten, was mich wirklich amüsierte. Die Geschichte wurde ganz ohne Zynismus präsentiert. Noch wichtiger war, dass ich das Gefühl bekam, dass Kerry das Zeug hatte, daraus einen Spielfilm zu machen. Dass er diesen Film auf einem Apple-Computer in seiner Garage entwickelt hatte, fand ich zudem schon ziemlich cool.“
Wie Oglesby wollte auch Avnet sich das Video sofort nochmals anschauen. Auch beim zweiten Mal geriet er ins Staunen. „Es gibt einige Szenen mit den Fußabdrücken der Roboter, bei denen man die ganze Masse und die Stärke dieser Kreaturen regelrecht spürt. Es war faszinierend, wie realistisch das alles wirkte.“
Der langjährige Regisseur und Produzent Avnet erkannte sehr schnell, wie einzigartig diese Vision von Conran war. Mit Produktionen wie „In den Dschungel, aus dem Dschungel“ oder „Inspektor Gadget“ hatte Avnet bereits reichhaltige Erfahrung mit computergenerierten Bildern (CGI) und wusste, dass diesen digitalen Spezialeffekten die Zukunft gehört. Dass ein Film völlig aus dem Computer entsteht, war jedoch ein bahnbrechendes Konzept. Die Kulissen, die Landschaften, das gesamte Design entstand digital. Conrans ambitionierte Absicht war es, Animation, Computereffekte und Blue-Screen-Technolgie zu einer wilden Kino-Achterbahn zu verschmelzen.
„Es ist nicht einfach, den ‚look’ von etwas zu beschreiben, das völlig neu ist und in dieser Form bislang nie zu sehen war“ sagt Avnet, „So bildreich meine Sprache bisweilen auch sein mag, fehlten mir doch die Worte, dieses Erlebnis zu beschreiben. Man muss es selber erleben.“
Mit Anspielungen an Orson Welles und H. G. Wells entwickelte Conran eine visuelle Hommage, die Science Fiction mit Actionabenteuer und Fantasy verbindet und erzählt ein düsteres Märchen vom Kampf des Menschen gegen die Maschinen um das Überleben des Planeten.
Als Avnet das Video gesehen hatte, fragte er Conran „Was willst du?“. Der antwortete, er wolle einen Spielfilm daraus machen. Avnet meinte nur „Ich glaube, wir können das machen“.
Damit war der Grundstein gelegt: Conrans langjähriger Traum, eine epische Fantasywelt zu erschaffen, fand in Avnets langjährigem Knowhow als Filmemacher seine Erfüllung. Fünf lange Jahre hatte Conran damit verbracht, diese 6 Minuten Film zu produzieren. Nun stand der 37jährige, der sich selbst als „schüchtern, aber kontrolliert“ beschreibt, endlich davor, seine Vision zu verwirklichen.
„Das ist ein Kerry-Film“ sagt Avnet über das Projekt, „Ich bin lediglich sein größter Fan und Unterstützer. Was mich bei meinem ersten Treffen an ihm faszinierte, war seine Leidenschaft für diesen Film. Er entwickelte ihn an einem Computer, den Millionen von Menschen benutzen. Und nun wollte er daraus einen Spielfilm machen – was ihm auch gelang.“
Wie ein Pate investierte Avnet sein Geld, seine Zeit, seine Erfahrung und seinen Einfluss, um dem unbekannten Conran die Chance seines Lebens zu geben. Im Gegenzug musste Kerry nur noch aus jenen 6 Minuten einen überzeugenden Film entstehen lassen, der die Investitionen des Geldgebers Aurelio De Laurentiis lohnend machte.
„Man darf die Unterstützung von Aurelio nicht unterschätzen“ sagt Avnet, „Es wären durchaus andere Modelle der Finanzierung möglich gewesen. Aber Aurelio mochte das Konzept und überließ mir die volle kreative Kontrolle, die ich so an Kerry weitergeben konnte. Im üblichen Hollywood-Verfahren wäre eine derartige Projektentwicklung niemals möglich gewesen. Es wäre gewiss irgend ein Film entstanden, aber nicht derjenige, den Kerry sich vorgestellt hat. Deswegen war Aurelio ganz entscheidend dafür, dass dieser Film nun genau so aussieht, wie er sein soll.“
„Vor drei Jahren schickte mir Jon Avnet das Drehbuch und zeigte mir in Rom diese 6 Minuten auf Video“ erinnert sich Aurelio. „Ich war völlig fasziniert, mir fehlten die Worte. Als er mir zudem große Stars versprach, stimmte ich der Finanzierung zu.“
Zu jener Zeit ahnte niemand, dass es 2000 Spezialeffekt-Aufnahmen und sechs Jahre Arbeit brauchte, um Conrans Vision umzusetzen.
Es konnte niemand ahnen, weil ein Film wie dieser nie zuvor gemacht worden war.

Über die Geschichte

Kerry Conran führt die Ursprünge seines Films auf die Bücher zurück, die er als Kind in Flint, Michigan, in den späten 60er und frühen 70er Jahren gelesen hat. Unter anderem hat ihn „The Book of Marvels“ beeinflusst, in dem Zeppeline und Blimps auf dem Empire State Building landen. Dieses Bild aus den Comics verfestigte sich, als Kerry im Kino „King Kong“ sah.
„Bevor die Antennen auf dem Dach des Gebäudes angebracht wurden, gab es dort einen Landeplatz“ erzählt Conran. „Wenn man sich den ersten ‚King Kong’ von 1933 anschaut, kann man das erkennen. King Kong greift nach diesem Landeplatz auf dem Dach.“ Dieses eindrucksvolle Bild wurde zum Ausgangspunkt von Conrans Projekt. Auf dieser Basis entwickelte er seine Geschichte, die eine Mischung aus film noir, aus Comic und klassischer Animation werden sollte. Und die seine Lieblingselemente aus epischer Romanze und Action mit Humor und Überraschungen verbinden sollte – das alles an den exotischen Schauplätzen einer fantastischen Welt.
Kevin Conran, der Bruder des Regisseurs, der für Produktionsdesign und Kostüme verantwortlich war, erinnert sich. „Jeden Sonntag haben wir ‚Flash Gordon’ im Fernsehen angeschaut, bevor wir in die Kirche gingen. Wir wussten natürlich, dass die Raumschiffe an Drähten aufgehängt waren, dennoch war es großartig. In unserem Film gibt es zahlreiche Anspielungen auf diese alten Serien und Cartoons. Schließlich wissen wir, dass viele Leute diese alten Sachen genauso liebten wie wir.“
So wie George Lucas seine Inspirationen für seine „Star Wars“-Raumschiffe aus den 40-er Jahre Serien wie „Buck Rogers“ oder „Flash Gordon“ bekam, bediente sich auch Conran am reichen Schatz der Popkultur des Science Fiction-, Abenteuer- und Fantasy-Genres. Vor allem aber der Pulp-Fiction-Literatur zu Beginn des vorigen Jahrhunderts.
Aus den Groschenheften wie „Weird Tales“ oder „The Strand“ des späten 19ten Jahrhunderts, entwickelte das Pulp-Genre so hochkarätige Literaten wie H.G. Wells („Die Zeitmaschine“, „Der Krieg der Welten“), Sir Arthur Conan Doyle („Die verlorene Welt“, „Sherlock Holmes Abenteuer“), J.R.R. Tolkien („Der Herr der Ringe“) oder Edgar Rice Burroughs („Tarzan – Herr des Dschungels“). Typisch für das Genre war der Kampf des Menschen gegen dunkle Mächte des Bösen. Im frühen 20sten Jahrhundert entwickelte Pulp Fiction mit seiner Mischung aus Wissenschaft und Fiktion ganz neue Fantasy-Geschichten, die häufig in alternativen und parallelen Welten spielten. Die anhaltende Popularität des Genres spiegelt sich auch im Kino wieder in den immer wiederkehrenden Variationen von Figuren wie Sherlock Holmes oder Tarzan. Sowie in Blockbustern wie der „Herr der Ringe“-Trilogie oder den Remakes von „The Lost World“ von Steven Spielberg, „King Kong“ von Peter Jackson oder „A Princess of Mars“ von Robert Rodriguez.
Für Conran liegt die enorme Popularität des Genres nicht nur in den universellen, archetypischen Mustern der Geschichten, sondern zugleich an den einprägsamen Bildern, die mit ihnen verbunden sind.
„Auf den Titelseiten dieser Pulp-Magazine wurde alles übertrieben dargestellt, das Motto hieß dabei: ‚je größer, desto besser’“, sagt Kevin Conran, „um diesem Stil gerecht zu werden, wollten wir im Film nie eine realistische, sondern eine einzigartige Welt erschaffen. Kerry wollte seit seiner Kindheit einen Film drehen. Und er hatte schon immer diese Art von Bildern in seinem Kopf.“
Sein Bruder erklärt: „Ich wollte diese Jagdflugzeuge durch die Straßenschluchten von New York fliegen sehen. Ich wollte einen Zeppelin auf dem höchsten Gebäude der Welt landen sehen – und zwar gerade deshalb, weil es das noch nie gegeben hat.“
Zwar gelang es einem Zeppelin, mit Zwischenlandungen in Tokio, Los Angeles und New York, die Welt zu umrunden. Doch die beiden Andock-Versuche auf dem Empire State Building in den 30er Jahren scheiterten. Die Vision einer spektakulären Landung auf dem höchsten Gebäude der Welt sollte werbewirksam für neue Passagiere auf der transatlantischen Route sorgen. Mit der Hindenburg-Katastrophe 1937 wurden alle Pläne eingestellt.
„Weil es damals auch noch eine Hindenburg II gegeben hatte, haben wir unser Luftschiff Hindenburg III benannt“, erläutert Conran.
„The World of Tomorrow“ ist nicht nur Titel des Films, sondern war 1939 auch das Thema der Weltausstellung in New York, auf der unter anderem der legendäre Norman Bel Geddes seine futuristischen Design-Visionen von Maschinen präsentierte.
„Diese Weltausstellung war der spektakuläre Ausdruck für den optimistischen Glauben an die Zukunft“, sagt Conran, „man kann das heute leicht zynisch sehen. Aber damals gab es diese echte Hoffnung, dass jede neue Technologie ganz großartige Träume wahr werden lassen könnte.“
„Unser Bösewicht Totenkopf ist von Maschinen besessen“, erklärt Jon Avnet, „er ist in dem Wahn, dass sich die Menschheit selbst zerstört, wenn sie sich selbst überlassen bleibt. Deshalb erschafft er diese Welt von gigantischen Maschinen. Wie so oft bei messianischen Visionen, liegen gut und böse so nahe beieinander wie romantisch und diktatorisch.“
Für Kerry Conran ist Totenkopf der personifizierte Mythos, „er ist kein gewöhnlicher Bösewicht. Wie der ‚Zauberer von Oz’ ist er nicht das, was man zunächst glaubt. Er ist in gewisser Weise eine Metapher.“
Conran sieht durchaus Ähnlichkeiten von der Reise von Dorothy im „Zauberer von Oz“ zu der Reise von Sky Captain und Polly. „Die beiden jagen eine Idee. Und je mehr sie dieses Bild zusammensetzen, desto mehr erkennen sie, was daran falsch und richtig ist.“
So sehr Jon Avnet das visuelle Effektspektakel schätzte, war ihm von Anfang an klar, dass zum furiosen Stil unbedingt eine unterhaltsame Story und packende Figuren kommen mussten: „Wir waren uns immer bewusst, dass wir uns vom ganzen technischen Aufwand nie ablenken lassen durften. Die Technologie dient immer nur der Fantasie. Und diese Fantasie wird von einer starken Story getragen. Einer guten, altmodischen Geschichte, die wir unterhaltsam erzählen wollten.“

Über die Figuren

„Wir haben zwei Jahre lang die Geschichte und das Drehbuch entwickelt“ erzählt Avnet, „Die Stimmung des Films sollte in der Tradition von „Der Jäger des verlorenen Schatzes“ liegen: Sky Captain ist ein altmodischer Held mit einer Brechung. Nicht, dass man das alles nicht ernst nehmen könnte. Es ist durchaus ernsthaft - aber immer mit einem Augenzwinkern.“
Im Jahr 2002 hatte Avnet mit dem Drehbuch und dem 6 Minuten langen Video in kurzer Zeit eine Besetzung mit Oscar®-Kaliber versammelt: Darunter Jude Law, Gwyneth Paltrow, Giovanni Ribisi, Bai Ling sowie Angelina Jolie.
„Ich verstehe das bis heute noch nicht“ sagt Conran dazu. „Ich bin begeistert und der glücklichste Mensch der Welt. Aber es ist absurd – so wie vieles in diesem Film, das keine logische Erklärung hat. Mir ist es ein Rätsel, warum dieses Stars dieses große Risiko auf sich nahmen.“
Avnet setzte bewusst auf Risiko, als er seine Stars, insbesondere Jude Law und Gwyneth Paltrow, ganz gegen ihren Typ besetzte. „Kerry dachte nie an einen so großen Film und Schauspielern mit derart großen Namen. Das war mein Einfluss“, sagt Avnet. „Ich dachte mir, diese Geschichte würde genau zu diesen Stars passen. Als ich Gwyneth den 6 Minuten Film zeigte, war auch Jude dabei. Ich sah die beiden an und dachte, ‚Die zwei haben in ‚Der talentierte Mr. Ripley’ gemeinsam gut ausgesehen. Und in diesem Film werden sie noch besser aussehen’.“
Mit Jude Law hatte Avnet bereits in „Uprising – Der Aufstand“ gearbeitet. Statt ihm für das neue Projekt ein Drehbuch zu schicken, entschied er sich für das 6 Minuten lange Video. Denn er wusste, dass man diesen Film einfach nicht beschreiben konnte.
„Als ich das Video sah, dachte ich sofort an meine Kinder“ erinnert sich Law. „Der Film hatte eine Unschuld und zugleich die notwendigen Elemente, die ein junges Publikum attraktiv findet. Zudem gibt es reichlich Humor darin. Man kann die ganzen Kämpfe und Schlachten entspannt genießen, ganz ohne schlechtes Gewissen wegen Brutalität oder blutiger Szenen. Ich wollte sofort bei diesem Projekt dabei sein, nicht nur als Schauspieler, sondern auch als Produzent.“
Law war nicht nur von der Mischung aus Drama und Humor fasziniert, sondern auch von dem fiktionalen Potenzial des Stoffes. „Es ist eine ganz abenteuerliche Mischung. Hätten die Comiczeichner und Science Fiction-Autoren aus den 30er Jahren die technologischen Möglichkeiten dieses Films gehabt, hätten sie ihre Träume sicher ähnlich umgesetzt. Und wohl jeder von uns würde diese Welt gerne einmal besuchen.“
Für Schauspielerin Bai Ling, die „Geheimnisvolle Frau“ und todbringende Assistentin von Bösewicht Totenkopf, bietet der Film die klassischen Elemente von gutem Unterhaltungskino. „Mich hat das an das klassische Hollywood erinnert, an die alten Liebesgeschichten mit ihren glamourösen Paaren, zwischen denen die Chemie immer so gut stimmt. Man mag diese Helden und möchte wissen, was mit ihnen passiert. Zugleich fallen mir dazu Filme wie ‚Star Wars’ oder ‚The Matrix’ mit ihren spektakulären Effekten ein. Diese beiden Elemente verbindet dieser Film. Als ich das sechsminütige Video gesehen hatte, dachte ich nur noch ‚Whow, diesen Film möchte ich sehen’. Es war atemberaubend und präsentierte genau das, worum es in Hollywood geht: Magie!“.
Conran hat die Figur des Sky Captain frei an den realen Flieger Claire Chenault angelehnt, der vor dem Zweiten Weltkrieg die „Flying Tigers“ kommandierte. „Jude Law entspricht sehr gut diesem Chenault“ erklärt Conran, „auch er war der beste seiner Truppe. Er war kein Held im eigentlichen Sinn. Er war ein potentieller Held, den man anheuern konnte.“
„Der Film besitzt alle Elemente einer klassischen, guten Geschichte“ sagt Oscar®-Gewinnerin Angelina Jolie, die hier als Captain Cook auftritt. „Freundschaft, Loyalität und Liebe, ein Beziehungsdreieck und die geheimnisvolle Vergangenheit des Helden. Und natürlich fehlt auch die große Romanze nicht. Egal, ob Kerry oder Jon das zugeben: Sie sind beide Romantiker.“
Jude Law sagt dazu: „Das Faszinierende ist nicht allein diese fantastische Welt, die Kerry erschaffen hat. Das Herz der Geschichte ist die Beziehung der beiden Helden, die sich verlieben – und sich am Ende des Abenteuers hoffentlich in den Armen liegen.“
Bai Ling ergänzt: „Mir hat besonders diese schön entwickelte Lovestory gefallen. Wenn man Jude Law und Gwyneth Paltrow auf der Leinwand sieht, spürt man sofort, dass es zwischen den beiden knistert.“
„Die beiden reden zwar ständig nur über Kämpfe, aber diese Dialoge stecken voll unterschwelliger Erotik“ sagt Paltrow. „Die zwei streiten ständig – was mir mit Jude natürlich sehr viel Spaß gemacht hat.“
Als Sky Captain muss sich Law nicht nur verbal gegen Polly Perkins wehren, von der „Geheimnisvollen Frau“ wird er zudem körperlich malträtiert. „Es hatte schon eine amüsante Dynamik“ berichtet Bai Ling, „bei jeder Begegnung kommt es zum Kampf. Er sieht so hübsch und romantisch aus – aber ich prügle einfach immer nur auf ihn ein. Wir hatten fantastische Kampfszenen zusammen. Das war die pure Freude für mich.“
Bisweilen freilich wird Polly für Sky Captain ein größeres Hindernis als die „Geheimnisvolle Frau“. Denn was vor vielen Jahren in Nanjing geschah, ist noch immer die Ursache für das gegenseitige Misstrauen: Hatte Joe sie damals betrogen? Hatte Polly einst sein Flugzeug sabotiert? Während beide eine Antwort auf diese ungelösten Fragen suchen, betritt Franky Cook (Angelina Jolie) die Szene.
„Polly ist sehr eifersüchtig auf Franky“ erzählt Paltrow. „Früher gab es eine Romanze zwischen Polly und Sky Captain. Doch die Liebe ging in die Brüche, denn jeder fühlte sich vom anderen betrogen. Polly glaubt, dass Franky damals die andere Frau war. Sie sieht Franky als große Bedrohung – und das war für mich sehr amüsant zu spielen.“
„Ich mag Franky sehr“ sagt Jolie, „So jemanden würde ich gerne einmal treffen. Sie ist ein Captain, hat viele Abenteuer bestanden und dabei sogar ein Auge verloren. Sie kennt Sky Captain von früher. Allerdings wissen wir nicht genau, was damals passierte. Vielleicht haben sie sich absolut geliebt. Vielleicht haben sie sich beinahe umgebracht. Auf jeden Fall haben sie eine gemeinsame Vergangenheit.“
Die Augenklappe war für Jolie ein ganz besonderes Accessoire. „Es ist schon seltsam, man beobachtet die Dinge ganz anders. Aber weil Franky etwas schüchtern ist, zudem militärisch gedrillt, hat diese Augenklappe ganz gut zu ihr gepasst.“
Conran war sich durchaus bewusst, dass man bei einer Schauspielerin wie Gwyneth Paltrow nicht unbedingt an Action denkt: „Ein klassischer Filmstar wie sie hat das gesamte Aussehen des Films verändert“.
„Gwyneth ist eine präzise und smarte Schauspielerin mit schneller Auffassungsgabe“ sagt Jon Avnet, „Während andere Schauspieler sich vor einem solch technisch aufwändigen Projekt scheuen, war für sie das alles völlig unkompliziert.“
Unverzichtbar für den Erfolg der Mission ist Dex, das technische Genie. „Er ist der Typ, der alles über die Flugzeuge, Roboter und Waffen weiß“ sagt Paltrow. „Giovanni hat daraus einen großartigen Charakter gemacht, der zudem über viel Humor verfügt.“
Ribisi, der mit Jude Law bereits in „Unterwegs nach Cold Mountain“ gespielt hatte, beschreibt seine Figur als „jemand, der ständig nur an technische Dinge denkt, an Algorithmen und wie sie sich in der realen Welt wiederfinden. Zugleich ist Dex allerdings auch ein überaus loyaler Geselle.“
„Auf eine gewisse Art sind beide unzertrennlich, wenngleich Dex nie so werden wollte wie Sky Captain“, erläutert Avnet, „Dex lebt durch Sky. Gleichzeitig benötigt dieser seinen erfinderischen Freund, ohne den er die ganzen Heldentaten gar nicht vollbringen könnte.“
„Mir wurde schnell klar, dass dies nicht nur ein Film war, wie ich ihn noch nie zuvor gesehen hatte“, sagt Jude Law, „auch seine Produktion betrat völliges Neuland.“

Über die Produktion

Seine Ausbildung am California Institute of the Arts in Valencia, verbunden mit seinem enormen Filmwissen und der großen Kinoleidenschaft, waren die Basis für das Projekt von Kerry Conran. „Mit dem Fortschritt der digitalen Technologie ist Animation nicht länger auf gezeichnete Bilder beschränkt“ sagt Conran, „alles, was man in einem Computer speichern kann, lässt sich auch verwenden. Was am Anfang auf die Animation beschränkt war, funktioniert heute auf viel mehr Ebenen.“
Anno 1994 begann Conran auf seinem Heim-Computer mit der Entwicklung seiner „world of tomorrow“. „Zu jener Zeit gab es noch keinen ‚Herr der Ringe’ und keine ‚Matrix’“, erinnert sich der Tüftler, „die Verbindung von digitalen Effekten mit realen Bildern war für Trickspezialisten von Hollywood noch kein Thema. Dass ich so etwas alleine mit meinem kleinen PC versuchte, war wohl etwas gewagt.“
Während Conran alleine weiter arbeitete, revolutionierte die bislang unbekannte Technologie der 3-D-Graphik die Computer- und Videospiel-Industrie und fand langsam ihren Einzug in das Filmgeschäft. „Als ich begann, musste ich 20 Minuten warten, bis ein Bild berechnet war. Heute erledigt das jede Playstation in Realzeit. Die technische Entwicklung ist so rasant wie die Verfügbarkeit der Technik für jedermann.“
Wenngleich digitale Technologie diesen Film erst möglich machte, mussten Kerry und sein Bruder Kevin am Anfang des Projekts zunächst wieder zurück an das Zeichenbrett. „Wir haben zwar einen unterschiedlichen Geschmack“ sagt Kerry, „aber unsere Interessen sind sehr ähnlich. Deshalb konnten wir uns recht schnell einigen, welche der vielen hundert Entwürfe wir schließlich übernahmen.“
Nachdem Kevin die Wolkenkratzer und die geometrischen Strukturen auf Papier gebracht hatte, sorgte Kerry für die digitale Umsetzung der Zeichnungen. Er reproduzierte die Bilder immer wieder in neuen Varianten auf dem Computer. Eine Methode, die der eines Malers ähnelt, der mit immer neuen Schichten sein Gemälde fertig stellt. „Ich hoffe, das Publikum schätzt unsere Anstrengungen. Wir wollten mit Absicht ein bisschen künstlerischer sein als notwendig. Das erlaubt einfach eine etwas andere Sicht auf die Dinge“ erklärt Kerry.
Für Angelina Jolie war diese Mischung aus großer Geschichte und Detailgenauigkeit eine unwiderstehliche Kombination. „Es ist inzwischen selten, dass sich Filmemacher so viel Mühe machen“ sagt die Schauspielerin. „Für mich war es ausgesprochen angenehm, bei einem Projekt, das etwas Neues wagt, dabei zu sein. Erst recht, wenn die Zusammenarbeit von allen so gut funktionierte wie hier.“
Es dauerte nicht lange, bis Kerry Conran, der einsame Tüftler von einst, zum Kopf einer Truppe von fast hundert Trickspezialisten wurde. Die Garage von damals wurde gegen ein neues Studio getauscht, das eigens in einem ehemaligen Lagerhaus eingerichtet wurde.
„Wir mussten Team und Studio immer größer werden lassen. Von groß bis riesig – und immer noch nicht groß genug. Es war ein sehr, sehr komplizierter Prozess, dessen Schwierigkeiten keiner vorher geahnt hatte. Das ist eben der Preis für eine Produktion, die bislang ohne Beispiel ist“, sagt Avnet.
Jedes Mitglied der Crew bekam zunächst das 6 Minuten-Video von Conran sowie dessen ursprüngliche Zeichnungen, um so mit der Arbeitsweise des Regisseurs vertraut zu werden. Zudem hatte Kerry zahlreiche Bücher, Fotografien und Illustrationen zusammengestellt, die er mit einem „So soll es aussehen“- Hinweis versehen hatte. Vom Konzept über die Entwürfe bis zu den Storyboards, von den Modellen über die 3-D-Grafiken bis zur Animation überwachte Conran sämtliche Schritte der über 2000 digitalen Effektaufnahmen.
„Jon war ein echter Glücksfall“ sagt Conran, „ich weiß nicht, wie viele Leute so viel Geduld gehabt hätten. Wir haben sechs Jahre an dem Projekt gearbeitet. Und Jon sorgte immer wieder für die richtige Motivation. Vor allem seine einzigartige ‚geht nicht-gibt’s nicht’-Haltung brachte das Projekt immer wieder weiter. Er hat immer an den Film und an uns geglaubt, egal wie oft andere ihm sagten, wir wären verrückt. Diese Unterstützung war ganz entscheidend für den Erfolg. Ohne Jon wäre dieser Film nie geworden, wie er nun ist. Schließlich entsprach unsere Arbeitsweise absolut nicht einer traditionellen Produktion. Aber Jon hat dieses Risiko gewagt.“
Die Verantwortung des Produzenten teilt Avnet mit Marsha Oglesby, Sadie Frost, Jude Law sowie mit Raffaella De Laurentiis als ausführender Produzentin. Durch seinen Vater Dino kam zudem Aurelio De Laurentiis als ausführender Produzent und Geldgeber an Bord. „Es war eine schöne Zeit mit Jon“ sagt Aurelio, „er ist sehr kreativ, schnell und jung, was meinem Stil sehr entspricht. Ich möchte den Produzenten ihren Freiraum bei allen künstlerischen Entscheidungen lassen. Ich glaube, Jon und ich waren ein Team, das eine ganz neue Philosophie in die Produktion und Finanzierung von Filmen gebracht hat.“
Die Philosophie von Conran hieß derweil: „Alles, außer den Schauspielern, wird eine digitale Illusion.“ Die einzige Ausnahme davon waren jene Gegenstände, die die Schauspieler in Händen halten. „Viele Filme haben schon Bluescreen-Technik verwendet und anschließend reale Schauplätze einkopiert. Wir jedoch haben auf alle realen Schauplätze verzichtet. Wir haben das Studio nie verlassen. Unser gesamter Film entstand in einem einzigen Raum.“
Jener Raum befindet sich im L Street-Studio in London, das schon George Lucas für „Star Wars“ und „Indiana Jones“ nutzte. Für die drei Londoner Schauspieler Law, Paltrow und Jolie war das Heimspiel im Studio ein besonderes Vergnügen. „Ich brauchte nur 30 Minuten, um zur Arbeit zu kommen. Und war damit jeden Tag wieder bei meinen Kindern“ freut sich Hauptdarsteller und Produzent Jude Law.
Für Erstlingsregisseur Kerry Conran wurde die Arbeit mit seinem oscar®prämierten Ensemble zur besonderen Herausforderung. „Es ist nicht so ganz einfach, ein ernsthaftes Gesicht zu bewahren, wenn Gwyneth Paltrow zu dir kommt und fragt ‚Was mache ich in dieser Szene?’ und du antwortest: ‚Du wirst von Robotern gejagt’. Wenn sie darauf sagt ‚Und was mache ich dabei?’ wird es wirklich schwierig, dabei nicht zu lachen. Es ist einfach zu surreal und komisch, jemanden zu erklären, wie es ist, von gigantischen Robotern verfolgt zu werden.“ Vermutlich hatte Paltrow deshalb das Gefühl, dass Conran sich bei seinen Regieanweisungen „immer erst entschuldigte, bevor er dir irgend etwas sagte“.
Neun Monate vor den ersten Aufnahmen in London versammelte Avnet die Schauspieler und den Regisseur zu Dialogproben. „Ich wollte, dass Kerry ihre Stimmen hört und mit dem Rhythmus des Sprechens vertraut wird. Wir nahmen die Hörproben auf, um sie später bei den Animationen zu verwenden. Kerry, der noch keine Erfahrungen mit Schauspielern hatte, war zunächst ein bisschen schüchtern und wollte sich ganz auf meine Erfahrungen als Regisseur und Produzent verlassen. Doch er wuchs sehr schnell mit seinen Herausforderungen.“
Nach den ausgiebigen Vorbereitungen verliefen die Dreharbeiten in London überaus effizient. „Wir hatten alles genau geplant, ich hatte das gute Gefühl, alles im Griff zu haben“ berichtet Conran. „Dass ich das alles meinen Schauspielern erst noch vermitteln musste, stand auf einem ganz anderen Blatt. Aber ich wusste genau, was ich wollte. Das machte die ganze Sache sehr angenehm.“
„Jude und Gwyneth waren von Anfang an mit großer Lust bei der Sache“, berichtet Jon Avnet, „sie mochten diese Herausforderung, ohne reale Kulissen, gleichsam vor dem Nichts, ihre Szenen zu spielen. Sie mussten sich dazu voll und ganz auf die Anweisungen von Kerry verlassen.“
„Kerry ist sehr talentiert, sehr sensibel und er besitzt ein gutes Gespür“, sagt Bai Ling, „ich konnte gar nicht glauben, dass dies sein erster Film war. Er wusste immer genau, was er wollte. Dennoch ließ er uns Schauspielern immer sehr viel Freiraum.“
Für Giovanni Ribisi war die Arbeit vor den blue screen-Hintergründen eine ganz besondere Erfahrung: „Es war richtig befreiend. Kerry ließ einem die Freiheit zu eigenen Interpretationen, was wirklich großen Spaß machen kann. Für diese Rolle musste man sich mehr als sonst selbst vertauen. Und Kerry vermittelte einem dieses Vertrauen.“
„Wegen dieser ungewohnten Situation habe ich mit diesem Regisseur mehr gesprochen als mit allen anderen Regisseuren“, sagt Angelina Jolie, „auf diese Art entstand eine ganz neue Qualität der Zusammenarbeit.“
„Es war wie bei Kindern, die beim spielen so tun, als ob das Sofa ein Boot wäre oder der Fernseher ein Alien“ beschreibt Jude Law die Situation, „dieses ‚so tun als ob’ haben wir auf die Spitze getrieben. Für einen Schauspieler ist das natürlich eine sehr reizvolle Angelegenheit.“
Bei allem Spaß war die Arbeit in einem leeren Studio nicht einfach. „Es ist nicht Tschechow, wir mussten kein klassisches Drama spielen“ sagt Law, „die Herausforderung lag vor allem darin, in einer völlig leeren Szenerie konzentriert zu bleiben und glaubhaft zu wirken. In einer Sequenz am Ende des Films kämpfe ich gegen fünf Roboter. Was auf der Leinwand zur eindrucksvollen Actionszene gerät, war bei den Dreharbeiten für mich ein einsames Kämpfen gegen unsichtbare Gegner.“
Ribisi vergleicht die Erfahrung vor den blue screen-Hintergründen mit einer leeren Theaterbühne. „Es heißt ja immer, ein Schauspieler sollte in der Lage sein, den ganzen Romeo allein auf einem Stuhl spielen zu können. Man muss schon seine Hausaufgaben machen, um aus wenig dann so viel zu machen. Aber schließlich besteht unser ganzer Job aus Illusion.“
Wenngleich Conran seinen Darstellern vor jeder Szene die animierten Zeichnungen der jeweiligen Sequenzen zeigte, wurde die Vorstellungskraft der Schauspieler auf eine harte Probe gestellt. „Bisweilen ist es nicht ganz einfach, sich eine Umgebung vorzustellen, die überhaupt nicht existiert“ erzählt Paltrow, „du stehst auf einem blauen Boden vor einer blauen Wand und dein Regisseur sagt dir, wo du dich jetzt gerade befindest und wovor du Angst haben sollst.“
Für Jolie hatte diese leere Bühne auch ihre Vorteile: „Für eine Soldatin ist so eine kalt wirkende Umgebung passender als eine behagliche Szenerie, in der man mit seiner Familie gern zum Picknick gehen würde. Man musste sich auf seine Phantasie verlassen. Sich bestimmte Dinge vorzustellen, gehört zum Beruf eines Schauspielers.“
Für Bai Ling, die in enger Lederkleidung, mit dunkler Brille und Kapuze auftritt, gab es zusätzliche Probleme mit der Verständigung. „Wir drehten eine Szene, bei der ich auf einen grünen Punkt sehen sollte. Ich ging also los, drehte mich um und hörte nur noch ‚Nein, du schaust in die falsche Richtung’. Ich konnte nur einen gelben Punkt entdecken. Erst als ich die Brille abnahm, wurde allen unter großem Gelächter klar, dass ich grün durch diese Gläser gar nicht sehen konnte.“
Conran war begeistert, wie schnell seine Schauspieler mit ihren Aufgaben wuchsen. „Sie haben das leere Studio nie als Belastung empfunden. Jude meinte sogar, auf diese Art könnte er sich viel besser konzentrieren, weil er durch nichts abgelenkt werden würde. Mehr noch: ohne Hilfe der üblichen Kulissen fühlte er sich in seiner Arbeit als Schauspieler viel mehr herausgefordert als üblich.“
Avnet und Conran haben für ihre Darsteller nur höchstes Lob. „Sie hatte wirklich nichts, worauf sie sich stützen konnten“ sagt Conran, „sie mussten sich eine Welt vorstellen, die es noch gar nicht gab. Diese Leistung ist bewundernswert.“
„Es war ein echter Glücksgriff, dass Sadie Frost uns Stella McCartney als Kostümbildnerin für Gwyneth und Jude vorgeschlagen hatte“, sagt Avnet. Für seinen Produktionspartner und Hauptdarsteller Jude Law zeigt er gleichfalls höchste Anerkennung. „Jude ist innovativ, besitzt eine große Vorstellungskraft und vermittelt jedem in seiner Umgebung ein gutes Gefühl. Er ist ein vielseitiger Schauspieler, der selbst in einer blauen Kulisse für Prickeln sorgt. Zugleich versteht er es als Produzent immer wieder, alle Mitarbeiter zu motivieren.“
Conran fügt hinzu: „Die Energie und Überzeugungskraft von Jude sind enorm. Nur mit solch einer Einstellung konnte ein derartiges Projekt überhaupt verwirklicht werden.“
Ribisi erzählt, dass beim Dreh von „Unterwegs nach Cold Mountain“ ein Kollege gesagt habe: „Wenn ich einmal groß bin, will ich ein Schauspieler wie Jude Law werden!“ - und das durchaus ernst meinte. „Jude ist smart, er ist warmherzig und verbreitet immer eine gute Stimmung. Er hat Energie und Leidenschaft – und zwar bei allen Dingen.“
Für Ling war die Arbeit mit den oscar®prämierten Kollegen eine besondere Erfahrung. „Gwyneth Paltrow, Jude Law und Angelina Jolie zählen zu den talentiertesten jungen Erfolgsschauspielern von Hollywood. Ich habe sehr viel von ihnen gelernt. Vor allem, dass sie alle sehr hart arbeiten. Und dass sie ihren Beruf enorm ernstnehmen.“
Für Paltrow lag ein besonderer Reiz des Projekts darin, dass dieser Film völliges Neuland betrat. „Abgesehen von der Arbeit mit Leuten, die man wirklich mag, ist es sehr reizvoll, in einem Film zu spielen, der so ganz anders und einzigartig ist. Kerry ist sehr intelligent und unglaublich kreativ. In seinem Kopf entstehen die tollsten Dinge.“
Für Kerry wäre die gelungene Realisation dieses epischen Kinoabenteuers ohne Avnet und seine Produzenten, ohne seine engagierten Darsteller und vor allem die technische Crew gar nicht denkbar. „Ich war von vielen talentierten Leuten umgeben, die jeden Respekt der Welt verdienen. Oft genug werden diese Spezialisten nicht erwähnt. Aber ihre Arbeit hat den Film erst möglich gemacht. Ich bin glücklich, dass ich eine kleine Rolle dabei spielen konnte.“
Mit seinem Projekt will Conran auch die Zukunft des digitalen Kinos voranbringen: „Ich hoffe, dass sich andere Filmemacher von unserem Projekt ermutigt fühlen. Ich hoffe, dieser Film macht ihre Träume ein bisschen größer. Denn die technischen Mittel sind nun verfügbar.“
„Man muss die Bescheidenheit von Kerry relativieren“, kommentiert Avnet, „er hat diesen Film geschrieben und inszeniert. Seine Arbeit spricht Bände über seine Vision und sein großes Talent.“
Vor zehn Jahren saß Conran allein in seiner Wohnung und träumte von einem epischen Abenteuer-Actionfilm voller Spannung und Geheimnissen. Von exotischen Landschaften und verlorenen Welten. Mit „Sky Captain and the world of tomorrow“ konnte er seine Träume verwirklichen. Er entdeckte, dass er rund um den Globus reisen konnte, ohne sein Haus zu verlassen. Er konnte zurück in die Vergangenheit reisen, dank eines Mac-Computers, der als Zeitmaschine diente und mit dem sich eine Welt von pompösen Ausmaßen erschaffen ließ.
„Das heutige Kino ist kaum an diesem Genre interessiert“ sagt Conran, „den alten Filmen fehlte die Technologie, solche Welten zu schaffen. Uns gelang es hoffentlich, etwas von dem zu realisieren, wovon die damaligen Visionäre nur träumen konnten.“
Für Conran, der aus seiner Anonymität in Hollywood angekommen ist, gelten zwei Weisheiten gleichermaßen: „Du hattest schon immer die Macht dazu“. Und: „Zuhause ist es am schönsten“.

Was wäre, wenn Du feststellen müsstest, dass jeder Moment, den Du mit Deinen Liebsten erlebt hast, lediglich in Deiner Einbildung stattgefunden hat? Joseph Ruben („Der Feind in meinem Bett“, „Für das Leben eines Freundes“) inszenierte nach dem Drehbuch von Gerald DiPego („Phenomenon“, „Message in a Bottle“) einen Psychothriller, in dem die dreifach Oscar®-nominierte Julianne Moore einmal mehr eine fesselnde Leistung liefert – als verzweifelte Mutter, die nicht mehr weiß, ob ihr Sohn Realität oder eine Wahnvorstellung ist.

14 Monate sind vergangen, seitdem Telly Paretta (JULIANNE MOORE) ihren neunjährigen Sohn Sam bei einem Flugzeugabsturz verloren hat. 14 Monate, in denen kein Tag vergangen ist, an dem die New Yorkerin nicht auf der Schaukel in dem kleinen Park in Brooklyn gesessen und auf den Spielplatz gestarrt hätte, den Sam so gerne besucht hat; kein Tag, an dem sie nicht das Lachen vor sich gesehen hätte, mit dem er sich von ihr verabschiedet hat; kein Tag, an dem sie nicht die Erinnerungsstücke in seinem Kinderzimmer betrachtet hätte – die Familienfotos, Fotoalben, Videoaufnahmen. 14 Monate, in denen sie sich in psychiatrischer Behandlung bei Dr. Munce (GARY SINISE) befindet, in denen er und sogar ihr Ehemann Jim (ANTHONY EDWARDS) ihr glaubhaft machen wollen, dass Sam nie existiert hat: dass er bei der Geburt gestorben wäre, Telly damals einen Schock erlitten und sich seitdem nicht mehr davon erholt hätte. Doch Telly kann nicht akzeptieren, dass ihr Gedächtnis mit ihr derartige Streiche spielt – bis sie feststellen muss, dass nach und nach die Beweise für Sams Existenz verschwinden. Als sie eines Abends entdeckt, dass Sam auf einem Familienfoto einfach ausradiert wurde, macht sie Jim dafür verantwortlich. Verzweifelt flüchtet sie sich mitten in der Nacht auf den Spielplatz – und findet einen Mann auf „ihrer“ Schaukel vor, der ihr bekannt vorkommt. Der Angetrunkene ist Ash Correll (DOMINIC WEST), der Vater von Sams Spielkameradin Lauren, die ebenfalls bei dem Flugzeugabsturz ums Leben gekommen ist. Telly kann sich ganz genau an sie erinnern – doch Ash tut, als wüsste er nicht, worüber sie spricht.

Am nächsten Tag versucht Telly, sich auf ihre Arbeit an einem Kinderbuch zu konzentrieren. Aber wieder wird sie von ihren Gedanken an Sam abgelenkt. In seinem Zimmer holt sie wieder die Fotoalben hervor und muss bestürzt feststellen: sämtliche Fotos und Notizen sind verschwunden! Die Videokassetten – leer! In Panik ruft sie Jim an – doch der behauptet, auf den Kassetten wäre noch nie etwas zu sehen gewesen. Jim ruft Dr. Munce zu Hilfe, doch der glaubt, dass Telly endgültig den Verstand verloren hat. Telly hastet aus der Wohnung und sucht die nächste Bibliothek auf – und stellt fest, dass es keine einzige Zeitungsmeldung über den Flugzeugabsturz gibt. Auch ihre Nachbarin will Sam nie gesehen haben. Der Einzige, der Telly Glauben schenken könnte, ist Ash Correll.

Telly sucht den ehemaligen Hockeyprofi in seinem Loft auf. Nichts deutet darauf hin, dass hier einmal ein Kind gewohnt hätte – dabei hat Telly sofort ein Bild von Lauren und Sam vor Augen, die hier gemeinsam gespielt haben. Ash ist wieder betrunken, leugnet, je eine Tochter gehabt zu haben – und legt sich erst einmal schlafen. In dem vermeintlichen Kinderzimmer entdeckt die verzweifelte Telly unterdessen einen Riss in der Tapete. Sie beginnt damit, sie abzulösen – und legt darunter eine ganz offensichtlich von Kinderhand bemalte bunte Wand frei. Am nächsten Morgen konfrontiert sie Ash mit dem Beweis für Laurens Existenz. Doch Ash erklärt, die Wandbemalung müsse von den früheren Bewohnern stammen und weiß sich nicht anders zu helfen, als die Polizei zu rufen. Telly fleht ihn an, sich zu erinnern. Während die Polizisten sie aus der Wohnung führen und auf der Straße überraschend von Agenten der National Security Agency angehalten werden, Telly in ihre Obhut zu übergeben, steht Ash fassungslos im Kinderzimmer seiner Tochter: Mit einem Mal ist seine Erinnerung zurück. Verzweifelt rast Ash hinunter, um die Polizei aufzuhalten. Nach einem Handgemenge mit den Männern der NSA kann Telly aus dem Auto entkommen und ihren Verfolger schließlich sogar zu Fuß abschütteln.

Später findet sie Ash erneut im Park. Telly vermutet, dass sowohl sie als auch Ash seit dem Flugzeugabsturz observiert werden – wie wäre sonst das Auftauchen der National Security zu erklären? Die Frage ist nur warum? Ihnen wird klar, dass sie auf sich allein gestellt sind, wenn sie die Wahrheit über den Tod ihrer Kinder ans Tageslicht bringen wollen. Aber können sie ausschließen, dass Sam und Lauren nicht doch noch am Leben sind? Und wem sollte daran gelegen sein, sie verschwinden zu lassen? In ihrer Verzweiflung stürzen sich Telly und Ash in ein gefährliches Abenteuer. Doch je näher sie dem Geheimnis auf die Schliche zu kommen scheinen, um so mehr droht ihnen die bittere Wahrheit endgültig den Verstand zu rauben...

ZUSTANDSVERÄNDERUNGEN

Im besten Fall können Kinofilme den Zuschauer in einen veränderten Zustand versetzen. So fügt es sich passenderweise, dass Drehbuchautor Gerald DiPego seine Inspiration zu DIE VERGESSENEN aus einem Traum schöpfte. In diesem Traum gab es ein Familienfoto – und darauf eine Mutter, einen Vater und einen kleinen Sohn. Langsam begann das Bild des Sohnes zu verblassen, bis es schließlich vollständig verschwand. DiPego schreckte hoch. Er sah auf die Uhr. Es war sechs Uhr dreißig am Morgen. Das verstörende Bild aus seinem Traum wurde er nicht mehr los. Er begann es weiterzudenken. Gegen acht Uhr dreißig weckte er seine Frau und sagte zu ihr „Ich glaube, ich habe eine Geschichte.“

Das Ergebnis war ein psychologischer Thriller mit ungewöhnlichem Fokus und einzigartiger Vorgeschichte. DiPego übergab das fertige Drehbuch seinem Agenten und der fand, dass Joe Roth, Geschäftsführer von Revolution Studios, interessiert sein könnte. Innerhalb von 24 Stunden kaufte Roth das Skript und übergab es Regisseur Joseph Ruben, der den Julia-Roberts-Hit Sleeping With the Enemy (Der Feind in meinem Bett, 1991) gedreht hatte, als Roth noch Twentieth Century Fox leitete. „Was mich sofort dafür einnahm, waren die Emotionen im Mittelpunkt der Story“, sagt Ruben, „der Kampf einer Mutter um das Leben ihres Kindes. Dieser wird von sozusagen primären Empfindungen gesteuert, die das Publikum sofort packen und emotional berühren werden.“

Abgesehen von Sleeping With the Enemy hatte Ruben außerdem bei den Thrillern The Good Son (Das zweite Gesicht, 1993) und True Believer (Das dreckige Spiel, 1989) Regie geführt. Thriller sind ein Genre, für das er eine Affinität hat und das ihm liegt. „Ein guter Thriller kann das Publikum fesseln wie kein anderes Genre, und das trifft ganz besonders auf DIE VERGESSENEN zu, der einen von der ersten Sekunde an mitreißt, weil wir es mit einer Frau zu tun haben, die vielleicht, vielleicht aber auch nicht, einen Sohn hatte und möglicherweise einen Nervenzusammenbruch erlitten hat. So oder so lebt sie in einem Albtraum, aber man weiß nicht, ob der Albtraum in ihrem Kopf stattfindet oder real ist. Und mit einer Schauspielerin wie Julianne Moore in der Hauptrolle wird die Realität und Authentizität der Story noch unterstrichen.

Die mit dem Oscar® ausgezeichneten Produzenten Bruce Cohen und Dan Jinks (American Beauty [American Beauty, 1999]) sind ebenfalls begeisterte Fans des Genres. Cohen erklärt: „Dan und ich hatten schon länger vor, einen Thriller zu machen und wir hofften immer darauf, eines Tages einen unkonventionellen Stoff zu finden – einen, den wir selbst noch nicht gesehen hatten, und der wirklich verblüffende Elemente bereithalten würde. Und das ist die perfekte Beschreibung von DIE VERGESSENEN. Ich konnte die einzelnen Seiten des Drehbuchs gar nicht schnell genug lesen, um herauszufinden, was als Nächstes passieren würde. Es war fesselnd – und unheimlich.“

Der ausführende Produzent Steve Nicolaides bestätigt, dass Joseph Ruben der ideale Regisseur dafür war, um auch die Zwischentöne des Drehbuchs umzusetzen. „Joe arbeitet sehr intensiv daran, in eine Szene einzutauchen, so dass seine Schauspieler nicht einfach an der Oberfläche verharren können. Und das ist großartig für diese Art von Film, weil er dadurch eigentlich zu einem Charakterstück wird. Joseph Ruben ist ein sehr verrückter Typ, er hat einen großartigen, selbstironischen Sinn für Humor und jeder kann seinem Urteil trauen. Alle arbeiten wirklich gerne mit ihm. . Der erste Art Director, der mit ihm gearbeitet hat, drehte dann gleich sechs oder sieben Filme mit ihm, genauso wie der Szenenbildner und der Script Supervisor drei oder vier Filme. Er ist die Art von Mensch, für den jeder versucht, 120%ig zu arbeiten.

Joseph Ruben bezeichnet den Telly-Paretta-Charakter als eine „tour de force-Rolle“, für die man eine Schauspielerin braucht, deren schauspielerische Fähigkeiten es offen lassen, ob ihre Figur vielleicht tatsächlich einen Nervenzusammenbruch erlitten hat, aber gleichzeitig dem Publikum die Möglichkeit gibt, sich mit ihr zu identifizieren und voll und ganz hinter ihr zu stehen. Bei Juliannes Qualitäten, so impulsiv und so sympathisch zu sein, kann man nicht umhin, sich mit ihr verbunden zu fühlen. Als Mutter von zwei Kindern spürt man bei ihrer Darstellung, dass sie auf diese einzigartige Verbindung zurückgreift, die zwischen Mutter und Kind besteht.“

Die Vorstellung, dass Julianne Moore diese Rolle besetzen würde, begeisterte den Produzenten Jinks schon beim Drehbuchlesen. „Ich wusste, dass Julianne die Rolle der Telly spielen würde, und stellte sie mir vor, während ich die Zeilen las und das Drehbuch immer unheimlicher wurde – besonders, weil wir eben eine Zeit lang nicht wissen, ob sie nun verrückt ist oder tatsächlich Recht hat und alle anderen nicht.“

Cohen fügt hinzu: „Mit Tellys Notlage können wir uns alle identifizieren. Es ist der schlimmste Albtraum eines jeden: eines Tages aufzuwachen und festzustellen, dass die Welt dir weismachen will, dass alles, was du für wahr gehalten hast, nicht wahr ist, und dass du nicht mehr sicher bist, ob du verrückt wirst. Wir haben das alle selbst schon erlebt, dass man sich über die eigene Interpretation der Wahrheit sicher ist, aber andere Menschen völlig andere Vorstellungen davon haben. Und dann stelle man sich vor, niemanden zu finden, der deine Ansichten teilt. Das ist ein sehr beängstigender, furchteinflößender Moment.“

Julianne Moores Mitwirkung an DIE VERGESSENEN wurde genauso schnell besiegelt, wie die Schauspielerin das Drehbuch verschlungen hatte. „Was ich für ein Drehbuch empfinde, kann ich immer daran erkennen, wie schnell ich es lese“, sagt sie. „Durch dieses bin ich geradezu gerast. Ich war davon überzeugt, dass es ein klassischer, aufregender Psychothriller ist. Ich mag Filme, die schnell, unterhaltsam und unheimlich sind, die aber zugleich Spaß machen. Und dieser hat zusätzlich ein bewegendes, menschliches Element. Die Hauptthematik ist, was wir unseren Kindern, unserer Familie, den Menschen, die wir lieben, gegenüber wirklich empfinden. Das ist das Bewegende an diesem Film.“

Einerseits war sie von Tellys Pragmatismus begeistert und andererseits davon, wie ihr Alltag dabei trotzdem so schnell ins Chaos entgleitet. „Telly ist eine kluge und einfallsreiche, arbeitende Mutter, wie viele andere Mütter, die ich kenne – die in Brooklyn Heights lebt“, fährt Julianne Moore fort. „Ich hatte das Gefühl, sie zu kennen, dass ich sie war, dass ich Freunde wie sie habe. Also empfand ich alles, was sie tut, als ganz natürlich. Sie geht nicht anders vor, als jeder andere es in der gleichen Situation tun würde. Sie unternimmt jede Anstrengung, um zu beweisen, dass ihr Sohn existiert. Und dabei versucht sie auf ihrer Reise andere zu finden, die ihr helfen können.“

Obwohl sie von anderen, die vermuten, dass sie Wahnvorstellungen hat, zurückgewiesen wird, findet Telly schließlich einen Verbündeten in dem abgebrannten, ehemaligem Hockeyspieler Ash Correll (DOMINIC WEST). Sie treffen sich zufällig auf einem Spielplatz. Telly glaubt, dass ihr Sohn Sam hier einmal mit Ashs Tochter Lauren gespielt hat.

Der in England geborene Dominic West hat in den letzten Jahren in rasantem Tempo als Hauptdarsteller die Stufen der Karriereleiter erklommen. Cohen erinnert sich daran, dass er ihn unlängst in der neuen Broadway-Version von Noel Cowards klassischer, romantischer Dreieckskomödie „Design for Living“ mit Alan Cumming und Jennifer Ehle gesehen hatte und kurz darauf in der fesselnden, dramatischen HBO-Serie „The Wire“. Zuletzt spielte er den verführerischen Professor in Mona Lisa Smile (Mona Lisas Lächeln, 2003) neben Julia Roberts. Alle drei Rollen demonstrieren seine beachtliche Vielseitigkeit und in DIE VERGESSENEN, so Cohen, „kann er ohne weiteres neben Julianne bestehen.“

Julianne Moore wusste schon beim gemeinsamen Drehbuchlesen, dass West die richtige Wahl für die Rolle von Ash war. „Eine ganze Menge von Schauspielern sprach vor und las mit mir gemeinsam. Ich wusste auf der Stelle, dass Dominic der Richtige war. Er ist attraktiv, sexy, lustig und sehr leidenschaftlich. Er hat die beneidenswerte Fähigkeit, sehr männlich und zugleich unglaublich emotional zu sein. Und mit ihm hat man das Gefühl, dass alles ohne Probleme verlaufen wird.“
Für Dominic West stellte die Rolle des Ash Correll einen wunderbaren Neuanfang dar, wie er erklärt: „Ich spiele normalerweise immer den unbeliebten Freund. Wenn es ein Engländer ist, dann spiele ich den betrunkenen, abscheulichen Freund“, lacht er. „In diesem Fall spiele ich auch einen Betrunkenen, zumindest am Anfang, der sich aber dann eher in einen Helden verwandelt. Das ist etwas Neues für mich. Und er ist tatsächlich ein guter, ein kerniger Held – ein Mann, der darum kämpft, sich zu verändern, um unmögliche Hindernisse zu überwinden und ein anständiger Kerl zu werden.“

Wie Telly ist auch Ash am Anfang des Films deprimiert und verwirrt. „Ihm ist etwas Schreckliches zugestoßen und er kann sich keinen Reim darauf machen“, erklärt Dominic West, und fügt hinzu, dass er versucht hätte, gegen den Stereotyp des Profisportlers anzuspielen. „Ash hat noch seine sämtlichen Sinne beisammen: Er ist intelligent. Er liest Bücher. Er ist ein Chaot, aber ein interessanter Chaot, welches die Entwicklung seiner Beziehung zu Telly vorantreibt.“

Dominic Wests Entscheidung für das Projekt wurde durch die Tatsache erleichtert, dass es sich bei DIE VERGESSENEN um einen so großartigen Thriller handelt. „Während der gesamten Story wird dieser stetig steigende Druck auf Telly und Ash von allen Seiten ausgeübt. Sie erleben eine Albtraumsituation, in der sie sich an etwas erinnern, an das sich sonst niemand erinnern kann. Sie leben in einem Universum, das niemand kennt und niemand versteht und das an sich ist schon eine Art von Wahnsinn.“

Dominic West gefiel auch die gute Zusammenarbeit mit Joseph Ruben. „Joe ist großartig, denn er ermutigt dich mitzudenken“, sagt er. „Er lässt oft einen prägnanten Satz fallen, durch den du sofort in die Szene eintauchst und lässt dich dann damit weiterarbeiten. Und er unterstützt dich total.“

Auch war er nicht weniger von Julianne Moores Fähigkeiten beeindruckt. „Sie ist unglaublich gut. Vor einer Aufnahme plaudert sie noch mit dir über irgendetwas und sobald jemand ,Action!‘ ruft, bricht sie in Tränen aus oder schäumt vor Wut über. Sie kann diese Emotionen sofort abrufen.“

Die vier weiteren Hauptrollen wurden mit Schauspielern desselben Kalibers wie Julianne Moore und Dominic West besetzt – Gary Sinise, Alfre Woodard, Anthony Edwards und Linus Roache. Gary Sinise, der für seine Rolle als Lt. Dan in Forrest Gump (Forrest Gump, 1994) für einen Academy Award® nominiert worden war, spielt Dr. Munce, den Psychiater, der Telly behandelt. „Munce ist anders als alle Rollen, die ich zuvor gespielt habe“, so Gary Sinise. „Ich spiele gewöhnlich in sich gekehrte, aggressivere Figuren. Munce ist ein sehr bedächtiger Mensch, ein introvertierter Typ, und das macht ihn zu einer interessanten Abwechslung. Außerdem bekam ich die Gelegenheit, mit Julianne Moore zu arbeiten, und das ist ja wirklich nicht schlecht.“

Der unkonventionelle Plot war ebenfalls ein Anreiz für Gary Sinise, wie er selbst sagt: „Die Unvorhersehbarkeit der Story war es, die mich überzeugt hat. Ein guter Psychothriller kann sehr unterhaltsam sein, weil man nie weiß, wem man trauen kann oder bis zum Schluss nicht weiß, was passieren wird.“

Alfre Woodard spielt Ann Pope, eine Polizistin, die in Tellys Fall verwickelt wird. Bevor die Dreharbeiten anfingen, verbrachte Alfre Woodard einige Zeit mit einer Polizistin des New York Police Departements; sie erklärte ihr, dass in den Fällen, bei denen eine Frau involviert ist, sofort die Männer in deren Umfeld überprüft werden. „Sie erzählte mir, dass man selten weiter als bis zur eifersüchtigen Schwester oder einem wütenden Nachbarn gehen muss“, so Alfre Woodard. „Sie sagte: ,Sieh dir nur die Männer in ihrer Nähe an und du bist so ziemlich genau auf dem richtigen Weg‘. Außerdem neige sie dazu, einer Frau zu glauben, insbesondere, wenn das, was sie sagt, von Herzen kommt. Und Telly macht natürlich genau das, was immer auch um sie herum geschieht. Ann Pope orientiert sich an Fakten und sie ist dem gegenüber offen, was Dr. Munce ihr sagt. Doch es gibt etwas an Telly, das direkt aus ihrem Herzen schreit, das ihr nahe geht. Sie glaubt nicht daran, was all die Männer um sie herum sagen. Wenn eine Frau um ihr Kind weint, ist es schwer, darüber hinwegzusehen oder es zu verleugnen.”

Anthony Edwards spielt Tellys Ehemann Jim, der sich von ihr entfremdet hat. Er entschied sich dafür, „weil ich immer dann, wenn ich ein Drehbuch lese, dass ich nicht sofort durchschaue, weiß, dass da viel mehr dahinter steckt. Es ist keine offensichtliche Story und ich wurde immer wieder überrascht. Wenn man so viel Spaß beim Lesen des Drehbuchs hat, kann man davon ausgehen, dass es ebenso sein wird, den Film zu sehen.“

Die Rolle von Jim sei deshalb knifflig, so Anthony Edwards, weil sie das direkte Gegenteil von Telly sei. Doch auch er müsse zur selben Zeit glaubwürdig und sympathisch sein. „Er versucht sicherlich alles, was er kann, um zu helfen, weil sie wirklich in einer Krise steckt. Er glaubt, dass sie verrückt wird. Er ist ernsthaft beunruhigt, weil sich jemand, den er sehr gut kennt, vor seinen Augen vollständig verändert. Das ist beängstigend. Wenn dir das in der Realität passieren würde, würdest du sämtliche Gefühlsschwankungen durchmachen: Wut, Frustration, Mitleid, Verzweiflung.“

Der britische Schauspieler Linus Roache hat die rätselhafteste Rolle im Film. Seine Figur wird einfach als „Der freundliche Mann“ bezeichnet, wie Linus Roache erklärt: „Er scheint freundlich zu sein, deshalb hat ihn der Autor auch so genannt. Die beste Beschreibung meiner Rolle ist wie der Film selbst: Er hat viele Dimensionen. Du denkst, du bist in einer bestimmten Art von Film, und dann findest du dich tatsächlich in einem ganz anderen wieder. Und das ist genau das, was ihn so faszinierend macht. Aber das ist alles, was ich über ihn sagen kann. Jede weitere Information würde es ruinieren.“

Die Entwicklung der verschiedenen Charaktere seiner Rolle erforderte dementsprechend die enge Zusammenarbeit mit Joseph Ruben, fährt Linus Roache fort. „Man muss sein ganzes Vertrauen in den fortlaufenden Prozess legen und darauf, wie Joe arbeitet. Das bedeutet nicht, dass wir herumsaßen und stundenlang über die Rolle redeten. Wir arbeiteten beide nach unserer Intuition, unserem Instinkt. Joe scherzte mit mir und sagte Dinge wie: ,Worum geht es bei deiner Rolle?‘ aber ich wusste, dass er die Funktion der Rolle innerhalb der Story sehr wohl verstand. Aber anstatt darauf herumzukauen, stürzten wir uns ganz hinein und vertrauten einander. Es fühlte sich sehr natürlich an: Es war befreiend – und hat sehr viel Spaß gemacht.“

ÜBER DIE PRODUKTION

Die Stadt New York spielt in DIE VERGESSENEN eine wichtige Rolle, die aber trotzdem nicht in den Credits genannt wird. Die Dreharbeiten begannen im Herbst in Brooklyn, in dem jetzt wieder angesagten Viertel, das von Einheimischen „Dumbo“ („Down Under the Manhattan Brigde Overpass“) genannt wird und bei dem es sich tatsächlich um die Gegend zwischen Manhattan und Brooklyn Bridges handelt. Das Gebiet liefert die Außenszenen von Ash Corrells (Dominic West) Wohnung und den Hintergrund für mehrere Szenen, in denen sich Ash und Telly Paretta (Julianne Moore) Verfolgungsjagden mit der Polizei sowohl im Auto als auch zu Fuß liefern. Der Film wurde an mehreren Orten in Brooklyn und Manhattan gedreht sowie an weiteren Drehorten in der Bronx und in Queens. Zu weiteren Locations in Brooklyn gehören die Stadthäuser in Brooklyn Heights und der westliche Randbezirk des Prospect Parks.

Die Produktion fand mehrere Tage in Manhattans Wall Street und am Chase Manhattan Plaza mit seiner riesigen und markanten Jean-Dubuffet-Skulptur „Group of Four Trees“ statt. Eine Szene, in der sich Telly in der Öffentlichen Bibliothek von Brooklyn aufhält, wurde in der General Society Library in der 44. Straße in Manhattan gedreht, der zweitältesten Bibliothek in New York City und einer der drei letzten Privatbibliotheken von Manhattan. Erbaut in den 1890er Jahren, gehört die Bibliothek zur General Society of Mechanics and Tradesmen der Stadt New York.

Es gab außerdem ein paar Drehorte außerhalb von New York City, einschließlich des Harriman State Parks in Rockland County, dem Westchester Airport in White Plains und zwei Drehorte auf Long Island: ein Strandhaus in Hampton Bays und die Dünen des Caumsett State Historic Parks in Huntington.

Die Innenaufnahmen wurden auf dem stillgelegten Military Ocean Terminal in Bayonne, New Jersey, gedreht, wo zahlreiche Sets errichtet wurden: das Innere von Ashs Wohnung, ein Landhaus, das Haus von Dr. Munce, ein Motelzimmer, die Polizeistationen, ein Büro einer Fluggesellschaft, die obere Etage von Tellys Stadthaus und eine riesige, verlassene Flugzeughalle, in der sich der dramatische Höhepunkt des Films abspielt.

„Manhattan ist dieses irgendwie ominöse Ding, das über die Schulter von Brooklyn schaut, und eine eigene Rolle in unserem Film übernimmt“, so Produzent Dan Jinks. „Das ist ganz genau die Stimmung, die Joe Ruben anstrebte. Hinzu kommt, dass wir im Herbst und Winter drehten, wenn es kahl, kalt und ungemütlich aussieht und dies ganz besonders in Brooklyn.“

Produzent Bruce Cohen stimmt zu: „Es war wirklich aufregend für uns, in New York zu drehen. Leider sind über die Jahre viele Produktionen aus finanziellen Gründen nach Kanada, Australien und selbst North Carolina verlegt worden. Aber wir hätten damit die greifbare Atmosphäre verloren, die uns nur New York City bieten kann. Die Stimmung, die dem Film durch die Dreharbeiten in New York verliehen wird, wird dadurch noch deutlicher hervorgehoben.“

Der Fakt, dass Julianne Moore in New York City lebt, spielte außerdem eine Rolle bei der Entscheidung, den Film vor Ort zu drehen. „Ich lebe hier, meine Kinder gehen hier zur Schule, und ich wollte nicht von hier fort“, erklärt sie. „Aber es war auch deshalb wichtig, hier zu drehen, weil die Stadt fast wie eine eigene Rolle in dem Film übernimmt. Ich mag die riesige urbane Präsenz. Sie verleiht der Story zusätzliche Nuancen.“

Linus Roache war ebenfalls froh darüber, dass der Film in New York gedreht wurde. „Alle amerikanischen Projekte, die ich gedreht habe, wurden letztlich in Kanada produziert. Es ist wirklich fantastisch, endlich einmal auf amerikanischem Boden zu drehen. Und New York ist meine Lieblingsstadt auf der ganzen Welt – und deswegen fand ich es toll. Ich mag diese New Yorker Atmosphäre – das war schon immer so. Mit einer New Yorker Crew zu drehen, ist an sich schon ein großer Spaß. Es gibt dort so viel Energie.“

Auf der anderen Seite bedeuteten die Dreharbeiten in New York aber auch, dass man die unvorhersehbaren Wetterbedingungen miteinbeziehen musste. Steve Nicolaides berichtet: „Die größte Herausforderung bei den Dreharbeiten ergab sich dadurch, dass sich der Regisseur und der Studiochef eine kalten Winterlook für den Film wünschten. Wir starteten Ende Oktober. Das bedeutete das Wetter betreffend in einer sehr unbeständigen Zeit des Jahres, weil der Herbst hier in den Winter übergeht, aber die Story nur über einen Zeitraum von 2 Wochen stattfindet. Wenn man also mit den Dreharbeiten im Oktober anfängt, muss man aufpassen, wenn man im Januar immer noch dreht. Das Wetter in New York ändert sich drastisch zwischen Oktober und Januar. Das ist der schwierigste Teil, wenn man hier dreht.“

Die „Dumbo“-Nachbarschaft war auf den Look und Grundton von DIE VERGESSENEN perfekt zugeschnitten, so Regisseur Ruben. „Wir wollten Drehorte herauspicken, die etwas leicht Heruntergekommenes hatten. ,Dumbo‘ war perfekt, weil Teile dieses Viertels sehr trostlos sind. All die vielfältigen Brückenformen und Highways brachten eine verträumte – und bisweilen albtraumhafte – Stimmung in den Film. Die Straße, in der Telly lebt, ist im Grunde ein idyllischer, schöner Häuserblock, aber direkt dahinter ist die Autobahn. So ergibt sich von Anfang an eine Spannung zwischen diesen beiden Locations. Wir wählten Brooklyn zum Teil, weil es weniger bekannt ist, obwohl Manhattan gleich um die Ecke liegt. Dadurch weiß man dennoch immer ganz genau, wo man sich befindet.“

In Vorbereitung seiner filmischen Inszenierung stellte Joseph Ruben eine Reihe von stilistischen Regeln auf, und er und der Kameramann Anastas Michos befolgten diese zum größten Teil während des gesamten Drehs. „Ich wollte, dass es die meiste Zeit auf gewisse Weise kalt, kahl und schön aussieht und ein warmes Licht hauptsächlich nur im Kinderzimmer setzen“, sagt er. „Wir verwendeten lange Brennweiten, die das Gefühl der Paranoia und des Beobachtetwerdens vermittelten, und sehr kurze Brennweiten, um eine leicht verzerrte Sicht dieser Welt zu zeigen. Wir hatten außerdem einige Regeln bezüglich der Farbgebung. Die erste war, grundsätzlich die Farben aus dem Film zu halten, es sei denn, man zeigt die Kinder. Es gab kein Rot im Film, abgesehen von Juliannes Haaren, also würde sie auffallen, wann immer sie auf der Leinwand erscheint – was sie ja sowieso tut.“

Anastas Michos fügt hinzu: „Unser visueller Stil ist grundsätzlich realistisch. Obwohl wir wollten, dass der Film eine Perspektive hat – dieses Gefühl, beobachtet zu werden – wichen wir nie weit von dieser hervorgehobenen Realität ab. Ich verwendete Filmmaterial, das mir den größten Spielraum ließ. Ich wollte von Anfang an eine digitale Mischform, und unsere Produzenten waren dabei eine große Unterstützung. Die Objektive betreffend verwendeten wir einen Standard-Panavision-Primo-Satz, aber die meiste Zeit blieben wir bei den Weitwinkel- und Teleobjekten. Ein 75mm-Objektiv wurde für die meisten der Master Shots verwendet und einmal haben wir im Nachhinein entschlossen, den Master mit einem 300mm-Objektiv zu drehen.“

Szenenbildner Bill Groom war froh, in Brooklyn drehen zu können, wo er seit beinahe zwanzig Jahren lebt. „Als ich das Drehbuch las, fühlte es sich für mich ganz nach Brooklyn an“, so Bill Groom, der mit Joseph Ruben an all seinen Filmen der letzten zehn Jahre gearbeitet hat. „Wir teilten den Film in zwei Looks auf – den der Erinnerungen und den der Gegenwart. Mein Gefühl war immer, dass, angesichts des emotionalen Stresses von Telly, ihre Erinnerungen realer für sie waren, lebendiger als die Gegenwart, da sie dort verloren ist auf der Suche nach ihrem Kind, von dem niemand glaubt, dass es je existiert hatte. Und dadurch sind ihre Erinnerungen in gewisser Weise viel konkreter und realistischer für sie. Anastas Michos hatte außerdem das Gefühl, dass die Erinnerungsmomente des Films lebendiger und farbiger als die Gegenwarts-Szenen sein sollten, die mit eher düsteren Farben belegt waren – nicht monochrom, aber sehr gedämpft und weniger intensiv als die Farben in den Erinnerungen.“

„Ich glaube, dies ist der einzige Film, in dem die Drehorte, die wir in Brooklyn fanden, genauso gezeigt werden, wie sie sind“, setzt Bill Groom fort. „Dies ist das Brooklyn, in dem die Menschen tatsächlich leben und das über eine charmante, wunderschöne Architektur verfügt. Brooklyn Heights hat im Vergleich zu sämtlichen Städten in den Vereinigten Staaten die größte Anzahl intakter Vorbürgerkriegshäuser. Es war eines der ersten charakteristischen Viertel des Landes. In Brooklyn existiert eine „middle“ und „upper middle class“-Welt, über die die meisten Menschen – selbst New Yorker – gar nichts wissen. Viele Jahre lang war Brooklyn ein wohl gehütetes Geheimnis und die Menschen, die hier lebten, waren froh, dass der Rest des Landes, einschließlich der anderen New Yorker, nichts davon wusste. Brooklyn bot einen Rückzug aus der Stadt, aber man war immer noch nah genug, um zu Fuß nach Manhattan über die Brooklyn Bridge gehen zu können. Es ist wirklich ein interessanter Teil der Stadt, und dieser Film präsentiert Brooklyn so, wie es in der Realität auch ist.“

Ich weiß, was Angst ist. Wie sie sich anfühlt, wie sie den Verstand lähmt und jeden in ein hilfloses, zitterndes Etwas verwandeln kann. Ich muss von schrecklichen Begebenheiten berichten, die zumeist im Verborgenen, aber manchmal auch in unserer unmittelbaren Nähe geschahen.

G A B R I E L   B U R N S
ES IST AN DER ZEIT, DASS SIE DIE WAHRHEIT ERFAHREN

Der Trend geht zum Hörspiel, dem Buch das man nicht selbst lesen muss. Ständig neue Produktionen und steigende Verkaufszahlen bestätigen diesen Trend. Vorreiter dieses Unterhaltungs-Genres ist, die Hörspielreihe 'Gabriel Bruns' - mehrfacher Gold-Gewinner des "Hörspiel Award 2003". Es setzt hinsichtlich Produktion, Artwork und Vermarktung neue Standards für das Genre und gilt bereits heute in Fan- und Kritikerkreisen als Qualitätsführer und Maßstab der Branche.

Produktion & Stars

Hergestellt wird die Serie von Decision Products, die schon mit Serien wie Point Whitmark ihr Können unter Beweis stellten; verantwortlicher Produzent ist Volker Sassenberg, Drehbuchautor Raimon Weber. Doch nicht nur die Produktion besticht durch exzellente Qualität, auch ein außergewöhnliches Aufgebot prominenter Star-Sprecher – bekannt aus Hollywood-Produktionen, TV und Musik – verleiht dem Werk eine außergewöhnliche Note. Komplettiert wird das Ganze durch ein nie dagewesenes Sounddesign, und einen eigens für das Hörspiel opulent komponierten und von einem großen Orchester eingespielten Soundtrack.

Die einzelnen Episoden vorgestellt

Erzählt wird die faszinierende und epische Geschichte eines wahrhaft außergewöhnlichen Detektivs. Seine Erforschung paranormaler Phänomene und der Kampf gegen übernatürliche Mächte des Bösen führt den Hörer in bisher unbekannte Welten. Es ist der Trip und nicht die Ankunft- Inhaltlich sind die Einzelfolgen in sich geschlossen, vertiefen jedoch die Geschichte mit jeder weiteren Nummer und verfolgen den „Roten Faden“ bis hin zur finalen Auflösung und Zusammenführung der einzelnen Handlungsstränge:

Folge 1 - Der Flüsterer	Folge 2 - Die Brut
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Ich weiß, was Angst ist. Wie sie sich anfühlt, wie sie den Verstand lähmt und jeden in ein hilfloses, zitterndes Etwas verwandeln kann. Ich muss von schrecklichen Begebenheiten berichten, die zumeist im Verborgenen, aber manchmal auch in unserer unmittelbaren Nähe geschahen. Und noch immer geschehen. Es wäre ein verhängnisvoller Fehler, die Menschen darüber im Unklaren zu lassen. Es ist an der Zeit, dass sie die Wahrheit erfahren. Steven Burns Verstand befindet sich im freien Fall. Ihm bleibt keine andere Wahl, als das Angebot eines geheimnisvollen Fremden anzunehmen. 1000 Meilen nördlich von Vancouver begegnet Steven Burns den ersten Boten einer furchtbaren Macht und den Schatten seiner eigenen Vergangenheit. Der Zustand des Todes erfährt eine neue Dimension. Hörprobe #1 Hörprobe #2	Die Sonne verbarg sich hinter einer dichten Wolkendecke. Endlos wand sich d er nasse Asphalt in verschlungenen Kurven. Möwenschwärme stießen immer wieder auf das kleine Städtchen hinab, um mit heiserem Krächzen eine Mahlzeit zu ergattern. Die Wellen warfen sich dunkelgrün und schäumend gegen das steinige Ufer. Steven Burns fuhr sich mit der Zunge über die trockenen Lippen. Genau in diesem Moment klopfte der Tod an die erste Tür in Port McNeill. Eine kleine Stadt gerät in den Strudel mysteriöser Morde ohne jedes Motiv. Nur Gabriel Burns und der Kindmann erkennen die grauenvollen Zusammenhänge: Etwas will den Menschen ihr Kostbarstes rauben.
Folge 3 - Experiment Stille	Folge 4 - Angst aus Eis
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Manchmal erscheint mir das Leben wie ein schrecklicher Albtraum. Manchmal verbirgt sich das Böse hinter dem Banalen - dann schlägt es wieder offen zu. Umgeben vom tiefblauen Pazifik tauchte Seahawk Five wie das Werk eines größenwahnsinnigen Konstrukteurs vor Steven Burns auf. Das Band der kanadischen Küste verschwand hinter einer Nebelwand. Zuerst spürte er nur ein feines Kitzeln, als würde eine Feder sein Gesicht berühren. Reflexartig führte er seine Hand an die Schläfe. Seine Fingerspitzen fühlten noch kurz etwas Kaltes, dann verschwand es schlingernd in seinem Ohr. Was verbirgt sich hinter der absoluten Stille? Ein geheimes Regierungsexperiment stößt auf die fahlen Orte. Gabriel Burns Weg führt in die ewige Dunkelheit des Nordpazifiks, in den Tiefen verbirgt sich das größte Rätsel der Menschheit.	Menschliche Konturen zeichneten sich unter dem grauen Laken ab. Der Isländer hob das Tuch. Das Gesicht des Toten spiegelte namenloses Entsetzen wieder. Der Gletscher lag da wie ein gewaltiges Urtier. Eine Zeitlang konnte man sich einreden, es sei der Wind, der über die eisigen Flächen streicht. Es knirschte und brodelte, wenn sich die Eismassen millimeterweise talwärts schoben. Es donnerte, wenn seine Flanken aufbrachen. Jetzt... nach dreißig Jahren gab der Gletscher sein düsteres Geheimnis frei. Es näherte sich von Nordwesten.
Folge 5 - Nachtkathedrale	Folge 6 - Die Totenmaschine
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"Voran, mein Freund! Pass auf, dass dich niemand sieht. Spürst du ihren Schmerz? Kannst du ihre Angst riechen? Im Angesicht des Todes hat jeder seinen eigenen Geruch. Wusstest du das? Natürlich! Du bist ein Genießer. Du liebst diesen Duft." Entsetzliche Morde erschüttern die Stadt. Ein Wahnsinniger signiert seine Opfer. "Geschraubt. Der Täter benutzte Schrauben. 6,5 Zentimeter lang, Spezialgewinde, gehärtet. Außerdem wurde ihr eine Niere entfernt." Der Ort war erfüllt von Gemeinheit. So intensiv, dass Steven Burns meinte, sie mit Händen greifen zu können - sie mit jeder Pore seines Körpers aufzusaugen.	Die stählernen Räder des Zuges kreischten... Lee Sung Joo, der Polizist lag mitten im Gang des Mountain Whistler. Seine Augen waren weit aufgerissen. Blut rann aus dem Mund. Er hatte sich die Zunge zerbissen. Es heißt, jene, die dem Tode ganz nahe waren, hätten ein gleißendes Licht gesehen. Verheißungsvoll... Aber es war ganz anders. Ein Mann stand in der geöffneten Waggontür. Er breitete die Arme aus, wedelte mit den Armen wie ein Vogel... und sprang. Der Körper schlug hart auf, rollte mit umherwirbelnden Gliedmaßen über den Beton des Bahnsteigs und regte sich nicht mehr. Hörprobe #1
Folge 7 - Die Fänge des Windes	Folge 8 - Nebelsee
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Nordafrika 1936. Das besetzte Bengasi ist ein Ort der Willkür... von Gewalt und Verschwendung. Der Kopf des Archäologen sank auf die Brust. Blut flutete sein Hemd. Wenig später macht sich ein geheimer Konvoi auf den Weg zu den Kufra-Oasen... Der Mann zitterte. Das Dunkel umschloss ihn wie ein lebendes Wesen. Glitt über seinen Körper, betastete ihn. Er hatte das Gefühl, als würden Hunderte, neugieriger Augen auf ihn herabsehen. Bis tief in sein Innerstes. Hinter ihm... in der Finsternis... jemand schrie mit überschnappender Stimme.	In Ufernähe liegen dicke Äste, die unter dem schwärzlichen Wasser wie die Körper Ertrunkener schimmern. In den unergründlichen Tiefen des Sees lauert kalter Schmerz ... Dann verschwindet der kleine Junge. "Unter ihm eroberte der Nebel den Brunnen im Hof, glitt über den alten Kombi seiner Mutter und verschluckte ihn, bis nur noch die Radioantenne mit der roten Plastikkugel auf ihrer Spitze herausragte. Sie vibrierte, als hätte sie etwas in Schwingung versetzt. Eine kleine, geduckte Gestalt bewegte sich am Zaun entlang, dann war sie außer Sichtweite." Eingebettet zwischen Bergen und endlosen Kornfeldern ... Hörprobe #1 Hörprobe #2
Folge 9 - Am Grenzgebiet
	Bukarest hüllt sich in Angst. Jene, die mehr wissen, müssen qualvoll sterben. "Er war nackt an ein blankes Matratzenrost gebunden... Strom jagte unablässig durch seinen Körper und versetzte ihn in spastische Zuckungen. Die Augen waren blind, wie zwei hartgekochte Eier." Die Spur der Mörder führt in das Labyrinth des Donaudeltas. Seit Jahrzehnten verbirgt sich dort ein Alptraum vor der Außenwelt. Steven Burns und Larry Newman treffen auf ihre gefährlichsten Widersacher. Das Netz verdichtet sich. nur 9,99 € - jetzt bestellen
...more to come!

Der Sound wurde von Lucasfilm digital überarbeitet und aufwendig abgemischt, und für die Hörspiele haben Universal Music und WortArt die erfolgreichsten Profis aus dem Bereich Hörspiel verpflichtet. So konnte als Erzähler eine der markantesten und beliebtesten deutschen Stimmen gewonnen werden: Joachim Kerzel, bekannt aus vielen Hörspiel- und Hörbuch-Produktionen und als Synchronsprecher vieler Hollywood-Größen wie Jack Nicholsen oder Dustin Hoffmann.

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Mitreißend und ergreifend führt er den Hörer durch die unglaublichen Abenteuer von Luke Skywalker und seinen Freunden - und das unter der Regie von Hörspiel-As Oliver Döring, dem Macher der erfolgreichen neuen John Sinclair-Hörspiele. In einer atemberaubenden Abmischung bindet er die Erzählpassagen in den Originalton der Filme ein und erlaubt es jedem Fan sofort, in das einmalige Star Wars-Feeling einzutauchen.

Außerdem mit an Board sind Bekannte Sprecher wie z.B. H. G. Panczak (Bruce Lee, Jackie Chan, Kurt Russel, Dwight Schulz, George Clooney, oder Edward Furlong) und auch der unvergleichliche Wolfgang Pampel, die exklusive Synchronstimme von Harrison Ford und Larry Hagman, sowie Sprecher für Richard Chamberlain, Michael Caine, John Belushi und Gerard Depardieu.

Wir habe für euch einige Hörproben bereitgestellt - viel Spaß beim Reinhören!

Besonders Sprecher Joachim Kerzel vermag es den epischen Schlachten leben einzuhauchen - vor dem geistigen Auge verfolgt man die Geschehnisse und alles ist zum greifen nahe. Eine sehr gute Umsetzung der Filmvorlage. So kann man Star Wars auch mal beim Autofahren oder im Flugzeug genießen. Hut ab!
Extrem rares Bildmaterial und bisher unveröffentlichte Fotos, zusammengefasst in einem luxuriösen,12-seitigen Booklet, runden dieses großartige Fan-Item ab – ein „Must-Have“ für jeden STAR WARS-Fan.

Letztes Jahr stand in unserm Convention Fazit: „nächstes Jahr kann es eigentlich nur noch schlechter werden...“ Und zugegebenermaßen: es war wirklich nicht leicht die letzte Galileo7.7 mit ihren Gaststars Kate Mulgrew oder John deLancie, der grünen Stadthalle und der freundlichen Atmosphäre zu toppen. Ein Mann hat es dennoch geschafft alle Sterne des Convention-Firmaments zu überstrahlen: Patrick Stewart. Sein erster Auftritt auf einer deutschen Convention setzte Maßstäbe.
Und ja, Patrick Stewart ist wirklich da gewesen – allen Zweiflern zum trotz, die nach unserer Ankündigung in diesem Frühjahr uns am liebsten die Axt sonst wo hin geschoben hätten. Bildungsferne Elternhäuser rechtfertigen einiges, aber eben nicht alles.

Aber auch abseits der Ikone Stewart war die achte Galileo7 Convention nicht von schlechten Eltern. Die neue Location im Swissotel in Neuss war gut gewählt und bot für die anwesenden Gäste die perfekte Synergie aus ‚genug Raum zum Atmen’ und ‚schönes, enges Familiengefühl’. Noch größer wie in diesem Jahr sollte die G7 jedoch nicht mehr werden – das Motto ‚join the family’ könnte sonst leiden.
Sehr erfreulich waren die Preise der Speisen die zur Mittags- und Abendessenszeit vom Hotelpersonal kredenzt wurden. Weniger toll hingegen die Preise auf der Cocktailparty – 9,20€ ist entschieden zu viel für einen 0,2l Longdrink. Spaß sollte nicht das Privileg von wenigen sein.

Besonders hervorzuheben ist auch dieses Mal wieder die Freundlichkeit und Hilfsbereitschaft der Con-Helfer selbst zu Zeiten der Anspannung (Patrick Stewarts Panels). Und überhaupt: man fühlte sich den Gaststars wieder einmal extrem nah – selbst bei Patrick Stewarts Auftritten war von der verstärkten Security kaum etwas zu sehen. Auch das Hotelpersonal war durchgehend freundlich – allerdings nur bis exakt zu dem Punkt wo die Veranstaltung endete. Gegen 18:30 Uhr riss ein glatzköpfiger Hotelangestellter unsere 90€ Kunstdruckposter mit den Worten ‚Ich will mein Hotel wieder sauber haben’ von den Wänden. Gut dass nichts kaputt ging.

Vom Unerfreulichen zum Erfreulichen: die Show die geboten wurde war, abgesehen von kleinen Schwächen, einfach grandios. Es begann erneut mit einer Lasershow, gefolgt von einem netten Rendermovie mit spaßigen Tribbels. Besonders eindrucksvoll waren die drei Videowände die das Geschehen auf der Bühne aus den verschiedensten Perspektiven zeigten. Unser Lob hierbei an den Koordinator und die Kameramänner.

Abschließend kann man sagen: dies war die bislang beste Galileo7 Convention aller Zeiten – nicht nur wegen Patrick Stewart sondern auch wegen der guten Organisation, der tollen Location, den freundlichen Helfern und den gut gewählten Programmpunkten. Und so möchte ich erneut mit den Worten den letzten Jahres schließen: schade, es kann nur noch schlechter werden…

Die besten Bilder

Manu wird zotig	Daniel R. prüft den TN-Nachwuchs	Patti Yasutake	Rene Auberjonois
Vaughn Armstrong erklärt den Unterschied zwischen gut und böse	Das TN-Team in einer unserer drei 4-Sterne Suiten.	Nana will uns vernaschen	Preiset den Messias
Eastside is da best!	Westside is da best!	Gold für Deutschland!	Patrick Stewart
Meister der BHs	Kira & Odo	Stewart mit dem kleinen Jean-Luc	Auch Stewart findet TNv6 geil.
Wer Bush wählt wird erschossen!	Klingonen unter sich	Dichter- und Denkerpose	Rene und Nana
The Super-Perforator	Alda was geht?	Pre-Pain - das Brot mit dem Schmerz	Sklaven bei der Arbeit

Die komplette Bildergallery

Alle Artikel zur Galileo7.8

Alle Artikel zur Galileo7.8

Closing Ceremony der Galileo7.8  All good things must come to an end...     Nach drei schönen Tagen in Neuss hieß es gegen 17:30 Uhr schließlich ganz tapfer sein. Nicht nur, dass Patrick Stewart von der Bühne gegangen war, nein, auch war es an der Zeit für die Closing Ceremony. Wir verabschieden uns von der 8. Galileo7 Convention aus Neuss und hoffen, ihr hattet viel Spaß!   Panel 2 Patrick Stewart  ...noch lockerer, noch besser!     Bei seinem zweiten und abschließenden Auftritt auf der diesjährigen Galileo 7 betrat ein sichtlich entspannter Patrick Stewart die Bühne. Waren ihm am Vortag die Strapazen der Anreise ein wenig anzumerken, wirkte Stewart dieses Mal deutlich frischer und spritziger...   Panel Nana Visitor + Rene Auberjonois  Nicht nur im TV ein gutes Gespann...     Mit leichter Verspätung betraten Nana Visitor und Rene Auberjonois die Bühne der Galileo7. Tosender Applaus für das Traumpaar aus Star Trek: Deep Space Nine. Als der Applaus nachlässt, setzten sich Nana und Rene auf die Stühle, die für sie auf der Bühne standen...   Interview mit Vaughn Armstrong  Admiral Forrest im exklusiven Gespräch     Er hat so viele Gastrollen in Star Trek gehabt wie kein Anderer: Vaughn Armstrong. Daniel Räbiger und Nadir Attar haben sich mit dem beliebten Admiral über ihn und seine Rolle in Enterprise, die sich mit einigen wohl schwerwiegenden Änderungen auseinandersetzen muss, unterhalten.   Panel Patrick Stewart  ...und er war doch da!     Tosender Applaus. Standing Ovations. Minutenlang. Richtig, die Rede ist von Patrick Stewart’s erstem Panel am Samstag Abend. Der wohl einzig wirkliche Hollywood-Star unter den Star Trek Darstellern betrat die Bühne der Galileo7-8 im Swissôtels in Neuss. Doch bevor er sein Panel begann, bat er Conleiter René Ahlberg sein Vorstellungsvideo noch einmal abzuspielen, da er auf Grund einer technischen Panne den Film hinter der Bühne nicht sehen konnte...   Panel Nana Visitor  Die quirlige Ex-Terroristin auf der Bühne     Der Kostümwettbewerb hatte um einiges überzogen, sodass erst um 19:25 Uhr Nana Visitor ihr Panel beginnen konnte. Der Stimmung tat dies jedoch keinen Abbruch, die Schauspielerin wurde mit einem tosenden Applaus empfangen. Zum Anfang schilderte sie ihre Probleme auf die Bühne zu kommen, da der Backstagebereich zu dem Zeitpunkt komplett für Patrik Stewart abgesperrt wurde. Das anwesende Conpersonal schaffte es dennoch Nana auf die Bühne zu bekommen, sodass das Panel beginnen konnte...   Interview mit Nana Visitor  Major Kira im exklusiven Gespräch mit uns     Die freundliche Terroristin bei treknews.de im Gespräch über ihre Arbeit, zukünftige Projekte und vieles mehr. Markus Sampl hat sich für Euch mit Nana Visitor unterhalten...   Panel Rene Auberjonois  „Just think of the money“     Um 16:30 Uhr war es endlich soweit: Rene Auberjonois betrat mit tosendem Applaus die Bühne. Es ist inzwischen seine dritte Convention in Deutschland, nach Hamburg und Bonn. Der Schauspieler spielte vor kurzem in der amerikanischen Version von TANZ DER VAMPIRE auf, jedoch war das Musical nicht so erfolgreich wie hierzulande, was Rene sehr bedauert. Er vermutet, dass es daran lag, dass der Hauptdarsteller Michael Crawford seine Rolle eher wie das „Phantom of Transilvania“ rüberkam...   Patti Yasutake Panel  911 – Nurse in Space     Zum erstenmal in ihrem Leben betrat Patti Yasutake mit einiger Verspätung die Bühne einer deutschen Convention. Begeistert von den partyfreudigen Deutschen begann Patti mit ihrem Panel und erzählte von ihrer Verbindung zu Star Trek vor ihrer Zeit bei Next Generation. In ihrer Jugendzeit waren die Minderheiten im US Fernsehen kaum vertreten und so war es etwas besonderes, wenn man George Takei, quasi einen Verwandten, im TV zu sehen bekam. Folglich versammelte sich die gesamte Familie vor dem Fernseher, um die klassische Star Trek Serie zu sehen...   Garrett Wang Panel  Wallendes Haar und der dritte Ellenbogen     Am Nachmittag präsentierte sich – besonders begehrt von bebender Begeisterung weiblicher Fans – Garrett Wang alias Ensign Harry Kim dem Blitzlichtgewitter der Kameras. Nach fünf Minuten des Posierens, Haareschwingens und akrobatischer Einlagen machte sich Garrett Wang mit der Herkunft des Publikums vertraut – sonst hätten wir wohl niemals herausgefunden, dass nur ein Franzose im Publikum saß…   Panel Vaughn Armstrong  Welcome back, Vaughn!     Direkt nach der Pause, als noch viele Zuschauer auf dem Weg zurück vom Essen waren, betrat Vaughn Armstrong, Publikumsliebling der letzten Cons, die Bühne. Frenetisch wird er bejubelt und leicht beschämt muss er zugeben, dass er eigentlich gar nicht so viel zu erzählen hat. Sein Privatleben scheint in letzter Zeit vom Pech verfolgt zu sein. Erst wurde sein Wagen gestohlen und letzte Woche wurde der Wagen seiner Frau, mit er fuhr, von einem anderen Fahrzeug gerammt. Glück im Unglück, die Versicherung übernahm jedoch die Kosten...   Panel JG Hertzler und Robert O´Reilly  Zwei Klingonen, eine Meinung     Um 11:45 Uhr am Samstag begann das erste Doppelpanel der diesjährigen Galileo 7 Convention. Nach einem fetzigen Intro-Video und begleitet von tosendem Applaus betreten die beiden Darsteller die Bühne. Beide sind bekannt für witzige Bühnenshows und auch dieses Mal wurden die zahlreichen Zuschauer nicht enttäuscht...   Panel Manu Intiraymi  Der selbsttitulierte Kinderhasser     Das Panel, das etwas verspätet anfing, weil u. a. Manu Intiraymi verschlafen hatte, wurde von René und einem Fan anmoderiert. Die Holländerin Antoinette, die sich gestern um einen Platz als Co-Moderatorin beworben hatte, sagte nach etwas Smalltalk und Witzen ihren Star an, der unter Applaus die Bühne betrat. Er entschuldigte sich für seine leicht lädierte Stimme, die unter der Cocktailparty am Vorabend, die für ihn bis um 3 Uhr morgens ging, zu leiden hatte...   Die Cocktail-Party  Dekadenz für Jedermann     Das TREKNews Team im Anzug - das ist ein Anblick den man höchst selten sieht. Zum Glück haben sich die Organisatoren der Galileo7 Convention dazu etwas einfallen lassen: den Dresscode für die Freitag-abendliche Cocktail-Party. Wir haben demnach keine Kosten und Mühen gescheut, das 30€ C&A Jacket übergeworfen, die Leinenhose von Caritas angelegt und die stilechte Star Trek Krawatte umgebunden...   Panel Rainer Schöne  Auf der Jagd nach dem BH...     Der erste Schauspieler, der sein Panel auf der diesjährigen Galileo 7 Convention halten durfte, war Rainer Schöne. Gleich nach Patrick Stewarts Managerin Jackie Edwards betrat der sympathische Mime sichtlich gut gelaunt die Bühne und brachte sogleich seine Gitarre mit. Ebenfalls mit dabei hatte er sein Buch, welches nun erscheint und amüsante Anekdoten aus seinem Schauspielerleben erzählt...   Die Opening Ceremony  Grabscherei auf der Bühne!     Am Anfang war das Licht… zuckende Lichter durch den Nebel des Jupitersaals. Richtig, die Rede ist von der Lightshow zu Beginn der Con. Darauf folgt Schwärze. Die Enterprise fliegt durch das All. Sterne rasen an ihr vorbei… doch plötzlich hält sie… an einem intergalaktischen Fußüberweg für Tribbles! Sogar ein Überraschungsgast fand seinen Weg auf die Bühne: Seven of Nine. Wie es dazu kam... schaut euch unsere Bilder an!   Galileo7 - die Pressekonferenz  "UPN - you pretend to be a Network"     Freitag, 13 Uhr… die Frisur sitzt. Nicht nur bei den Redakteuren des TREKNews Teams, nein auch bei den anwesenden Gaststars der Pressekonferenz. Nach der Ankündigung durch Tschiponnique Skupin liefen die ersten Schauspieler ein. Neben Robert O’Reilly, Patti Yasutake, Vaughn Armstrong und Manu Intiraymi waren natürlich auch Nana Visitor, Rene Auberjonois und Garrett Wang anwesend. Zusätzlich gaben Richard Arnold sowie Janet und Larry Nemecek ihr Wissen zum Besten. Die obligatorische Vorstellung verriet meist nicht viel Neues...   Von acht bis acht - TREKNews jetzt in Neuss  vertrauensvolle Fleischmenschen     Die Augenringe saßen tief. Frühmorgens aus den Federn zu steigen für eine knapp 10-stündige Autofahrt hebt die Augenlider nicht gerade – aber das eigentliche Ziel sollte alle Strapazen überwinden lassen wollen; was macht man nicht alles, um Cpt. Picard gegenübertreten zu können… WIR SAGEN DANKE FÜR EUER INTERESSE AN UNSERER BERICHTERSTATTUNG

1944. Der Zweite Weltkrieg scheint für Deutschland fast verloren. Hitler unternimmt einen letzten verzweifelten Versuch, das Ruder noch einmal herumzureißen – mit einem drastischen Hilfsmittel: Okkultismus. Ein buchstäblicher Pakt mit dem Teufel, das Beschwören der Hölle auf Erden soll den Sieg bringen und die Unterjochung der freien Welt besiegeln. Doch die Alliierten schlafen nicht: Um dem Siegeszug des Bösen Einhalt zu gebieten, hat Präsident Roosevelt das streng geheime Bureau for Paranormal Research and Defense (B.P.R.D.) ins Leben gerufen. Unter Leitung des Okkultismus-Spezialisten Prof. Trevor „Broom“ Buttenholm soll die B.P.R.D. Hitlers Pläne unterwandern – ohne dass der Rest der Welt davon Wind bekommt.

Keine Sekunde zu früh nimmt die B.P.R.D. ihre Arbeit auf. Geheime Informationen richten Brooms Aufmerksamkeit auf einen entlegenen, zerklüfteten Winkel von Schottland, wo paranormale Phänomene so geballt auftreten, dass klar ist: Hier plant Hitler seinen großen Okkult-Coup. Hier soll das Böse beschworen werden. Bei Nacht und Nebel wird eine Mission nach Schottland geschickt, um die Transaktion zu verhindern und die Welt zu retten. In Nebel und Eisregen findet das von Broom geführte Militär Bestätigung für die schlimmsten Vermutungen: Kroenen, der unheimlichste und tödlichste Killer der Nazis, dessen Gesicht stets von einer schwarz gefärbten, blank polierten Gasmaske verdeckt ist, führt die Schergen des Bösen an.

Doch eine andere Entdeckung lässt Broom und seine Mannen letztlich das Blut in den Adern gefrieren. Die Nazis haben sich die Dienste von Grigori Rasputin (KAREL RODEN) gesichert, dem bedrohlichsten und größenwahnsinnigsten aller Okkultmagiere. Tatsächlich hat er mit Hilfe der besten Wissenschaftler Deutschlands ein Portal errichtet, das, wenn aktiviert, als direkter Zugang zu den Mächten des Bösen dienen und – schlimmer noch – ihnen den Weg in unsere Welt ebnen soll, auf dass sie ewige Finsternis über die Erde bringen: die Apokalypse. Beherzt schreiten die amerikanischen Soldaten ein. Mit Brooms Hilfe gelingt es ihnen, den gemeingefährlichen Kroenen zu töten, Rasputin auszuschalten und das Portal zu zerstören. Bevor es in sich zusammenbricht, huscht im letzten Moment ein kleines, rotes Geschöpf durch die Membran und versteckt sich in einem Winkel einer Höhle: ein kleiner Höllenhund... Hellboy. Broom lockt ihn mit einem Schokoriegel und nimmt sich seiner an...

Einige Jahre später ist Hellboy (RON PERLMAN), ein ewiger Teenager im Körper eines unzerstörbaren, mächtigen und kräftigen Kolosses, die beste Waffe der immer noch verdeckt für das FBI agierenden B.P.R.D. im Kampf gegen übernatürliche Bedrohungen. Unter der väterlichen Fürsorge und Aufsicht des mittlerweile greisen Broom (JOHN HURT) ist der aufsässige und gleichzeitig immer etwas unsichere Hellboy mit seiner gewaltigen steinernen Faust und den (um menschlicher zu wirken) bis zum Ansatz abgeschliffenen Teufelshörnern das beste Monster, das man sich im Kampf gegen düstere Gestalten wünschen kann. Ihm zur Seite steht der „Mer-Man“, sprich: Fischmann, Abe Sapien (DOUG JONES), der in einem Aquarium im geheimen Gewölbe der B.P.R.D. haust und über eine außerordentlich hohe Intelligenz und verblüffende Wahrnehmungsfähigkeit verfügt. Hellboy hat Muskeln; Abe hat Grips.

Über allem wacht Professor „Broom“ Buttenholm, der dem nicht immer leicht zu bändigenden Hellboy ein ausgezeichneter Vater ist. Wenn Hellboy mal wieder aus der Reihe tanzt, stellt er sich schützend vor ihn und verteidigt ihn auch standhaft gegen die Kritik des bürokratischen FBI-Chefs Tom Manning (JEFFREY TAMBOR), dem die Eskapaden seines roten Monsterjägers ein entschiedener Dorn im Auge sind. Größere Sorge bereitet Broom allerdings ein anderes Problem: Der alte Mann spürt, dass ihm nicht mehr viel Zeit bleibt. Was soll mit Hellboy geschehen, wenn er nicht mehr da ist? Zu diesem Zweck hat er den blutjungen, frisch gebackenen FBI-Agenten John Myers (RUPERT EVANS) direkt aus Quantico zur B.P.R.D. geholt: Zunächst soll er nur der neue menschliche Kompagnon von Hellboy werden. Doch nach und nach soll er auch die Rolle Brooms übernehmen und Hellboys neue Bezugsperson werden.

Hellboy, der gerade einmal wieder Stubenarrest absitzt, ist wenig angetan von dem Neuen. Er hat aber keine Zeit, sich darüber vertiefende Gedanken zu machen. Denn die B.P.R.D. wird gebraucht: In einem Museum treibt eine erschreckende Kreatur ihr Unwesen. Nur Hellboy kann sie zur Strecke bringen. Während er sich dem Monster im Zweikampf stellt, versucht Abe Sapien in Windeseile, Informationen über den unbekannten Gegner zu sammeln. Er macht seinem Ruf alle Ehre: Bei dem glibberigen Wesen handelt es sich um Sammael, dem Dämon der Wiedergeburt. Wie er zu besiegen ist, kann Abe allerdings nicht sagen. Also erstreckt sich die wilde Keilerei über das Museum hinaus auf die Straße mitten hinein in eine Halloween-Parade. In einer U-Bahn-Station kann der rote Held das Untier schließlich besiegen – glaubt er zumindest. Denn was Hellboy nicht weiß: Wenn man Sammael einmal tötet, kehrt er doppelt zurück.

Der Sieger nutzt die Gelegenheit, unbeobachtet zu sein, und büchst wieder aus. Beinahe magisch wird er vom Bellamie Hospital angezogen. Dort hat sich seine Vertraute Liz Sherman (SELMA BLAIR) selbst einweisen lassen. Sie verfügt über pyrokinetische Kräfte, die sie aufgrund ihres aufbrausenden Temperaments aber nicht kontrollieren kann. Deshalb trägt sie die Schuld am Tod ihrer Eltern und anderer unschuldiger Menschen, womit sie einfach nicht fertig wird. Hellboy stimmt das traurig, denn heimlich ist er schon lange in Liz verliebt. Nur traut er sich nicht, ihr seine Gefühle zu gestehen. Die Angst, als Freak abgewiesen zu werden, ist zu groß. So macht es auch keinen Sinn, dass er Liz bittet, wieder zurück zur B.R.P.D. zu kommen. Ihr fehlt die Kraft dazu.

Abe Sapien macht einstweilen eine erschreckende Entdeckung: Im Museum, in dem Sammael eine Spur der Verwüstung hinterließ, findet er eine rasiermesserscharfe Schwertklinge. Als er sie berührt, kann er sehen, was im Museum vorgefallen ist. Professor Broom ist schockiert: Tatsächlich sind Rasputin und seine Schergen zurückgekehrt. Sie waren es, die Sammael zum Leben erweckt und losgeschickt haben. Für Broom besteht kein Zweifel, dass Rasputin nun das Werk vollenden will, dass er vor sechs Jahrzehnten begonnen hat. Nur ist Broom nicht klar, wie er das bewerkstelligen will.

Man darf keine Zeit verlieren. Im U-Bahn-Tunnel untersucht Abe die Überreste von Sammael und entdeckt frisch gelegte Eier der Höllenbrut, die im Labyrinth der unterirdischen Gänge verschwunden ist. Die B.R.P.D. nimmt die Verfolgung auf und stößt dabei nicht nur auf zwei Sammaels, die eine Reihe von Agenten töten und Hellboy in eine erneute Auseinandersetzung verstricken. Auch alte Bekannte tauchen auf – offenbar ist man auf das Hauptquartier der Gegner gestoßen: Der Killer Kroenen ist zurück und nimmt sein blutiges Geschäft wieder auf. Er tötet den FBI-Mann Clay, einen guten Freund von Hellboy, und stellt sich danach selbst tot. Die B.R.P.D. kann seine Leiche sichern.

Die Spannung im Lager der Okkultjäger ist groß. FBI-Chef Manning stellt Hellboy ein Ultimatum. Myers ist verzweifelt, weil er nicht glaubt, zum Gelingen der Operation beitragen zu können. Broom nimmt ihn erneut zur Seite und erklärt ihm eindringlich, dass er selbst Myers als seinen Nachfolger auserkoren hat. Während sich Broom an die Untersuchung der Leiche Kroenens macht, kümmert sich Myers um Liz und konfrontiert sie damit, dass Hellboy in sie verliebt ist. Der verfolgt das Treffen aus großer Entfernung mit und sieht, wie John mit seiner unerreichbaren Geliebten flirtet. Seine Verzweiflung ist groß. Am liebsten würde er alles hinwerfen.

Zur selben Zeit macht Broom eine grausame Entdeckung: Kroenen, der sein Gesicht und seinen Körper seit Jahrzehnten grausam verstümmelt hat, hatte schon lange kein Blut mehr in seinen Adern, sondern lediglich Sand. Kaum hat er sich abgewendet, gelingt es dem blutleeren Kroenen mit einem Trick, wieder aufzuerstehen. Broom weiß, was das bedeutet. Wo Kroenen ist, kann auch sein Herr nicht weit sein. Tatsächlich hat Rasputin die Finte Kroenens genutzt, um endlich mit seinem Gegenspieler abzurechnen. Bevor er Broom tötet, versichert er ihm, dass er Armageddon heraufbeschwören wird – mit Hellboys Hilfe.

Hektische FBI-Agenten unterbrechen John und Liz bei ihrem Rendezvous. Hellboy, der von einem Dach aus heimlich das Geschehen beobachtet, ist klar, dass etwas Schrecklich passiert sein muss. Als er entdeckt, dass sein Ziehvater getötet wurde, bricht eine Welt für ihn zusammen. Eine Spur führt zu einem Friedhof in Moskau... zum Mausoleum von Rasputin, unter dem sich eine gewaltige Höhlenwelt öffnet. Hellboy will Rache... und weiß nicht, dass es tatsächlich seine Wut ist, die Rasputin benötigt, um seinen diabolischen Plan doch noch in die Tat umsetzen zu können...

ÜBER DIE PRODUKTION

HELLBOY-Schöpfer Mike Mignola, der bei Guillermo del Toros vorangegangenem Film Blade II (Blade II, 2002) als visueller Berater gearbeitet hatte, war in völliger Übereinstimmung mit dem gesamten visuellen Gestaltungsplan, den der Regisseur ausgearbeitet hatte, um die Geschichte seines Helden auf die Leinwand zu bringen. „Meine Kunst ist sehr grafisch. Man müsste annehmen, dass es Grenzen dafür gibt, wie viel man davon tatsächlich umsetzen kann“, überlegt Mignola. „Aber Guillermo hat das HELLBOY-Feeling perfekt eingefangen. Dafür musste er gewisse Regeln etablieren, er musste den verschiedenen Figuren und Designelementen gewisse Formen und Farben zuordnen. Es ist eine ausgesprochen kontrollierte Atmosphäre.“

Del Toro erinnert sich, dass Mignola jedes Mal, wenn er ihm ein neues Set zeigte, sagte, „Das sieht ja so aus, als hätte ich es gezeichnet.‘ Und wenn er das sagte, war ich immer ungemein glücklich. Denn das Interessante daran ist, dass es auch jedes Mal wie etwas aussah, das ich hätte gefilmt haben können. Und das tat ich dann auch“, lacht er. „Es gibt sehr viele Bilder, die an den Comic erinnern. Aber ich wollte nicht einfach nur eine Kopie abliefern, weil ein Film für sich alleine stehen muss. Ich betrachte ihn eher als ein eigenes Projekt, das von einem Comic inspiriert wurde.“

Mignola lobte del Toro nicht nur für seinen Ansatz bei HELLBOY. Tatsächlich ließ er sich selbst von dem, was er beim Dreh sah, aufs Neue inspirieren. „Eines Tages sah sich Mike eine Szene mit Hellboy an, und er bat darum, sie noch einmal sehen zu dürfen“, erinnert sich Produzent Lloyd Levin. „Nachdem er sie eine Weile studiert hatte, sagte er: ,Das muss ich mir merken. Genauso muss ich ihn zeichnen.‘ Das war ein großes Lob für uns und die Bestätigung, dass es Guillermo gelungen war, Mikes zeichnerische Sensibilität auf Zelluloid einzufangen.“

Mignola fügt hinzu: „Manche Comic-Verfilmungen spielen das Comic-Element herunter – für HELLBOY wurde es noch einmal gesteigert. Man nutzte alle Vorzüge der visuellen Gestaltung und Action, wie man sie aus Comic-Heften kennt.“

Für die Produktion versammelte del Toro viele der begabten Künstler, die ihm bereits in der Vergangenheit geholfen hatten, seine Vision bei Filmen wie Blade II (Blade II, 2002) und The Devil’s Backbone (The Devil’s Backbone, 2000) zu realisieren. Mit einigen der kreativen Handwerksleute arbeitete er allerdings auch zum ersten Mal zusammen.

Das erklärte Ziel war es, die individuellen Beiträge zu koordinieren und die Essenz und Einheitlichkeit von Mike Mignolas Comic-Sensibilität auf Zelluloid zu bannen. Dieses Mandat lässt sich deutlich in der Ausstattung von Stephen Scott ablesen. Er benutzte Mignolas Comics als Ausgangspunkt, sondern verstärkte die Wirkung noch, indem er Elemente der gotischen Umgebung des Drehorts Prag in die Designs adaptierte. „Das Bemerkenswerte an dem Setdesign“, merkt Levin an, „ist seine feine Balance. Obwohl der Film starke Fantasieelemente besitzt, soll es so realistisch wie möglich wirken und die gotischen Einflüsse von Prag haben definitiv das Gesamtdesign beeinflusst.“

Das Produktionsdesign unterstrich del Toros Vision und hatte sogar Auswirkungen auf die Leistungen der Darsteller, wie Levin bestätigte: „Ich glaube, es durchdrang ihre Arbeit, weil sie sich in einem so realen Umfeld bewegten; es war manchmal gar nicht so einfach, keine Gänsehaut zu bekommen.“

„Unser Ziel war es von Anfang an, den richtigen Ton zu treffen“, sagt er. „Da sich die Action des Films auf einer betont unrealistischen Ebene abspielt, mussten wir auch das richtige Level für den Look des Films finden, ein wenig jenseits der Realität. Dazu arbeitete man eng mit der Spezialeffekt-Abteilung zusammen.“

Die Comicbücher dienten Scott als Vorlage, erklärt Levin: „Von ihnen ausgehend, entwickelten wir Sets, in die wir Bilder aus den Comics eingearbeitet haben. Zudem wurde ihr Farbschema berücksichtigt: Schwarz und Braun, Schwarz und Grau mit einem Stich Lila und Grün. Auf diese Weise sticht der knallrote Hellboy noch mehr hervor.“

Levin sagt zudem, dass sich Scott stets von den Drehorten selbst stimulieren ließ. „Prag ist voll von unglaublicher Architektur. Es ist unmöglich, sich davon nicht in den eigenen Designs beeinflussen zu lassen, speziell bei einem Film wie diesem“, meint Scott. „Weitere Recherchen umfassten das Studium von Büchern über Friedhöfe, unterirdische Höhlen und indianische Architektur, die Scott viele Einfälle für die Farbgebung und Formen gaben. Außerdem las der Ausstatter Texte über neo-ägyptische Architektur und übernahm die darin als „Abblättern, Verbleichen, Befeuchten und Verwesen“ beschriebenen Techniken für seine Sets.

Eine von Scotts interessanten Herausforderungen war es, in einer Prager Studiohalle einen Abschnitt des New Yorker U-Bahn-Systems nachzubauen. Zur Vorbereitung reiste er nach New York „und verbrachte unendlich viel Zeit damit, von einer U-Bahn-Haltestelle zur nächsten zu reisen und alles Mögliche auszumessen. Die Menschen müssen gedacht haben, dass ich völlig verrückt bin, weil ich in voll besetzten U-Bahnen Fotos machte, Werbetafeln und den Durchmesser der Haltegriffe- und schlaufen ausmaß.“

Jeder, der schon einmal in New York war, wird bestätigen können, dass einen Graffiti vor allem in den U-Bahnen auf Schritt und Tritt verfolgen. „Zum Glück fand ich einen tschechischen Jungen, dessen Hobby Graffitisprühen ist“, lacht Scott. „Ich schickte ihn sofort an die Arbeit.“

Bei der Ausgestaltung seines Designschemas erhielt Scott Unterstützung durch del Toros Können, seine Absichten in Form von Skizzen auf Papier auszudrücken. „Guillermo ist sehr geschickt mit dem Bleistift, was mir ungemein weiterhalf.“ Dazu kommen noch die kompliziert gebauten Katakomben in dem Film, die auf einer Idee von Mignola basieren und noch im Verlauf der Vorproduktion entwickelt wurden.

Bevor er sich an die Aufgabe machte, Sets in voller Größe zu errichten – was insgesamt zwei Monate Konstruktion in Anspruch nahm – oder Außenlocations zu verändern, damit sie seinem Konzept entsprachen, machte Scott Skizzen und baute Modelle. „Ein Modell erzählt immer viele Geschichten. Es bringt die Größe rüber und ermöglicht es einem, das Set dreidimensional zu betrachten“, berichtet er. „Außerdem hatten wir eine Minikamera, die mit einem Fernsehmonitor verbunden war. Sie erlaubte es uns, durch das Model zu spazieren, als befänden wir uns tatsächlich am Set. So erhielten der Regisseur und der Kameramann eine Vorstellung davon, welche Einstellungen möglich waren.“

Als Kameramann, sagt Guillermo Navarro, sei er immer auf der Suche nach Geschichten, die es ihm erlaubten, die visuelle Welt, in der die jeweilige Geschichte stattfindet, zu erforschen und mit ihr zu experimentieren. HELLBOY, das seine dritte Zusammenarbeit mit Guillermo del Toro markiert, entsprach diesen Auswahlkriterien perfekt. „Das ist ein extrem visueller Stoff“, sagt er. „Die Ästhetik tritt sehr stark hervor, weil Guillermo eine so außergewöhnliche Fantasie hat.“

Navarro und del Toro entschieden sich für einen sorgfältig ausgeleuchteten Look, der auf einer peinlichst genau selektierten Farbpalette basierte. „Für Nachtszenen wählten wir beispielsweise ein betont urbanes gelbes Licht“, beschreibt Navarro. Der Grund für diese auffällige Farbe war Teil des Gesamtkonzepts, den Film auf halbem Weg zwischen Fantasie und Realität anzusiedeln. „Die Nächte sind sehr gelb, weil eine Vielzahl der Aufnahmen bei Nacht oder auf extra gebauten Sets spielt. 90 Prozent des Films finden in einem künstlich ausgeleuchteten Umfeld statt.“

Außerdem wurde die Beleuchtung so ausgewählt, erzählt Navarro, dass sie mit dem Make-up übereinstimmte. „Hellboys Gesicht wird von Schatten und Licht geformt und es spielte eine entscheidende Rolle dabei, seine Persönlichkeit zu definieren.“

Um sowohl die Action als auch die emotionalen Aspekte des Films einzufangen, sagt Navarro, „kommen viele verschiedenartige Kamerabewegungen zum Einsatz, um die unterschiedlichen Elemente rüberzubringen. Wir benutzten Steadicams, Technokräne und Hotheads.“

Kostümdesignerin Wendy Partridge, die ebenfalls zum wiederholten Male mit dem Regisseur arbeitete, holte sich ihr Stichwort zum Einsatz direkt bei del Toro ab. Und der hielt sie ganz schön auf Trab. „Wenn man mit Guillermo arbeitet, dann ist das, als würde man mit einem Achtjährigen arbeiten“, merkt sie an. „Seine Energie ist maß- und seine Fantasie grenzenlos. Aus heiterem Himmel lässt er sich völlig absurde Dinge einfallen.“

Eine der Hauptzielsetzungen von Partridge war es, den ursprünglichen Ideen von Mike Mignola gerecht zu werden. „Allein den richtigen Mantel für Hellboy zu finden, war eine gewaltige Herausforderung. Macht man den aus Stoff? Aus Leder? Er hat Schöße, die sich bewegen, was bedeutet, dass man all die Drähte in dem Kostüm ebenfalls verstecken muss. Und weil er von Gebäuden und Mauern herunterspringt, weiß man, dass seine Kostüme zerrissen werden, was uns hinsichtlich der Kontinuität vor einige größere Aufgaben stellt.“

Nicht nur mit dem Produktionsdesigner und dem Kameramann arbeitete Partridge eng zusammen, auch mit der Prothesenabteilung stand sie in ständigem Kontakt. „Bei einem durchschnittlichen Film ist eine enge Zusammenarbeit unerlässlich. Bei diesem Projekt traf das erst recht zu“, sagt sie. Bei der Kostümierung des Wasserwesens Abe Sapien arbeitete sie Hand in Hand mit Spectral Motion, um sicherzustellen, dass sich das Kostüm wie gewünscht um die von der Firma entworfenen Flossen legte, die aus dem Rücken und den Beinen der Figur herausragen. Sapien hat zudem ein mit Drähten befestigtes mechanisches Atemgerät, das in ihren Designs verborgen werden musste. Zum Glück befanden sich die Räume für die Kostümabteilung und die Prothesenabteilung unmittelbar gegenüber voneinander. „So konnten wir für Anproben hin und her laufen und sicherstellen, dass alle Dinge zusammenpassten und funktionierten. Letztendlich war sein Kostüm nicht nur praktisch, sondern sah auch cool aus.“

Partridge begann mit ihrer Arbeit in Kanada, wo der Großteil der grundlegenden Garderobe hergestellt wurde. Für Anproben musste sie immer dahin fliegen, wo der entsprechende Schauspieler wohnte. Zwei Wochen vor Produktionsbeginn zog sie nach Prag um und errichtete dort mit einer tschechischen Crew einen Laden, um die restliche Garderobe fertig zu stellen. Weil der Film in der heutigen Zeit spielt, hätte sie manches direkt im Laden kaufen können. Doch es waren deutlich weniger Kostüme, als sie sich anfangs ausgemalt hatte: „Ich kaufte solche Sachen wie die Anzüge für die FBI-Jungs ein, aber John Hurts Garderobe ist beispielsweise komplett von Hand gefertigt. Er soll in der Gegenwart exakt dasselbe tragen wie in den 40er Jahren als jüngerer Mann beim FBI. Damit wollten wir unterstreichen, dass er sich niemals geändert hat. Seine Garderobe hatte regelrecht dieses „das gehört einem alten Mann“-Aussehen an sich.“

Für die Garderobe von Selma Blairs „eklektischer und schöngeistiger“ Liz Sherman fand Partridge einige Stücke von der Stange. „Aber Selma ist zierlich, und was am besten an ihr aussah, waren Stücke, die es nicht in mehrfacher Ausführung gab – und wir benötigten von jedem Kleidungsstück mindestens sechs bis acht Exemplare. Also kamen wir nicht darum herum, das meiste davon selbst herzustellen. Das sah an ihr nicht nur besser aus, sondern war auch einfacher, als endlos in Läden danach zu suchen.“

Eine Sequenz, die die Fantasie der Kostümdesignerin bis an die Grenzen belastete, war die Halloween-Szene auf den Straßen von New York. Sie durfte dabei die Farbe Rot nicht verwenden (Rot ist weitgehend – aber nicht exklusiv – für Hellboy reserviert). Weil es sich um eine Nachtsequenz handelte, schied auch Weiß als Farbe aus. „Selbst unsere Geister musste ich in schmutziges Grau stecken. Natürlich machte es Spaß, all diese kleinen Kinder einzukleiden. Aber sich 500 oder 600 Kostüme einfallen zu lassen und sich dabei nicht zu wiederholen, war ein harter Brocken Arbeit.“

Partridges engster Partner war dabei Mike Elizalde von Spectral Motion. Zu seinen anstrengendsten Aufgaben gehörte die Konstruktion des Bodysuits für die Figur des Sammael, Hellboys Gegenspieler. 15 Mitglieder einer Crew, die insgesamt 30 Leute umfasst, arbeiteten Hand in Hand geschlagene sechs Monate daran.

„Wir bauten sechs verschiedene Anzüge für Sammael, einige davon für die Stuntleute“, erzählt Elizalde. „Auf der Außenseite bestehen sie aus Schaumgummi, innen werden sie von einem stabilen Gerüst in Form gehalten. Dort finden sich auch die Batterien, mit denen wir Sammaels Kopf und Fühler bewegen können.“

Für die Stuntsequenzen entwarf Elizalde Stuntköpfe für Sammael, deren Funktionen maximal eingeschränkt wurden („im Grunde ließ sich nur ein einzelnes Auge bewegen“): „Sie hielten verdammt viel aus, aber waren immer noch leicht genug, dass die Stuntleute nicht von ihnen verletzt werden konnten. Wir machten sie aus einem leichtem Polyschaumstoff, der recht großer Belastung Stand hält, ohne dass jemand verletzt oder der Kopf zerdrückt wird.“ Außerdem wurden Stuntarme hergestellt, die leicht und weich genug waren, dass die Stuntleute durch die Luft fliegen und unbeschadet gegen Wände krachen konnten.

Das Hauptkostüm wurde von Sammael-Darsteller Brian Steele getragen. Es war wesentlich komplexer und natürlich auch schwerer. Es wog insgesamt knapp 30 Kilo. „Wenn er erstmal im Anzug drin steckte, trug Brian es mit Ausnahme kurzer Pausen den ganzen Tag über. Er schwitzte darin wie verrückt“, erinnert sich Elizalde. „Er konnte ziemlich viel wegstecken.“

Der Kopf von Sammael war multifunktional. Er hatte Membranen, die sich öffnen und schließen, Augen mit Pupillen, die sich erweitern ließen, Nasenflügel, die beben konnten, und eine dreigeteilte Zunge, mit der die Figur Objekte ergreifen und Gift spucken konnte. Komplexer ausgearbeitete Arme kamen bei Großaufnahmen zum Einsatz, wenn del Toro von Sammael verlangte, dass er auch seine Finger bewegte – was via Fernbedienung bewerkstelligt wurde. „Neben Brian im Anzug“, sagt Elizalde, „hatten wir drei weitere Puppenspieler, die die Kreatur bedienten und dafür sorgten, dass er schleimig und nass und ekelhaft aussah.“

Die feinen Nuancen von Ron Perlmans Darstellung täuschen ein wenig über das peinlichst genaue Auftragen mehrerer Schichten von Make-up hinweg, dem sich der Schauspieler in einem täglichen Ritual ab vier Uhr morgens aussetzte. „Ich finde es absolut erstaunlich, wie subtil die Darstellung von Ron ist und wie er selbst durch das dicke Make-up hindurch wirkt“, merkt Produzent Levin an. „Man sieht da diese unglaubliche Figur. Er ist rot. Er hat Hörner. Er ist riesig. Er hat gewaltige Zähne. Und trotzdem hat man nie den Eindruck, auf eine Maske zu blicken. Er ist eine lebendes, atmendes Wesen, das seinen Gefühlen Ausdruck verleiht – direkt vor unseren Augen.“

„Mir hat es schon immer gefallen, unter Make-up zu spielen“, gesteht Perlman. „Das reicht zurück bis zu meinem ersten Film, Quest for Fire (Am Anfang war das Feuer), damals im Jahr 1980. Das ist wie Alchemie. Man bringt dieses Zeug in deinem Gesicht an, das völlig leblos ist. In dem Moment, in dem es angebracht ist, erwacht es zu Leben. Hellboy mag groß und wild aussehen, aber seine weicheren, menschlicheren Seiten kommen immer durch.“

Trotz seiner jahrelangen Erfahrungen mit dem Tragen von extensivem Make-up gesteht Perlman, dass er sich als Hellboy auf einige Einzelheiten in seinem Ganzkörper-Kostüm besonders einstellen musste. Vor allem der eine steinerne Arm bereitete ihm Schwierigkeiten: „Wie mein Schwanz wurde mein Arm von einer Fernbedienung aus gesteuert. Also konnte ich nichts über die Darstellung von Schwanz und Arm sagen, bis ich den fertigen Film sah.“

Das Schminken dauerte täglich etwa vier Stunden, verrät Make-up-Künstler Jake Garber. Darin eingerechnet sind eine Frühstückspause für die Garderobe und das Einsetzen der Kontaktlinsen durch einen Linsenexperten. „Ron trug vier schaumgummiartige Tech-Applikationen“, merkt Garber an. „Nach einer Vorbereitung, um seine Haut zu schützen, brachten wir das erste Stück an, das Hals- und Bruststück, das ihn umschloss und von seinem Kiefer hinunter zu seinem Schlüsselbein angeklebt wurde. Das Stück reichte bis zu seinen Brustmuskeln und hing dort lose herunter, damit man es anheben konnte, wenn man den Muskelanzug anlegte. Danach kam die Schädelkappe, auf der die Hörner angebracht waren. Dann folgte als Letztes das Gesichtsstück, das mit Ausnahme der unteren Lippe alles bedeckte.“

Nach der Garderobe setzte Perlman seine Kontaktlinsen ein. Danach wurde die untere Lippe justiert. „Zum Schluss setzte ich ihm die Zähne ein“, sagt Garber. Als der Vorgang abgeschlossen war, waren nur noch die Augenlider die echten des Schauspielers.

Auch die Logistik für den Stuntkoordinator Monty Simons bedurfte intensiver Vorbereitung, was auch daran lag, dass es del Toros Wunsch war, die Action so real wie möglich aussehen zu lassen und am Set zu drehen, anstatt sie erst nachträglich mit Computergrafiken einzufügen. „CGI ist in diesem Film eher die Interpunktion, aber nicht der eigentliche Satz“, bestätigt Perlman. „Die dreidimensionale Welt wird hier von CGI unterstützt und erweitert.“

Wie es schon bei Elizalde der Fall gewesen war, wurde auch Simons bei der Arbeit mit der Figur des Sammael vor die größten Herausforderungen gestellt: „Man muss einen Anzug anlegen, der knapp 30 Kilo schwer ist. Er ist sehr elastisch, aber dennoch hat man immer noch einen Stuntman, der all dieses Gewicht bei sehr komplizierten Kampfszenen mit sich herumschleppen und dennoch Markierungen treffen muss – ohne in der Lage zu sein, wirklich etwas zu sehen.“

Monate vor Beginn der Produktion mietete Simons eine Studiohalle an und baute Flugsysteme, um herauszufinden, was er alles mit Hellboy und Sammael anstellen könnte. Die Flugsysteme wurden mit acht speziellen Geschirren für die beiden Figuren ausgestattet, die von Hand angepasst und abgemessen werden mussten. Zudem mussten sie so genannte „pick points“ besitzen – unterschiedliche Punkte, an denen man die Kabel an die Geschirre anbringen konnte, da Simons nicht wusste, wie die Männer sich später in ihren Kostümen ausbalancieren würden, wenn sie erst einmal in der Luft hingen. „Wir verbrachten allein fünf Tage damit, sie vom Boden zu heben und herauszufinden, ob sie umkippten oder auf ihre Hände oder Füße fielen und wie sie reagierten, wenn man sie aus großer Distanz hochzog“, sagt Simons. „In dieser Woche lernten wir sehr viel. Das war äußerst ermutigend, weil man – unglaublich aber wahr – jede Menge mit den Jungs in dem Sammael-Anzug anstellen konnte.“

Bedenken hatte man wegen Hellboys riesiger Faust aus Zement. Simons hatte Angst, sie würde die Figur nicht nur schwerer machen, sondern auch ihren Schwerpunkt in einem Maß verändern, dass er völlig außer Balance geraten könnte, wenn er erst einmal am Geschirr aufgehängt werden würde. Dieses potenzielle Problem wurde im Keim erstickt, indem man einige leichtere Fäuste für die Flugszenen entwarf.

Simons harte Arbeit zahlte sich aus in Form der fabelhaft aufregenden Kampfszene zwischen Sammael und Hellboy in einer U-Bahn-Haltestelle sowie der Verfolgungsjagd an Halloween, die fast komplett live am Set gedreht wurden.

Simons studierte auch alle Schauspieler während der Proben, bevor er sich festlegte, wann und ob ein Stuntdouble von Nöten sein würde. „Ich beobachte sie, wie sie am Set hin und her gehen, um ihre Koordination zu studieren und herauszufinden, inwiefern sie ihren Mann stehen können, wenn es zu den Actionszenen kommt. Da muss man blitzschnell denken und unter großem Druck reagieren“, sagt er. „Wenn ich das alles verinnerlicht habe, gehe ich jede einzelne Sequenz durch, Stunt für Stunt, und überlege, wie weit sie gehen können und ab welchem Zeitpunkt ihre Arbeit beendet ist und die Arbeit der Stuntleute beginnt.“

Die Unterwasser-Sequenzen mit Abe Sapien, gespielt von Doug Jones, entstanden als Kombination aus Spezialeffekten und Stuntkoordination. „Da Abe so viel Zeit unter Wasser verbringt, rechnete es sich nicht, diese Szenen vor Ort zu drehen. Ein paar Sekunden Film hätten mehrere Wochen Drehzeit in Anspruch genommen“, sagt Simons. „Allerdings gab es einige Szenen, in denen wir Doug kopfüber herunterhängen ließen und ihn aus dieser Perspektive filmten: Es sah nur so aus, als befände er sich in einem Aquarium. Tatsächlich befindet er hinter einem Doppelglas, in dessen Zwischenraum sich Wasser befand.“

Dem SFX-Leiter Nick Allder fiel die Aufgabe zu, einige der gewagtesten mechanischen Stunts am Set zu realisieren. Dazu zählte auch das Kunststück, einen Jeep Cherokee in die Höhe schnellen, einen dreifachen Salto machen und ihn dann auf den Boden stürzen zu lassen. „Das hat zuvor noch nie jemand gemacht. Es war also eine ganz ordentliche Herausforderung“, sagt Allder.

Dieses Kunststück gelang mit der Hilfe von Kabeln und einem großen Nitrogen-Zylinder. „Man sieht, wie Hellboy auf das Auto zugeht und dann mit der Faust auf die Motorhaube schlägt. Durch die Wucht schnellt das Auto in die Höhe und bleibt förmlich in der Luft stehen. Dann schlägt es über ihm seine Salti und kracht hinter ihm zu Boden. Das war sehr realistisch.“

Für die Action, die sich nicht vor Ort am Set abwickeln ließ, zeichnete der Leiter der Visuellen-Effekte-Abteilung Edward Irastorza verantwortlich. Seine Arbeit umfasste digitalisierte Bilder ebenso wie die Arbeit mit Miniaturen. „Wir haben eine digitale Brücke, die von einem riesigen Pendel zertrümmert wird. Diese Effekte wurden von dem Effekthaus The Orphanage hergestellt“, erzählt Irastorza. „Wenn man Abe Sapien schwimmen sieht, dann handelt sich das um einen digitalen Effekt des Tippett Studios. Wenn Sammael sich etwas schneller als im Spaziertempo bewegt, dann kann man davon ausgehen, dass es sich um einen digitalen Figureneffekt handelt.“

Insgesamt gibt es in HELLBOY etwa 900 Effekte zu bewundern, schätzt Irastorza. Allein in der Eröffnungssequenz in den Ruinen der Abtei kommen 95 Effektaufnahmen zum Einsatz, die meisten davon wurden auf die gigantische Maschine verwandt, die das Baby Hellboy zur Erde transportiert. Ein Jahr, bevor die Produktion begann, legte Irastorza mit ersten visuellen Animatiken los, eine Rohform von Animation, um das Timing für jede einzelne Sequenz festzulegen.

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Die Handlung

Vin Diesels Charakter Riddick hat die letzten fünf Jahre seit seinem Abenteuer auf dem monsterverseuchten Planeten damit verbracht, sich auf der Flucht vor Kopfgeldjägern am Rande der Galaxie herrumzutreiben und sich im Verborgenen zu halten. Schließlich landet Riddick auf dem Planeten Helion, der Heimat einer fortgeschrittenen, multikulturellen Gesellschaft, die jedoch von dem machtgierigen Lord Marshal (Colm Feore) mit Hilfe seiner treuen Krieger, den Necromongers, unterjocht wird.

Riddick wird gefangen genommen und muss fortan in einem unterirdischen Gefängnis sein Dasein fristen, in dem es alle Klimazonen von arktischer Kälte bis vulkanischer Hitze zu ertragen gilt. Dort trifft unser Held auf Kyra (Alexa Davalos). Gemeinsam gelingt die Flucht. Schlussendlich aber landen beide im Mutterschiff der Necromanger. Dort muss Riddick in einer apokalyptischen Schlacht gegen Lord Marshal antreten, um das Schicksal aller Wesen, ob lebendig oder tot, zu entscheiden...

Start: 12.08.2004 im Verleih der UIP

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Der Hollywoodstar kommt nach Deutschland - und natürlich zu uns in den TREKNews.de Chat! W A N N ? Dienstag, 03.08.2004 ab 16:00 Uhr ist der Chat für Euch geöffnet - Du kannst Dir einen Platz sichern!   ab 17:30 Uhr kommt Hollywoodstar Vin Diesel zu Dir in den Chat! W O ? natürlich direkt auf www.treknews.de I N F O S Aufgrund des großen Andranges müssen wir die Anzahl der Teilnehmer limitieren. Angemeldete Community-Mitglieder erhalten aber auf jeden Fall Vorrang! NICHT VERPASSEN! DIENSTAG 03.08. UM 16:00 UHR

ÜBER "RIDDICK - CHRONIKEN EINES KRIEGERS"

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Wir bringen euch früher ins Kino - wir verlosen insgesamt 20 Karten für die PR-Vorführungen in Frankfurt, Stuttgart, Rostock und Dresden! Mit uns seht ihr den Film über ein Monat vor dem offiziellen Start! Preisfrage Auf welchem Film basiert die Figur des Riddick, die Vin Diesel verkörpert? Pitch Black Kompletter Name Zoolander Telefonnummer* The Ring Email-Adresse Hier will ich ins Kino:   Frankfurt/Main - 12.07.04 Stuttgart - 19.07.04 *Wichtige Hinweise: Aufgrund der kurzen Zeit bis zur Vorführung muss eine Telefonnummer zur Gewinnbenachrichtigung angegeben werden. Wir benachrichtigen die Gewinner jeweils am Vorabend bzw. Morgen der Vorführung telefonisch. Die Vorführung ist im Originalton.

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Vin Diesels Charakter Riddick hat die letzten fünf Jahre seit seinem Abenteuer auf dem monsterverseuchten Planeten damit verbracht, sich auf der Flucht vor Kopfgeldjägern am Rande der Galaxie herrumzutreiben und sich im Verborgenen zu halten. Schließlich landet Riddick auf dem Planeten Helion, der Heimat einer fortgeschrittenen, multikulturellen Gesellschaft, die jedoch von dem machtgierigen Lord Marshal (Colm Feore) mit Hilfe seiner treuen Krieger, den Necromongers, unterjocht wird.

Riddick wird gefangen genommen und muss fortan in einem unterirdischen Gefängnis sein Dasein fristen, in dem es alle Klimazonen von arktischer Kälte bis vulkanischer Hitze zu ertragen gilt. Dort trifft unser Held auf Kyra (Alexa Davalos). Gemeinsam gelingt die Flucht. Schlussendlich aber landen beide im Mutterschiff der Necromanger. Dort muss Riddick in einer apokalyptischen Schlacht gegen Lord Marshal antreten, um das Schicksal aller Wesen, ob lebendig oder tot, zu entscheiden...

Start: 12.08.2004 im Verleih der UIP

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Vin Diesels Charakter Riddick hat die letzten fünf Jahre seit seinem Abenteuer auf dem monsterverseuchten Planeten damit verbracht, sich auf der Flucht vor Kopfgeldjägern am Rande der Galaxie herrumzutreiben und sich im Verborgenen zu halten. Schließlich landet Riddick auf dem Planeten Helion, der Heimat einer fortgeschrittenen, multikulturellen Gesellschaft, die jedoch von dem machtgierigen Lord Marshal (Colm Feore) mit Hilfe seiner treuen Krieger, den Necromongers, unterjocht wird.

Riddick wird gefangen genommen und muss fortan in einem unterirdischen Gefängnis sein Dasein fristen, in dem es alle Klimazonen von arktischer Kälte bis vulkanischer Hitze zu ertragen gilt. Dort trifft unser Held auf Kyra (Alexa Davalos). Gemeinsam gelingt die Flucht. Schlussendlich aber landen beide im Mutterschiff der Necromanger. Dort muss Riddick in einer apokalyptischen Schlacht gegen Lord Marshal antreten, um das Schicksal aller Wesen, ob lebendig oder tot, zu entscheiden...

Start: 12.08.2004 im Verleih der UIP

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Bildergallery (von Angelika Thieme)

Den Anfang machte im Mai 2003 der Cliffhanger " The Expanse", hier wurde der Handlungbogen rund um die "Xindi" und deren Superwaffe eingeleitet. Nach den großen Ankündigungen im Vorfeld, konnte die Episode aber keine wesentliche Quotenverbesserung gegenüber den vorherigen Folgen vorweisen.

223 Regeneration	4,12 Millionen Zuschauer
224 First Flight	3,30 Millionen Zuschauer
225 Bounty	3,54 Millionen Zuschauer
226 The Expanse	3,88 Millionen Zuschauer

Im September 2003 ging es dann mit der Episode "The Xindi" weiter. Der schwächste Staffelauftakt, den jemals eine "Star Trek"-Serie hingelegt hat. Bei der folgenden Episode "Anomaly", konnten die Verantwortlichen aber zum ersten mal etwas aufatmen. In der Regel verliert eine Serie nach der Staffelpremiere immer etwas an Zuschauerzahlen, die Gefahr besteht besonders bei Handlungsbögen, die sich über mehrere Episoden hinziehen. "Anomaly" aber stellte sich gegen den Trend und konnte mehr Zuschauer erreichen als "The Xindi". Auch die folgenden Epsisoden konnten recht konstante Zuschauerzahlen ohne große Schwankungen vorweisen. Ein Indiz für die Autoren und Produzenten, dass die Story rund um die "Xindi" eine gewisse Kerngruppe durchaus begeistern konnte, wo wir aber auch schon bei dem ersten Problem des Konzeptes wären. Episoden, die wiederum auf anderen Episoden aufbauen, haben meist keine Chance die Quoten wesentlich zu verbessern, das heißt fallen die Einschaltquoten innerhalb eines solchen Handlungsbogens, ist es sehr schwer diese wieder zu verbessern, da man nur wenige neue Zuschauer gewinnen kann und auf die Kernzuschauer angewiesen ist. Bis zur ersten großen Pause im Winter, konnte die Serie zwar keine wesentlichen Verbesserungen gegenüber dem Ende der zweiten Staffel vorweisen, verlor aber auch keine weiteren Zuschauer im großen Stil, wie nach der ersten Staffel. Negative Ausnahme ist hier die Episode "Exile", die Aufgrund der Übertragung einiger Sportereignisse deutlich unter dem Schnitt lag. Die von den Kritikern gelobte Episode "Similitude", konnte hingegen die besten Einschaltquoten der ersten Staffelhälfte vorweisen. So viele Zuschauer hatten zuletzt die Episode "Future Tense" aus der zweiten Staffel verfolgt.

Trotz mäßiger Promotion in der "Winterpause" seitens des Senders UPN, konnte die erste Episode im Jahr 2004 "Chosen Realm", an den Zuschauerschnitt der ersten Staffelhälfte anknüpfen. Allerdings verlor die Serie in der Zeit bis zur zweiten größeren Pause im März/April, durchschnittlich etwas an Zuschauerzahlen. Hauptgrund hierfür war unter anderem wohl die starke Konkurenz von "American Idol". Zuschauer die trotzdem die Geschehnisse in der "Expanse" weiter verfolgen wollten, wichen auf die Wiederholungstermine aus. Im Gegensatz zu den noch recht überschaubaren Verlusten die "Star Trek: Enterprise" hinnehmen musste, verlor Zielgruppenonkurent "Smallville" in dieser Phase wesentlich mehr Zuschauer. Hier liegt wiederum der Vorteil von episodenübergreifenden Handlungsbögen, interessierte Zuschauer versuchen möglichst keine Episode zu verpassen.

312 Chosen Realm	3,93 Millionen Zuschauer
313 Proving Ground	3,44 Millionen Zuschauer
314 Stratagem	4,08 Millionen Zuschauer
315 Harbinger	3,95 Millionen Zuschauer
316 Doctor´s Orders	3,73 Millionen Zuschauer
317 Hatchery	3,52 Millionen Zuschauer
318 Azati Prime	3,78 Millionen Zuschauer

Nach der zweiten größeren Ausstrahlungspause, erlebte die Serie den größten Zuschauerverlust in der dritten Staffel. Der Auftakt zum Staffefinale war ein regelrechtes Desaster, nur 2,86 Millionen Zuschauer verfolgten die Episode "Damage". Das diese Entwicklung aber weniger mit Qualität der dritten Staffel zu tun hatte, sondern mehr mit den unglücklich gewählten Ausstrahlungspausen und der mangelnden Promotion des Senders belegt die Tatsache, dass die Serie bis zum Staffelfinale "Zero Hour", wieder die durchschnittlichen Zuschauerzahlen der dritten Staffel erreichen konnte.

319 Damage	2,86 Millionen Zuschauer
320 The Forgotten	3,35 Millionen Zuschauer
321 E²	3,25 Millionen Zuschauer
322 The Council	3,41 Millionen Zuschauer
323 Countdown	3,46 Millionen Zuschauer
324 Zero Hour	3,91 Millionen Zuschauer

"Star Trek: Enterprise" hat es zwar in der dritten Staffel nicht geschafft, die durchschnittlichen Zuschauerzahlen zu verbessern, allerdings blieb auch ein weiterer Quoteneinbruch, wie nach der ersten Staffel aus. Nachdem der Cliffhanger "Zero Hour" doch noch einmal etwas mehr Zuschauer anlocken konnte als die vorherigen Episoden, fällt meine persönliche Prognose für die vierte Staffel nicht so negativ aus. "Enterprise" kann sich auf dem neuen Sendeplatz am Freitag Abend um 21:00 Uhr durchsetzten und ist nicht unbedingt von Anfang an zum Scheitern verurteilt. Sicherlich ist auch hier die Konkurenz stark, aber Serien wie "J.A.G" oder "Law & Order" sprechen nicht ungedingt die Zielgruppe an, die "Star Trek: Enterprise" versucht zu erreichen. Allerdings sollten die Produzenten davon absehen, weitere oberflächliche Veränderungen in der vierten Staffel vorzunehmen, gerade Science-Fiction Serien überzeugen die Zuschauer durch Inhalte und nicht durch das Design der Uniform des ersten Offziers. Episoden wie "Similitude", "Extiction" oder "The Forgotten" haben gezeigt, dass "Star Trek" immernoch Werte vermitteln kann, davon wünsche ich mir persönlich mehr Episoden in der vierten Staffel. Das ganze im Zusammenspiel mit den hervorragenden "Spezial Effekten", weiteren großartigen Gastschauspielern wie Randy Oglesby, Scott McDonald oder Jeffrey Combs und die vierte Staffel von "Star Trek: Enterprise" muß nicht unbedingt die letzte sein.

Jens Großjohann

So beschrieb es 1882 William Harkness und nun ist es wieder soweit. Ein seltenes Himmelsphänomen steht uns bevor, dass noch niemand gesehen hat, der momentan am Leben ist. Am 8. Juni wird der Planet Venus, von der Erde her gesehen, die Sonne kreuzen. Der letzte sogenannte "Venus Transit" ereignete sich vor mehr als 100 Jahren im Jahr 1882 und wurde dazu genutzt die Entfernung der Erde zur Sonne zu bestimmen. Wissenschaftler der NASA hoffen auf diese Weise auch erdähnliche Planeten außerhalb der Sonnensystems zu entdecken. Die Kepler Mission sucht nach Planeten die den Stern, den sie umkreisen auf gleiche Weise kreuzen.

Es gibt zwei Möglichkeiten den Transit zu beobachten: Live oder via Internet. Die NASA hat eine Partnerschaft mit Observatorien und Museen eingerichtet, um den Menschen zu ermöglichen das Geschehen gefahrlos zu beobachten. Man muss spezielle Vorsichtsmaßnahmen ergreifen, um die Sonne direkt zu betrachten. Nähere Informationen hat die NASA zusammengestellt.

Man kann das Geschehen auch indirekt über das Internet verfolgen über eine Live Webcam in Athen. Dies macht eine Partnerschaft zwischen der NASA und dem Exploratorium möglich.

Der Übergang der Venus wird in 75 Prozent aller Gebiete der Erde zu sehen sein. Das Ende erreicht er bei Sonnenuntergang über Zentral und Ost Nordamerika. Das Geschehen wird abgeschlossen sein, wenn die Sonne über der Westküste von Nordamerika aufgeht. Zuschauer in Alaska können, das Ende des Transits aber sehen. Bewohner von Nordalaska können sogar das ganze Spektakel verfolgen, denn die Sonne geht dort nicht unter. Die NASA stellt auch eine Karte zur Verfügung auf der man prüfen kann, ob man etwas von dem Transit mitbekommen wird. Auch die Zeiten, in denen sich ein Blick zu Sonne lohnt, hat die NASA, nach Städten geordnet, erstellt.

"Menschen, die einen geprüften Filter zum Blick in die Sonne verwenden können erwarten einen kleinen schwarzen Punkt zu sehen, der etwa 1/30 der Sonnenscheibe abdeckt und sich sehr langsam über die Sonne bewegt", sagte Fred Espenak, ein Experte am NASA Goddard Space Flight Center in Greenbelt, Maryland.

Wer am 8. Juni den Venus Transit verpasst, der wird am 6. Juni 2012 noch eine Chance haben. Danach muss er dann bis zum 11. Dezember 2117 warten.

Während des 19. Jahrhunderts waren die Venus Transits für die Astonomen wichtig, um die Ausmaße des Himmels zu bestimmen, denn sie wurden dazu genutzt relativ genaue Entfernungen von der Erde zur Sonne zu bestimmen. Als die Entfernung erstmals akkurat festgestellt wurde, konnten die Astronomen die Größe unseres Sonnensystems berechnen und die Entfernung zu nahegelegenen Sternen, wobei sie die Verschiebung zu den entfernt gelegenen Sternen im Hintergrund nutzen, die durch die Orbitalbewegung der Erde um die Sonne entsteht.

Dies war so wichtig, dass ab 1761 die führenden Nationen Expeditionen in die entlegenen Gebiete des Globus schickten, wenn es schien, dass die Venus wieder vor einem Transit stehe. Die genau zeitliche Bestimmung hängt von der Position ab, denn verschiedene Orte auf dem Globus, sehen das Geschehen aus einem anderen Winkel. Die Zeiten wurden verglichen und die Entfernung zur Sonne, mit Hilfe der Entfernungen der Orte der Expeditionen auf der Erde und der Trigonometrie, bestimmt.

Auch für die Zukunft der Astronomie hat das Phänomen eine Bedeutung. Es gibt Beweise für mehr als 100 extrasolare Planeten um die nahegelegenen Sterne. Trotzdem kann man mit der momentanen Technik nur große Planeten, Gasriesen wie den Jupiter lokalisieren. Doch ein Stern könnte einen Planeten haben, der ihn, von der Erde betrachtet, zu kreuzen scheint, so dass man sehen kann. Planeten mit der Größe der Erde könnte man in diesem Fall entdecken.

Die Kepler Mission der NASA soll im Oktober 2007 starten. Sie wird es den Astronomen erlauben kleinere, vermutlich erdähnliche, extrasolare Planeten zu entdecken, indem man nach kleinen Trübungen n der Helligkeit von Sternen sucht, die entstehen, wenn Planeten vor ihnen kreuzen. Periodische Verdunklungen werden die Präsenz eines Planeten im Orbit des Sternes nachweisen, auch wenn dieser nicht direkt sichtbar sein wird. Kepler für vier Jahre wird etwa 100.000 Sterne in einem Bereich des Sternbildes Cygnus (Schwan) betrachten. Alle 15 Minuten werden dabei Helligkeitsmessungen vorgenommen, in der Hoffnung einen Transit zu beobachten. Man erwartet, dass die Kepler Mission etwa 50 bis 60 Planeten entdecken wird, die eine ähnliche Entfernung zu ihrem Stern haben, wie die Erde von der Sonne.

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts reist der abenteuerlustige Okkultismus-Akademiker Dr. Van Helsing (Hugh Jackman aus "X-Men") in den wilden Osten Europas, um legendäre Unholde wie den Grafen Dracula, den Wolfsmann oder Frankensteins Ungeheuer sozusagen auf deren Home Turf in irdische Schranken zu weisen. An seiner Seite mit in die Schlacht zieht die junge Anna (Kate "Underworld" Beckinsale), Abkömmling einer Familie mit langer Monstererfahrung. Damit ihr auch richtig gekleidet seit verlosen wir 15 pechschwarze T-Shirts mit stylischem Van Helsing Schriftzug. Preisfrage Welcher Film stammt noch von Van Helsing Regisseur Stephen Sommers? Die Mumie Vorname Die Mutti Nachname Die Motte Email

Über den Film:

In einer Zeit, als das Übernatürliche noch so vorstellbar war wie das Alltägliche, als Geschichtenerzähler phantasiereiche Erklärungen für das Unerklärliche schufen, als mythische Kreatu-ren noch durch das Dunkel der Nacht krochen... da kämpfte eine einsame Gestalt gegen die in der alles verschlingenden Finsternis verborgenen Mysterien: Van Helsing.

Gabriel Van Helsing (Hugh Jackman) ist mit einer Vergangenheit belastet, an die er sich nicht erinnert und von einer Mission getrieben, die er nicht verleugnen kann. Engagiert von einer Geheimorganisation, um das Böse auf der ganzen Welt aufzuspüren und zu besiegen, ist er für seine Mühen im Kampf gegen die alptraumhaften Kreaturen mit einem Titel belohnt worden, der ihn nun verfolgt: Mörder.

Als Ausgestoßener, Flüchtling, einsamer Wolf streift Van Helsing durch die Welt und wird selbst von denjenigen gejagt, die für das wahre Wesen seiner Berufung kein Verständnis haben.

Als er ins düstere Transsilvanien entsandt wird, findet sich Van Helsing in einer Welt wieder, die noch immer in der Vergangenheit verhaftet ist... wo legendäre Kreaturen der Finsternis wieder auferstehen... wo der böse, verführerische und unbesiegbare Vampir Graf Dracula (Richard Roxburgh) alles beherrscht... und Van Helsing wurde geschickt, um Dracula zu vernichten.

Anna Valerious (Kate Beckinsale) ist eine der letzten Überlebenden einer mächtigen Adels-familie, die von Dracula fast vollständig ausgerottet wurde. Anna ist selbst eine furchtlose Jägerin, und trachtet danach, ihre Ahnen zu rächen und einen alten Fluch zu brechen, indem sie den Vampir tötet.

Vereint durch den Kampf gegen einen gemeinsamen Feind, werden Van Helsing und Anna zu Verbündeten, um Dracula und sein Reich des Bösen zu zerstören. Doch in der Schlacht gegen einen Feind, der niemals stirbt, lüftet Van Helsing ein Geheimnis, von dem er nie zu träumen gewagt hätte, und sieht sich Auge in Auge mit den ungelösten Rätseln aus seiner eigenen undurchsichtigen Vergangenheit...

(T)Raumschiff Surprise - Periode 1

Kurzinhalt

Im Jahre 2054 hat die Menschheit den Mars besiedelt. 250 Jahre später kehren die Nachkommen der ersten Siedler zurück. Ihr Ziel ist es, die Erde zu erobern und deren Bewohner zu vernichten. Und tatsächlich scheint die Lage aussichtslos: Die Invasion hat begonnen.

Königin Metapha befiehlt dennoch, „nicht den Sand in den Kopf zu stecken“. Denn es gibt eine letzte Hoffnung: Die Besatzung des „(T)Raumschiff Surprise“ muss auf einer Zeitreise die Besiedlung des Mars rückgängig machen. Die Crew hat allerdings eine sehr viel dringendere Mission: Sie steckt mitten in der Vorbereitung ihrer Tanznummer für die „Miss Waikiki Wahl“. Und nimmt deshalb nur sehr widerwillig ein Taxi zur Erde... .

Trailer

(T)Raumschiff Surprise Teaser #04 "Marderschaden	(T)Raumschiff Surprise Teaser #03 "Korkenzieher"
(T)Raumschiff Surprise Teaser #02 "Freistilschweber	(T)Raumschiff Surprise Teaser #01 "Mopsgeschwindigkeit"

Szenenbilder

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Letzte Woche hatten wir die Möglichkeit die ersten zwanzig Minuten von Michael 'Bully' Herbigs neuem Kinofilm (T)Raumschiff Surprise - Periode 1 zu sehen. Der erste Eindruck war positiv und wir freuen uns auf den fertigen Film. Für alle die nicht mehr warten können haben wir ein 'kleines' Special zusammengestellt. Zahlreiche exklusive Fotos der Hauptdarsteller und Interviews mit der Besetzung erwarten Euch...

Gespräch mit Michael Bully Herbig
(Mr. Spuck, Regie, Buch, Produzent)

Wie macht man aus einem Zwei-Minuten-Sketch einen 90 Minuten Film?

Nicht ganz leicht, da die Komik der Sketche ja eigentlich von der permanenten Langeweile der Protagonisten lebt. Das wichtigste war mir: Kork, Schrotty und Spuck dürfen die Geschichte nicht tragen müssen. Lass sie dabei sein, mehr nicht. Deshalb musste es einen Gegenpart geben. Und das konnte nur ein wahnsinnig gutaussehender Mann sein, der auf Frauen steht. Der dadurch entstehende Beziehungsclinch ist wichtiger, als der ganze Rest. Der muss funktionieren.

Der Film ist also zuallererst eine Beziehungsgeschichte?

Unbedingt!

Siehst du dich als Regisseur weniger im Bereich der Komik angesiedelt? Eher ein bisschen in der Tradition von Ingmar Bergman?

Vielen Dank für den schönen Vergleich. Auch wenn’s mir niemand glaubt: Ich bin eigentlich Autorenfilmer.

Hast du dann keine Angst, dass Menschen deinen Film als Comedy missverstehen?

Doch, habe ich. Weil es mir beim „Schuh des Manitu“ auch schon so ging.

„(T)Raumschiff Suprise – PERIODE 1“ wurde gedreht, weil die Zuschauer der „bullyparade“ es in einer Urabstimmung beschlossen haben. Er ist somit der erste wirklich demokratische Film. Ist das die längst fällige Reform des Kinos?

Ich hoffe zumindest, sie damit einleiten zu können. Ich wurde so ein bisschen angestachelt durch die Reform-pläne der Bundesregierung, die zur Drehzeit gerade in die heiße Phase gingen. Ich kann nur sagen: Ich halte meine Wahlversprechen! Meine Parteifreunde und ich waren mit dem Wahlergebnis sehr zufrieden. Was mich besonders beeindruckt hat: Die Leute sind ja nicht demokratiemüde. Sie wollen wählen. Nur – sie wollen etwas wählen, was ihnen Spaß macht.

Demokratie bedeutet bekanntermaßen Rechte, aber auch Pflichten. Welche Pflichten hat das Publikum?

Zuallererst: Sie müssen ins Kino gehen. Ich möchte es nicht gleich Wahlbetrug nennen, wenn jemand etwas wählt, und später nicht mehr hinguckt... Obwohl – eigentlich passiert das ja ständig. Aber nach brutalstmöglicher Umsetzung meiner Wahlversprechen kann ich nur hoffen, dass mir das nicht passiert. Es hat schließlich immer mit der Qualität des Produkts zu tun.

Aber ernsthaft: Am Anfang, also nach der Abstimmung in der „bullyparade“ habe ich mich eigentlich nur gefragt: Wie viel Leute kommen wohl noch auf mich zu und fragen „Bully, ist das nicht ein enormer Druck, nach Manitu...?“

Bully, ist das nicht ein enormer Druck, unter dem du nach „Manitu“ stehst?

Nachdem mein erster Kinofilm "Erkan & Stefan" mit über 1, 3 Millionen Zuschauern toll gelaufen ist, war der Druck auf "Der Schuh des Manitu" enorm hoch. Damals hatte ich gehofft, mit meinem zweiten Kinofilm wenigstens einen Zuschauer mehr als bei meinem ersten in die Kinos zu locken. Dass es dann am Ende nicht nur einer, sondern gleich über 10 Millionen mehr waren, hat mich echt umgehauen. Soll heißen, der Zweite hatte mehr als der Erste. Der Dritte muss nicht mehr als der Zweite, sollte aber mindestens soviel wie der Erste haben. Am schönsten für den Dritten wäre irgendwas zwischen dem Ersten und dem Zweiten oder dem Zweiten und dem Ersten, wenn Sie verstehen, was ich meine...

Zeitreisen waren also schon dein Kindheitstraum?

Ja, und wenn du dich dann damit auseinandersetzt, merkst du, wie unfassbar viele Möglichkeiten es gibt. Wir haben uns als erstes gefragt: Wo wollen wir eigentlich hin? Und gleich danach: Was können wir bezahlen? Das alte Rom, die Inquisition, die französische Revolution oder die WM `74...?

Das alte Rom kommt nicht vor, war also zu teuer?

Wir haben darüber nachgedacht. Irgendwann sind wir in der Ritterzeit gelandet, die ich auch sehr spannend finde, weil ich diese alten Ritterfilme liebe. Schadet also auch nichts, wenn man davon einige gesehen hat. Wenn man will, kann man in unserem Film ganz viele Anspielungen entdecken. Anspielungen auf Klischees des jeweiligen Genres, auf Spielweisen, sogar auf deutsche Synchrontexte. Aber trotz aller Inspiration aus der Filmgeschichte hoffe ich doch schwer, dass es ein Bully-Film geworden ist. Ich neige nur dazu, in einzelne Szenen ganz viel rein zu packen. Weil ich es selbst liebe, in einem Film auch beim sechsten Mal Sehen noch etwas neues zu entdecken.

Hat dich eigentlich nie der Gedanke gestört, dass Zeitreisen mal grundsätzlich etwas Unlogisches sind?

Wieso das denn?

Es ist doch völlig klar, dass es sie nie geben wird. Sonst hätten uns doch schon längst Zeitreisende begegnen müssen.

Wenn sie sich zu erkennen geben würden! Aber woher willst du wissen, dass sie das auch tun? Nimm beispiels-weise Bill Gates: Wissen wir, ob der nicht irgendwann in der Zukunft eine ganz schlimme Niete war? Und nur die clevere Idee hatte, mit ein paar Plänen für ganz simple Programme in die 80er Jahre zurückzureisen? Ich könnte mir doch auch die Platten von Elvis in den Koffer packen, ins Jahr 1955 zurückreisen und mit „That’s alright Mama“ ein Weltstar werden. Solange ich mich nicht verrate, würde es niemand merken.

Gespräch mit Rick Kavanian
(Schrotty, Jens Maul, Pulle und Co-Autor)

Erklär bitte ein wenig die Figur „Jens Maul“. Ist er Mensch oder Maschine? Oder irgendetwas da-zwischen?

Ja! Irgendwas zwischen Mensch und Maschine zwischen Himmel und Hölle, zwischen Ost und West, zwischen Weihnachten und Neujahr, usw... Er ist mit einigen, uns Menschen unbekannten, Sinnen ausgestattet, wie etwa dem Schnupperradar! Lord Jens Maul ist schlau, gnadenlos, unbeirrbar und emotionslos. Außerdem ist er jung, brutal und noch nicht zu haben!

Jens erscheint auf den ersten Blick als das personifizierte Böse. Ist das seine Natur – oder hat die Gesellschaft ihn so werden lassen? Kurz: Tun wir ihm vielleicht Unrecht?

Jens ist eine emotionslose Maschine! Ähnlich wie ein Toaster. Macht es Ihrem Toaster was aus, wenn Sie ihm böse sind, nachdem er eine Scheibe Toast verbrannt hat?

Wie entsteht ein Charakter wie Jens Maul? Ist zuerst die Grundidee da und bekommt er dann Mimik, Sprache und Stimme? Oder eher umgekehrt?

Lord Jens Maul stammt von einer Lebensform ab, deren Entstehung für uns Menschen nicht geklärt ist. Nur Regulator Rogul kennt das Geheimnis seiner Herkunft. Eines Tages war er einfach da.

Was brauchst Du, um von einer Sekunde zur anderen in eine Rolle wie „Jens“ einzusteigen?

Das ist ein sehr heikles Thema. Denn es ist nämlich so: Um in die Rolle von Jens zu kommen, brauche ich mindestens 400 Meter Anlauf.

Wie schaffst Du es, in einem Film zwischen ganz unterschiedlichen Figuren zu switchen? Passiert es mal, das Schrotty versehentlich mit der Stimme von Jens spricht?

Völlig ausgeschlossen! Würde Schrotty versuchen mit der Stimme von Jens Maul zu sprechen, würde Jens Maul dem Schrotty mächtig in den Hintern treten.

Zu wieviel Prozent ist das Drehen eines solchen Films Spaß? Und zu wieviel Prozent harte Arbeit?

100% Arbeit – 100% Spaß!!!

Wieviel ist Improvisation? Und wieviel der Dialoge stand bereits so im Drehbuch?

5% Improvisation. 95% Drehbuch.

Als klar war: Die Zuschauer wollen „(T)Raumschiff Surprise – PERIODE 1“ – hattest Du je Zweifel daran, dass man aus den Zwei-Minuten-Sketchen einen Spielfilm machen kann?

Ehrlich gesagt, überhaupt nicht! Unendliche Weiten: Unendliche Möglichkeiten für unendliche Drehbuchseiten!

Gespräch mit Christian Tramitz
(Käpt’n Kork)

Ist es so etwas wie ein Traumjob, Kapitän auf der „Surprise“ zu sein?

Ja – Traumjob...? Es ist schon ein bisschen rätselhaft, wie der Kork überhaupt diese Kapitänswürde erlangt hat. Es gibt nur dunkle Gerüchte. Fachlich ist er eigentlich eine ziemliche Niete. Er kann Käpt’n spielen, er weiß wie Käpt’ns sich benehmen. Das hat er wahrscheinlich in einem Film gesehen. Er gibt Befehle ohne jegliches technisches Verständnis dafür. Er weiß sicher nicht, warum ein Raumschiff fliegen kann. Aber einer muss eben sagen, wohin es fliegt.

Deshalb also sind seine Kommandos eher kurz...

Genau. Da gibt‘s halt die Meldung „Käpt’n, Käpt’n, da kommt ein Asteroidensturm auf uns zu.“. Dann sagt er: „Ja! Ausweichen!“ „Wie?“ „Ja! Weiß ich nicht.“

Fachlich ist er also eher minderqualifiziert. Aber eine Autorität ist er schon, oder?

Er kann Befehle durchsetzen – aber er hat auch das seltene Talent, falsche Ansagen zur falschen Zeit zu machen. Er ist ein wahnsinnig schlechter Gefahreneinschätzer. Wenn es gerade der ganz falsche Moment ist, eine dumme Rede zu halten, steht er garantiert auf und macht genau das. Er hat eben auch andere Dinge im Kopf. Das seine Frisur richtig sitzt, beispielsweise, oder das man seinen Bauchansatz nicht sieht. Das sind die wichtigen Dinge im Leben. Ob sein Raumschiff gerade explodiert – mei, das passiert halt.

Korks Frisur muss sitzen, das hat Priorität. Man munkelt, du hättest diese Frisur während der Drehzeit sehr lieb gewonnen... . Für alle, die’s nachmachen wollen: Welcher Stil ist das?

Früher hieß sowas „Popper“, glaube ich. Die hatten so eine Frisur. Vorne lang – und nach hinten kurz abgeschnitten. Genau das, was ich schon als Jugendlicher gehasst habe. Und der Michael Bully Herbig – ich sage den Namen an dieser Stelle bewußt so ausführlich – hat mich da wirklich in eine absolute Falle gelockt. Der hat mich unter dem Vorwand, wir müßten eine Make-up-Probe machen, in die Maske gelockt. Und dann kamen zwei Zerberusse und haben mir diese Perücke aufgezwungen. Er selbst ist gar nicht dabeigeblieben, weil er genau wusste, wie ich darauf reagieren würde.

Aber du hast sie dann mit professioneller Geduld getragen...

Irgendwann hatte ich mich dann daran gewöhnt. Es gab nur immer mal ein paar schreckliche Momente. Wenn ich mit der geklebten Perücke eingeschlafen bin und dann direkt nach dem Aufwachen in den Spiegel geschaut habe, beispielsweise. Dann bin ich schon erschrocken, weil ich einfach vergessen hatte, dass ich das Ding auf-habe. Aber nach der vierten Woche mag man dann gar nicht mehr ohne sie sein. Ich setze sie jetzt auch privat ganz gerne mal auf.

Abgesehen von der Frisur, die du so liebgewonnen hast – was war dein persönliches Highlight bei den Dreharbeiten?

Mein persönliches Highlight an dem ganzen Film ist Rick Kavanian. Ich glaube nicht, dass es noch einen Men-schen in der freien westlichen Welt gibt, der mit einer Kapitänsmütze so dämlich aussieht. Jens Maul ist meine absolute Lieblingsfigur im Film. Ich denke, das wird Ricks Durchbruch im internationalen Filmgeschäft. Der ganze Cast ist gut – aber Rick ist für mich einfach genial.

Warum sollen die Leute den Film ansehen und was können sie mitnehmen ins Leben?

Was sie mitnehmen können ins Leben? Die Erkenntnis: Begib dich nie in ein Raumschiff! Denn es kann sein, dass du die nächsten zweitausend Jahre nicht mehr vor die Tür kommst.

Gespräch mit Til Schweiger
(Rock)

Du hast eine ganze Weile nicht in Deutschland gelebt, also auch kein deutsches Fern-sehen gesehen. Was kanntest Du von Bully, als das Angebot für Deine Rolle in „(T)Raumschiff Surprise – PERIODE 1“ kam?

Die „Bullyparade“ beispielsweise kannte ich nicht. Ich habe aber natürlich mitbekommen, dass es einen deut-schen Film gab, der eine Million Zuschauer hat. Dann wurden es zwei, drei, vier Millionen... . Die Branche staunte erst – und so ab der fünften Million wurde aus dem Staunen Bewunderung.

Und wann hast Du „Schuh des Manitu“ dann selbst gesehen?

Im Flugzeug, auf einem dieser kleinen Bildschirme. Alle in der Business Class haben ihn geschaut – und bei jedem Lacher hatte ich das Gefühl, das Flugzeug wackelt und wir stürzen gleich ab. So eine Stimmung an Bord habe ich noch nie erlebt. Das war aber tatsächlich das einzige was ich kannte, als ich Bully getroffen habe. Bevor wir dann angefangen haben zu drehen, habe ich mir natürlich noch einiges angesehen.

Sprechen wir über Deine Rolle: Du bist Rock, der Weltraum-Taxifahrer. Mit einer ganz normalen Tour, bei der dein Spacetaxi allerdings arg lädiert wird, rutschst Du in ein Abenteuer, das eigentlich im Fahrpreis nicht inbegriffen ist. Wär’s im nachhinein betrachtet nicht besser gewesen, aus dem Taxi einen Versicherungsfall zu machen?

Stimmt. Die bequemere Möglichkeit wäre es allemal gewesen, aber ich leiste eben meinen Beitrag, die Welt zu retten. Und das ist für uns alle gut.

Rocks Vorgeschichte hört sich ziemlich trostlos an: Frau weg, Geld weg, Haus weg – ein echter Verlierer eben, der sich mehr schlecht als recht als Taxifahrer durchschlägt.

Naja, Looser ist zu hart. Natürlich läuft in seinem Leben einiges schief. Er hat alles verloren und leidet auch noch darunter. Aber trotzdem ist er ein Held.

Am Ende sogar ein strahlender Held. Wir verraten noch nicht, warum... Aber bis dahin ist es ein steiniger Weg. Zuallererst muss er mit ein paar arg tuntigen Raumfahrern klarkommen...

Ja, das ist ein ganz toller Moment im Film, wenn er mit dem Taxi bei ihnen stoppt. Oder kurz danach, wenn er in den Rückspiegel schaut und sie anfangen zu singen... . Aber er ist ja tolerant. Er denkt zwar zuerst: Uuups, was sind denn das für Figuren. Aber er geht mit ihnen und zeigt auch keine Vorurteile oder Berührungsängste.

Wie waren die Dreharbeiten, was bleibt für Dich in Erinnerung?

In Erinnerung bleibt, dass Christian und ich Freunde geworden sind. Dass wir unheimlich viel Spaß hatten, auch mit Anja. Wir drei hingen immer zusammen. Es war eine sehr entspannte Stimmung am Set. Und trotzdem hoch konzentriert. Nicht, dass wir den ganzen Tag gelacht hätten. Ich meine, Christian und ich haben schon extrem viel gelacht – aber nicht mehr am Set. Mit Bully konnte man nicht so rumalbern, was aber auch vorher schon klar war. Schließlich hatte er ja gleich eine ganze Reihe von Jobs. Gut möglich, dass wir ihm manchmal auf die Nerven gegangen sind. Aber er hat das super gemacht. Er weiß genau, was er will. Und es gibt nichts schöne-res für einen Schauspieler, als einen Regisseur zu haben, dem er vertraut und bei dem er das Gefühl hat: Der schaukelt das Baby sicher nach Hause.

Gespräch mit Anja Kling
(Königin Metapha)

Fangen wir mit einer Frage an, die früher oder später für uns alle wichtig wird: Machen Zeitreisen Jetlag?

(lacht) Ja, total! Du bist ständig fertig, müde und kaputt.

Was ist spannend daran? Und was mühsam?

Also, mal ernsthaft: Wenn man das so dreht, ist das natürlich der ganz normale Drehstress. Nicht anstrengender oder weniger anstrengend als jede andere Szene. Aber wenn wir irgendwann die technischen Möglichkeiten hätten und ich eine Zeitreise machen könnte, wäre das schon sehr großartig und ich würde jeden Jetlag dafür in Kauf nehmen. Ich würde zu gerne mal in die Vergangenheit reisen, aber noch viel lieber in die Zukunft. Einfach nur mal gucken... .

Nehmen wir an, es wäre möglich: Wie weit in die Zukunft würdest du gehen wollen?

150, 200 Jahre würden mir schon reichen. Mal gucken, was meine Ur-Ur-Ur-Enkel machen. Wie die dann wohnen. Mich würde alles in der Zukunft interessieren. Auch, was in 1000 Jahren so passiert. Dass ich nicht mal die nächsten 100 Jahre erleben werde, ist schon eine traurige Vorstellung. Schrecklicher Gedanke: Wenn’s gut geht, sind es noch 50Jahre. 60 wird schon knapp. Was danach kommt, werde ich verpassen.

Kommen wir zu deiner Rolle und der Geschichte: Königin Metapha hat die nicht ganz einfache Aufgabe, die Welt zu retten.

Richtig. Erstmal geht’s ihr nur um die Welt. Aber zum Ende entdeckt sie auch noch die Liebe – das mit der Welt passiert dann eher so nebenbei.

Warum ausgerechnet mit der Mannschaft der „Surprise“, dem – zumindest für Laien – wahrscheinlich sinnlosesten Raumschiff des Universums?

Das waren einfach die einzigen, die man noch einsetzen konnte. Alle anderen waren schon voll mit der Abwehr der marsianischen Kampfkeksgeschwader beschäftigt. Dass Metapha dann mit denen auf Zeitreise geht, ist eigentlich mehr ein Unfall. Es passiert aus der Situation heraus: Einer der Senatoren will mich – also Metapha – retten, weil die Regierungskuppel angegriffen wird und setzt mich mit auf die Zeitmaschine. Und deshalb bin ich zwangsweise bei der ganzen Reise dabei. (lacht) Hätte er mich da nicht drauf gesetzt, hätte ich nur zwei Drehtage gehabt.

Wenn wir jetzt tiefer in die Geschichte einsteigen, verraten wir zuviel. Deshalb Themenwechsel: Wie war die Arbeit mit Bully? Und wie ist er im Vergleich zu anderen Regisseuren?

Man hat ja sehr selten die Konstellation, dass der Regisseur gleichzeitig Hauptdarsteller, Autor und Produzent ist. Was in der Praxis heißt: Verantwortlich für alles. Ich hätte großes Verständnis gehabt, wenn Bully sich zwischen-durch zurückgezogen hätte. Wenn er gesagt hätte: Kinder, ich habe jetzt die Nase voll, alle wollen irgendwas von mir. Mit jedem Pups-Problem kommt ihr zu mir. Sprecht mich bitte einfach nicht an! Sonst verweisen dich Regisseure an den Produzenten, wenn du ein Problem hast. Oder an den Autor, wenn es um Texte geht. In diesem Fall war das eben alles eine Person: Bully. Und ich finde es schlicht bewundernswert, dass er in der ganzen Zeit nicht ein einziges Mal die Nerven verloren hat. Ich hätte das so nicht geschafft. Er war immer ruhig und fröhlich und hat am Set einfach nur seine Energie ausgestrahlt und seine Lust, diesen Film zu machen. Und das hat sich auf das ganze Team übertragen. Man hat das ganz stark gemerkt: Alle waren mit Feuereifer dabei und hatten Spaß und wollten einfach was ganz tolles machen. Bei einer solchen Atmosphäre ist es fast egal, wie das Ergebnis am Ende aussieht. Man hat zumindest beim Drehen schon mal so ein positives Gefühl. Und in diesem Fall hing das eben ganz stark von Bully ab. Aber lass mich auch noch etwas zum gesamten Team sagen: Die kannten sich ja fast alle schon vom „Schuh des Manitu“ und haben einfach an einem Strang gezo-gen. Das war sehr schön zu beobachten und hat sich auf die Neuen – also auf Til und mich – übertragen. Das fand ich erstaunlich und habe es sehr genossen. Es war einfach ein richtig schönes Arbeiten.

Es heißt immer, komische Rollen seien sehr viel schwieriger, als die ernsten. Hast du diese Erfahrung auch gemacht?

Naja, meine Rolle ist ja eher ernst...

Sorry! Metapha hat ja den tragischen Part...

Das nun auch nicht. Was ich meine, ist: Die Komik entsteht durch etwas anderes. Zumindest was die Figuren betrifft, die Til und ich spielen. Christian, Rick und Bully haben ihre Vorlage durch die bullyparade. Aber bei uns entsteht der Witz vor allem durch die Situationen und Dialoge, in die wir eingebunden werden. Nicht dadurch, dass ich irgendwelche lustigen Grimassen beherrsche. Das ist in meiner Rolle nicht gefordert. Trotzdem – das Genre an sich war für mich komplett neu und dadurch auch sehr spannend. Ich bin vorher nie so besetzt worden. Was nicht schlimm ist, weil ich die dramatischen Figuren auch sehr mag. Ob das eine schwerer zu spielen ist, als das andere, kann ich nicht sagen. Ich glaube aber: Grundsätzlich ist es schwieriger, eine Komödie zu machen. Das hängt weniger mit den Einzelleistungen der Schauspieler zusammen, sondern eher mit Insze-nierung, Timing und Schnitt. Jemanden zum Weinen zu bringen ist sicher einfacher, als dafür zu sorgen, dass ein Publikum so richtig lacht.

Wie oft musste ein Take wiederholt werden, weil ihr selbst am Set in Gelächter ausgebrochen seit? Oder hattet Ihr alles längst so oft gelesen, dass das nicht mehr passieren konnte?

Doch, passiert ist das schon manchmal. Und das waren dann Momente, die ich total geliebt habe.

Die Kulissen, das Umfeld, in dem ihr gespielt habt sind ja zu einem erheblichen Teil erst später digital am Computer entstanden. War das beim Dreh eine Herausforderung an deine Phantasie?

Nein, eigentlich nicht. Bully hat uns schon sehr genau erklärt, wie die Szene später aussieht und was da passieren wird. Ich konnte mir das also schon ganz gut vorstellen. Was ich mir aber überhaupt nicht vorstellen kann ist, wie man das technisch umsetzt. Da ist eine blaue Wand hinter uns – und im Kino sieht’s so aus, als würden wir durchs All fliegen... Das wird mir immer ein Rätsel bleiben. Was nicht viel heißt, denn mir ist selbst das Handy ein Rätsel und mit meinem Computer bin ich auch noch nicht wirklich befreundet. Aber beim Drehen habe ich damit kein Problem. Wenn man mir sagt: Stell dir vor, so und so wird das aussehen, dann stelle ich mir das eben vor.

Gespräch mit Sky du Mont
(Herzog William der Letzte)

Was gibt’s zu sagen über „William, den Letzten“? Er ist ein Schöngeist, er ist sportbegeistert, schönen Frauen zugetan...

... was ihn ja noch nicht von der Mehrheit der Männer auf dieser Welt unterscheidet. Wir haben lange überlegt wie wir es hinkriegen, dass William ganz anders ist, als Santa Maria aus „Schuh des Manitu“. Und dann sind wir darauf gekommen, dass er immer so waaahnsinnig gelangweilt ist. Ein bisschen gequält, wehleidig. Der Tag ist schrecklich lang für ihn, und es passiert so gar nichts... . Eigentlich ist er ein richtiges Arschloch. Aber ein lustiges, hoffe ich. Es hat jedenfalls unglaublichen Spaß gemacht, ihn zu spielen.

Vielleicht ist es einfach der morgendliche Blick in den Spiegel, der ihn so wehleidig macht... Wie lebt sich mit einer solchen Nase?

Das war sehr schwer. Die ist ja aus Gel, nicht aus Gummi. Das heißt: Das Zeug schmilzt, wenn es warm ist. Nun hatten wir ja einen Sommer, der nicht nur warm, sondern tropisch war. Und alle drei Stunden fing diese Nase an zu schmelzen und sah einfach scheiße aus. Nachdem ich morgens immer schon zweieinhalb Stunden in der Maske saß – lange vor den Frauen, was bei mir etwas heißt – war das ziemlich mühsam. Das zweite war: Wenn du eine normale Nase hast, also beispielsweise die eigene, kannst du trinken und alles. Jetzt musste ich also mit einer Nase leben, die einen guten Zentimeter länger war. Und plötzlich hing sie ständig im Kaffee oder stieß am Rand der Tasse an...

Und dann noch das Gebiss...

Nein, nein! Das war mein eigenes, das ist nun mal so.

William veranstaltet ein Ritterturnier, um Königin Metapha zu gewinnen. Wäre es nicht eine nette Idee, die alte Sitte wieder einzuführen, so um schöne Frauen zu kämpfen?

Nee! Nicht mehr in meinem Alter! Dann würden mich ja ständig irgendwelche 22jährigen Ritter vom Pferd hauen. Finde ich gar nicht gut.

Aus Sicht der Fans gehört Sky du Mont doch auf jeden Fall zu einem Film von Bully...

Naja... Das ist vielleicht etwas übertrieben. Für mich war natürlich der erste Film mit Bully ein Riesenerfolg. Über-haupt war das eine sensationelle Konstellation: Erst „Eyes wide shut“ mit Stanley Kubrick, direkt danach „Der Schuh des Manitu“. Für einen Schauspieler ist das wie ein Sechser im Lotto. Das passiert nicht oft im Leben. Und eins muss ich einfach noch mal sagen: Bully hat etwas getan, was ich ihm sehr hoch anrechne. Er hätte alleine Anspruch auf die „Manitu“-Lorbeeren erheben können. Er hat schließlich geschrieben, produziert, Regie geführt und eine Doppelrolle gespielt. Aber er hat uns mitgenommen bei seinem Erfolg. Durch ihn haben wir einen Bambi und einen Comedy-Preis im Regal stehen. Und das ist nicht selbstverständlich.

Was hat sich für Dich verändert, seit „Schuh des Manitu“?

Es gab mich natürlich vorher schon, aber den Film sehe ich ganz klar als Meilenstein in meiner Karriere. Weil ich so spielen durfte, wie mich die Leute noch nicht gesehen haben. Und in dem neuen Film ist das noch extremer, weil es noch einen Schritt weitergeht.

Inwiefern?

Der Santa Maria war ernster. Er tanzt witzig, er sagt witzige Sachen, aber er ist nicht der komplett komische Part. „William der Letzte“ dagegen ist eine echte Komiker-Rolle.

Du hast in Deiner Karriere schon mit vielen großen Regisseuren gedreht. Wie unterscheidet sich die Arbeit mit Bully beispielsweise von der mit Stanley Kubrick?

Wenn ich jetzt antworte, werden die Leute sagen: Uuuuh – fehlt nur noch das Streichorchester im Hintergrund... . Aber das erstaunliche für mich ist: Bully und Kubrick haben eine gewisse Ähnlichkeit. Nicht, dass Bully schon so geniale Filme macht, wie Stanley Kubrick. Dazu ist er noch viel zu jung. Aber sie sind sich ähnlich in ihrem Streben nach Perfektion. Bully kommt ans Set und hat den Film fertig im Kopf. Und eigentlich möchte er schon an den Schneidetisch, bevor die erste Klappe gefallen ist. Möchte gar nicht mehr die Zeit mit Drehen verschwen-den. Ich habe ihm das mal auf den Kopf zugesagt. Da hat er mich angeschaut und geantwortet: Ja, du hast Recht. Er hat sogar die Musik schon im Kopf. Für mich ist das ein Phänomen – ich weiß ja nicht mal, was ich morgen zu Abend essen möchte. Und so war Kubrick auch. Sie sind Nervensägen, oder auf Englisch „a pain in the ass“, weil sie genau das haben wollen, was sie schon im Kopf haben. Und vorher lassen sie dich nicht in Ruhe. Der Unterschied besteht nur darin, dass Kubrick auf eine harte Weise gnadenlos war und Bully ein sehr höflicher, umgänglicher Mensch ist und sagt: „Das war schon ganz super, das haben wir schon mal. Aber mach es ruhig noch einmal“. Was übersetzt nichts anderes bedeutet, als: „Das war Scheiße, mach das jetzt endlich mal so, wie ich es haben möchte“.

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Bildergallery JediCon04

Die Geschichte des Hubble Teleskops
1918	Das 100" Hooker Telescope nimmt im Mount Wilson Observatorium in Pasadene, Kalifornien den Dienst auf. In den 1920ern nutzt der Astronom Edwin Hubble das Teleskop, um die Entfernungen von Galaxien zu berechnen.
1923	Der Raketenwissenschaftler Herman Oberth veröffentlicht einen Artikel veröffentlicht einen Artikel über die Möglichkeit eines Teleskops im Erdorbit.
1977	Der Kongress stellt für das Hubble Geld zur Verfügung
1981	Die Arbeiten für das Space Telescope Science Insitute in Baltimore beginnen.
1990	Das Hubble wird am 25. April vom Spaceshuttle Discovery im Orbit ausgesetzt. Am 25. Juni entdeckt man einen Sprung im Hauptspiegel.
1993	Die Endeavour startet, um einen den Fehler im Hauptspiegel zu reparieren.
1997	Im Februar startet die Discovery auf Wartungsmission Nummer 2.
1998	Im Oktober startet die Discovery um eine neue Instandsetzungstechnologie zu testen.
1999	Am 16. Novembder geht das Hubble in den Standby Modus nach dem das vierte Gyroskop ausfällt. Im Dezember startet die Discovery, um einen neuen Computer und Leitungsinstandhaltungssystem zu installieren.
2002	Das Shuttle Columbia startet im März um einige Solarkollektoren zu ersetzen und andere Vorrichtungen zu installieren
2004	Am 16. Januar gibt NASA Administrator Sean O'Keefe bekannt, dass alle Wartungsflüge zum Hubble Space Telescope abgesagt sind

]]>3505Thu, 01 Jan 1970 00:00:00 +0000https://www.scifinews.de/news/treknewsde-artikelarchiv/artikel-von-treknewsde/kann-man-das-us-fernsehen-noch-retten-r3490/USA Today fragt sich: Kann das Fernsehen gerettet werden? Er führt 12 Sendungen von US-Networks auf und fordert auf "rettet sie vor dem Verderben - und vor sich selbst". Viele der Punkte, die Bianko anspricht lassen sich auch gut auf die deutsch TV-Landschaft übertragen, aber lest selbt:


"Auf jede Weise, von Seiten der Kritiken und vom kommerziellen Erfolg, war dies eine schlechte Saison für die Fernsehanstalten. Von langjährigen Serien, denen die Luft ausging, bis zu vielversprechenden Neuligen, denen man einfach keine Chance gab, stolperte diese Fernsehsaison von einer Enttäuschung in die nächste. Wenn die TV-Networks eine Reality Show wären, dann würde sie den Titel tragen: 'Ich bin ein Zuschauer: Holt mich hier raus!'

Serien zu starten ist ein hartes Geschäft, wie die Kabelkonkurrenz der Networks nun herausfindet. HBO muss nun eine Dramaserie nachschieben, die die Zuschauer von THE SOPRANOS halten kann. Jede originell geschriebene Serie, die auf den Beinen eines Kabelsenders steht bleibt in den Ratings weit hinter Wrestling und Wiederholungen von LAW & ORDER zurück.

Wenn wir Glück haben, sind wir gerade in einer der periodisch wiederkehrenden Kreativitätslöcher und die Rettung ist nur einen Katzensprung entfernt. Aber manchmal können diese Löcher zum Kollaps führen - besonders wenn die Verantwortlichen die falschen Entscheidungen treffen. Ähnlich ist es wenn das langzeitige Wohl der Industrie für eine kurze Bilanzkorrektur geopfert wird.

Was sollen die Networks tun? Hier ist ein 12 Punkteprogramm, um sie vor dem Untergang zu bewahren - und vor sich selbst.

1. Rettet, was es wert ist gerettet zu werden

Sehen wir das positive an der Sache: Es gibt keinen Grund mit den Stimmen umherzuwerfen: Es gibt keinen Grund. von den Serien in der USA Today Umfrage würde ich ARRESTED DEVELOPMENT, IT'S ALL RELATIVE und WHOOPI retten, einfach nur weil man versucht eine Sitcomwelt jenseits von Sex, Verabredungen und elterlichen Pflichten zu machen. Der Kampf um die von WB bereits abgesetzte Serie ANGEL wird, wenn nichts anderes, wird er das Network wenigstens daran erinnern, dass gute Serien weiter ihr loyalen Zuschauer haben.

2. Wenn sie etwas Gutes finden, bleiben dem treu

Den Ton dieser Saison wurde schon früh durch die Behandlung von BOOMTOWN von Seiten NBCs angegeben. Da hatte man eine Serie, die man zu einer Charakterserie großziehen hätte können, wie man es mit HILL CITY BLUES und CHEERS getan hatte. Stattdessen kürzte NBC die Bestellung, überarbeitete die Serie, setzte sie auf einen schlechten Sendeplatz und setzte sie schließlich nach zwei Episoden ab. Ähnlich erging es ABCs KAREN SISCO und FOXs WONDERFALLS, was FOX aufgab, bevor es überhaupt ausgestrahlt wurde. Warum sollen die Zuschauer eine Serie mögen, wenn die Networks es nicht tun? Eine solche Behandlung gibt an die Zuschauer und die kreativen Köpfe eine Nachricht weiter und macht es nur noch schwerer einen neue, innovative Serie erfolgreich zu machen.

3. Um Himmels Willen, hört auf zu verwirren

Die Leute erwarten jede Woche die gleichen Serien am gleichen Sendplatz vorzufinden, deshalb nennt man es 'Programm'. Trotzdem wissen die Zuschauer kaum, was die Networks Stunde für Stunde, oder wenn es gut läuft Woche für Woche zeigt. Weiß irgendjemand wo bzw. ob SCRUBS momentan ausgestrahlt wird? Welchen Vorteil sich die Networks auch zu gewinnen hoffen, geht dann verloren, wenn alle gleichzeitig die Programmplätze tauschen. Es sei denn das Ziel ist es einfach den Zuschauern auf die Nerven zu gehen, dann scheint es zu funktionieren.

4. Verhaltet euch verantwortungsbewusst

Trash hat uns immer begleitet und wird es auch in Zukunft. Doch die Networks sollten einen guten Geschmack beweisen, nicht zuletzt um sich nicht zu verwirren. Jetzt schwelgen sie in ihrem schlechten Benehmen und bewerben jede neue Serie, als die beste, tollste oder sexieste Serie bisher. Im Vergleich zu THE SWAN sehen diese WHEN ANIMALS ATTACK Specials wie das goldenen Zeitalter von FOX Reality Shows aus. Vielleicht ist es an der Zeit die Networks und ihre Sendeanstalten, denen man den Zugang zu unseren Häusern durch die Erlaubnis der Regierung gibt, zu fragen, ob man dieses Geschenk dazu verwendet werden soll Eltern vor die Frage zu stellen, ob ihre Töchter verheiratet werden soll oder schlimmer das Fernsehen zum Kuppler zu machen? Macht mag die Vorstellung mit sich bringen, dass Verantwortung altmodisch ist, aber das macht sie nicht falsch.

5. Bewertet und strukturiert euer Geschäft neu

Jedes Jahr gibt es den gleichen tödlichen Tanz. Die Sponsoren wollen junge, männliche Zuschauer, deshalb jagen die Networks nach einem Publikum, dass nicht an ihren Sendungen interessiert ist - und verjagen damit die Zuschauer, die interessiert sind. Wirtschaftlich ist ein Geschäft, dass kein Geld mit den Leuten macht, die momentan darauf aus sind Kunden zu sein, ein Geschäft das keinen Sinn macht. Und künstlerisch ist eine Kunst, die sich ihre Standards von Teenagerjungen bestimmen lässt eine Kunst, die in tiefen Problemen steckt.

6. Bittet die besten Autoren wiederzukommen

Vor vier Jahren hatten die Networks insgesamt die besten Autoren, die jemals für Dramaserien geschrieben haben: David Milch (NYPD BLUE), David E. Kelley (THE PRACTICE, ALLY MCBEAL, BOSTON PUBLIC), Aaron Sorkin (THE WEST WING), Joss Whedon (BUFFY, ANGEL), Marshall Herskovitz und Edward Zwick (ONCE AND AGAIN). Heute ist Milch bei HBO; Sorkin hat WEST WING verlassen und ließ einen Schatten der Serie zurück; Whedon, Herskovitz und Zwick sind arbeitslos nachdem ihre Serien abgesetzt wurden. Bisher wird nur Kelley im nächsten Jahr im Network Fernsehen präsent sein und wurde dabei noch auf ein PRACTICE Spin-off eingeschränkt. Was es auch koste, holt diese Autoren wieder und lasst sie dass tun, was sie können. Die Networks müssen das tun.

7. Holt besseren Ersatz

Während sie ihre besten Autoren vergraulen, geben sie vorhersehbaren, stupfen Schreiberlingen mehrere Chancen bei denen man darauf zählen kann, dass stumpfsinnige, vorhersehbare Serien bei heraus kommen. Es muss dort draußen bessere Autoren geben, wie die lebendige Theaterszene zu zeigen scheint. Wenn diese Autoren nicht zu den Networks kommen, vielleicht sollten die Network nach ihnen suchen. Ja, ich weiß: Das würde bedeuten das Büro in Los Angeles und New York zu verlassen. Sie werden es überleben.

8. Findet ein paar gute Frauen

Ist es ein Wunder, dass so viele Frauen für SEX AND THE CITY schwärmen? Wohin sollten sie sich sonst wenden? Die Comedy auf den Networks war einst von lustigen Frauen dominiert. Von I LOVE LUCY über MARY TAYLOR MOORE, KATE & ALLIE, THE GOLDEN GIRLS, DESIGNING WOMEN, MURPHY BROWN zu ROSEANNE. Nachdem das für zu lange Zeit ignoriert wurde haben vier Networks schließlich den Schritt zurück gemacht und sich um Frauen drehende Sitcoms gemacht, wie WHOOPI, LESS THAN PERFECT, HOPE & FAITH oder LIFE WITH BONNIE. Aber keine wurde zu dem wiederbelebenden Hit den das Genre benötigt. Das heißt nicht, dass mit dem Genre etwas nicht stimmt. Es heißt nur, dass die Networks nicht die richtige Kombination aus Autoren und Darstellern gefunden haben.

9. Ein bisschen Abwechslung, bitte!

Es ist eine Warnung, dass sich zu viele Shows ähneln und die meisten sind wie LAW & ORDER oder CSI. Bisher haben die Klone funktioniert, aber wir können nicht weit davon entfernt sein, dass dies nicht mehr klappt. Fragt die Leute, die Western gemacht haben, was passiert ist, als sie die Leute damit überstrapaziert haben. Die Zuschauer wenden sich nicht gegen den letzten Klon, sondern sie wenden sich gegen das ganze Genre.

10. Du bist raus

Was das Fernsehen wirklich braucht, ist eine Massenentlassung. Unter den aktuellen Präsidenten der Networks haben manche Geschmack, manche haben einen gewissen Sinn für Show und ein paar haben ein ein Gespür für das, was auf dem Network funktioniert. Aber nur Leslie Moonves von CBS vereint alle diese drei notwendigen Qualitäten, doch auch er schein überstrapaziert zu sein, je mehr des Viacom Imperiums unter seine Aufsicht kommt.

Um fair zu bleiben, seit die Networks zu Ansammlungen von Medienkonzernen geworden sind, haben Network Präsidenten weniger Macht und weniger Einfluss, als sie es früher hatten. Wir werden sehen ob der Führungswechsel bei ABC das Kernproblem behebt: Es sind so viele Ebenen des Management bei jeder Entscheidung involviert. Es ist wie ein Schiff mit 10 Kapitänen, aber ohne Ruderer. Die Networks scheinen im Krieg mit sich selbst zu sein, wo eine Gruppe der Verantwortlichen eine Serie unterstützt und der Rest sein Bestes tut, um sie kleinzuhalten. Wie sonst erklärt sich die schlechte Behandlung von KAREN SISCO oder WONDERFALLS?

Deshalb ist das hier mein Vorschlag an die Verantwortlichen der Networks. Schluss mit Rechtsanwälten, Buchhaltern und Nachrichtenwunderkindern. Holt euch eure Präsidenten aus der Unterhaltungswelt. Lasst sie ihren Job machen und ersetzt sie, wenn sie es nicht tun.

11. Arbeitet weiter an Abwechslungsreichtum

Während die Situation besser ist als sie einmal war, muss das, immer noch untergeordnete und große, schwarze und das Latino Publikum zu Sitcoms oder Polizeiserien umschalten muss, um Menschen ihrer Hautfarbe zu sehen. Asiaten werden gar nicht so oft gesehen. Es ist lange her, dass wir ihre Lebensart tiefergehend im Fernsehen gesehen haben.

12. Zeigt mehr Respekt

Viele der schlimmsten Probleme würden verschwinden, wenn die Networks aufhören würden Serien auszustrahlen, von denen sie wissen, dass sie schlecht sind und Serien, von denen sie wissen, dass sie gut sind, abzusetzen. Beides tun sie mit erschreckender Regelmäßigkeit. Das zeigt einen Mangel an Respekt, nicht nur gegenüber dem Publikum, sondern für die Gheschichte und den Ruf des Networks selbst."

Die erwähnte Umfrage von USA Today, welche Serie es Wert ist gerettet zu werden findet ihr hier. Vielleicht wollt ihr ja vorbeischauen und versuchen den Verantwortlichen ein Zeichen für die Zukunft von STAR TREK: ENTERPRISE zu geben.]]>3490Thu, 01 Jan 1970 00:00:00 +0000https://www.scifinews.de/news/treknewsde-artikelarchiv/artikel-von-treknewsde/sehhilfen-der-zukunft-r3471/
Julius Mendalis, 84 Jahre alt, ein Rechtsanwalt bei der Firma die Arizona Iced Tea herstellt, hat $795 für dieses Gerät bezahlt und liebt es, obwohl er nicht gerade ein Technik Fan ist. Er benutzt kaum seinen Computer und surft nicht im Internet.

Das Gerät hilft ihm wieder lesen zu können. Das 'Quicklook', das eine winzige Digitalkamera und ein Flüssigkristall Display (LCD) mit einer Bilddiagonale von 10 Zentimetern enthält, wurde von Ash Technologies, einer irischen Firma, entwickelt. 'Quicklook' funktioniert wie ein elektrisches Vergrößerungsglas und vergrößert den Text einer Zeitung auf die Größe von etwa 2,5 Zentimetern.

Bei dieser Größe kann Mandalis, dessen Sehschärfe durch Maculadegeneration abnahm, die Buchstaben wieder klar erkennen.

"Das ist wunderbar", sagte er. "Es erlaubt mir wieder das zu tun, was ich immer getan habe. Es ist einfach phantastische für mich."

Millionen Menschen leiden an unkorrigierbarem Verlust der Sehschärfe aufgrund von grünen und grauem Star, Diabetes, Maculadegeneration und anderen Krankheiten. Für grünen und grauen Star gibt es effektive Behandlungsmethoden, indem man sie operativ entfernt. Doch für andere Augenkrankheiten gibt es keine Heilung, sondern nur Behandlungsmethoden, die den Verlust der Sehschärfe verlangsamen. Die Zahl der Menschen die einen Teil ihrer Sehschärfe wegen Erkrankungen verlieren wächst mit zunehmendem Alter der Bevölkerung ständig.

Maculadegeneration, die meist Menschen über 60 Jahren betrifft, zerstört den zentralen Teil der Retina und vernebelt so das Zentrum des Sichtfeldes des Erkrankten, was es ihm erschwert zu lesen oder Gesichter zu erkennen.

Diabetische Retionopathie, eine Nebenerkrankung der Diabetes, schädigt winzige Blutgefäße im Auge und verursacht einen schwerwiegenden Verlust der Sehkraft oder sogar Blindheit, wenn die Blutgefäße platzen.

Vergrößerungsgläser, Brillen und weiterentwickelte Vorrichtungen wie tragbare Fernrohre sind die üblichen Hilfsmittel. Fernsehsysteme, die den Text vergrößern, waren über Jahrzehnte erhältlich.

Doch der Fortschritt und die Verkleinerung von Gebrauchselektronik in den vergangenen Jahren haben zu einer neuen Generation von leistungsfähigeren und tragbareren Hilfsmitteln für sehschwache Patienten geführt.

"Sie wollen Baseballspiele sehen", sagte Hal Reisiger, Vizepräsident für Produktentwicklung bei Enhanced Vision in Huntington Beach, Kalifornien, dem Hersteller solcher Geräte. "Sie wollen etwas sehen, ohne an einem Tisch mit einer großen, vormontierten Apparatur."

Die Leistungsfähigkeit, die Computerbauteile bieten, sind für optische Gerätschaften nicht erreichbar. Mit eingebauter Belichtung arbeiten sie sogar im Dämmerlicht. Die elektronischen Geräte können auch das Bild ändern. Schwarzer Text auf weißem Grund kann in sein Negativ umgewandelt werden, denn der größere Kontrast ist für viele Menschen leichter zu lesen. Verwirrende Farben können zu schwarz-weiß reduziert werden.

"Vielleicht werden einige elektronische Geräte damit beginnen einige der optischen zu ersetzen", sagte Dr. Bruce Rosenthal, Chef der Programme für Sehschwache am Lighthouse International, einer nicht kommerziellen Gruppe mit Sitz in New York, die ihre Dienste Menschen mit Augenproblemen anbietet.

Ein Augenarzt diagnostizierte bei Mendalis vor zwanzig Jahren eine leichte Form von Maculadegeneration, doch das nahm keinen Einfluss auf sein Leben. Dann wurde vor anderthalb Jahren, als er in einem Restaurant saß, das Sichtfeld seines rechten Auges plötzlich schwarz. Die Blutgefäße begannen zu platzen, was zu der schwereren oder "feuchten" Form von Maculadegeneration gehört.

Eine Laserbehandlung mit dem Namen photodynamische Therapie, versiegelten die Bruchstellen. Ein paar Monate später begann ein Blutsturz im linken Auge. Er musste sich weiteren Laseroperationen unterziehen.

Mendalis setzte seine Arbeit fort, doch "meine gesamte Arbeit besteht im Lesen von Dokumenten", sagte er. Weil es ihm unmöglich war klar zu sehen, las seine Ehefrau Sylvia die Dokumente laut. Sie sagte in dieser Zeit hätten sie öfter gestritten. "Es ist frustrierend für ihn", sagte sie.

Mendalis Augenarzt überwies ihn an das Lighthouse International.

Die Vernarbung in der Retina des linken Auges ließen das Sichtfeld unbehebbar vernebelt, aber besondere Gläser mit einer Vergrößerungslinse erlauben Mendalis nun mit seinem rechten Auge zu lesen, wenn er die Zeitung ein paar Zentimeter vor sein Gesicht hält.

Bei einem Besuch im Laden des Lighthouse International entdeckte er das 'Quicklook' und er erwarb eines. Seine Ehefrau sagt, dass er mit der Brille und dem 'Quicklook' nun wieder "sehr eigenständig" ist.

Ein Produkt von Reisigers Firma sieht aus, wie der VISOR den Geordi LaForge in STAR TREK: THE NEXT GENERATION trug. Tatsächlich trägt das Gerät den Namen 'Jordy' und wurde teilweise aus Technologie entwickelt, die die NASA nutzt. Bilder von einer Videokamera werden auf das Innere der Schutzbrille projiziert. 'Jordy' kostet $2.795, kann Bilder komplett in Farbe darstellen und verstärkt sogar künstlich den Kontrast. Es kann auch das Bild in schwarz-weiß konvertieren und ein Negativ erzeugen. Der Vergrößerungsfaktor der Kamera beträgt 30. Sicher ist 'Jordy' damit noch ein Stück weit von den Eigenschaften des VISOR entfernt, aber immerhin zeigt uns die Entwicklung, dass die Technologie aus STAR TREK gar nicht mal so unrealistisch ist.

Den Originalartikel findet ihr beim International Herald Tribune.]]>3471Thu, 01 Jan 1970 00:00:00 +0000https://www.scifinews.de/news/treknewsde-artikelarchiv/artikel-von-treknewsde/dawn-of-the-dead-ab-18-r3440/

DAWN OF THE DEAD Regie Zack Snyder Story George A. Romero James Gunn Besetzung: Sarah Polley .... Ana Ving Rhames .... Kenneth Jake Weber .... Michael Mekhi Phifer .... Andre Ty Burrell .... Steve Michael Kelly .... CJ Kevin Zegers .... Terry Michael Barry .... Bart Lindy Booth .... Nicole Jayne Eastwood .... Norma Boyd Banks .... Tucker Inna Korobkina .... Luda R.D. Reid .... Glen Kim Poirier .... Monica Matt Frewer .... Frank -> Trailer

Warum es begann und wo alles seinen Anfang nahm – das ist unbekannt. 

Aber was - auf welche Weise auch immer – über Nacht geschehen ist, bedeutet: Die Erde ist plötzlich ein lebendiger Alptraum mit surrealen Dimensionen. Die Bevölkerung wird von ei-ner unerklärlichen, unvorstellbaren und absolut tödlichen Plage heimgesucht. Die Toten steigen aus ihren Gräbern. Vom Hunger getriebene Leichen machen erbarmungslos Jagd auf die wenigen Überlebenden dieses apokalyptischen Horrors, gehetzt von der kannibalischen Gier nach Menschenfleisch... 

Nach einer panischen Flucht aus ihrem Haus, irgendwo in einer Vorstadt im US-Bundesstaat Wisconsin, trifft Ana Clark (Sarah Polley) auf eine kleine Gruppe Überlebende, die aus dem wortkargen Polizisten Kenneth (Ving Thames), dem zurückhaltenden Michael (Jake Weber), dem abgebrühten Andre (Mekhi Phifer) und dessen schwangeren Frau besteht. Diesem zu-sammengewürfelten Haufen gelingt es schließlich, sich in einem verlassenen Luxuseinkaufs-zentrum zu verschanzen. 

Während die Welt vor den Toren dieser Festung des 20sten Jahrhunderts längst zur lebendi-gen Hölle mutiert ist, kämpft die kleine Gruppe mit aller Kraft gegen die ständig größer wer-dende Zombie-Armee, die drauf und dran ist, das Einkaufszentrum zu stürmen. Abgeschottet von den Überresten einer zivilisierten Außenwelt müssen sich Ana und ihre Mitstreiter nicht nur gegen Horden von Untoten zur Wehr setzen, sondern auch ihre eigenen Vorurteile und Verdächtigungen, die sie gegeneinander hegen, über Bord werfen. Denn nur so haben sie eine kleine Chance dem Zombie-Terror zu entkommen. Und was am Wichtigsten ist – als “Mensch” zu überleben.

Wenn in der Hölle kein Platz für sie ist, kommen die Toten auf die Erde... 

ÜBER DIE PRODUKTION

25 Jahre, nachdem George A. Romeros apokalyptischer Horrorklassiker “Dawn of the Dead” Millionen von Kinozuschauer auf der ganzen Welt in Angst und Schrecken versetzte, hat der Werbefilmer Zack Snyder den Schocker jetzt noch einmal verfilmt. “Dawn of the Dead” ist aber viel mehr als nur ein bloßes Remake: Es ist eine originelle und visionäre Weiterführung des Zombie-Kultfilms. Zack Snyder gibt damit außerdem sein Leinwanddebüt. 

Die meiste Zeit waren die Filmemacher von “Dawn of the Dead” von einer ähnlichen Besessenheit ergriffen wie die Horden der Untoten im Film. Freilich mit dem kleinen, aber feinen Unterschied: Sie waren nicht mit aller Gier auf Menschenfleisch fixiert - sondern darauf, ein Zombie-Movie zu machen. Produzent Eric Newman, selbst langjähriger Horrorfilm-Fan und erklärter Liebhaber des “Nicht-ganz-tot”-Subgenres, erinnert sich: “Diese Art von Filmen habe ich schon von jeher gemocht, und mein einsamer Favorit war natürlich immer Romeros “Dawn of the Dead”. Sicher, es gab auch andere Zombie-Filme, aber für mich war “Dawn of the Dead” einfach einmalig und allen anderen Horror-Movies haushoch überlegen. Leider hat dieses Genre von meiner Generation nie die Anerkennung erhalten, die ihm eigentlich zugestanden hätte.” Wohl auch deshalb war es für Newman ein Anliegen, das Zombie-Movie ins 21ste Jahrhundert zu retten. Und zwar mittels eines qualitativ hochwertigen Drehbuchs, einer Top-Besetzung und mit einem super-modernen Produktionsstandard, den nur ein Hollywood-Studio zu bieten hat. 

Dass das Untoten-Genre einfach nicht tot zu kriegen ist, weiß Newmann nur zu gut: “Die Zombie-Mythen sind ja – wie zum Beispiel auch die Vampir-Sagen - schon Jahrtausende alt. Für mich sind Zombies außerdem auch die perfekte Verkörperung des Bösen, denn sie sind furchtlos, aggressiv und allgegenwärtig. Und sie haben immer nur eines im Sinn: dich zu jagen, dich umzubringen - und dich zu essen! Mit Zombies kannst du nicht groß das Diskutieren anfangen, da musst du handeln. Am besten schnell und entschlossen, denn sonst ist es um deine Individualität – dein “Menschsein” - geschehen. Zombies sind hirnlose Massen, die sich dich einfach – im wahresten Sinne des Wortes – einverleiben wollen!” 

Es dauerte nicht lange, da hatte sich an Newmans Zombie-Fieber der renommierte Produzent Marc Abraham angesteckt. Abraham war es auch, der sich mit Richard Rubinstein in Verbindung setzte, dem Mann, der 1979 das George A. Romero-Original “Dawn of the Dead” produzierte und bis heute die Rechte daran hält. Damals wurde das Original in den USA von einem kleinen Independent-Verleih in die Kinos gebracht und spielte etwas über 20 Millionen Dollar ein. Und den meisten Kritikern gefiel, was sie sahen. Roger Ebert, der mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnete Filmpapst der Chicago Sun-Times, gab dem Film sogar die volle Vier-Punkte-Wertung. 

Natürlich ging seitdem fast kein Jahr vorbei, in dem nicht Filmemacher aus aller Welt versuchten, sich die Rechte für ein Remake bei Rubinstein zu sichern. Doch der dachte nicht im Traum daran, darauf einzugehen – bis er Newman begegnete. Und auch da verhielt er sich anfangs eher zögerlich. “Ich bin der festen Überzeugung, dass der Erfolg von Georges Film damals vor allem darin begründet lag, dass “Dawn of the Dead” komplett außerhalb des mächtigen Studio-Systems realisiert und vertrieben wurde”, meint Rubinstein heute. “Deshalb war ich anfangs durchaus etwas skeptisch, dass jetzt ein großes Hollywood-Studio den Film machen sollte. Ich befürchtete, dass man während der Produktion langsam aber sicher Newmans ursprüngliche Remake-Vision sterilisieren und zu einem sogenannten “anspruchsvollen” Film glattbügeln würde. Um ehrlich zu sein, hat mich schließlich Marc Abrahams guter Ruf überzeugt, dann doch grünes Licht zu geben. Denn wie mir scheint, hatte bei allen seinen Filmprojekten die kreative Integrität immer die höchste Priorität.”

“Ich würde mich sehr freuen, wenn unser Film viele alte Fans glücklich machen – und viele neue Fans gewinnen würde. Das ist nämlich der einzige Grund, warum wir den Film überhaupt gemacht haben”, meint Eric Newman. 

Um diesen hohen Anspruch auch einlösen zu können, war allen Beteiligten klar, dass “Dawn of the Dead” viel mehr als nur ein Remake sein musste. Es sollte eine Art “Neu-Erfindung” des Klassikers sein, eine originelle, visionäre Weiterführung. Denn ein plattes Remake wäre so überflüssig gewesen wie ein Kropf. “Es gibt tatsächlich eine Handvoll Filmklassiker, bei denen eine Neuverfilmung wirklich gut gelungen ist. Ich denke vor allen an Kaufmans “Die Körperfresser kommen”, Carpenters ”Das Ding aus einer anderen Welt” und Cronenbergs “Die Fliege””, meint Newman. “Das sind alles große Filme, die den Originalen eher noch etwas hinzufügen, als diese zu schmälern. Und genau das war auch unser Credo bei dem Versuch, das Zombie-Genre für ein neues Publikum attraktiv zu machen.” 

Abraham meint dazu: “Romeros 1979 erschienener Film “Dawn of the Dead” wurde sehr schnell zum Kultfilm und ist bei den Fans zu recht hochgeschätzt. Er ist fraglos ein Meilenstein des Horror-Film-Genres. Wir haben uns nichts weniger vorgenommen, als diese Magie einem neuen und jüngeren Publikum wieder nahebringen zu wollen, das den Original-Film vielleicht nie gesehen hat. Dabei lassen wir uns natürlich sehr gerne von der modernsten Technik unterstützen.”

Schnell waren sich Rubinstein, Newman und Abraham einig, dass ihr Film von der neuesten Produktions-Technologie, den elaborierten Spezialeffekten und Make-up-Künsten nur profitieren würde: “Wir waren uns aber auch alle bewusst, dass einige der zentralen Themen von damals - wie zum Beispiel der Aspekt “Gruppendynamik gegen Einzelinteresse” oder das zügellose Konsumverhalten - auch in unserer heutigen Welt noch von großer Relevanz sind. Die essentielle Frage für die potentiellen Drehbuchautoren war also: Wie schaffe ich es, diese Original-Elemente beizubehalten und sie gleichzeitig für ein heutiges Publikum interessant aufzubereiten?” 

Der richtige Mann für dieses Kunststück schien James Gunn - ein weiterer ausgewiesener Zombie-Fan - zu sein, der mit seinem Underground-Kulthit “Tromeo & Juliet” in den einschlägigen Kreisen bereits für erheblich Furore gesorgt hatte. James Gunn hatte schon sehr früh sein Interesse daran bekundet, das Drehbuch schreiben zu wollen. Als Rubinstein schließlich sein Okay gab, war Gunn außer sich vor Freude: “Ich bin ein großer Fan von Romeros “Dawn of the Dead” und habe ihn mir bestimmt schon ein Dutzendmal angesehen. Er ist, wie ich finde, der erste Horrorfilm, der sich einerseits auf soziale Missstände bezieht und andererseits doch auch ein hammerharter Schocker ist. Außerdem hatte ich die Nase voll davon, immer nur Komödien zu schreiben, was ich in den letzten Jahren fast ausschließlich getan habe. Endlich wollte ich die Leute nicht mehr zum Lachen bringen – sondern zum Schreien, Weinen und Wimmern.” Das Script von Gunn überzeugte nicht nur die Produzenten, sondern auch das Universal Pictures Studio, das “Dawn of the Dead” nun so schnell wie möglich machen wollte. Jetzt galt es also den geeigneten Regisseur zu finden.

Und wie es der Zufall so wollte, suchte der zur Zeit wohl angesagteste Werbefilmer Zack Snyder gerade nach dem richtigen Stoff für seinen ersten Kinofilm. Als ihm das Drebuch zu “Die Nacht der Zombies” auf den Schreibtisch flatterte, wusste er, dass er seinem Traum ein großes Stück näher war. Snyder, selbst ein Kenner des Originals und großer Horror- & Comic-Fan, konnte sich nichts Schöneres vorstellen, als sein Kinofilmdebüt mit jeder Menge Zombies zu bevölkern: “Ich wollte für meinen Erstling etwas haben, das mich Einstellung für Einstellung total begeistern würde. Bei "Dawn of the Dead" wusste ich, dass das der Fall war.” 

Und Snyder weiter: “Das Wichtigste für mich war, dass der Film total ernsthaft rüberkommen sollte. Ich wollte ihn kalt und meeserscharf. Natürlich gibt es ein bisschen schwarzen Humor und einige verschleierte Referenzen an das Original. Verstehen Sie mich nicht falsch, aber in erster Linie sollte der Film – bei all dem witzigen Zeug und kranken Humor - Angst machen.” 

Der Respekt des Regisseurs vor dem Original ging sogar soweit, dass er einigen, die schon damals mit von der Partie waren – die Schauspieler Ken Foree und Scott Reiniger, sowie den Maskenbildner Tom Savini – zu Cameo-Auftritten überredete. “Zacks Begeisterung für das Projekt war – verzeihen Sie das Wortspiel – geradezu ansteckend,” meint Newman anerkennend. 

Produzent Abraham war vor allem von Snyders detailierter Vorbereitung auf das Projekt beeindruckt: “Zack hatte eine ganz spezielle Vision vom Look des Films, und so zeichnete er kurzerhand das komplette Storyboard selbst. Wir wären nie in der Lage gewesen, diese hervorragende Besetzung zusammenzubekommen, wenn wir nicht aufgrund dieser minutiösen Vorbereitungen so detailliert - und mit dem richtigen Dreh - über unser Projekt hätten sprechen können.” 

Snyder war mit den Produzenten einer Meinung, dass es völlig sinnlos wäre, einfach ein plattes Remake zu machen. “Ein Remake ist doch langweilig. Man nimmt sich einfach das Drehbuch vor und filmt es – ohne etwas zu verändern - noch einmal ab. Das ist nicht meine Welt. Ich wollte keine Wiederholung, ich wollte eine frische, unverbrauchte Interpretation. Unser Film ist eine Re-Visionierung. Wir haben ihn definitiv mit ein paar Steroiden aufgepumpt. Es macht auch wenig Sinn, unseren Film mit dem Romero-Original zu vergleichen. Das sind zwei ganz verschiedene Filme. Unser Film hat definitiv eine eigenständige Persönlichkeit und einen ganz eigenen Ausdruck”

Das Wichtigste war jetzt, talentierte Schauspieler zu finden. “Meine Erfahrung als Produzent von “Creepshow” und “Friedhof der Kuscheltiere” hat mir gezeigt, dass es bei einem sogenannten “Popcorn-Movie” fast noch wichtiger ist ein gutes Drehbuch und gute Schauspieler zu haben, als bei einem Drama”, meint Rubinstein. “Das ist der Grund, warum wir bei der Drehbuchentwicklung und der Besetzung der Schauspieler keine Kosten und Mühen gescheut haben.” 

Dass sich ausgerechent Sarah Polley, die sich bisher vor allem in Independent-Movies einen Namen gemacht hatte, für die Rolle der Krankenschwester Ana Clark - die im Film als eine Art moralischer Kompass das Herzstück der Gruppe ist - interessierte, verblüffte sogar ihren Agenten. “Das hatte wohl niemand von mir erwartet”, lacht Polley, “aber mir hat die Rolle und der Film sofort zugesagt. Außerdem liebe ich das Original. Als Zack und Eric mir dann die tollen Ideen für ihre Version unterbreitet haben, war ich sofort Feuer und Flamme. Mir war schnell klar, dass man das ganze surreale Szenario total ernst nehmen musste, um den beabsichtigten dramatischen Effekt zu erreichen. Das war natürlich eine große Herausforderung. Im Horror-Genre ist es ja in der letzten Zeit zur Masche geworden, das Ganze meist sehr ironisch und selbstreferentiell darzustellen. Das genau wollten wir ja nicht machen. Und ich finde, es gehört schon sehr viel Mut dazu cool zu bleiben, wenn man mit ein, zwei Gags sehr leichtes Spiel haben könnte.”

Snyder war sich voll und ganz bewusst, dass Polley eigentlich ganz andere Filme bevorzugte und war sehr froh, sie schließlich an Bord zu haben. “Sarah macht den Film total glaubwürdig. Jeder weiß, was sie für eine ernsthafte Schauspielerin ist, die sich immer voll und ganz mir ihrer Rolle identifiziert. Wenn das Publikum sie auf der Leinwand sieht, dann kann es gar nicht anders als ihr zu glauben.” Es gab aber noch einen weiteren – ganz geheimen - Grund, warum Polley unbedingt bei diesem Film dabeisein wollte: “Hiermit gestehe ich – Zombies üben seit jeher eine große Faszination auf mich aus! Das hat sicher etwas mit der Frage zu tun, was wohl passieren würde, wenn der Tod nicht – wie alle behaupten – final und endgültig ist. Wenn wir also sozusagen nur halbtot wären, und unsere Körper noch lebten. Und da gibt es noch ein Geheimnis, das ich jetzt offenbaren will: Viele Spiele, die ich als kleines Mädchen gespielt habe, hatten etwas mit Zombies zu tun. Ganz ehrlich! Und natürlich liebe ich Romeros Filme.” 

Da “Dawn of the Dead” für Sarah Polley der erste Action-Film sein sollte, bei dem sie mitspielte, hatte sie aus Mangel an Erfahrung den physischen Aspekt wohl etwas unterschätzt. “Während der Dreharbeiten wurde mir schlagartig bewusst, dass ich in allen meinen anderen Filmen noch nie gerannt war. Nicht einmal. Und bei diesem Film, so schien es mir, tat ich nichts anderes als rennen”, lacht sie. “Und ich bin sicher nicht ganz unglücklich darüber, dass Ana – neben dem ganzen Rennen, Schreien und Sich-fürchten – auch Charakter zeigen darf, für sich und andere Verantwortung übernimmt - und schließlich ihre Frau steht.” 

Ana ist in ihrem Kampf gegen die Zombies zum Glück nicht alleine. Bis auf den Anfang, wo sie eine Begegnung mit zwei zu Zombies mutierten Männern (einer davon ist ihr Nachbar, der andere ihr Ehemann) fast nicht überlebt, tut sie sich dann schnell mit dem Polizisten Kenneth zusammen, dessen Famile auch Opfer der Zombies wurde. Desillusioniert – aber immer noch ein Mann von Pflicht und Ordnung – hat Kenneth nur noch ein Ziel: Er will seinen Bruder finden und retten. Die Filmemacher konnten sich für diese Rolle keinen anderen als Ving Rhames vorstellen.

“Für Kenneth brauchten wir einen Bär von einem Mann. Einen, der Kompetenz und Stärke ausstrahlt und der ohne viel Worte das macht, was zu tun ist. Und obwohl er so groß, stark und sogar gefährlich wirkt, muss jedem auf dem ersten Blick klar sein, dass hier jemand steht, auf den man in jeder noch so misslichen Lange zählen kann”, beschreibt Abraham die Figur von Ving Rhames. 

Ving Rhames, der sich mit Filmdramen wie “Rosewood”, aber auch mit Action-Reißern wie “Mission:Impossible” und “Con Air” als hervorragender Darsteller profilierte, war vor allem von Gunns Drehbuch angetan. Den Ausschlag gab aber letztlich das bisherige Schaffen von Regisseur Zack Snyder. “Ich bin fest davon überzeugt, dass aus Zack schnell ein wahnsinnig guter Spielfilmregisseur werden wird. Der hat echt Power und eine einmalige Bildsprache. Wenn ich mir die Arbeit eines Regisseurs genauer anschaue, dann drehe ich oft den Ton weg, um zu sehen, ob er mir seine Geschichte auch ohne Worte - also nur visuell - erzählen kann. Bei Zack hat das funktioniert. Okay, das waren nur Werbefilme, aber trotzdem.” 

Und über seine Schauspielkollegen meint Rhames: “Wir sind alle sehr verschieden von einander, benutzen unterschiedliche Techniken, gehen mit völlig anderen Ansätzen an unsere Rollen heran. Es ist fast so, als würden wir alle zusammen ein großes Ölbild malen, zu dem jeder seine ganz eigene Farbe beisteuert. Das wiederum hat zur Folge, dass daraus die verschiedensten Charaktere entstehen. Für mich als Schauspieler ist so etwas ungeheuer aufregend. Und es hat sogar auch noch Parallelen zum Filmgeschehen: Denn als die Gruppe in dem Einkaufszentrum landet, muss sie sich - aller Meinungsverschiedenheiten zum Trotz - als Gruppe behaupten - oder untergehen.” 
Für die Rolle von Michael, der, trotz aller Verschrobenheit, sehr wertvolle Kenntnisse in Punkto Kriegslist und Nahkampf vorzuweisen hat, schauten sich die Filmemacher viele Bewerber an, von denen die meisten der Figur einen harten und taffen Habitus gaben. Bis auf Jake Weber - der verlieh Michael eher Mitgefühl und Intuition. Weber gefiel es besonders, dass der simple TV-Geräte-Verkäufer Michael plötzlich in einer lebensgefährlichen Ausnahmesituation so cool über sich hinauswächst. 

Der Schauspieler ist sich auch heute noch sicher, dass das erste Zusammentreffen mit den Filmemachern eine Art Vorsehung war: “Wir haben uns auf Anhieb blendend verstanden. Und es dauerte nicht lange, da haben wir gegenseitig unsere Sätze zu Ende gesprochen. Für mich lag der größte Reiz der Michael-Rolle darin, auszuloten, wie dieser Mann sich selbst auf die Spur kommt. Wie er plötzlich über sich hinauswächst und erkennt, zu was er alles fähig ist als er mit diesem – ja, es gibt kein besseres Wort dafür – Krieg konfrontiert wird. Er kämpft um ein Stück Menschlichkeit in einer verrückt gewordenen Welt. Und er erkennt, dass die einzige Alternative zur Feigheit in dieser höchst ungesunden Situation der Mut ist.” 

“Wenn Ana das Herz und der moralische Mittelpunkt der Gruppe ist, dann ist Michael ihr Gewissen und eine Art “Motor der praktischen Vernunft”, meint Snyder.

Eine große schauspielerische Herausforderung stellte ganz sicher auch die Rolle des Andre dar, einem kruden, etwas verschlagenen Mann, der einfach versucht, das Richtige für sich und seine schwangere Frau zu tun. Dazu Newman: “Andre wird während der lebensgefährlichen Terrorattacken mit einem Mal bewusst, dass - wenn es eine Hölle geben sollte - er der erste Kandidat dafür ist. Also versucht er alles, um für seine früheren Sünden Vergebung zu erlangen. Doch leider fällt ihm nichts besseres ein, als die Gruppe dabei hinters Licht zu führen, wofür er schließlich einen sehr hohen Preis zahlen muss. Dafür brauchten wir einen großartigen Schauspieler, der in der Lage war, die innere Zerrissenheit der Figur darstellen zu können. Mekhi Phifer war unser Mann.” 

Mekhi Phifer ist den meisten wohl als Dr. Greg Pratt aus der TV-Serie “Emergency Room – Die Notaufnahme” bekannt. Natürlich hat er auch schon in diversen Kinofilm mitgespielt, so zum Beispiel in dem Eminem-Biopic “8 Mile” und dem Teen-Horror-Movie “Ich weiß noch immer was du letzten Sommer...”. Phifer interessierte sich bei “Dawn of the Dead” weniger für den Horror-Aspekt, sondern eher für die psychologische Seite: “Okay, es gibt in dem Film Zombies, aber im Grunde handelt der Film doch davon, wie sich eine Gruppe von Überlebenden in Todesgefahr verhält. Ohne dem Regisseur und dem Drehbuchautor zu nahe treten zu wollen, bin ich der festen Überzeugung, dass man die Zombies jederzeit durch irgendwelche Individuen ersetzen könnte, vor denen man sich verstecken muss, um nicht draufzugehen. In diesem Fall sind es eben Zombies, die die einzelnen Gruppenmitglieder dazu zwingen, mit sich und den anderen in der Gruppe ins Reine zu kommen. Was da psychologisch abgeht, war es, das mich primär an diesem Projekt interessiert hat.” 

Für Phifer ist “Dawn of the Dead” ein Horror-Film, der vor allem durch die einzelnen Schauspieler geprägt wurde: “Es hat mir große Freude gemacht, gemeinsam mit so vielen talentierten Schauspielern vor der Kamera stehen zu können - vor allem mit Ving. Mit ihm habe ich auch so etwas wie eine Schlüsselszene: Mitten in dieser lebensbedrohlichen Situation stellt sich Andre nämlich die Frage nach dem Sinn des Lebens. Was passiert eigentlich, wenn wir sterben? Gibt es eine Hölle, einen Himmel? In diesem Dilemma wendet er sich schließlich an Kenneth, der von Ving dargestellt wird.”

Zu der fabelhaften Besetzung gehören u.a. auch noch Ty Burrell, der Steve, einen erfolgreichen Geschäftsmann mit leicht zynischem Einschlag, spielt. Micheal Kelly und Kevin Zegers, die Sicherheitsmänner des Einkaufszentrums, und Lindy Booth als Nicole, die später zu den Überlebenden hinzustößt. Als eine Art Hommage an Romeros Original “Dawn of the Dead” gelang es den Produzenten auch ein paar Menschen, die schon damals dabei waren, zu Cameo-Auftritten zu bewegen. So den damaligen Maskenbildner Tom Savini als Sheriff sowie die beiden Schauspieler Scott Reiniger, der im Original Roger DeMarco spielte, als General und Ken Foree, der damals Peter Washington darstellte, als TV-Pfarrer. 

Den Filmemachern war natürlich sonnenklar, dass Untote, die fast drei Jahrzehnte auf dem Buckel haben, heute niemand mehr hinter dem Ofen hervorlocken würden. Also galt die Devise: Neue Zeiten – neue Zombies. 

Und genauso wie Synder und Gunn dem ganzen Film einen zeitgemäßen Look verpassten, erfuhren auch die Zombies eine optische Generalüberholung. Im Jahr 2004 sind die Zombies also nicht mehr träge und somnambul, sondern schnell und mit überirdischen Kräften ausgestattet. Außerdem sind sie von einem ähnlichen Killer-Instikt getrieben wie ein Hai, wenn er Blut im Wasser riecht: Er will dann nämlich sein Opfer nur noch finden – und töten. Und natürlich verwandeln sich die Menschen, die einmal von Zombies gebissen wurden, im Handumdrehen selbst in Zombies, was dazu führt, dass sich bald ein Lavastrom von Untoten über die zivilisierte Welt hinwegwälzt.

“Zombies sind einfach cool - und unsere sogar mega-cool”, meint Snyder, und fährt fort: “Sie verhalten sich wie ein Wolfsrudel auf der Jagd. Einzeln kann man ihnen vielleicht noch entkommen, aber wenn sie in Horden auftreten, dann ist meist alles zu spät. Dann bleibt nur noch die Flucht und die Hoffnung, dass man sich schnell irgendwo verstecken kann, wo sie einen nicht aufspüren. Diesen Terror, diesen anti-humanen Super-Gau galt es mit aller Vehemenz, mit allem Grauen - und dabei hoch plausibel - auf die Leinwand zu bannen.”

Um den Zombies den richtigen Horror-Appeal zu geben, holten sich die Filmemacher den zweimaligen Oscargewinner und Meister für Make-up-Spezialeffekte, David LeRoy Anderson. Denn der Film sollte nicht etwa eine computeranimierte Spezialeffekt-Orgie werden, sondern vor allem über den Look, über die Maske wirken. 

Und obwohl Anderson für seine Make-up-Schöpfungen nur wenige Wochen Zeit hatte, war er davon überzeugt, etwas ganz Besonderes kreieren zu können. Der Clou war, dass Anderson und seine Leute sich bei ihrem Zombie-Look einerseits von Leichenfotos aus forensischen Fachbüchern und Polizeiakten inspirieren ließen, andererseits aber auch aus dem traditionellen Zombie-Mythenschatz - vor allem aus der afrikanischen und lateinamerikanischen Folklore – schöpften. Das erklärte Ziel war es, akkurate Replikate des menschlichen Körpers in den verschiedenen Verfalls- und Fäulnisstadien zu erschaffen. Es sollten Zombies sein, die bis in die letzte Farbschattierung körperlicher Verrottung absolut “real” aussehen sollten. Besonders musste natürlich darauf geachtet werden, dass sich die “alten” von den “neuen” Zombies sozusagen per “Verfallsdatum” unterschieden, was vor allem nicht ganz einfach war, wenn Zombies – wie im Einkaufszentrum – in Horden auftraten. Zu diesem Zweck legte Anderson im wesentlichen drei Zombie-Verfallsstadien fest. 

O-Ton Anderson: “Die erste Stufe war die “Gebrauchsleiche”, wie man sie zum Beispiel bei “Emergency Room – Die Notaufnahme” findet: blass mit viel Blut. Dann hatten wir Leichen, bei denen die Wunden schon zu schwären begannen, und deren Haut sich bereits vom Flesich löste. Die dritte Art Leichen schaute natürlich am härtesten aus: Bei ihnen konnte man da und dort schon das Skelett sehen. Die Wunden sind mittlerweile vernarbt und das Fleisch schält sich von den Knochen. Die Hauptfarbe in diesem Stadium war öliges Schwarz.”

Um diesen Horror-Look herzustellen, zogen Anderson und seine Leute alle Register des modernen Maskenbildnerns: “Seit Romeros Zombie-Film hat sich naürlich auch im Make-up-Bereich unheimlich viel getan”, meint Anderson. “Aber das eigentliche Kriterium ist nach wie vor der Furchtfaktor. Doch vielleicht haben wir heutzutage den leichten Vorteil alles noch einen Tick realer und echter aussehen lassen zu können als damals. Bei unserem Film sehen die Kreaturen jedenfalls so aus, als wären sie gerade frisch aus ihren Gräbern und Grüften entstiegen.”

Ein sehr wichtiger Punkt war auch die richtige Farbe und Konsistenz des Blutes. Da gab es zum Beispiel das normalfließende, rote Standard-Blut für die erste Phase. Dann eine braune, dickflüssige Pampe für Phase zwei und schließlich schwarzes, öliges Blut für die dritte Phase. Außerdem war es von großer Bedeutung, wo und wie das Blut auf die Zombiekörper appliziert wurde (also etwa frei-rinnend im Gegensatz zu klumpig-tropfend). Da im Laufe der Dreharbeiten immer mehr Blutmengen benötigt wurden, musste man sich schließlich mit einem extra für diesen Zweck hergerichteten Karren behelfen, mit dem man die Kunstblut-Konserven dann am Set verteilte. 

Eine weitere Herausforderung war die Anzahl der Schauspieler und Statisten, die täglich in Zombies verwandelt werden mussten. An manchen Tagen waren 15 Maskenbildner damit beschäftigt, die diversen Blutmassen auf die Leute zu schmieren. Im Laufe der Dreharbeiten wurde der Zombie-Look insgesammt satte 3.000 Mal kreiert. Man war natürlich von Andersons Kunstfertigkeit hellauf begeistert. Ving Rhames erinnert sich: “Das Tolle daran war, dass David den Zombies einen menschlichen Touch gegeben hatte, was allerdings umso unheimlicher wurde, je mehr man drauf und dran war, sie zu killen.” Für Sarah Polley war es manchmal ganz besonders schlimm: “Um ganz ehrlich zu sein: Es gab Momente – vor allem wenn ich sie ganz nah vor meinem Gesicht hatte - da musste ich fast kotzen. Derart abschreckend haben sie auf mich gewirkt!”

Wie schon in Romeros 1979er Original finden auch diesmal die Hauptfiguren Zuflucht in einem Einkaufszentrum. Romero konnte das damals noch per Nachtdreh in einem echten Einkaufszentrum in Pittsburgh filmen. Das heute zu wiederholen, wäre völlig unmöglich. Zum Glück fanden Location-Scouts in Toronto, Kanada, die 20 Jahre alte Thorn Hill Square Shopping Mall, die gerade zum Abriss freigegeben worden war. Der ideale Drehort. Der Produktionsdesigner Andrew Neskoromny hatte nun alle Hände voll zu tun, um aus der herabgewirtschafteten Mall mit dem Flair eines Busbahnhofes das Luxuseinkaufszentrum “Crossroads Mall” zu machen. Inspirieren ließ sich Neskoromny dabei übrigens von der Architektur super-moderner Einkaufszentren in den USA, Japan und Großbritannien. Und so wurde aus vielen Versatzstücken schließlich eine Art “Shopping-Paradies für den urbanen Menschen des 21sten Jahrhunderts”, wie Neskoromny versichert. Um dies bewerkstelligen zu können, wurde der 15.000 Quadratmeter große Gebäudekomplex zunächst bis auf die tragenden Teile entkernt und dann wieder aufgebaut. Das “neue” Einkaufszentrum beinhaltete u.a. eine luxuriöse Eingangshalle mit sündhaft teuren Wasserspiel-Installationen, 14 voll eingerichtete Läden, eine Buchhandlung mit integriertem Café, diverse Parkmöglichkeiten und andere typische Einkaufszonen. Snyder war besonders von Nekoromnys Detailverliebtheit angetan und natürlich total davon begeistert, wie es dem Designer in so kurzer Zeit gelungen war, ein so nobles Einkaufszentrum hinzustellen. Snyder erinnert sich: “Andrew hat alles immer noch einen Tick aufwändiger und raffinierter gestaltet, als wir es ursprünglich besprochen hatten. Das ist natürlich für jeden Regisseur ein Traum.” Und auch Neskoromny war von der Zusammenarbeit mit Snyder begeistert: “Zack hatte sehr genaue Vorstellungen davon, wie alles aussehen und wie die Mall gestaltet sein sollte, damit sie ideal für die Dreharbeiten war. Wir haben uns außerdem auch schnell auf gewisse Materialien geeinigt, die für das Ausleuchten der Szenen am günstigsten waren. Kurz, es war eine hervorragende Zusammenarbeit.”

Um alles so realistisch wie möglich aussehen zu lassen, bemühte man sich tatsächlich existierende Geschäfte in die Ladenzone zu bringen. Während einige der angefragten Ladeninhaber damit eher Probleme hatten, fanden es Firmen wie Nike, Panasonic und Roots total cool und waren froh, dabei sein zu können. Für die restlichen Läden erfand man einfach neue Firmenlogos und Labels, wie zum Beispiel Reflex Sports, Case Hardware, RPM Records, Concepts und Hallowed Grounds Coffee Shop, sowie Wooley‘s Diner und ein Bekleidungsgeschäft namens Gaylen Ross (Die Schauspielerin Gaylen Ross spielte im Original Francine, und Wooley war damals der Rollenname des Schauspielers Jim Baffico).

Die Dreharbeiten zu “Dawn of the Dead” begannen am 9. Juni 2003 und die letzte Klappe fiel etwa drei Monate später, am 6. September. 

George A. Romero hatte seinen Film 1979 mit luziden Statements zur damaligen sozialen Lage und zum Konsumverhalten unterfüttert. Zu jener Zeit steckten die amerikanischen Shopping-Malls allerdings noch in den Kinderschuhen, und an einen Shopping-Boom, wie er wenige Jahre später einsetzte, war noch nicht zu denken. Heute sind diese Art von gigantischen Einkaufszentren auch in Europa gang und gäbe und ein ganz normaler Bestandteil kapitalistischer Städte-Architektur. “Wir haben auf unsere Art versucht, dem Leitmotiv von Romero – das Leben wird oft nur noch vom Konsumverhalten geprägt - treu zu bleiben,” meint Newman abschließend.

Für Sarah Polley ist etwas anderes augenfällig: “Ana wirkt zu Beginn des Films selbst ein bisschen wie ein Zombie. Sie lebt ihr Leben fast wie in Zeitlupe. Geht zur Arbeit, kommt heim zu ihrem Mann, die beiden schauen TV und kommunizieren kaum noch miteinander. Ihr Leben ist nicht wirklich schlecht und sie ist sicher auch ein guter Mensch, aber wenn man genauer hinsieht, wirkt das doch alles irgendwie flach und automatisiert. Der Film zeichnet da ein sehr zutreffendes, sehr menschliches Portrait, das aber gleichzeitig auch eine subtile Metapher für ein viel größeres Tableau ist.” 

Für Jake Weber ist der Film der Lackmus-Test für die Menschheit angesichts einer drohenden Apokalypse: “Was würde man tun, wenn man eines Morgens feststellt, dass es die Welt aus den Angeln gehoben hat? Wie würde man auf einen weiteren Holocaust reagieren, wenn man in einem Polizeistaat lebte? Und wie würde man es anstellen, in einer feindlichen, brutalen und absolut tödlichen Umgebung zu überleben?”

Zack Snyders Fazit ist kurz und prägnant: “Es ist ein Hammer-Movie mit Zombies!”

Doch das letzte Wort soll Sarah Polley haben: “Mich haben Zombies schon immer fasziniert. Und ich bin mir ziemlich sicher, dass es in jedem Film mindestens einen Zombie geben sollte.”

Im 21. Jahrhundert auf der Erde ist diese Zukunft bereits Realität geworden.

Die Menschen sprechen mit schnurlosen Kommunikatoren mit dem Namen "Mobiltelefon" mit einander. Sie haben sofortigen Zugriff auf unendliche Mengen von Informationen im Internet. Und sie können auch Stunden damit verbringen riesige Plasma oder LCD Fernseher zu betrachten und die Wiederholungen von STAR TREK zu sehen. Zumindest wenn sie es sich leisten können.
Tatsächlich sind, 40 Jahre nachdem STAR TREK Schöpfer Gene Roddenberry seine Vision für die neuartige Science Fiction Serie umriss, einige der damals als futuristisch angesehen persönlichen Technologien, die man in den Reisen des Raumschiffs Enterprise sah, Realität geworden.

Mehr noch: STAR TREK hat eine Generation von Ingenieuren und Wissenschaftlern beeinflusst, sie inspiriert die Zukunft, die sie im TV sahen, in die Realität zu verwandeln.
"Als ich das User Interface für das Palm Betriebssystem im Jahr 1993 entwickelte, waren meine ersten Zeichnungen von dem Interface der Brückenbildschirme der Enterprise beeinflusst", sagt Rob Haitani, Produkt Design Architekt bei Palm-One Inc., der Firma, die die bekannten Taschencomputer entwickelt.
"Jahre später, als wir das erste Treo (eine Mischung aus Telefon und kabellosem PDA) designten, hatte es eine ähnliche Form wie die Kommunikatoren der Original Serie. Es hatte eine Mikrophonfläche, so das die Leute dastehen konnten und hineinsprechen wie Captain Kirk."

Die Serie die Captain James T. Kirk, Lieutenant Commander Spock und Dr. Leonard "Pille" McCoy zu Ikonen der Pop Kultur machen sollte, feierte am 8. September 1966 auf NBC Premiere.
Trotzdem datiert der Beginn des Erfolgszuges der Serie auf den 11. März 1964. als Roddenberry eine 16 Seiten starke Ausarbeitung für eine Serie schrieb und den Verantwortlichen des Networks sagte, es handele sich um einen "Wagenzug zu den Sternen", womit er auf die vielen Western, die TV Sender prägten anspielte. Später begannen in diesem Jahr die Dreharbeiten zu dem ersten STAR TREK Pilot "Der Käfig [OT: The Cage]".

In Interviews und Memoiren, die niederschrieb bevor er 1991 starb, sagte Roddenberry, dass die Verantwortlichen den Pilotfilm als zu "tiefgründig" ablehnten, aber beeindruckt genug waren, um für einen weiteren Pilotfilm grünes Licht zu geben. Trotz der extrem treuen Fangemeinde die STAR TREK gewonnen hatte, wurde die Serie von NBC abgesetzt, sodass die letzte Episode im Juni 1969 über die Bildschirme ging, nur etwas mehr als einen Monat vor der Mondlandung der Apollo 11 Crew. In der Syndication wurde STAR TREK noch populärer und erhielt sogar Kultstatus. Es wurde eines der lukrativsten Franchise in den Annalen der Unterhaltungsindustrie, mit einer Zeichentrickserie, 10 Kinofilmen und vier Spin-Off Fernsehserien, inklusive der aktuellen Serie STAR TREK: ENTERPRISE.

Ob es daran lag, dass sie von der Serie inspiriert wurden oder weil die Autoren von STAR TREK ihre Science Fiction auf wissenschaftlichen Tatsachen aufbauten, haben heutige Technologien gleiche oder zumindest ähnliche Funktionen, wie die nicht funktionierenden Requisiten der Serie.
Das erste Beispiel sind die Kommunikatoren, die tragbaren, handflächengroßen Empfänger zum Aufklappen und einer im Gerätintegrierten Antenne, die laut den technischen Daten von STAR TREK "seit den 2240ern" in Gebrauch sind.

Wenn man, auf der Suche nach neuen Lebensformen und neuen Zivilisationen, auf Missionen außerhalb des Raumschiffs ging, benutze jedes Crewmitglied die Kommunikatoren um Funkkontakt mit den Schiffskameraden zu halten. Die Kommunikatorn strahlten auch ein bestimmtes Identifikationssignal ab, dass dem Schiff erlaubte den Transporten auf ein Crewmitglied auszurichten, was für den Rücktransport zum Schiff notwendig war.

Heutige Mobiltelefone, von denen viele auch aufklappbar sind, können auch mehr als nur Stimmmuster zu übermitteln. Neuere Modelle beinhalten GPS Technologie, die es Notrettern ermöglicht die Position des Anrufers zu bestimmen. Einige enthalten GPS Karten, die dem Besitzer ermöglichen sich in unbekannten Straßen zurecht zu finden.

Einige Mobiltelefone antworten auf einfache Stimmkommandos, auch wenn sie weit von dem Niveau an Ausgefeiltheit entfernt sind, die man auf dem Raumschiff zu sehen bekommt. Eine andere Gemeinsamkeit: Genau wie Mobiltelefone funktionieren Starfleet Kommunikatoren nicht immer, was "Ionenstürmen" oder "Subrauminterferenzen" zu verdanken ist. Also hatten auch STAR TREK Crewmitglieder mit ihren eigenen Funklöchern zu kämpfen. Auch neue Freisprechanlagen, die am Ohr getragen werden, um einen kabellosen Kontakt mit dem Mobiltelefon herzustellen, erinnern an den Ohrempfänger, den der Kommunikationsoffizier der Enterprise Lieutenant Uhura trug.

Um abschätzen zu können wie weit STAR TREK seiner Zeit voraus war, muss man die Verhältnisse im Jahr 1964 beachten:

• Die hauptgebräuchliche Telefonanlage ein Telefon war, dass durch ein Kabel an die Wand gebunden war, dass man nicht herausziehen konnte, es sei denn man war ein geübter Techniker. Einheitliche Steckdosen und schnurlose Telefone waren weit davon entfernt normale Haushaltsgegenstände zu sein, so das die Idee eines persönlichen, schnurlosen Kommunikationsgeräts so fremd war, wie ein Hüter auf Talos IV.
   
• Computer große Apparate waren, die von großen Firmen oder der Regierung genutzt wurden, keinesfalls aber zu Hause.
   
• Fernsehsender und Macher immer noch in der Frühphase der Umstellung von Schwarz-Weiß auf Farbe war und viele Haushalte nur einen Fernseher haben. Ein typischer Fernseher dieser Zeit maß 23 Zoll in der Diagonale und befand sich in einem hölzernen Kasten.
   
• Akustische Unterhaltung wurde auf Vinyl Platten oder magnetischen Spulenkassetten gespeichert
   
• Obwohl ein Sony Ingenieur in diesem Jahr die Idee eines Videokassetten Recorder verkündete, würde es noch ein Dutzend Jahre dauern bevor die Firma den ersten Betamax Home Videorecorder in den Vereinigten Staaten einführte.

"Die bunten Lichter und die typischen Geräusche, die Computer von sich gaben waren kindisch, aber das Konzept, dass Computer als Werkzeuge im Leben allgegenwärtig sein würden, schien mir unausweichlich. Aber es war ein ferner Traum in den 1970ern.", sagte der STAR TREK Fan Steve Perlman, ein Silicon Valley Unternehmer und der Gründer von WebTV. Heute verbindet das Internet PCs zu Hause, in Schulen und in Firmen. Computertechnologie ist in jeder modernen Bequemlichkeit dabei, von Automobilen bis Uhren.

Die STAR TREK Autoren schafften es nicht "das Netz vorherzusagen. Und sie sagten auch die Vernetzung nicht voraus", sagte David Allen Batchelor, ein Astrophysiker im Science Communications Technology Branch im NASA Goddard Space Flight Center in Greenbelt, Maryland. Doch STAR TREK "hatte eine riesige Multimedia Bibliothek, zugänglich wie heute das Netz", sagte Batchelor. Als lebenslanger Fans von STAR TREK schrieb er einen Artikel mit dem Namen "The Science of Star Trek", veröffentlicht auf der NASA Goodard Seite, dass klärt welche STAR TREK Technologie bereits erhältlich, möglich, unwahrscheinlich oder unmöglich ist.

Es gibt keine intelligenten Androiden wie 'Norman" in der Episode "Der dressierte Herrscher [OT: I, Mudd]". Doch Batchelor merkte an, dass es eine Art künstlicher Intelligenz gibt, die man nicht erwartete als die Episode 1967 ausgestrahlt wurde und heute für gegeben hält: automatische Anrufbeantworter. "Das ist normalerweise etwas ziemlich primitives, aber es gibt einige gute Systeme, wie das, das ich benutze, um mein 'Washington Post' Abonnement abzubestellen, wenn ich nicht zu Hause bin", sagte Batchelor. "Es ist einfach zu benutzen und macht seine Arbeit automatisch."

STAR TREK Crews verschwendeten ihre Zeit nie mit Fernsehen, aber sie sind umgeben von elektronischen Videoschirmen, sei es als Tischbildschirm oder festmontiert in Arbeitsstationen. Der Hauptschirm auf der Brücke hatte Wandgröße. Im ersten Pilotfilm benutzte Mr. Spock einen Bildschirm in einem Besprechungsraum, um den leitenden Offizieren etwas zu zeigen, dass an eine primitive PowerPoint Präsentation erinnerte. In den letzten zwei Jahren veröffentlichten die Macher von Gebrauchselektronik und Computern ähnlich aussehende Geräte: großflächige, Flache Plasma und LCD Fernsehbildschirme, die man an eine Wand hängen kann.

In STAR TREK nahm die Crew Audio und Videonachrichten auf quadratischen, handflächengroßen Kassetten, die man mit einem Computer wiedergeben konnte. Heute sind kleine, quadratische Flash-Memory Karten im Gebrauch um digitale Fotos, MP3s und kurze Videos zu speichern. Festplatten, CDs und DVDs speichern auch Multimedia Dateien. "In den 60ern war es undenkbar, dass man Miniaturlaufwerke und alleinstehende, unverwüstliche Halbleiterspeicher in Plastikgehäusen haben könnte", sagte Perlman in einer E-Mail.

In einem Buch aus dem Jahr 2002, "Star Trek: I'm Working on That", untersuchte der Schauspieler William Shatner, der Captain Kirk verkörperte, Technologien und Erfinder, die die Serie inspirierte. Er kommentierte auch die rasende Geschwindigkeit der technologischen Entwicklung während der STAR TREK Ära. "Wir sind wie die Fahrer hinter dem Lenkrad eines Autos, dass plötzlich innerhalb weniger Sekunden von 0 auf 150 beschleunigt. Nicht nur das. Wir sind nicht sicher wie wir das verdammte Ding kontrollieren sollen", schrieb Shatner.

"Ich vermute, dass einer der Vorzüge der Science Fiction ist, dass sie uns ermöglicht unsere Alpträume und Hoffnungen im Gewand der Zukunft durchzuspielen bevor wir sie in die Realität verwandeln."

Erfinder, die Trekkies sind:

• Steve Perlman, WebTV Gründer
  
  Episoden wie "Talos IV - Tabu [OT: The Menagerie]" stellten eine Technologie vor, die eine künstliche Realität schaffen konnten. Das war höchst inspirierend für mich und es war eins der Dinge, die mich dazu brachten Computergrafik, Videoaufnahmen und Audiobearbeitung zu beschäftigen. Und vieles von diesen Arbeiten nahmen ihren Weg in den farbigen Mac. Ich war ein großer Fan.
   
• Steve Wozniak, Apple Mit-Gründer
  
  Ich ging zu STAR TREK Conventions. Während der Tage des Apple Designs kam ich von der Arbeit bei HP in mein Appartement, um STAR TREK Wiederholungen zu sehen. Dann ging ich zurück zu HP um noch eine Spätschicht einzulegen...
   
• Rob Haitani, PalmOne Designer
  
  Ich muss sagen, dass mich die Vision von Rassengleichheit am meiste inspiriert hat. Erinnert euch an die Zeit: Japaner wurden im Fernsehen als Clowns mit dicken Brillen dargestellt. Doch in STAR TREK, da gab es asiatische und afroamerikanische Brücken Offiziere und Schiffe mit japanischen Namen.
  

Den Originalartikel findet ihr hier.

Für TREKNews vor Ort war Emma Peitx Clua. Übertragen aus dem Englischen von Oliver Daniel Kronberger.

Nach der Ankunft auf dem Flughafen Schipol/Amsterdam ging es mit der Bahn nach Den Haag. Dort angekommen brachte mich die Straßenbahn zum Bilderberg Europa Hotel, dem Ort, wo die Utopia-Convention stattfinden würde..

Nach Erledigung der Formalitäten erwartete mich eine kleine Überraschung. Gewöhnlich verbrachte man die Nächte in einem Doppelzimmer, welche mit Doppelbetten ausgestattet waren, doch diesmal fand ich Einzelbetten vor. Wir (mein Freund und ich) beschlossen, uns einige Zeit im Foyer auszuruhen, wo ich schließlich Rafael erblickte (er ist DER moralische Unterstützer und das im wahrsten Sinne des Wortes) ihn traf ich schon auf der Galileo7; ebenso lernte ich Nicoline (eine der 3) kennen, neben einigen anderen Hilfskräften/ Gästen und Personal, sowie einige andere Personen, welche der Konvention beiwohnen wollten.

Während dieses Nachmittags war ich in der Lage einen Blick auf die meisten der Stargäste zu erhaschen, außer Jonathan Hardy (die Stimme von Rygel dem 16. aus Farscape) und Alexis Cruz (Skaara aus Stargate).

Am Abend beschlossen ein Freund und ich in die Stadt zu gehen und in ein italienischen Restaurant, mit Namen „La Galeria“, einzukehren. Selbst wenn es (nach meiner Ansicht nach) für ein Abendessen noch zu früh war, so stellte sich doch der Hunger ein und ja, wer kann bei italienischen Essen schon nein sagen?

Das Restaurant war etwa 10 Minuten zu Fuß vom Hotel entfernt und durchaus schön, auch das Essen war gut. Obwohl etwas teuer und wenn du Italiener bist oder gut mit der italienischen Küche vertraut bist, so würdest du sicherlich einige Dinge finden, welche hätten besser gestaltet werden können, doch kann ich dir versichern, dass man gut bedient wurde und die Wirtin freundlich war.

Ich beschloss mich schon früh zurückzuziehen (na ja SO früh nun auch wieder nicht ), da der nächste Tag ein sehr langer werde würde.

Sonnabend 25.Oktober 2003.

Der Tisch zur Anmeldung für die Veranstaltung war um 9.00 Uhr eröffnet und man konnte sich dort einfinden, um seine Eintrittskarte, sowie eine hübsche Tasche mit verschiedenen Artikeln zu erhalten (etwas Shampoo, Werbung von Paramount, The Flying Dutch-Stand, Acme, selbst eine sehr schöne Zeitschrift, mit Namen „DVD Report, befand sich darunter (selbstverständlich in Holländisch). Und ja, natürlich das Programm! Du erhielst auch deine Eintrittskarte mit deinem Namen und einer Nummer.

Einlaß war nicht vor 10 Uhr vormittags, bis dahin hatte sich eine ziemlich Schlange gebildet, doch glücklicherweise gelangte man schnell ins Innere der Halle. Sobald du drinnen warst konntest du feststellen, dass es wirklich ein geräumiger Ort war. Zu deiner Linken befand sich ein Tisch, wo man sich Tickets für ein individuelles Foto mit Alexis Cruz, Garrett Wang und Chase Masterson kaufen konnte; die Aufnahmen für das Gruppenfoto würden am nächsten Tag stattfinden.

Auf der rechten Seiten befanden sich einige verschieden Händler, wie zum Beispiel Pamela Barnes, Crossroad Collectibles, Williams… zwischen anderen. Ein weiterer, sehr interessanter Punkt (obwohl, sollte ich den „Lecker-Schlecker“ Faktor nennen?) war, dass sich Kekse auf ihren Tischen befanden, einige von ihnen waren Schokoladenkekse, andere Kitkats… es half wirklich wenn du lieber etwas Süßes futtern wolltest, als eine warme Mahlzeit zu dir zu nehmen. Diese wurden an einer anderen Stelle der Halle serviert.

Viel Zeit sich umherzusehen gab es nicht, die Eröffnungsveranstaltung sollte um 10:15 Uhr stattfinden, jedoch verzögerte sich diese um 5 Minuten.

Der Raum, in der das Interview mit den Stargästen stattfinden würde, war groß genug, um dir ein Gefühl von „Heimat“ zu vermitteln. Es machte überhaupt nichts aus, in welcher Reihe du sitzen würdest (die Plätze waren nicht nummeriert), selbst wenn du ganz hinten ständest, so wärst du dennoch in der Lage die Stargäste in voller Gestalt zu sehen (außer du hättest die Augen geschlossen oder du hättest deine Brille verlegt, falls du eine benötigen würdest ).

Die Eröffnungsveranstaltung begann um 10:20 Uhr, eine Minute mehr oder weniger, und uns wurden die Gäste vorgestellt: Lolita Fatjo, Robin Curtis, Alexis Cruz, J.G. Hertzler, Chase Masterson, Jonathan Hardy und Garrett Wang. Jeder stellt sich persönlich vor, mit einer Ausnahme, dass J.G. Hertzler nicht diejenige Person sei, wie wir alle es erwarteten! Er war Chase Masterson! Oder zumindestens stellte er sich in ihrem Sinne vor ;-)

Nachdem sich alle anwesenden Personen wieder beruhigten und das Lachen abgeklungen war, übergab er das Mikrophon an die wirkliche Chase Masterson.

Unmittelbar nach der Eröffnungsveranstaltung begann auch schon die erste Fragen&Antworten Runde, welche mit Chase, Lolita und Robin durchgeführt wurde. Gleichzeitig startete auch die erste Fotositzung mit Alexis.

Fragerunde mit Chase, Lolita und Robin

Weitere Bilder im Utopia Komplettarchiv

Chase erzählte uns Einzelheiten aus jener Zeit, in der Bob Picardo (Der Doktor) seinen Auftriit bei DS9 hatte. In der Hauptsache bat Bob um darum, einen bestimmten Satz sprechen zu dürfen, etwas „was niemand bei Paramount tat“. Chase schilderte, wie sich sich mit Lolita einigte. Und ja, er bekam ihn, doch während des Drehens veränderte er den Satz in „Entschuldigen Sie Fräulein, haben Sie von meiner Arbeit bei Voyager gehört?“, am Ende jedoch entschied man sich für die andere Lösung „Entschuldigen Sie, sind sie mit dem altertümlichen Text des Kama Sutras vertraut?“ Zu dieser Diskussion zwischen den beiden Schauspielern kam es, weil Leeta den Doktor um Rat bezüglich Rom bat.

Nach dieser Anekdote richtete Lolita ans uns die Frage, ob es uns etwas ausmachen würde, wenn sie und Chase ein Lied singen würde, woraufhin jeder von uns natürlich erwiderte, sie können sofort damit anfangen. Sie erklärte uns noch, dass dieses Lied normalerweise mit Max (Grodenchick) vortragen würden, doch.....wir bekamen das berühmte „Moogie“-Lied zu hören.

Nach dem Vortrag dieser herrlichen Choreografie, wurde Chase nach ihrem berüchtigten Kuss mit Richard Dean Anderson (MacGyver, Oberst O´Neill..) befragt, woraufhins sie antwortete, dass er ein wundervoller Kollege ist und es ein lieblicher Kuss war, keiner von den schauderhaften Küssen.

Robin erzählte uns auch, dass sie in ein sehr schönes Haus nahe der Stadt umgezogen sei, der Stadt, in der sie aufgewachsen ist. Ihre Absicht war es auch in der Nähe ihres Bruders und seiner Familie zu leben. Sie berichtete auch von einem Theaterstück, welches sie anfing zu schreiben, als sie 13 war und zu unserem Entsetzen erfuhren wir, dass es über ihre Vagina handelte. Glaubt mir, es war keine einzige Person im Raum, welche nicht während der nächsten 5 Minuten in Gelächter ausbrach, während sie uns darüber erzählte und wie sie in „Panik verfiel“, dass jemand ihre Erzählung gestohlen hätte (in den USA gibt es ein Stück, welches von verschiedenen Vaginas handelt), somit war sie sehr glücklich darüber, dass es doch nur „eine“ war .

Im Anschluß daran erfuhren wir, wie es zur Produktion ihrer CD „Thrill of the Chase“ kam. Schon immer wollte Sie einige alte Lieder singen, welche sie während ihrer Jugendzeit liebgewonnen hatte und nachdem man sie dies viele Male sagen hörte, gab Lolita ihr zu verstehen, sie solle es tun und sie würde die CD produzieren.

So begaben sie sich ans Werk und mittlerweile können wir Chase zuhören, wie sie Jazz singt. Robin fragte Chase, ob sie ihre Bestes gegeben hätte und Chase erwiderte „mit Sicherheit habe ich mir hier einen Traum erfüllt“.

Die letzte Frage richtete sich an Robin, ob sie mehr mit Star Trek involviert sein möchte, worauf alle Zuhörer eine positive Antwort zu hören bekamen.

Zusammen mit der Alexis Crus Diskussionsrunde, fand die Fotosession mit Garrett Wang statt.

Fragerunde mit Alexis Cruz

Von Alexis erfuhren wir, dass er gerne die Rolle des Skaara spiele, dass der Rest der Truppe allesamt gute Schauspieler sind und das er es genießt, eine tote Sprache zu sprechen. Die Roller erhielt er trotz einiger Zweifel seines Managers, ob dies wohl eine gute Rolle sei, da es doch nur eine kleine Filmsequenz war, in der er auftrat (er hatte einen Auftritt im Film und später erst, wurde die Serie produziert). Alexis gab seinem Manager zu verstehen, dass „es keine kleinen Rolle gebe, nur kleine Schauspieler!“, worauf alle Fans im Raum diese Aussage mit Jubel bedachten.

Auch gefalle ihm die Rolle des Rafael in der Serie „Touched by an Angel“. Er denkt auch, dass er eingen großes Teil dazu beigetragen hat, um Spanisch-Amerkanische Personen den Einstieg in das Filmgeschäft zu erleichtern.

Klar, das auch eine Frage bezüglich Richard Dean Anderson gestellt wurde! Alexis antwortete darauf, dass er in der Tat ein gütiger und freundlicher Mensch sei.

Eigentlich begann seine Karriere, weil seine Mutter aufgrund einer Werbeanzeige in der Zeitung ein Photo mit ihm und einer Packung Müsli einsandte. Und wir erfuhren, dass er seitdem viele Werbeaufnahmen tätigte.

Zurzeit ist er in einem Stück mit dem Titel „Latino Logs“ zu sehen, es handelt von vom Leben der Einwanderer in den Südstaaten der USA. Als Puerto-Ricaner der dritten Generation in New York verfügt Alexis nicht über die typische mexikanische „Kultur“, so dass es ihn sehr überraschte, als er das erste Mal nach Texas an die Grenze nach Mexiko reiste und er dort ein Zeichen mit einem mexikanischen Mann, zusammen mit Frau und Kind, sah und jeder trug diesen typischen mexikanischen Hut. Was ihn noch mehr überraschte war die Tatsache, dass es ein Signal wie jenes war, das dich von Tieren in Kenntnis setzt.

Fragerunde mit Garrett Wang

Garrett betrat die Bühne und wir erfuhren, „dass er die berühmten holländischen Kekse, die Stroop-Wafels, so liebte“. Einige bot er daraufhin dem Publikum an. Und es machte ihm auch gar nichts aus, für einige Fotos sich mit anderen in Positur zu bringen, da er stets sagte: „jeder versucht stets ein hübsches Bild zu knipsen, deshalb stelle ich mich gerne dafür zur Verfügung.“

Man bat ihn auch, einige Stimmimitationen vorzuführen, ehrlich gesagt, sollte er Kate Mulgrew´s Stimme imitieren. Und das tat er auch! Es war echt zum Schreien, denn er stellte nicht Kates normale tiefe Stimme, sondern ihre „erhöhte“ dar. Auch vollführte er dazu einige typische Janeway-Beweungen. Es war umwerfend komisch. Auch eine Bob Picardo und Mr. Takei Imitation gab er zum Besten. Sogar das berühme Lächeln konnten wir bestaunen.

Doch nicht aus dem Star Trek Bereich, auch eine Clinton Nachahmung durften wir erleben. Für diese ist er den Sicherheitsbeamten des Ex-Präsidenten dankbar, da sie ihm halfen, wie er sprechen oder reden solle: schnell, langsam, mit tieferer Stimme.....auf einer Veranstaltung in den USA gab er diese Vorstellung, worauf er am Ende des Vortrages zu Bill Clinton ging und sich mit ihm über seine Imitation zu unterhalten.

Im weiteren Verlauf erzählte er, dass er es nicht verstand, warum Harry Kim soviele Male sterben musste. Selbst Captain Janeway schien es egal zu sein, man konnte dies besonders in jener Episode sehen, als Ensign Kim in den Weltraum gesogen wurde und Janeway sich daraufhin bedächtig umdrehte und sagte: „Tuvok....“

Garrett wurde befragt, wo er denn gerne Snowboard fahre und wann er damit begann. Er gab zu verstehen, dass schon vor Voyager gerne Snowboard gefahren sei, doch während der Dreharbeiten zu Voyager erlaubte man es den Darstellern nicht, Sport zu treiben. Tim Russ, während er Basketball spielte, brach sich einmal den Knöchel und alle Szenen, welche man gerade drehte, mußten daraufhin verändert werden, er stand dabei „nur“ hinter der Taktik-Konsole.

Auch über die Folge „Caretaker“ erfuhren wir einiges. In der Szene, wo eine große Nadel sie „durchlöchern“ sollte und Tim „grr grr“ und Kate „ahh ahhh“ als Laute von sich gaben, da klang dies laut Garrett wie, als „ob sie einen Orgasmus hätte“. Er überlegte sich, was er tun würde, wenn sie ihn ohne jegliche Betäubung mit dieser nadeln durchbohren sollte. Seine Entscheidung war einfach.....schreien!. Nach dieser Szene sagte man ihm, er könne schreien wie Chekov.

Eine Frage war, wer denn der größte Spaßvogel der Truppe sei, worauf er Tim nannte und er erklärte uns warum. Einmal wollte man eine Szene drehen, wo allesamt eine passend sitzende Uniform tragen mußten und Tim betrat den Raum mit einer Robe, welche er über seine Kleidungsstücken trug. Mit ernster Miene wandte er sich an alle und bat um Ruhe und sprach „Ich möchte nun eine Ankündigung verlauten lassen. Ich bitte darum, dass niemand lachen oder sich über meinen Körper lustig machen möge, denn ich bin sehr schüchtern.“ Jeder dachte nun, er hätte Probleme mit seinem Körper oder ähnlich, als er sich jedoch umdrehte und die Robe auszog, konnte man bemerken, dass tatsächlich ein gewisser Körperteil „hervortrat“. Seitdem benutze er eine große Anzahl von Socken, um es zu vergrößern. Seitdem galt Tim als einer der größten Spaßvögel.

Einmal wurde gerade eine Szene gedreht, in der Janeway, Tuvok, Paris und Kim zusammen waren und Tuvok mußte eine Rutsche herunterkommen, doch an seiner Stelle hörte man nur ein „klonk, klonk, klonk, und zu allem Erstaunen der anderen, war es ein Kopf, der da herunterkam.

Man hörte Tim lachen und es stellte sich heraus, das es nur der Kopf von Nana´s Test-Modell war.

Garrett berichtete auch von einem Schelmenstreich, den sie (Tim, Robbie und er selbst) spielen wollten, jedoch nicht konnten, da es einfach zu dunkel war; in einer der Borg-Szenen mußten die drei sich umdrehen und dabei wollten sie Afro-Frisuren tragen und zur Musik der 70er Jahren tanzen.

Eine weitere Frage richtete sich an Garrett, ob er lieber in der Zukunft oder in der Gegenwart lebe. Ihm mache es nichts aus, in der Zukunft zu leben, doch würde er dann gerne eine Zeitmaschine besitzen, um in die Gegenwart zurückkehren zu können.

Auch machte er klar, falls er je in der Zukunft wieder die Rolle des Harry Kim übernehmen würde, dann nur mit einer Beförderung. Einmal fragte er einen Armeeangehörigen, nach welchen Dienstrang ein Ensign nach 7 Jahren bekleiden würde. Ihm wurde gesagt, „ungefähr Ltn. Commander“.

Man fragte Garrett auch, ob er noch zeichnen wurde, er meinte er sei nicht so gut im Zeichnen, ihm fehle die Zeit zum Üben dafür. Er fragte wie es denn war „Ich habe kein Problem (zu zeichnen.....er machte nur einen Scherz, da er sagte er war groß Zeichnen und dass er doch auch weiterhin malen würde) in Holländisch, später bat er darum, dass man dies ihm in Deutsch sagen würde, beide Sprachen war er in der Lage wiederzugeben.

Garrett erkundigte sich, wie es denn in Katalanien sei, als man ihm davon berichtete, blickte er im Raum umher, schüttelte den Kopf und fügte hinzu, dass dies wirklich schwierig wäre. Anschließend erwähnte jemand etwas von einer „Fingermalerei“, worauf Garrett´s Gehilfe, sowie ein Freund dessen (beide Utopia-Personal), laut zu lachen anfingen, Garrett drehte sich um und erkundigte sich, weshalb beide so laut lachen würden, was in ein noch heftigeres Gelächter mündete. Beide gaben zu, dass sie an „erotische Fingermalereien dachten“. Somit brach der ganze Saal in schallendes Gelächter aus.

Die letze Frage, welche man an ihn richtete handelte von der Beziehung zwischen Chakotay und Seven. Diese verstehe er überhaupt nicht, so sein Kommentar. Sie haßten sich und von einen auf den anderen Tag war alles in schönster Ordnung und sie gingen aus. Er fügte noch hinzu, dass er auch die Beziehung zwischen dem Doktor und Seiben nicht begreife.....war ist denn mit Harry Kim? Er war doch der erste, welcher sich mit ihr unterhielt. Als er das Skript las, es war die Stelle, in der Seven Kim die Frage stellt, ob „er es wünscht sich mit ihr zu paaren“, da fühlte er sich zufrieden, doch die Antwort darauf, ließ ihn verzweifeln. Und die Tatsache, dass nach dem Drehen der Szene, Jeri Ryan zu ihm sagte „du hast da etwas ausgelassen“, erweckte viel Gelächter im Saal. Auch hätte er es gerne gesehen, wenn er und der Doktor um die Liebe zu Seven gekämpft hätten. Wie zum Beispiel, der Doktor besorgt ein paar Rosen für Seven und in dem Augenblick, da er die Krankenstation betritt, spreche ich „Computer, beende das medizinische Notfallprogramm“, nehme die Rosen und überreiche sie ihr.

Fragerunde mit Jonathan Hardy

Von ihm erfuhren wir, dass er gerne auf europäische Fan-Treffen gehe, da er dort einige Witze darbringen kann, welche Leute aus den vereinigten Staaten nicht verstehen können.

Er erwähnte auch, dass er sich ziemlich alt fühlte, als er vor einiger Zeit in Auckland Regie führte und die jungen Schauspieler ihre Rollen als Großeltern darbrachten.

Farscape gefiel ihm sehr gut, es überraschte ihn sehr, das die Serie so viele Staffeln überstanden hatte; es sei eine sehr intelligente Show und das sei auch der Grund, warum sie abgesetzt wurde (wegen ihrer großen Intelligenz).

Er erzählte uns, dass er einmal einen Rabbiner spielen mußte, weshalb ihn der Produzent zu einem richtigen Rabbiner schickte. Er wußte nicht wie er sich ihm gegenüber verhalten müsse und der Produzent wies ihn darauf an, ihn so zu behandeln, als sei er der Papst, deshalb müsser er sich ihm gegenüber wie ein hoffnungsloser, alter Mann benehmen, auch dürfe er nicht mit dem Rabbi über Sex reden. Doch als er den Rabbi gegenüberstand und mit ihm über dies und das plauderte, da begann der Rabbi über BB (Brigitte Bardeau) zu reden.

Er sei auch stolz, aus der ersten Generation von Neuseeländern zu stammen, welche nach England gingen und auch über England sprachen und nicht von „unserem Land“. Ebenso sei es ein großes Vorrecht ein Schauspieler/eine Schauspielerin in Neuseeland zu sein. Jedoch der Satz, welcher jeden Teilnehmer aus dieser Fragerunde im Gedächtnis blieb, war „man kann wahrhaftig nur dann international sein, wenn man „wirklich national ist“.

Nachdem die Fragestunden beendet waren, wurden wir gebeten, den Raum zu verlassen, so dass dieser für die Autogrammstunde vorbereitet werden konnte. Die eine Hälfte der Wochenendkarten hatten am Samstag Gültigkeit, die andere Hälfte am Sonntag. Diejenigen mit Tagestickets würden sich nach jenen mit Halbtageskarten hineinbegeben. Nach der Autogrammstunden wurde der Saal abermals umdekoriert und für die Con-Party vorbereitet. Ich möchte noch erwähnen, dass man während des ganzen Tages Autogramme von Robin, JG und Jonathan erhalten konnte, ein Tisch dafür befand sich gleich neben einigen der Händler. Nach der Fragestunden mit Jonathan Hardy zogen sich einige von uns auf ihre Zimmern zurück, unsere Tickets trugen hohe Nummern, um sich auszuruhen und sich für den Abend vorzubereiten. Das Motto der Party war „Red & Wild“.

Die Party begann um 20.00 Uhr. Zuerst wurde eine Kostümprämierung veranstaltet, dort sahen wir eine Menge an Garderoben aus den verschiedenen Serien. Lustig war die Tatsache mit den Ferengi, ob er wohl auch ein „Ferengi“ sei oder nur einer unter vielen.....somit lag es an Lolita, das besondere Geschenk zu vergeben. Aber die Gewinner waren ein Geschwisterpaar, welche eine unglaubliche Ähnlichkeit mit den „Lords des Systems“ aufwiesen. Obwohl, das mit Abstand interessanteste Kostüm war das des Teufels von Rafael. Sobald nun die Geschenke verteilt worden waren, wurde ein Wettkampf präsentiert. Er wurde von Helfern der Utopia-Veranstaltung und dem Utopia-Personal vorgetragen. Erstere boten eine Interpretation des Star Trek Songs: Trekking dar, während die andere Gruppe, bestehend aus drei Personen, eine Art Synchron-Schwimmen zum Besten gaben. Auch wenn die Wahl schwer war, die Schauspieler entschieden sich für das Trio.

Nach Beendigung des Wettkampfes, die Schauspieler agierten als Juroren, (außer Jonathan Hardy, er mußte wegen seines Herzens eine Ruhephase einlegen und ebenso Chase, welche sich sicherlich für den späteren Abend „aufwärmte“) wurde uns eine besondere Darbietung geboten. Chase sang einige ihrer Lieder für uns.

Im Anschluß fing die „Disco“ an. Ich muß hierzu anmerken dass, obwohl uns die Disco viel Freude und Vergnügen bereitete, selbst Garrett vollführte einige imposante Bewegungen mit seinen Armen, die Musik im Großen und Ganzen nicht besonders gelungen oder zumindestens nicht jedermanns Geschmack war (so hörte man den Star Trek: Trekking Song viele Male).

Um 1.00 Uhr früh war die Disko dann beendet und die wenigen Leute verließen den Ort, unter ihnen auch Lolita und Chase, sie waren die einzigen der Stargäste, die noch anwesend waren. Manche begaben sich zur Ruhe, andere wiederum gingen zur Hotelbar um zu plaudern. Die Nacht war ja etwas länger, da man die Uhren zurückstellte und so eine zusätzliche Stunde geschenkt bekam.

Sonntag 26. Oktober 2003.

Um 10.00 Uhr war wiederum Einlaß und natürlich bildete sich abermals eine Warteschlange. Heute konnte man Tickets für die Gruppenphotos kaufen, leider erfuhren wir auch, dass Jonathan Hardy nicht anwesend sein würde. (Er mußte sich vor zwei Wochen einer Behandlung am Herzen unterziehen und benötigte nachwievor Ruhe). Eine weitere Änderung war, dass nunmehr die Schauspieler Autogramme signierten (Robin, JG und Jonathan).

Fragerunde mit Alexis Cruz

Auf die Frage, ob er gerne die Rolle des Dr. Daniel Jackson übernommen hätte, antworte Alexis mit einem klaren JA. Alte Zivilisationen fand er schon immer faszinierend, besonders die der Griechen. Auch war er der einzige, welche zur Serie stieß und schon im Hauptfilm eine Rolle spielte (obwohl auch Eric Averi (Kasuf) dabei war). Diese verlieh der Serie eine bessere Glaubwürdigkeit. Desweiteren mochte er es überhaupt den „bad guy“ zu spielen (als Skaa´ra mit einem Go`auld namens Klorel aneinander geriet), das Drehbuch hierzu erhielt er erst in letzter Minute. Ein Trick verhalf in dabei, alle seine Ideen hinsichtlich Ska´ara verwarf er und sobald er einigermaßen sich sicher fühlte und wußte, wie er den „bad guy“ spielen müsse, stellte es sich heraus, dass er doch wieder der „good guy“ war. Man fragte Alexis, was er in Hollywood gerne veränder würde. Der dort herrschende Rassismus beängstigte ihn und auch für die Zukunft befürchter er, dass man dort keine Latinos mehr in Serien oder Filmen sehen würde.

Abermals richtete man an ihn die Frage, wie er und Richard Dean Anderson miteinander klarkommen würden. Er stellte fest, dass Richard mehr gelassener auftrete als Russell und es somit einfacher sei, mit ihm zu arbeiten. Als er nach einigen Staffel zur Serie stieß, da verlieh Richard dem Col. O´Neill eine etwas größere väterliche Ausrichtung hinsichtlich Ska´ara gegenüber, gleichzeitig akzeptierte er die Tatsache, dass der Junge nun erwachsen war und deshalb ihm auch mehr Respekt erwies. Alexis stellte auch dem Publikum eine Frage, welche Filme den gerne gesehen werden, die meisten im Saale erwiderten darauf, dass dies romatische Filme seien (jedoch nicht die schmalzigen). Eine Frage war, ob es auch Streiche auf dem Set gebe, worauf er zu verstehen gab, dass er leider davon keine Ahnung hätte, da er ja nur nicht oft dort zu finden sei und deshalb würden auch keine ihm gegenüber gezeigt. Doch er ist gerne dort, da alle sehr freundlich zu ihm seinen und die Freundschaft der Mannschaft gegenüber erstaunte einige der Gäste, denn als Alexis auf den Set ankam, da wurde mit ihm gesprochen und man zeigte sich überaus kollegial.

Seine bevorzugten Fernsehkanäle sind hauptsächlich der Discovery-Channel und jener, welcher über geschichtliche Ereignisse berichtet.

Nach dieser Veranstaltung gab es ein weiteres Quiz, diesmal wurden einige Szenen gezeigt und man mußte eine Frage beantworten, welche sich darauf bezog.

Um 13.00 Uhr gab es das Star Brunch im Restaurant des Hotels. Anstatt der sonst üblichen Ausrichtung gab es diesmal 5 Tische, an denen die Schauspieler Platz nahmen und dort mit einigen Gästen speisten. Da es diesmal 7 Schauspieler waren, teilten sich Lolita und Chase einen Tisch, sowie JG und Jonathan einen weiteren. Ein weiterer wurde von Alexis, welcher mit seiner Freundin Delilah angereist war in Anspruch genommen, so dass Garrett und Robin die anderen zugeteilt bekamen. Jeder schien das Essen zu genießen.

Nach dem Brunch gab es die „Lügenrunde“, keiner wußte so recht wobei es sich hier handelte; erst kurz vor Beginn dieser Veranstaltung wurden wir ins Bild gesetzt.

„Lügenrunde” mit Chase, Robin, Lolita und Garrett

wie du dir sicherlich vorstellen kannst, mußte jeder genau das Gegenteil von sich geben, was er wirklich dachte/fühlte. Da es sich hier um ein Durcheinander vieler Fragen handelt, schreibe ich hier nur auf, was wer als Antwort gab. Alle von den Schauspielern gegebene Kommentare wurden mit viel Gelächter bedacht.

Lolita: Meine Meinung von Chase: Sie ist einfach schrecklich.
Robin: Das Essen ist echt ätzend, die Kartoffel furchtbar und das Toilettenpapier ist kratzt am Hintern.
Chase: Meine Zeit auf dem Hotelzimmer war einfach entsetzlich. Das ist schon eine schlimme Erfahrung gewesen und ich wünschte, ich hätte was zum Trinken.
Garrett: Im Zimmer war es eisigkalt.
Robin: Das Essen aus dem Restaurant ließ mich kotzen, diese Veranstaltung ist so langweiling und Garrett quasselt ständig. Ich werde nie wieder hierher kommen.
Lolita: (spricht über Robin, Chase und Garrett) Ich hasse sie!
Chase: Ich glaube ihr (bezieht sich auf Lolita). Und ich liebe ihren Monolog über den Penis.
Garret: Ich sage nur drei Worte (während er auf die drei Frauen zeigt): Miststück, Miststück, Miststück.
Chase: Du bist ätzend!
Garrett: Nein, danke!
Chase: Wir mochten uns die ganze Zeit? (sie schien etwas verloren)

Frage: Was werden eure Familien denken, wenn sie ein Video von dieser Veranstaltung sehen?

Chase: Die Meinung meiner Mutter über mich, wird zunehmen.
Robin: Sie werden einen Schock bekommen.
Garrett: Heulen.

Frage: Habt ihr die Stadt/das Land besichtigt?

Robin: Ich bin über 30 Meilen am Strand spazierengegangen und verbrachte die Nacht mit 5 holländischen Männern.
Chase: Nein, ich hasse es.
Garrett: Ich habe auch mit 5 holländischen Männern geschlafen.

Frage: (an Garrett) Bist du sicher, das du das nicht wolltest? ;-)

Garrett: Sicherheitsdienst! Schafft ihn hinaus.

Frage: Was ist eure Meinung über Chase´s Auftritt?

Lolita: Ich hasste es! Sie ist so schlecht.

Frage: Was haltet ihr von Garrett´s Stimmeninterpretation von Kate Mulgrew?

Chase: Er ist in der Tat eine Frau.
Lolita: Seine Kate Mulgrew Imitation ist echt ätzend, er kennt sie überhaupt nicht.
Robin: Er ist ein talentierter Impressionist.
Garrett: Was?!? (zu Robin)
Robin: Ich kann nicht über etwas lügen, was ich nicht gesehen habe.

-somit gab Garrett eine Kostprobe seines Talentes und immitierte-

Chase: Ich liebe Kate´s Stimme.
Garrett: Ich spiele gut Klarinette und tue das jeden Tag!
Chase: Ich hasste es. Nie habe ich Männer geküsst, nur Frauen (bezieht sich auf DS9).
Lolita: Ich habe nie Marihuana geraucht.
Robin: Ich schon, letzte Nacht! Die nicht (bezieht sich auf die drei anderen)
Garrett: *mit unschuldigem Blick* Ein paar Male habe ich schon geraucht.
Frage: Vor was fürchtet ihr euch?
Lolita: Vor holländischen Fans!
Robin: Liebe
Lolita: Chase?
Chase: …….
Robin: Vor einem schönen warmen Bett, vor Regen
Lolita: Ich habe Angst vor Star Trek Conventions!

Frage: Wen mögt ihr am wenigstens?

Lolita: Garrett
Chase: Ich bin ja so in Matt Demon verliebt.
Garrett: Jeri Ryan!

Question: Welches ist euer Lieblingslied?

Garrett: (beginnt zu singen) 99 bottles of bier in the wall….
Robin: Ich liebe es..
Lolita: (also singing) Cumbaya my lord…
Garrett: Star trekking… nach dem 90ten Mal...

Frage: Wird es einen neuen Star Trek Film geben?

Robin: Ja! Und ich werde der Star sein.
Lolita: Und Picard wird tot sein.
Chase: Und es wird eine Captain Leeta geben!
Garrett: Und… Kim wird befördert werden!

Frage: Was ist eure Meinung über Rick Bergman?

Garrett: Er ist ein persönlicher Freund meinerseits.
-alle stimmten dem zu, Rick sei ihr persönlicher Freund -

Frage: Was haltet ihr von den Leuten hier auf der Veranstaltung?

Chase: Sie riechen unangenhem und ihr alle seid äußerst unhöflich.
Lolita: Sie lächeln nie.
Robin: Sie besitzen keine Sexualität, sie reden nie von Sex, fragen nie über Sex oder sonst etwas!
Garrett: Sie besitzen keinen Sinn für Humor.
Lolita: Ja,unsere gesamte Unterwäsche ist von Star Trek.

Frage: Welche war bisher euere beste Veranstaltung, die ihr besucht habt?

Robin: Diejenige in Virginia…
Chase: Eine, bei der ich beinahe mich übergeben mußte…
Lolita: Wir könnten Beutel mit deinem Erbrochenem verkaufen und versteigern!
Garrett: Was sagt man “Erbrechen” in Holländisch? – man sagte es ihm -
Chase: Und diese ist eine „Höllenveranstaltung“ ;-)
Garrett: Du hast seine Finger angemacht! (bezieht sich auf Robin, als sie die Rolle der Saavik spielte).

Schlußveranstaltung und Tombola

Sie bedankten sich bei allen und ließen verlauten, dass sie die Zeit sehr genossen haben. Robin, Chase, Lolita und Garrett erwähnten, dass sie die “Lügenrunde” sehr gefallen habe. Dann gab es noch die Tombola (hier mußtest du, an gleicher Stelle, an der man die Karten für die Autogrammstunden erhalten hat, Lose besorgen). Die Schauspieler dienten als „Glücksfee“ obwohl Jonathan Hardy doch tatsächlich das Publikum in der ersten Reihe nach den Nummern ihres Sitzplatz fragte, so dass er danach suchen können, natürlich gegen ein kleines Bestechungsentgelt!

Kurz vor Schluß erhielt Garrett ein Geschenk von seiner Hilfskragt, es war eine „Fingermalerei“ was natürlich den ganzen Saal in hysterisches Gelächter ausbrechen ließ. Auch die anderen Stargäste erhielten Geschenke, unter anderem eine Flasche alkoholischen Getränkes, in Lolita´s Fall war es ihr Lieblingsgetränk: Wodka. Jonathan erhielt einige Stroop-Wafels, er bedankte sich dafür und fügte hinzu: „Obwohl ich mich etwas zurückgezogen habe, so erhalte ich dennoch ein Geschenk“ (er mußte in einem Stuhl Platze nehmen, da er immer noch Ruhe benötigte)

Nach dem die Tombola beendet war und nach der Schlußveranstaltung:

Falls du 10 Karten gekauft hast, erhielst du 2 Geschenke! Wir wurden gebeten, den Saal zu verlassen, so dass dieser für die Autogrammstunde vorbereitet werden konnte. Heute galten die andere Hälfte der Wochenendtickets und im Anschluß daran, die Tagestickets. Menschen strömten in Gruppen zu je 20 Leute herein und man hatte noch einige Zeit, sich mit den Stargästen zu unterhalten.

Während des Wochenendes wurden auch einige Arbeitsgruppen abgehalten: Lieder komponieren für Filme, Rafael´s Abenteuer als Journalist, Live-Rollenspiel......

Für Bernds Karrierestart als Star Trek Musiker war damals eine günstige Zeit. Seine damalige Band "Strange Phenomena" löste sich 1995 auf und so hatte er Zeit sich mehr mit Star Trek zu beschäftigen. Und so feierte Bernd auf der FEDCon 3 in München seinen ersten Erfolg als Star Trek Musiker. Innerhalb einer halben Stunde waren alle 14 Kassetten die Bernd mitgebracht hat, ausverkauft. Von zu Hause aus verkaufte er dann innerhalb von nur zwei Monaten seine ersten 50 CDs mit dem Titel "Station to the nextgenerations". Das gute Ergebnis brachte Bernd damals zu dem Entschluss weiter zu machen. Ein guter Entschluss wie sich herausstellte.

Nun ist seine sechste CD mit dem Titel ‚Inside Out’ erschienen welche wieder zurück seinen musikalischen Wurzeln geht. Zwölf sehr unterschiedliche, alle jedoch den typischen Bernd Felsberger Sound tragenden, Songs erzählen auf sehr emotionaler Ebene lustige aber auch traurige Geschichten. Besonders der namensgebende Song ‚Inside Out’ ist gelungen und regt, obgleich er textlich gesehen traurig ist, zum mitsingen an.

Hier die komplette Tracklist:

Inside Out (Hörprobe)   Lost in you   Neve part 1   Without you   Never believe (Hörprobe)   Love is more than a dream   Stay the night   Why   Who will you run to   It's over   Neve part 2   Goodbye (Hörprobe)

Für Fans von Bernd Felsberger oder Leute die einfach mal leichte Rockt-Musik-Unterhaltung mit ernstem Hintergrund hören wollen eine klare Empfehlung. Mehr Informationen bekommt ihr unter www.felsberger.net.

Creative Decoder DDTS-100

UVP: € 149,-- Marktpreis: 110€ Verfügbar: ab jetzt

Produktmerkmale

• Decodiert bis zu 6.1 Kanäle
• Surroundformate
  - Dolby® Digital EX
  - DTS®-ES (Matrix und Discrete)
  - Dolby Pro Logic II
  - DTS NEO:6
  - Unterstützt Upmix auf 7.1-Klang
• Maximale Vielseitigkeit und Anschlussmöglichkeiten
  - 3 optische Eingänge
  - 1 koaxialer Eingang
  - 3 analoge Stereoeingänge
  - analoger 7.1-Ein-/Ausgang
  - 2 Kopfhörerausgänge
  - Fernbedienung mit umfangreichen Funktionen
• Gleichzeitiger Anschluss von bis zu acht Audiogeräten möglich
  – 4 x digital und 4 x analog

Lieferumfang

• Creative Decoder DDTS-100
• Infrarotfernbedienung (Batterien enthalten)
• Switch Box
• Ein optisches Kabel
• Ein Koaxialkabel
• Ein 7.1-Audiokabel
• Ein Mono-Cinchkabel
• Benutzerhandbuch
• Informationsblatt zu Garantie und technischem Support

Kleines Ratespiel: was hat 14 Eingänge, ist handlich, leicht zu transportieren und überaus attraktiv? Nein, ich meine nicht die neue aufblasbare Freundin die ihr euch neulich bei Rossmann bestellt habt. Gemeint ist Creative Labs’ neuestes Gerät aus dem Heimkinobereich: der DDTS-100, ein Digital-Surround-Decoder mit erstaunlich günstigem Preis. Wir erhielten über Weihnachten eins der Prunkstücke zum ausführlichen Test.

Der Creative Decoder DDTS-100 erlaubt den parallelen Anschluss von bis zu acht Geräten, wie zum Beispiel DVD- und CDPlayer, Satellitenreceiver, Spielekonsole oder MP3-Player und ist damit die ideale Schaltzentrale für das Home-Entertainment. Durch die Infrarotfernbedienung lassen sich alle Funktionen bequem vom Sofa aus steuern. Er unterstützt die neuesten Kino-Surroundformate wie DTS®-ES, Dolby® Digital EX, Dolby Pro Logic® 2 und DTS Neo:6®. Damit können selbst Stereosignale aus jeder beliebigen Quelle auf 5.1- oder 6.1-Surroundklang abgemischt werden. Besonders letztere Funktion ist beeidruckend: wer einmal bombastischen Soundtracks wie Don Davis’ Matrix Revolutions Score oder voluminanten Klassikern wie Beethovens Schicksalssymphonie in angemessener Lautstärke gelauscht hat, wird nie wieder ohne diese Funktion Musik hören wollen. Von der technischen Seite überzeugt der DDTS-100 auf voller Länge. Auch für den Einsatz am PC ist der Decoder durch die praktische Pass-Through-Funktion geeignet. PC-Audio-Signale werden somit einfach durchgeschleift, während die anderen angeschlossenen Geräte durch den Decoder DDTS-100 unterstützt werden. Lediglich die Steuerung mit der Fernbedienung hätte etwas leichter gestaltet werden können.

Apropos Fernbedienung: Hat es Euch immer schon geärgert, dass der Deckel des Batteriefaches nach einiger Zeit auf und davon ist? Hier haben die Ingenieure weitergedacht und die Batterieklappe mittels kleinen Scharnieren fest an die Fernbedienung gekoppelt. Generell gesehen: das Design und die Verarbeitung entspricht dem gewohnt sehr guten Creative-Standard. Der etwa 25 Zentimeter hohe, beziehungsweise bei Querlage breite Wunderkasten fügt sich dank seinem schlichten aber dennoch edlen Design in nahezu jede HiFi-Rack Kombination ein. Wer bereits ein Creative Soundsystem wie zum Beispiel das Inspire T7700 (Amazon, 109,00 Euro) sein Eigen nennt, darf sich über besonders einfache Installation freuen. Aber auch nahezu alle anderen Systeme sind ohne größere Probleme anschließbar.

Fazit

Der Creative DDTS-100 Decoder ist ein Multitalent, das jeder, der in die dreidimensionale Welt des Sounderlebnisses einsteigen möchte in Betracht ziehen sollte. Perfekte Kompatibilität und Anschlussmöglichkeit für nahezu Lautsprechersystem machen aus dem DDTS-100 das Bindeglied zwischen Hifi/TV/PC System und Klangkörper mit unschlagbaren Preis/Leistungsverhältnis.

Bewertung	Pro	Kontra
	+ unterstützt alle Standards + tolle Upmix-Funktion + umfangreiche Anschlüsse + sensationeller Preis + alle wichtigen Kabel im Lieferumfang + gutes Design + solide Verarbeitung	- Fernbedienung etwas kompliziert - Anleitung mager - Leuchtdioden an der Front etwas stark

Daniel Räbiger

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Fortsetzung zu Teil 1:

Brendan Fletcher übernimmt die Rolle des Mark; auch er berichtet, Englund stecke jedermann mit seinem Enthusiasmus an, und ähnlich wie Keena fand er es seltsam, mit „Freddy“ zusammenzuarbeiten, nachdem er jahrelang Todesangst vor ihm ausgestanden hatte. „Als ich seine Filme als Kind gesehen habe, war ich traumatisiert“, sagt Fletcher. „Es war daher schon sehr komisch, ihm am Set bei der Arbeit zuzuschauen, und Robert erzählte dann, er wollte nach Tofino fliegen, um zu surfen und in den heißen Quellen zu baden. Ich versuchte ihm zwar zuzuhören und ihn ernst zu nehmen, aber mir standen die Haare zu Berge, wenn ich ihn nur anschaute.“
Die Situation blieb lange gespannt, weil Englund sich nämlich oft genug ein diebisches Vergnügen daraus machte, seine Filmpartner zu erschrecken. Er schlich sich dann von hinten an und legte ihnen seine berüchtigte Krallenhand auf die Schulter. „Wir kreischten dann: ,Lass das, Robert!‘“ demonstriert Fletcher mit einem Schrei.
Während Englund die Lacher verbuchte, waren seine Partner also recht nervös, auch wenn am Set die beste Stimmung herrschte. Christopher Marquette, der den linkischen Linderman spielt, erinnert sich an etliche hektische Momente am Set: „In einer Waldszene durften Kelly und ich uns nur innerhalb von drei Metern vor der Kamera bewegen, weil wir gerade high waren. Ich sagte dann: ,Ist da was hinter dem Baum?‘ – einfach so, um Stimmung zu machen. Klar, das gesamte Filmteam stand um uns herum, aber trotzdem schauten wir ständig über die Schulter um sicherzugehen, dass uns niemand zu Tode erschreckte.“
Natürlich kann man sich auf Kosten der Kollegen köstlich amüsieren. Aber wenn man bedenkt, wie lange Englund den Freddy schon spielt, bleibt die Frage: Wie schafft er es, sein Interesse an der Rolle wachzuhalten? Als Antwort bedankt sich Englund bei den aktuellen und früheren Regisseuren der Filmreihe, die ihm immer wieder alles abgefordert haben. „Wenn ich gerade einen künstlerischen Film in Europa gedreht hatte, kam ich zurück und stöhnte: „Mein Gott, jetzt muss ich wieder in die Maske.‘ Aber Renny Harlin, Stephen Hopkins, Chuck Russell, diese Jungs mit ihren Storyboards und Zeichnungen, ihrem Enthusiasmus haben mich durch ihre Begabung einfach mitgerissen, und ich war wieder voll dabei.“

Genauso funktionierte das auch in Zusammenarbeit mit Regisseur Ronny Yu. „Ronny schätzt und respektiert das Genre sehr“, erklärt Englund. „Er besitzt ein seltsam präzises Gespür für die Popkultur, auch wenn er nicht viel darüber redet. Aber man kann es in seinen Bildern erkennen. Er ist darin jung und enthusiastisch geblieben, als ob er ein Nachwuchskünstler wäre. Die Dreharbeiten stellten ein hartes Stück Arbeit dar – wegen des engen Drehplans, der Nachtszenen und der Kälte. Aber wenn wir dann zitternd zum Monitor liefen und unseren Atemhauch sehen konnten, dann schauten wir die tollen Aufnahmen an – die wirkten sogar schon als Videoplayback. So konnte ich auch 20 Stunden am Tag bei Frost und völlig mit Blut besudelt durchhalten. Das alles nur dank Ronnys visueller Poesie auf einem kleinen Bildschirm im Wald.“

Bilder (c) by Warner Bros.

In der Filmgeschichte gibt es jede Menge Belege dafür, dass der Horrorfilm das Publikum kontinuierlich fasziniert hat. Von „Nosferatu“ über „War of the Worlds“ (Krieg der Welten) bis zu „The Exorcist“ (Der Exorzist) hat „Freddy vs. Jason“ viele berühmte Vorgänger, zu denen natürlich auch die erfolgreichen eigenen Serien der beiden Titelhelden zählen. Wie lässt sich diese Anziehungskraft erklären? Viele beantworten diese Frage ganz einfach: Horrorfilme erlauben uns die Erfahrung des Adrenalinschocks ohne eine damit verbundene reale Gefahr. Jason Ritter formuliert das so: „Ich schaue mir Gruselfilme an, weil ich es mag, wenn ich spüre, wie mein Herz klopft. Ich mag die physische Reaktion, die angespannten Nerven, das Blut, das durch den Körper gepumpt wird, ohne dass ich tatsächlich Angst haben müsste. Beim Gruseln geht man auf Nummer Sicher.“

Robert Englund argumentiert allerdings, dass mehr dahinter steckt als die oberflächliche Sucht nach Gänsehaut; er ist vielmehr überzeugt, dass diese Filme „ein bestimmtes kulturelles Grundbedürfnis abdecken. Ich finde nämlich, dass der Tod aus der amerikanischen Kultur verdrängt worden ist“, erklärt Englund. „Alle wollen ewig jung bleiben, niemand macht sich klar, dass der Tod ebenso zum Leben gehört wie das Erwachsenwerden. Man lebt und man stirbt; das war’s. Aber im dunklen Kino passiert etwas anderes zwischen der Leinwand und dem Publikum. Wenn wir uns in einem Horrorfilm mit dem in Lebensgefahr schwebenden Helden identifizieren, setzen wir uns mit der eigenen Sterblichkeit auseinander. Der Horrorfilm im dunklen Kinosaal bietet uns meiner Meinung nach eine letzte Gelegenheit, dem Tod ins Auge zu sehen.“ Produzent Sean S. Cunningham glaubt, dass „Freddy und Jason zusammen den anonymen, unfassbaren Ängsten unserer Psyche ein Gesicht geben.“

Superschurke Freddy wirkt umso fürchterlicher, weil er sich unseres Unterbewusstseins bemächtigt. Freddy erwischt uns im Schlaf, wenn wir am schwächsten und verwundbarsten sind. „Wir haben Angst, weil Freddy unsere innersten Gedanken kennt und sie gegen uns verwendet“, sagt Englund. „Er kennt unsere sexuellen Verfehlungen, weiß, in wen wir heimlich verliebt sind, dass wir Angst vor Spinnen haben. Er dringt ins Schlafzimmer ein und lauert unter dem Bett. Er schaut uns beim Zähneputzen über die Schulter, auch wenn wir die Akne-Creme auftragen. Kein noch so intimes Geheimnis ist vor ihm sicher.“

Aus diesem Grund mordet Freddy so ganz anders als sein Rivale Jason, der sich sofort auf seine Opfer stürzt und sie mit einem schnellen Hieb seiner Machete auslöscht. Produzent Sean S. Cunningham vergleicht Jason mit einem Killer-Hai. „Das Entsetzliche an einem Hai ist die simple Tatsache, dass er Hunger hat. Auch Jason erscheint als gesichts- und hirnloser Todesbote, der uns völlig grundlos ausradieren kann – mit einer solchen Todesangst zu leben ist einfach unerträglich.“
Im Vergleich dazu schätzt Freddy das spielerische Element – er entwaffnet seine Opfer durch manipulierte Gefühle, er stiftet Verwirrung, bevor er mit seinen Klauen zusticht. Immer tiefer zieht Freddy seine Opfer in seine Traumwelt hinein, bis die Grenze zwischen Realität und Illusion verschwimmt – vor dem Todesstoß weidet er sich an psychologischer Folter. Dazu sagt Ken Kirzinger, der den Jason spielt: „Albträume hassen wir alle, und wenn jemand unsere Träume beeinflussen kann, ist das ganz klar ein schrecklicher Gedanke. Aber wenn man zwischen Realität und Traum nicht mehr unterscheiden kann, wenn man als Gefangener in Freddys Traumwelt nicht mal merkt, wo man sich befindet, bis es dann zu spät ist – das ist absolut grauenhaft.“

Dieses zentrale Thema des bruchlosen Übergangs zwischen Traum und Realität macht den besonderen Reiz des Films aus. Genau wie die Figuren im Film den Unterschied oft nicht erkennen können, rätseln auch die Zuschauer. „Die Erzählstruktur ist sehr komplex“, sagt Regisseur Ronny Yu. „Die Traumwelt und die reale Welt sind miteinander verzahnt. Ständig fragen sich die Zuschauer: ,Sind wir jetzt in der Traumwelt? Vielleicht doch nicht.‘ So halten wir ihr Interesse wach.“ Um das zu demonstrieren, beschreibt Yu eine bestimmte Szene: „Freddy versucht Blake umzubringen, was ihm aber nicht gelingt. Stattdessen erwischt ihn Jason. Blake denkt in seiner Traumwelt: ,Alles in Ordnung, alles in Ordnung.‘ Aber sofort folgt der Schnitt in die Realität, und Jason steht direkt hinter ihm. Als Zuschauer wäre ich von so etwas fasziniert.“
Der Teufel steckt auch im Detail – oder vielmehr seine Abwesenheit. „Wie führt man die Zuschauer an der Nase herum?“ fragt Yu. „Wie bringen wir ihnen das Fürchten bei? Wir brauchen einen Killer, der im Vagen bleibt, wie der Hai in ,Jaws‘ (Der weiße Hai). Wir versuchen also nicht allzu viele Details ins Bild zu bringen. Immer nur flüchtige Augenblicke. Wir zeigen Freddys Hand oder das Aufblitzen von Jasons Machete.“

Auch wenn sie ohne Kameratricks auskommen, zählen Jason und Freddy unbestritten zu den gruseligsten Kinomonstern überhaupt. Jason macht uns Angst, weil er in seiner Wut völlig wahllos um sich schlägt, weil er sich unbeirrt über unsere Kultur hinwegsetzt, die in einem Mordfall verzweifelt nach Motiven forscht und Reue einfordert. Freddy macht uns Angst, weil er den archetypischen verirrten Rächer darstellt: er will Vergeltung für seinen eigenen Tod, und er wurde von wütenden Eltern umgebracht, die den Tod ihrer Kinder rächen wollten; er verkörpert die tödlichen Konsequenzen, die sich ergeben, wenn die Grenze zwischen Recht und Rache überschritten wird.
Jüngere Zuschauer werden durch Freddy auf unangenehme Weise daran erinnert, dass kindliche Illusionen irgendwann von der hässlichen Wahrheit eingeholt werden. Freddy trägt buchstäblich keine Maske, auch im metaphorischen Sinne nicht. Robert Englund formuliert es so: „Wes Craven hat Freddy als unser aller unehelichen Vater bezeichnet. Freddy ist das Symbol für den Umstand, dass niemand uns lehrt, wie ungerecht das Leben ist; in der Schule bringt uns niemand bei, dass uns jemand den Dolch in den Rücken stoßen könnte – im wörtlichen wie im übertragenen Sinne. Er symbolisiert all die schrecklichen Erfahrungen, die wir auf dem Lebensweg machen werden und durch die wir im Reifungsprozess unsere Unschuld verlieren. Immer hat Freddy es mit voll erblühten, paarungswilligen Jugendlichen zu tun, die an der Schwelle zum Erwachsenwerden stehen, und er stellt sich ihnen wie eine Straßensperre in den Weg, indem er die reinste Form ihrer Unschuld pervertiert: ihre Träume. Aber wer hat ihn hervorgebracht? Die Elterngeneration. Er steht für die Sünden der Väter. Uns geht es genauso, denn wir erben die kaputte Umwelt, Krieg, den Dreck – diese Sünden erben wir als junge Menschen, und wir müssen uns stellen. All das symbolisiert Freddy. Und ich bin überzeugt, dass die jungen Fans das unterbewusst auch begreifen.“

Zur Verwandlung in Freddy Krueger musste Robert Englund sich jeden Tag einer mehrstündigen Schminkphase unterwerfen. Für die speziellen Make-up-Effekte war Maskenbildner Bill Terezakis von den WCT Productions in Vancouver verantwortlich, er brauchte täglich drei Stunden, um Englund zu schminken, und eine weitere Stunde, um ihn wieder abzuschminken. Freddys Gesicht besteht vorwiegend aus Latex-Schaum, der in Teilstücken aufgetragen wird (zum Beispiel ein Stück für die Nase). Die fertige Maske besteht aus 15 Teilen. Jedes einzelne muss angepasst, festgeklebt und mit den anderen nahtlos verbunden werden, damit sie auf Englunds Kopf wie eine zweite Haut wirkt. Abschließend wurde die Maske wasserdicht versiegelt, denn Freddy muss sich genau wie Jason häufig am oder im Wasser aufhalten.
Bei Freddys Maske verwendete man neueste technische Entwicklungen, auch wenn sich Terezakis natürlich weitgehend am Entwurf des Original-Make-ups von David Miller orientiert. Mehr künstlerische Freiheit bekam Terezakis, als er die Maske des „dämonischen Freddy“ entwarf: Wenn Freddy richtig wütend wird, wenn er laut Terazakis „einen Moment lang mutiert“, erscheint sein Ausdruck übertriebener, intensiver und entgleister – man könnte sagen: satanischer. „Die Dämonenmaske geht von Freddys Grund-Make-up aus, aber wir machten einen neuen Gipsabdruck von Roberts Gesicht und modellierten einen verstärkten Muskel über sein Gesicht. Dann benutzten wir die Haut der ursprünglichen Freddy-Gussform und legten sie über den neuen Muskel, um dem Gesicht einen brutaleren, angespannteren Ausdruck zu geben. Die Farbtöne changieren zwischen Rot und Lila, er bekommt ein spezielles Gebiss eingesetzt, Kontaktlinsen – alles fügt sich zum Gesamteindruck zusammen, den der Zuschauer als dämonische Version von Freddy Krueger erkennt.“

Neben Freddys Fratze hatte Terezakis aber durchaus auch noch weitere Asse im Ärmel. Er musste etliche Wunden, Leichen, abgerissene Gliedmaßen und ähnliches versorgen – insgesamt 72 Einzelpositionen, die in der Make-up-Abteilung 31 Mitarbeiter manchmal rund um die Uhr in Trab hielten. Ein weiteres Dutzend Leute war am Set mit dem Abschminken beschäftigt. Terezakis outet sich als Riesenfan der Originalfilme – nicht unbedingt wegen der Geschichten, sondern wegen der Masken, die ihn immer schon inspiriert haben. Weil die Technik sich inzwischen erheblich weiterentwickelt hat, lassen sich heute Effekte verwirklichen, von denen man in den frühen Tagen der Serien nur träumen konnte. Aber vor allem profitiert „Freddy vs. Jason“ von Terezakis’ zügelloser Fantasie.

„Bill ist ein echtes Genie“, berichtet Englund begeistert. „Ich würde für die Fans liebend gern Führungen durch sein Atelier machen, denn das hier ist der Traum jedes hoffnungsvollen 20-jährigen Nachwuchs-Maskenbildners. Hier könnte man sein ganzes Leben verbringen. Es liegt in einem coolen Viertel von Vancouver, wird bevölkert von einem großartigen Team, dem jede Menge toller Spielsachen und Krimskrams zur Verfügung stehen. Wes Craven ist es immer wieder gelungen, den 14-jährigen Jungen in sich wach zu halten, und Bill ist genau vom gleichen Schlag. Wie Ronny Yu hat auch Bill dieses Gespür eines Comic-Zeichners. Mir war völlig klar, dass ich echt cool aussehen würde – einfach weil Bill da ist und dafür die Verantwortung übernimmt.“
Produktionsdesigner John Willett trägt allerdings ebenfalls einen nicht zu unterschätzenden Teil zum Look des Films bei, was besonders während der Traumsequenzen deutlich wird. In Freddys Traumwelt vermischen sich teuflische Farben von Rost- bis Feuerrot, während Jasons Traumwelt vom Wasser bestimmt wird, denn laut Willett „ist darin seine Urangst begründet. Und Jasons Welt besteht aus drei Teilen: Ein großes Haus, in einem Winkel von 45 Grad im Sumpf eingesunken – drum herum alle möglichen Köpfe und Arme, die sich aus dem Boden hervorarbeiten. Drinnen befindet sich Jasons Kinderzimmer. Es ist um 30 Grad geneigt, halb mit Wasser gefüllt und völlig mit Lianen und allen möglichen Pflanzen überwuchert. Und der dritte Teil erscheint, wenn er den Schrank öffnet: ein riesiges Aquarium, in dem Leichen treiben. Freddys und Jasons Welten sind Albträume im wahrsten Sinne des Wortes. Sie bilden die optischen Schlüsselelemente unseres Films.“

Besonders gefällt Willett der Set des Heizraums, der Freddys Hölle symbolisiert. In einen riesigen realen Heizungskeller baute Willett tonnenweise Kabel, Boiler und jede Menge mechanischen und elektrischen Schnickschnack ein, was dem Set ein völlig irres Aussehen verleiht. Dabei orientierte er sich an der chinesischen Stadt Kowloon, die es heute so nicht mehr gibt: Sie entwickelte sich über die Jahre, ohne dass sich jemand um Bauvorschriften oder sonst etwas kümmerte. „Wir haben die Stromkabel und Rohre einfach irgendwie an die Wände gehängt“, berichtet Willet. „Die ziehen sich durch die Flure bis in die Räume. Das Resultat wirkt wie aus einer anderen Welt.“
Was die reale Welt angeht, interessierte sich Willett vor allem für den Nachbau der Sets für das Camp Crystal Lake. „Am Anfang erleben wir das Camp in den 50er-Jahren, als es gerade erst errichtet worden war“, sagt Willett. „Alles äußerst nett, blitzsauber, glänzend, nur strahlende Gesichter. Als es dann das nächste Mal ins Bild kommt, verrottet es schon seit 50 Jahren, ist also völlig verfallen und überwuchert. Schließlich erleben wir es nach der apokalyptischen Explosion am Ende des Films – da sieht es aus wie eine Straßenszene in Dieppe im Ersten Weltkrieg: Alles brennt, Bombenkrater und verrußte Erde.“

Die Unterschiede zwischen Traumwelt und Realität wurden relativ deutlich herausgearbeitet – man merkt sofort, dass es sich hier um völlig unwirkliche Orte handelt. Doch als dann die Albtraumszenen auch in die reale Welt eindringen, setzen Regisseur Ronny Yu und Kameramann Fred Murphy subtilere Effekte ein, sie manipulieren zum Beispiel die Ausleuchtung, oder bleichen die Farben beim Kopieren des Films aus. Yu beschloss außerdem, die Realität so normal wie möglich abzubilden, damit das Publikum sich in Sicherheit wiegen kann – bis Jason dann losschlägt. „Wir wollten die Sets, Kostüme und den Rest ganz normal gestalten“, erklärt Willett. „Denn dann bricht der Horror ganz unerwartet über den Zuschauer herein. Eine ganz alltägliche Umgebung wird also plötzlich mit schrecklichen Bildern konfrontiert: Jasons Albtraumwelt und Freddys Hölle. Das ist fantastisch.“
Das Fantastischste erleben die Fans jedoch mit den unglaublich akrobatischen Stunts in den Duellszenen, vor allem, wenn sie in Freddys Reich stattfinden. Stunt Coordinator Monty L. Simons beschreibt die „realen“ Stunts als sehr brutal und wirklichkeitsnah, während „die beiden in der Traumwelt quer durch den Raum geschleudert werden und durch die Wand krachen, zwei Stockwerke tief stürzen, wieder aufstehen und gleich noch einmal aufeinander losgehen. Weil sie in keiner Weise mehr an die Realität gebunden sind, lassen sie sich auch von den irrwitzigsten Actionszenen nicht unterkriegen, die wir uns für sie ausgedacht haben.“

Bei diesen Effekten setzt Simons moderne Techniken wie Flüge an Drahtseilen ein. „Was sich mit den Drähten erreichen lässt, ist einfach phänomenal“, berichtet Simons begeistert. „Wir lassen die Jungs in jede nur denkbare Richtung durch die Luft fliegen. Sie sausen in Gegenstände, durch Wände hindurch, rauf und runter. Wir haben die Sache so lange auf die Spitze getrieben, bis Ronny Yu zufrieden war. Alles wird mit großer Geste übertrieben, so weit es irgend geht – es war dann an ihm zu sagen, wann es reichte.“
Auf der Real-Ebene lässt Simons Freddy und Jason ihre Bewegungen so ausführen, wie wir es aus den früheren Filmen gewohnt sind. Simons beschreibt Jason als „wandelnden Bizeps mit Machete. Er besteht nur aus Muskeln und murkst Leute ab. Freddy ist dagegen viel beweglicher, kleiner und wendiger.“ In der Traumwelt nimmt Freddys Beweglichkeit sogar noch zu, und er bekommt erheblich mehr Kraft, wenn er Objekte bewegt – das beschränkt sich längst nicht nur auf das Klappern mit seinen Klingen.“

Robert Englund hat diese Darstellung des nachgebesserten Freddy riesigen Spaß gemacht. „In der Traumwelt wirkt Freddy fast wie ein Zauberer“, schwärmt Englund. „Die tollen Stunts heben völlig von der Realität ab. Ich möchte zwar gern behaupten, dass ich alle meine Stunts selbst ausgeführt habe, aber ich bin inzwischen in die Jahre gekommen. Mein hervorragender Stuntman lässt mich jedoch richtig gut aussehen. Die Wasserszenen habe ich selbst gespielt, auch einige Kampfsequenzen, aber wenn man Freddy im freien Flug sieht, wenn er durch eine Wand kracht oder in hohem Bogen im brennenden Crystal Lake landet etc., dann bin ich das nicht persönlich. Solche Stunts würde ich im Leben nicht zustande bringen.“

Doch Ken Kirzinger, Darsteller des Jason, kann das und tat es auch. Kirzinger bringt jahrzehntelange Erfahrung als Stuntman mit, was sich in jeder Hinsicht als praktisch erwies. „Ich habe mir alle Filme beider Serien angeschaut, als sie damals im Lauf der Jahre im Kino liefen“, sagt Kirzinger. „Denn ich bin und war immer schon ein echter Horror- und Science-Fiction-Fan. Dieser Film war also wie ein Urlaub für mich. Der Unterschied ist gewaltig, denn Stunts sind ein sehr ernsthafter Beruf, aber die Darstellung des Jason hat einfach nur riesig Spaß gemacht. Ich fand das wirklich toll.“
Es waren zwar Kirzinger, Simons und die übrigen Teammitglieder, die die Stunts tatsächlich ausführten, doch alle geben sie unumwunden zu, dass der kreative Kopf dahinter ihr Regisseur ist. „Ronny Yu ist kein klassischer Horror-Regisseur, bei dem die Fetzen fliegen und das Blut nur so spritzt“; sagt Simons. Durch seine Hongkong-Erfahrung hebt er dieses Ding auf eine ganz neue Ebene. Der Look, der Stil, sogar die Darstellung der Schauspieler erreichen eine neue Dimension. Unser Film hebt sich überdeutlich vom üblichen Horrorgenre ab. Was ich hier erlebe, habe ich so noch nie gesehen.“ Produzent Sean S. Cunningham stimmt ihm zu: „Ronny hat ein feines Gespür für die Optik, durch die er das Niveau deutlich anhebt. Ein begabter, mitreißender Regisseur.“

Ein Teammitglied nennt Ronny Yu „den guten Geist der gesamten Produktion“: Der Regisseur bringt Freddy und Jason auf eine Weise zusammen, die für beide Serien neue Maßstäbe setzt. „Ronny Yu liefert einen packenden, opernhaften Horrorfilm, der nur so sprüht vor stilistischen Ideen, Actionelementen und haarsträubenden Gruseleffekten“, sagt Drehbuchautor Damian Shannon. Und Swift fügt hinzu: „Man kann ohne Übertreibung sagen, dass die Zuschauer so etwas noch nie im Leben gesehen haben.“
Robert Englund stimmt mit den beiden völlig überein: „Das Publikum darf sich wirklich auf etwas gefasst machen. Es geht nicht nur um die beiden Ikonen des Horrorfilms, sondern um die grandiose Vision eines Regisseurs, der ausgesprochen gern arbeitet. Das hier ist viel mehr für ihn als nur eine Auftragsarbeit. Dadurch wird ,Freddy vs. Jason‘ die Fans von den Sitzen reißen, sie werden mitkämpfen, ihr Popcorn verstreuen und die Bösewichte auf der Leinwand ausbuhen – so wie Kinounterhaltung sein soll.“

Freddy vs. Jason erschreckt ab 18.11.2003 deutschlandweit in den Kinos.

Die Spannung in "Indiana Jones und die Jäger des verlorenen Schatzes" (1981), die düsteren Geheimnisse in "Indiana Jones und der Tempel des Todes" (1984) und die Abenteuer von Vater und Sohn in "Indiana Jones und der letzte Kreuzzug" (1989), nie waren die haarsträubend spannenden Heldentaten des Mannes mit der Peitsche in besserer Bild- und Tonqualität zu sehen wie in "Die Abenteuer des Indiana Jones - Die komplette DVD Movie-Collection. Mindestens genauso spannend ist die Bonus-DVD mit brandneuen Special Features und Dokumentationen, die von Paramount Pictures und Lucasfilm Ltd. eigens für das DVD Debüt von "Indiana Jones" produziert wurden. 

Das knapp dreistündige Bonusmaterial enthält Making Ofs aller drei Filme, die einen beispiellosen Blick hinter die Kulissen der Kino-Geschichte werfen. Interviews mit Schauspielern und Filmcrew, unveröffentlichte Szenen und Fotos aus den Lucasfilm-Archiven ergeben eine detaillierte Studie der Indy-Trilogie, wie es sie zu diesem Kino-Klassiker bisher nicht gegeben hat. Weitere Featurettes führen den Zuschauer in die Geheimnisse der Visual-Effects- Techniken, die in die Zeit vor den computer-animierten Spezialeffekten fallen. Der mit einem Oscar ausgezeichnete Sounddesigner Ben Burtt entführt in die Tiefen der Klangabenteuer und gibt eine Anekdote zu den Hintergründen einer der berühmtesten Szenen zum Besten. Ein Feature über die Stunts der Kino-Trilogie dokumentiert die Vorreiterrolle für zuküftige halsbrecherische Kino-Stunts. "The Music of Indiana Jones" unternimmt eine musikalische Reise mit Komponist John Williams und veranschaulicht wie eines der bekanntesten Musikthemen aller Zeiten, der "Raiders March" entstanden ist.

Original Kino-Teaser und Trailer, u.a. für das Videospiel "Indiana Jones", und ein DVD-ROM Zugang zu exklusiven Inhalten vervollkommnen die vierte Disc des "Indiana Jones" Box-Sets. Einschließlich der Original-Filme bietet "Die Abenteuer des Indiana Jones - Die komplette DVD Movie-Collection" über zehn Stunden Unterhaltung. Die drei Filme sind nur im Set inklusive der Bonus-DVD erhältlich. 

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The Making of – oder wie eine Legende entsteht

Wie so viele andere großartige Stories beginnt auch die INDIANA JONES Saga eher unspektakulär. Im Mai 1977, kurz, nachdem Star Wars von George Lucas gerade mal in einer Handvoll Kinos im Land Premiere gefeiert hatte, verspürte der Autor und Regisseur den Drang eine Auszeit von Los Angeles und seiner intensiven Arbeit an dem Film zu nehmen. Er machte Urlaub auf Hawaii und traf sich dort mit seinem langjährigen Freund, dem Regisseur Steven Spielberg, der sich noch genau erinnert: "George dachte damals Star Wars würde ein Riesen-Reinfall werden." Eine Woche später, als Lucas vom phänomenalen Erfolg seines Filmes hörte, "konnte George plötzlich wieder lachen", so Spielberg. Und er war auch wieder bereit, über neue Filmprojekte nachzudenken. Als sie eines Tages am Strand saßen "erzählte mir Steven, dass er wahnsinnig gerne einen James Bond drehen würde und dass er tatsächlich die Leute, denen die Rechte an James Bond gehören, darauf angesprochen hätte, ob er bei einem Regie führen könnte... und sie ihn abgewiesen hätten," erinnert sich Lucas.

"Also sagte ich, ‘Schau, Steven, ich habe da einen James Bond Film. Ein großartiger Film – genau wie ein James Bond, ja sogar noch besser," sagte Lucas. "Ich erzählte ihm die Geschichte von diesem Archäologen and sagte ihm, das sei so ähnlich wie bei einer Samstagmorgen-Serie, wo der Held von einem Schlamassel in den nächsten stolpert. Und Steven sagte "Fantastisch, lass uns das drehen!’" Nur einen Haken hatte die Sache: Lucas hatte seinen Titelhelden nach seinem Hund, Indiana, benannt: Indiana Smith. Spielberg hasste den Namen, hielt ihn für zu abgedroschen. Und so sagte Lucas, "Dann nenn’ ihn Indiana Jones oder wie Du willst –denn jetzt ist es dein Film." Kaum sechs Monate nach ihrer Reise nach Hawaii vereinbarten Lucas und Spielberg auch offiziell bei JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES zusammen zu arbeiten. Lucas entwarf die Geschichte des spitzbübischen Archäologen, der keiner geringeren Macht als den Nazis auf der Suche nach einem heiligen Relikt gegenübersteht. Filmemacher Philip Kaufman, der zusammen mit Lucas einen Preis für das beste Drehbuch einheimste, schlug die legendenumwobene, verschollene Bundeslade als Gegenstand von Indy’s Suche vor. Lucas stieg als Executive Producer ein, während Spielberg sich verpflichtete, die Regie bei der Neuauflage der Kino-Serien der 30er und 40er zu übernehmen. Der Grund für die Begeisterung der beiden für den Film war einfach wie Lucas es formulierte "Wir drehen ihn, weil Steven und ich Kinofilme lieben und dieser Film genau die Art Film ist, die wir uns gerne ansehen würden."

Die Produktion von 'Jäger des Verlorenen Schatzes'

Der Held in JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES war ein außergewöhnlicher Typ – ein sanftmütiger Universitätsprofessor, der zum wagemutigen Helden wird, sobald er sich Lederjacke und Filzhut überstreift – und forderte einen ebenso ungewöhnlichen Schauspieler. Nach intensiver Suche entschieden sich Lucas und Spielberg für den damals noch relativ unbekannten Tom Selleck. Kurz nach dem Casting musste Selleck die Rolle jedoch wieder abgeben, da er sich verpflichtet hatte, den Playboy-Privatdetektiv Thomas Magnum in der CBS Fernseh--Serie Magnum, P.I. zu übernehmen. Lucas wandte sich daraufhin an Harrison Ford, der durch seine Hauptrolle als Han Solo in Star Wars und später Das Imperium Schlägt Zurück in aller Munde war. Die Dreharbeiten zu Jäger des Verlorenen Schatzes begannen im Juni 1980 – ein Jahr vor dem voraussichtlichen Kinostart des Films. Die Produktion führte die Filmemacher, Schauspieler und das Drehteam in halsbrecherischem Tempo an sechs Drehorte in vier Ländern auf drei Kontinenten und die Hauptszenen waren in nur 73 Tagen abgedreht.

Um die Jäger des Verlorenen Schatzes zu drehen, hatten Spielberg und Lucas ein Budget von $20 Millionen; sie benötigten dazu u.a. 7.000 lebende Schlangen, 500 arabische Statisten und 300.000 Fuß Film – das Ergebnis waren 11.000 einzelne Szenen, die nachher von Industrial Light & Magic mit Spezialeffekten bearbeitet wurden. Neben Ford spielten bekannte Schauspieler, deren Einsatz bei Jäger des Verlorenen Schatzes jedoch ihr erster Ausflug in das Reich der Kassenschlager werden sollte. Als Marion Ravenwood, Indiana Jones’ lang verlorene Liebe, erlebte Karen Allen eine Art der Schauspielerei, die gänzlich anders war, als alles, was sie jemals in Filmen wie Animal House, Cruising und A Small Circle of Friends erlebt hatte oder in ihrer Bühnenarbeit beim Washington, D.C., Polish Theatre Laboratory. Aber für Spielberg war ihre natürliche Schönheit und ihr unbändiger Charme einfach perfekt für die Rolle. "Als sie zum Set kam, dachte sie, sie müsste 10 Wochen lang schauspielern; erst dann merkte sie, dass sie es mit einer Mischung aus Schauspiel und enormer körperlicher Leistung zu tun hatte," erinnert sich Spielberg. "Ich sagte zu Karen, ‘Wir entführen Dich jetzt aus der Al Pacino Schule für Drama und bringen Dich in die Sam Peckinpah Schule für Action."

Auch für den walisischen Schauspieler John Rhys-Davies (Der Herr der Ringe) hielt der Dreh einige Überraschungen bereit . Nach der ursprünglichen Beschreibung im Drehbuch von Lawrence Kasdan war die Figur von Sallah ein "kleinwüchsiger, lustiger, energie-geladener Typ in den Vierzigern." Doch Rhys-Davies machte sich die Rolle zueigen und erntete dafür höchstes Lob der Kritiker. Genau, wie der relativ unbekannte Bühnen- und Fernsehschauspieler Paul Freeman, der in seiner erst dritten Kinorolle als Widersacher von Indiana Jones, dem französischen Archäologen René Belloq, quasi übernacht zum Star wurde. Die erste Partnerschaft zwischen Spielberg und Lucas lief gut; nicht zuletzt auch wegen des feinen Gespürs, das Lucas als Film-Redakteur entwickelte und das die, mit einem Oscar ausgezeichnete, Arbeit von Michael Kahn, dem Film-Editor dieses Films, noch verbesserte. "George hat den Film nie nachgeschnitten," sagte Spielberg, "aber er hat hier und da etwas herausgeschnitten und Action übersprungen. George ist in so was brillant. Am meisten hat er die Szene geschnitten, in der die Bundeslade geöffnet wird und die Geister und das Feuer entweichen. George sagte mir: ‘Steven, Dir ist klar, was Du da versucht hast? Du hast versucht, den Schluss von Close Encounters zu toppen. Den wirst Du aber Dein ganzes Leben lang nicht toppen können, also versuch’s erst gar nicht mit diesem Film. Bring einfach die Geschichte ´rüber und den Streifen zu Ende." Als er mit Kahn zusammenarbeitete, ist Lucas "einfach hingegangen und hat sechs Minuten einfach so ´rausgeschnitten – und das Ergebnis war klasse!"

Bei der US Premiere am 12. Juni 1981 war JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES auf einen Schlag eine Kino-Sensation und wurde mit Titel-Stories in Time, Newsweek und Rolling Stone sowie überschwänglichem Kritikerlob bedacht. "Das war das Kino, für das Hollywood geradezu gemacht ist," schrieb David Ansen in der Newsweek. In der Los Angeles Times titelte Sheila: "Hurrah und Hallelujah! Endlich schlägt einem im Kino wieder mal das Herz bis zum Hals."

Den ganzen Sommer über bildeten sich lange Schlangen von "Mehrfach" –Besuchern und JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES spielte allein in den USA $242 Millionen ein sowie weitere $141 Millionen international. Für acht Academy Awards einschließlich dem für den Besten Film und Besten Regisseur nominiert, erhielt JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES vier Oscars und einen Sonderpreis für die Beste Tonregie. Die Produktion von ‘Indiana Jones und der Tempel des Todes’ Eine Fortsetzung war eindeutig gerechtfertigt, aber weder Lucas noch Spielberg fühlten den Drang, ans "Zeichenbrett" zurückzukehren, nur um die Beliebtheit ihres neu geborenen Action-Helden auszuschlachten. Stattdessen begann Lucas an einer Story zu arbeiten, die der Handlung und den Abenteuern aus JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES eine neue Wendung gab.

"George hatte etwas viel unheimlicheres im Sinn – mit Schwarzer Magie, Menschenopfern, Voodoo Zauber, bösen Zauberern und Verbrechen unter der Erde," so Spielberg. "Das sollte das Furcht erregendste Abenteuer für Indiana Jones werden." Im Juni 1982 beauftragte Lucas, nachdem er die komplette Story in groben Zügen niedergelegt hatte, das Drehbuch-Autorenteam und Ehepaar Willard Huyck und Gloria Katz mit dem Drehbuch für ein Abenteuer, das zeitlich ein Jahr vor dem ersten Film spielen sollte. Dieses Mal musste sich Indiana Jones nicht mit Nazis in der Wüste herumschlagen, sondern kämpfte gegen den geheimnisvollen Thuggee Kult in Indien um die Macht über legendäre Steine mit mystischen Kräften. Die sonnen-überfluteten Drehorte der JÄGER wichen dem üppigen, exotischen Dschungel Indiens und Dr. Jones hatte es mit einer neuen Geliebten und einem neuen Kumpel zu tun – der amerikanischen Nachtclubsängerin Willie Scott (Kate Capshaw) und dem 11-jährigen Straßenkind Short Round (Ke Huy Quan).

Der düstere Arbeitstitel Indiana Jones and the Temple of Death wurde im englischen zu INDIANA JONES AND THE TEMPLE OF DOOM (Engl. Doom eigentlich gleich Verdammnis) abgeschwächt. Aber unabhängig davon war klar, dass Lucas beabsichtigte, Indiana Jones selbst zum absoluten Dreh- und Angelpunkt zu machen. "George hatte ein teuflisches Grinsen auf den Zügen, als er ankündigte, dass "Raiders = Jäger" im Titel nicht wieder auftauchen würde," erinnerte sich Spielberg. Die Dreharbeiten begannen am 18. April 1983 an der Location in Sri Lanka, und wurden später in den EMI-Elstree Studios bei London fortgesetzt, wo sie damals fast alle Fernsehbühnen belegten. Der rein "physische" Umfang der Produktion – die so ziemlich alles von zusammenbrechenden Seilbrücken und unterirdischen Tempelanlagen bis zu kompletten Musiknummern umfasste – bedingte, dass sich die Dreharbeiten über fast 5 Monate hinzogen und der Film erst am 8. September 1983 im Kasten war.

Zusätzliche Einstellungen wurden in Marin County und am Mammoth Mountain in Kalifornien gedreht; die Nachbearbeitung und Effekte dauerten bis einschließlich März 1984 – gerade mal zwei Monate vor der angekündigten Premiere. Die vielleicht atemberaubendste Szene des ganzen Films, der Showdown auf der Seil-Brücke, wurde auf einem speziell errichteten Set gedreht, der eine 300-Fuß tiefe Schlucht in der Nähe einer tatsächlich existierendend Baustelle überspannte. In einer Zeit, in der es noch keine digitalen Bearbeitungsmöglichkeiten gab, wurde beispielsweise die nervzerreißende Sequenz mit den Grubenwagen durch präzise Einzelbildeffekte realisiert. "Ich erinnere mich noch, wie wir anfangs in das Drehbuch schauten und uns alle fragten: 'Wie sollten wir das alles um des Himmels willen realisieren?’'" sagte Produzent Robert Watts. "Aber irgendwie haben wir es dann doch geschafft. Es ging."

Neben Capshaw, die später Regisseur Spielbergs Ehefrau wurde, bot INDIANA JONES UND DER TEMPEL DES TODES ein Aufgebot an internationalen Stars, die perfekt den düsteren und doch komischen Comic-Unterton des Films trafen. Der indische Filmschauspieler Amrish Puri, der in mehr als 140 Filmen mitspielte, spielt den bösen Mola Ram, den Anführer der Thuggees, während der von Kritikern hochgelobte Film- und Fernsehstar Roshan Seth Mola Ram’s doppelzüngigen Premierminister, Chattar Lal, darstellt. Nach der Premiere am 23. May 23 1984 brach INDIANA JONES UND DER TEMPEL DES TODES bereits am ersten Wochenende alle Rekorde mit einem Brutto-Umsatz von $25,3 Millionen; insgesamt spielte er $179,8 Millionen in den USA ein und $333 Millionen international und kam so unter die 10 umsatzstärksten Filme dieses Jahrzehnts. Als INDIANA JONES UND DER TEMPEL DES TODES in die Kinos kam, wurde er von den Kritikern überschwänglich gelobt als "hyper-kinetische" und kühne Abkehr vom Erwarteten, mit üppigen Bildern und einem Gespür für das richtige Timing. "Dieser überragende Abenteuer-Thriller packt mehr Schrecken, Witz und mitreißenden Spaß in ein Paar Stunden, als selbst der ehrfurchtsvollste Kinogänger... zu erwarten wagt," schrieb damals Candice Russel vom Fort Lauderdale Sun-Sentinel’s.

Und das war – natürlich – eine Fortsetzung wert. Das dritte Kapitel von dem, was später als die Indiana Jones Trilogie bekannt werden sollte. Die Produktion von ‘Indiana Jones und der Letzte Kreuzzug’ Während der Produktion von "Innerspace", einer Abenteuer-Komödie von 1987, traf Spielberg den Drehbauchautor des Films, Jeffrey Boam, und spürte gleich, dass er den Richtigen gefunden hatte, um den Abenteuern von Indiana Jones eine neue Dimension zu geben. Ende 1987 lieferte Boam den entgültigen Entwurf für INDIANA JONES UND DER LETZTE KREUZZUG auf der Grundlage einer Story von Lucas und Menno Meyjes (The Color Purple) und die Künstlerische Abteilung der Lucasfilm Ltd. hatte wieder alle Hände voll damit zu tun, Indy ein drittes Mal aufleben zu lassen..

Von den ganz neuen Charakteren, die der Film ins Spiel brachte, sollten zwei die Fantasie des Publikums besonders beflügeln: der junge Indiana Jones, dessen Abenteuer im Teenager-Alter bereits von einem wilden, abenteuerlichen Leben zeugten und Henry Jones Sr., Indy’s mürrischer, anachronistischer Vater. Die Rollen waren perfekt besetzt mit River Phoenix als freigeistigem jungen Indiana Jones in der ersten Szene des Films und Sean Connery, der Action-Filmlegende, in der Rolle des Dr. Jones Senior. Ihre Beziehung bildet den Rahmen für ein Indiana Jones Abenteuer, das die vom Publikum erwartete Spannung und Action mit dem unerwartet bewegenden, menschlichen Drama des lang entfremdeten Vaters verbindet, der mit seinem widerstrebenden Sohn endlich vereint wird. "Das sind zwei Männer, die sich nie etwas geschenkt haben," bemerkt Ford. "In diesem Film zeigt sich eine andere Seite von Indiana’s Persönlichkeit. Wer sonst sollte Indy schon „Junior“ nennen – was Indy hasst."

INDIANA JONES UND DER LETZTE KREUZZUG spielt 1938, also zwei Jahre nach Indy’s Abenteuern in der ägyptischen Wüste, und bringt neue Nazi Agenten, die vor nichts halt machen, um Indiana Jones auf seiner fantastischen Suche nach dem edelsten aller religiösen Artefakte, nämlich dem Heiligen Gral, dem Kelch von Jesus Christus beim Letzten Abendmahl, abzufangen . INDIANA JONES UND DER LETZTE KREUZZUG ist eine gelungene Mischung aus Aktion und Charakterstärke, die dem „cineastischen Säbelrasseln“, das so typisch für diese Filmserie ist, eine unerwartet reiche, spirituelle Dimension verleiht. Gleichzeitig knistert es förmlich zwischen Indy und seiner neuen "First Lady", einer Kunstgeschichtlerin namens Dr. Elsa Schneider, die Indy in Sachen Wagemut und Draufgängertum in jeder Beziehung ebenbürtig ist. "Sie ist Indy sehr ähnlich," sagt Alison Doody. "Wie er nimmt sie sich einfach, was sie will." Zusätzlichen Spaß garantiert die Rückkehr von zwei Publikumslieblingen aus JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES: Museumskurator (und Indy’s Chef) Marcus Brody wird wieder dargestellt vom verstorbenen Denholm Elliott; und John Rhys-Davis übernimmt wieder die Rolle des unverwüstlichen Sallah. Regisseur Spielberg und seine Team begannen am 16. Mai 1988 mit den Dreharbeiten zu INDIANA JONES UND DER LETZTE KREUZZUG in Almeria, Spanien, nach mehrmonatigen Vorbereitungen. Es sollte nur die erste von vielen Etappen in neun Ländern (auf vier Kontinenten) und in acht amerikanischen Bundesstaaten sein, die das Team während der 13-wöchigen Produktion absolvierte. Die größte Schwierigkeit bei der Gestaltung der dritten Folge der Indiana Jones Abenteuer lag darin, dass das Drehbuch Fahrzeuge vorsah – und zwar viele Fahrzeuge. "Bei diesem Film standen wir vor dem Problem, fast jede Art von Verkehrsmittel nachstellen zu müssen, die 1938 zur Verfügung stand: Züge, Flugzeuge, Schiffe, ein Zeppelin, Pferde, Kamele," erinnert sich Robert Watts, der wiederum als Produzent fungierte. Doch die Mühen zahlten sich aus.

Beim Kinostart in den USA am 24. Mai 1989 lockte INDIANA JONES UND DER LETZTE KREUZZUG unglaubliche Massen in die Lichtspielhäuser (rund $29,4 Millionen am ersten Wochenende) und erntete reiches Lob von den Kritikern. In seinem 3-seitigen Bericht für das Time Magazine schrieb Kritiker Richard Corliss, dass eine "Fortsetzung so frisch sein könnte wie das Gesicht des jugendlichen Indy … mit Indy 3 ist das genauso, er ist anders und besser." Peter Travers vom Rolling Stone schrieb: "Spielberg hat auch etwas wieder hergestellt, das dem Kino-Eskapismus schon viel zu lange gefehlt hatte: seinen guten Namen." Das Publikum war derselben Meinung und machte INDIANA JONES UND DEN LETZTEN KREUZZUG zum zweiterfolgreichsten Film des Jahres 1989 mit einem Bruttoumsatz von $197 Millionen und zusätzlichen fast $300 Millionen von den internationalen Kinokassen. 1999, genau 10 Jahre nach Indy’s "letztem Kreuzzug," wurde JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES von der Library of Congress in das National Film Registry (etwa: Nationales Filmarchiv) gewählt und sicherte Indy damit seinen Platz in der Filmgeschichte. Diese Auszeichnung bestätigte nur, was die Zuschauer längst wussten – Indy bleibt einer der beliebtesten Action-Helden, der jemals die Leinwand schmückte...

Wahre Begebenheiten liefern Vorlage für die legendären Geschichten

Seit über 20 Jahren zieht Indiana Jones das Publikum mit seinen verwegenen Heldentaten in den Bann, wenn er rund um den Globus auf die Jagd nach unglaublichen geschichtlichen Schätzen geht. Begriffe wie die Bundeslade oder der Heilige Gral sind den Kinogängern bestens vertraut. Aber wie sieht es mit den Legenden aus, die sich um sie und die exotischen Orte ranken, die Indy auf seiner Schatzsuche besucht? Wie viel von dem, was auf der Leinwand zu sehen ist, ist real und wie viel entspringt davon der Phantasie von Steven Spielberg und George Lucas? Überraschenderweise enthalten die Indiana Jones Filme mehr als nur ein Fünkchen historischer und archäologischer Wahrheit. Die wahre Geschichte der Bundeslade, dem Ziel von Indy in "Indiana Jones und die Jäger des Verlorenen Schatzes", der Thug-Sekte in Indien, die Haupt-Widersacher in "Indiana Jones und der Tempel des Todes" oder die Legende vom heiligen Gral, der sowohl Indy als auch die verbrecherischen Nazis in "Indiana Jones und der Letzte Kreuzzug" hinterher jagten, sind mindestens ebenso faszinierend wie die Filme selbst.

Bei der Entstehung der Filme haben die Filmemacher bewusst darauf geachtet, dass sie historische Fakten als Ausgangspunkt für ihre filmischen Fantasien benutzten. So manch wahre Begebenheit ist dabei noch abgedrehter als die Fiktion: 

• Die Stadt Tanis gilt tatsächlich als einer der möglichen letzten Aufbewahrungsorte für die Bundeslade. Obwohl die Stadt heute in Ruinen liegt, war sie einst berühmt für das Gold ihrer Königsgräber and damit genau der Ort, an dem ein Pharao wie Shishak – der nach der Bibel den Tempel des Salomon überfiel, wo die Bundeslade aufbewahrt wurde – seine kostbarsten Besitztümer gehortet hätte.
   
• Der "Well of Souls" war eine Kammer, die sich tatsächlich unter dem ursprünglichen Tempel von Salomon in Jerusalem befand. 
   
• Die Ägypter waren begeisterte Modellbauer und haben viele Miniaturen geschaffen, genau wie die, die Indy im "Well of Souls" findet.
   
• Wie der "Well" wurden viele ägyptische Monumente erbaut, um das Sonnenlicht auf für uns heute rätselhafte Weise zu nutzen; berühmtestes Beispiel dafür ist der große Tempel von Abu Simbel.
   
• 1981, das Jahr als Indiana Jones und die Jäger des Verlorenen Schatzes in die Kinos kam, suchte tatsächlich ein Ausgrabungsteam heimlich nach der Bundeslade unter dem Tempelberg in Israel.
   
• Der Thuggee Kult erreichte tatsächlich seine Blüte im Indien der Kolonialzeit und war berüchtigt wegen der Menschenopfer, die seine Anhänger ihrer Göttin Kali darbrachten. 
   
• Der englische Begriff "thug" für Halsabschneider geht tatsächlich auf diesen sinistren Kult zurück. 
   
• Im alten Mexiko opferten die Azteken regelmäßig Menschen, in dem sie ihnen – oft bei lebendigem Leibe – das Herz herausrissen – ganz ähnlich wie die Sekte der Thuggees, die von Mola Ram in Indiana Jones und der Tempel des Todes angeführt wurde.
   
• Der Heilige Gral, um den sich alles in Indiana Jones und der Letzte Kreuzzug drehte, war eine Erfindung eines französischen Schriftstellers im Jahre 1180 AD und ist - so er wirklich existiert - mit an Sicherheit grenzender Wahrscheinlichkeit nicht der Kelch, aus dem Jesus beim Letzten Abendmahl Wein trank.
   
• Der gefürchtete SS-Führer Heinrich Himmler gründete 1935 eine Organisation namens "Ahnenerbe" 1935; ihre Aufgabe war es, die Welt nach archäologischen Beweisen für die "Überlegenheit" der Arischen Rasse zu durchkämmen...
   
• Himmler stattete gar eine Burg in Wewelsburg, Deutschland, mit einem schwarzen Altar aus, der den Gral aufnehmen sollte – den er entschlossen war, zu finden. 

Das Bonusmaterial

Die vierte DVD mit Bonus-Material sowie die komplett restaurierten, digital überarbeiteten Filme machen die Indiana Jones Legende zu einer ganz neuen Erfahrung Die Bonus-DVD enthält brandneue Special Features und Dokumentationen, die von Paramount Pictures und Lucasfilm Ltd. speziell für das DVD Debüt von DIE ABENTEUER DES INDIANA JONES – DIE KOMPLETTE DVD-MOVIECOLLECTION produziert wurden.

Die über drei Stunden Bonusmaterial enthalten:

• Indiana Jones: Das "Making of" der Trilogie
  Dokumentarfilmer plünderten die Archive von Lucasfilm, um einen beispiellosen Blick hinter die Kulissen der Kino-Geschichte zu werfen. Sie führten über zwei Dutzend Interviews mit den Schauspielern und der Filmcrew der Indiana Jones Trilogie – einige davon standen dabei zum ersten Mal seit dem ersten Kinostart der Filme für Interviews zur Verfügung (Rede und Antwort). „Making the Trilogy“ ist eine vollkommen einzigartige Reise durch die raue Welt der Produktion dieser Filme. Dank nie zuvor gezeigter Passagen, herausgeschnittener Szenen, Leinwandproben, Produktionszeichnungen und Fotos direkt aus den Lucasfilm-Archiven ist dies die detaillierteste Studie, die zu diesen Kino-Klassikern je erstellt wurde.
   
• "The Light and Magic of Indiana Jones"
  Die Visual-Effects-Gurus von Industrial Light und Magic gewähren uns ganz neue Einblicke darüber, wie sie die einzigartige Welt des Indiana Jones geschaffen haben. Ihre bahnbrechende Technik in puncto optische und mechanische Spezialeffekte fiel in die Zeit vor den computeranimierten Spezialeffekten; sie standen vor einzigartigen (noch nie da gewesenen) Herausforderungen und erzielten spektakuläre Ergebnisse. ILM Techniker erklären, wie z.B. durch Miniaturen, Aufprojektionen und Gestaltwandlung Indy’s spektakuläre Schatzsuchen und außergewöhnliche Abenteuer zu unvergesslichen Film-Erlebnissen wurden.
   
• "The Sound of Indiana Jones" entführt uns in die Tiefen der Klangabenteuer. Der mit einem Academy Award ausgezeichnete Sound-Designer Ben Burtt enthüllt nicht nur die entscheidende Rolle, die Klangeffekte und –bearbeitung der Indiana Jones Filme spielten, sondern gibt auch eine Anekdote zu den Hintergründen einer der berühmtesten Szenen zum Besten.
   
• "The Stunts Of Indiana Jones" wirft einen Blick hinter die Kulissen um die intensive Koordinierungsarbeit, die dem gesamten Produktionsteam abverlangt wird, damit eine todesmutige Szene später im Film auch überzeugend wirkt, festzuhalten. Diese Dokumentation legt offen, in welcher Art die Indy-Filme eine Hommage an die Vergangenheit sind, aber auch, dass sie der Vorreiter für zukünftige halsbrecherische und riskante Kino-Stunts waren.
   
• "The Music of Indiana Jones"
  Unternehmen Sie eine musikalische Reise mit John Williams und seinen Erinnerungen an die Zusammenarbeit mit Steven Spielberg und George Lucas im Film. Die Zuschauer erfahren, wie eines der bekanntesten Musikthemen aller Zeiten, der "Raiders March", entstanden ist, und bekommen einen Eindruck vermittelt, wie die Filmmusik jedes Abenteuer auf ganz eigene Weise thematisch und atmosphärisch unterstreicht.
   
• Original Kino-Teaser und Trailer für die Indiana Jones Filme plus ein Trailer für das Videospiel Indiana Jones und die Kaisergruft von LucasArts.
   
• Exklusiver DVD-ROM Zugang zu exklusiven Indiana Jones Inhalten, die von einer besonderen DVD-ROM Website abrufbar sind. Ein zusätzlicher Link zur Website Indianajones.com (der U.S. Webseite für Indiana Jones Fans) bietet tägliche Features und aktuelle News zum kommenden Indiana Jones 4

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SPECIAL TEIL II

JENSEITS VON BULLET TIME & HANDFESTEN SCHLÄGEREIEN: DIE REVOLUTION DES VIRTUELLEN KINOS

Gaetas wichtigste Erfindung für „Matrix“ wird inzwischen als „Bullet Time“ bezeichnet: Diese revolutionäre Technik kann filmische Handlungen im Stil jenes japanischen Zeichentrickverfahrens darstellen, das als Animé bekannt wurde. Bullet Time definiert man als das Konzept, durch das wir in die virtuelle Realität der Matrix eintauchen, die eine Filmfigur – vor allem Neo – in die Lage versetzt, die Matrix „geistig“ zu kontrollieren. Den Schaffensprozess, Bullet Time auf die Leinwand zu bringen, nennt man „virtuelle Kamera“: Gaeta und die „Matrix“-Filmemacher entwickelten diese digitale Methode, um bestimmte Momente in Zeitlupe darzustellen, in denen Neos Willenskraft die Matrix-Realität beeinflusst, wobei aber die Kamera trotzdem mit normaler Geschwindigkeit läuft. Auf diese Weise konnte Gaetas Team die Abspielgeschwindigkeit der Bildsequenz beliebig manipulieren, ohne dass sie an Klarheit oder Schärfe verlor.

Doch diese erste Phase virtueller Kameraarbeit erwies sich als unbrauchbar – laut Gaeta „fast urtümlich“ –, als er sich nun daran machte, die übernatürlichen Ereignisse zu filmen, die sich die Wachowski-Brüder für „Reloaded“ ausgedacht hatten, ganz zu schweigen von der Action, die in „Revolutions“ folgen sollte. Gaeta musste für „Reloaded“ Methoden entwickeln, um die 14-minütige Autobahnjagd randvoll mit Action zu stopfen, Neo sollte gleichzeitig gegen 100 Klone des Agenten Smith kämpfen und dann mit 3000 Stundenkilometern über die gewaltige Megacity in der Matrix hinwegfliegen. Und das Skript der Wachowskis zu „Revolutions“ sah eine spektakuläre Kaskade angreifender Monster vor, von Menschen gelenkte Mammut-Roboter und virtuelle Vernichtungsorgien während „der Belagerung“, jener apokalyptischen Schlacht, in der die Rebellen Zion aggressiv verteidigen, während sie von der unerbittlichen Maschinenarmee der Wächter und Digger bedrängt werden. Außerdem musste Gaeta die unheimliche Maschinenstadt samt ihren „biomechanischen“ Bewohnern gestalten, und schließlich die alles entscheidende Konfrontation zwischen Neo und Agent Smith, die als „wirklich handfeste Schlägerei“ bezeichnet wird.

„Völlig klar war, dass wir die Bullet-Time-Technik, die wir im ersten Teil verwendet haben, nicht weiter entwickeln konnten“, sagt Gaeta, der mit seinen visuellen Effekten zu „Matrix“ den Oscar gewann. „Die Möglichkeiten waren zu beschränkt und kosteten auch zu viel Zeit. Das Bullet-Time-Konzept musste also eine neue Technologie-Ebene erreichen, die bereits in ihm angelegt war.“
Anders gesagt: Die Action-Sequenzen in „Reloaded“ und „Revolutions“ erforderten eine Technologie, die es noch nicht gab. Doch diesmal hatten die Filmemacher den Ehrgeiz, ihre Pläne bezüglich der virtuellen Kamera gleich um einen Quantensprung voranzutreiben – jenseits aller herkömmlichen Vorstellungen. „Ihr Entschluss stand fest: Diesmal sollte es Bilder geben, die niemand nachahmen kann“, sagt Produzent Joel Silver. „Das braucht seine Zeit, kostet viel Geld, und ohne fähige Mitarbeiter läuft gar nichts. Aber das Resultat ist atemberaubend. Die Jungs haben die Messlatte für Action-Filme, Filmvisionen und optisch umsetzbare Ideen nicht nur eine Stufe höher gelegt – sie haben sie auf den Mond geschossen.“
Das Herzstück des Konzepts von Gaeta und Co. in der erweiterten Version der virtuellen Kamera bildet die virtuelle, dreidimensionale Darstellung der Hauptfiguren, die dann physisch unmögliche, übermenschliche Aktionen ausführen können – und zwar so realistisch, wie es bisher nicht möglich war. Um derartige virtuelle Menschen zu schaffen, setzte das Effekte-Team das Motion-Capture-Verfahren („Mocap“) ein: Bei dieser Technik registrieren ausgeklügelte Kameras ganz präzise jene Bewegungsdaten, die von den reflektierenden Ganzkörperanzügen der Schauspieler übermittelt werden oder von Yuen Wo Pings Martial-Arts-Team beziehungsweise den Stuntleuten, die vor der Kamera den entsprechenden Bewegungsablauf vollführen.
Es dauerte schon Monate, bis zunächst jene Motion-Capture-Daten zusammengetragen waren, die für „Reloaded“ gebraucht wurden, aber auch für den Höhepunkt der wirklich handfesten Schlägerei zwischen Neo und Agent Smith in „Revolutions“ wurde Mocap eingesetzt. Zu diesem Zweck baute man eine spezielle Studiobühne, auf der die Motion-Capture-Darstellungen aufgenommen wurden – zur Zeit der Dreharbeiten war sie die weltweit größte Bühne dieser Art. Dort filmte man über vier Monate lang parallel zu den regulären Dreharbeiten. Die für „Reloaded“ und „Revolutions“ sowie für das Videogame „Enter the Matrix“ gefilmten Daten sind die umfangreichsten Motion-Capture-Aufnahmen, die je für einen Film entstanden. Im Vergleich dazu wirken die Capture-Aufnahmen, die selbst für das komplizierteste Videogame nötig sind, wahrlich wie ein Kinderspiel.
„Die Verwendung von Motion Capture war für mich eine völlig neue Erfahrung“, sagt Martial-Arts-Meisterchoreograf Yuen Wo Ping. „Diese Technik ist fantastisch, weil sie uns viele Bewegungsabläufe ermöglicht, die real nicht machbar sind. Mit Motion Capture können wir Fußtritte dynamischer und ästhetischer gestalten, als das jemals möglich war.“

Bei der Bearbeitung des Motion-Capture-Materials stattete Gaetas Team die virtuellen Filmfiguren buchstäblich mit Fleisch und Blut aus, modellierte fotorealistische Muskeln und die Kleidung darüber. Dann musste man den im Computer errechneten Darstellern lebensechte Gesichtsausdrücke verpassen – eine weitere weitreichende Erfindung, die von den Computer-Künstlern des „Matrix“-Teams als „Universal Capture“ („U-Cap“) bezeichnet wird. Fünf extrem leistungsfähige, hoch auflösende Kameras wurden im Halbkreis um das Gesicht des entsprechenden Schauspielers angeordnet. Was die Darsteller an Emotionen und Mimik spielten, hielten die Sony-HDW-900-Kameras bis ins kleinste Detail fest – porentief bis zur letzten Haarwurzel. 
Diese fünf in normaler Geschwindigkeit und mit extrem hoher Auflösung gefilmten Aufnahmen der Schauspielergesichter übertrug das Effekte-Team anschließend auf die Körper der digitalen Filmhelden – das Resultat ist die überzeugendste im Computer generierte Darstellung von Menschen, die es bisher zu sehen gab.
Nachdem die Basisaufnahmen für jede Sequenz vorlagen und in verschiedenen Arbeitsschritten veredelt worden waren (dazu zählen virtuelle Hintergründe, Requisiten, Blut und im Computer nachgearbeitete optische Akzente wie das Blinken von Glas oder der von fliegenden Geschossen gebildete Luftkanal), eröffnete die virtuelle Kamera unendliche Möglichkeiten für Varianten und Komposition der Bilder – was herauskam, nannte das „Matrix“-Effekte-Team „virtuelles Kino“.

Im virtuellen Kino der handfesten Schlägerei folgt die entfesselte Kamera Neo und dem Agenten Smith, während ihre Schlacht eskaliert: Nachdem sie mit ihren Schlägen die Erde erbeben lassen, setzen sie ihre Keilerei in schwindelerregenden Höhen fort. Erst das virtuelle Kino macht es möglich, in beispiellosem Detail zu zeigen, mit welch surrealer Gewalt Neos Faust beim letzten Schlag auf das Gesicht von Agent Smith trifft: Unmögliche Bilder werden aus unmöglichen Kamerawinkeln festgehalten, während die Handlung mal in extremer Zeitlupe gezeigt wird, um dann wieder auf Überschall-Zeitraffer umzuschalten. Dieser Augenblick hat den Anspruch, die absolut realistischste, dynamisch bewegte, im Computer generierte Großaufnahme eines menschlichen Gesichts zu präsentieren, die es je gegeben hat. (Zur Erinnerung an diese Leistung ließen die Wachowski-Brüder und Joel Silver dreidimensional gestaltete Relief-Medaillons der dramatischen Endfassung der Einstellung in Bronze gießen – sie sind als Geschenk für die Gäste der drei „Revolutions“-Premieren in Los Angeles, Sydney und Tokio bestimmt.)

Einen Prototyp dieser Art Hyper-Realität bildete in „Matrix“ jener Helikopter, der in einen Wolkenkratzer kracht und auf der Oberfläche des Gebäudes einen Kräuseleffekt wie auf einer Wasseroberfläche auslöst. Die Filmemacher ignorieren die üblichen physikalischen Gesetze, weil in der algorithmischen Welt der Matrix optische Ausrutscher wie der surreale Kräuseleffekt eher normal wirken. 
Neben den innovativen visuellen Effekten, die die Schlägerei erheblich intensivieren, übernahm Gaetas Team auch die Entwicklung bahnbrechender Animationstechniken, um die Vorstellungen der Wachowskis zur Belagerung umzusetzen. In „Revolutions“ werden alle Grenzen der Animation gesprengt, wenn es um den Vernichtungskampf geht, den die von Zion-Rebellen gesteuerten Armored Personal Units (APUs; bemannte Panzereinheiten) gegen die wütend heranstürmenden Wächter und Digger der Maschinenarmee führen. Mit Hilfe einer neuen Generation von „Verhaltensanimation“ und anderen mit Hilfe künstlicher Intelligenz entwickelten Methoden bevölkerte das Team der Experten für visuelle Effekte auch die Maschinenstadt mit ihren Massen biomechanischer Bewohner. Die wie Insekten gestalteten Wesen, aber auch die gewaltigen Stadtlandschaften Zions und der Maschinenstadt gehen alle auf die unverwechselbaren Entwürfe von Geof Darrow zurück (er schuf extrem detailfreudige Comic-Klassiker wie „Hard Boiled“).

In der Tradition aktueller japanischer Zeichentrickfilme soll  „Revolutions“ fotorealistische, dreidimensionale Darstellungen natürlicher Phänomene wie Wetter, Wasser und Flammen, um Intelligenz, Verhaltensmustern und Charaktereigenschaften zeigen. Dutzende von Details in „Revolutions“, von Blitzen bis zu Explosionen, wurden von Design, Stil und Umsetzung her völlig neu durchdacht. „Die Brüder sind besessen davon, übernatürliche Ereignisse sichtbar zu machen“, verrät Gaeta. „Immer wieder bemühen wir uns, einen Mittelweg zwischen Chaos und Ordnung zu finden – man kommt sich vor, als ob man eine Springflut in einen Bilderrahmen hängt.“
Immer wieder schauten sich die Trickgurus im Filmhauptquartier Darrows bahnbrechende Zeichnungen an, aber auch Filme wie „Alien“ (Alien – Das unheimliche Wesen aus einer anderen Welt); „2001: A Space Odyssey“ (2001 – Odyssee im Weltraum); „Vertigo“ (Vertigo – Aus dem Reich der Toten); „Apocalypse Now“ (Apocalypse Now); „Koyaanisqatsi“ (Koyaanisqatsi) und „Powaqqatsi“ (Powaqqatsi; zwei stark stilisierte Dokumentationen über das Leben auf der Erde); den IMAX-Film „Blue Earth“; „20,000 Leagues Under the Sea“ (20.000 Meilen unter dem Meer); Dokus über den Kampfsport Ultimate Fighting, die „Hindenburg“-Katastrophe, U-Boote des 19. Jahrhunderts, das Leben unter Wasser, Rocky Marciano und andere Schwergewicht-Champions; Reality-TV-Serien über Autounfälle und Verfolgungsjagden; Forschungsfilme mit Zeitlupenaufnahmen von Auto-Aufprallstudien; Dokus über die Produktion von Robotern, Glasbläserei, den Bau des Chunnels (des Tunnels zwischen Frankreich und England), künstliche Intelligenz; und eine Zusammenstellung von Animé-Szenen speziell mit Explosionen jeder Größenordnung.

„In ,Reloaded‘ konzentrierten wir uns im virtuellen Kino auf hyperreale Darstellungen übermenschlicher Ereignisse wie die Schlägerei, die Autobahnjagd und den durch die Luft fliegenden Neo“, erklärt Gaeta. „In ,Revolutions‘ beschäftigen wir uns vor allem mit epischen, apokalyptischen Auseinandersetzungen zwischen Mensch und Maschine, aber auch mit gigantischen Hintergrundpanoramen in der realen Welt, zum Beispiel in der Maschinenstadt und in Zion. Mit unserer Arbeit an beiden Filmen finden wir hoffentlich Anschluss an die wichtigsten Vertreter des düsteren Science-Fiction-Kinos à la ,Blade Runner‘, ,Alien‘ und die vielen weiteren filmgeschichtlichen Meilensteine mit hochklassigen Effekten.“
Die gewaltige Menge der benötigten virtuellen Effekte und die dafür notwendige Arbeitszeit erforderten jedenfalls, dass Gaeta einen Teil seiner Aufgaben an andere Effekte-Firmen delegierte, die unter seiner Leitung bestimmte Trickszenen schufen. Zu diesen Firmen zählen: BUF (dort entstanden die Code-Sequenzen und weitere besondere Wahrnehmungseffekte); Tippett Studios (zuständig für voll-digitale Hintergründe und komplexe Monster-Szenen); Sony Imageworks (hier wurden die Tunnel-Szenerie und die 1:1-Szenenelemente in den Tunneln betreut); und Giant Killer Robots (zuständig für die Untergrund-Szenerie).

Um bei den komplizierten Abläufen des virtuellen Kinos von den Testaufnahmen bis zur Endfertigung die Übersicht zu behalten, entwickelte Gaetas Team gemeinsam den „Zion Mainframe“, den umfangreichsten Rechner für Informationsaustausch und Organisation, der je für einen Spielfilm eingerichtet wurde. Es handelt sich dabei nicht nur um eine Suchmaschine, sondern um ein ganz neuartiges Arbeitsgerät, das die Zusammenarbeit aller Abteilungen erleichtert, in dem Artworks, Design-Entwürfe, Storyboards allen Mitarbeitern digital zur Verfügung stehen, aber auch Drehpläne, 3-D-Modelle der Testaufnahmen, Modelle in hochauflösender Videotechnik, Quicktime-Versionen aller gefilmten Aufnahmen (die über ein digitales Archiv der chronologisch erfassten Muster abrufbar sind), schließlich auch die endgültigen Backup-Versionen von genehmigten Trickaufnahmen der Zulieferfirmen. 
Nach aktueller Zählung haben über 1000 Künstler in den Bereichen Spezialfotografie, physikalische Effekte, Pyrotechnik und Digitaltechnik an den virtuellen Effekten in „Matrix Reloaded“ und „Matrix Revolutions“ mitgearbeitet. 

DAS KONZEPT FÜR DIE REVOLUTION 

Die Wachowski-Brüder sehen „Matrix Reloaded“ und „Matrix Revolutions“ als epische Filmeinheit, die dem Publikum aber in zwei Kapiteln jener dreiteiligen Geschichte präsentiert wird, die mit „Matrix“ begann. Jedoch wurde Teil 2 nicht wirklich mit Lob überhäuft - hoffen wir, dass er in Zusammenhang mit dem dritten Werk sinn ergibt.  Für Teil 2 und 3 war ein strapaziöser Drehplan von 270 Tagen erforderlich. Die Dreharbeiten begannen im März 2001 in Oakland an der Bucht von San Francisco, wo die letzte Einstellung im Juni gedreht wurde. Nach einer kurzen Sommerpause wurde ab September im australischen Sydney weitergedreht – dort war 1998 der gesamte erste Teil „Matrix“ entstanden. „Reloaded“ und „Revolutions“ wurden überwiegend in den Fox-Studios in Sydney gefilmt. Im August 2002 fiel dort die letzte Klappe.
Allein in Australien entstanden durch den Film über 3500 Arbeitsplätze. Neben 80 Profi-Darstellern wirkten Hunderte von Statisten mit. „Das war ein umfangreiches Unternehmen“, sagt Produzent Joel Silver. „Auf der Lohnliste standen regelmäßig fast 1000 Mitarbeiter. Glücklicherweise konnten wir auf das unglaubliche Team zurückgreifen, mit dem wir den ersten Film gemacht haben.“

Als einer der ersten Künstler wurde Geof Darrow für die „Matrix“-Trilogie engagiert: Seine Comic-Illustrationen, zum Beispiel für das fröhlich-wahnsinnige „Hard Boiled“, inspirierten die Brüder beim Entwurf ihres eigenen post-apokalyptischen Universums. Für die Maschinenwesen und Sets in „Matrix“ schuf Darrow bis ins kleinste Detail ausgestaltete, fast quälerisch komplizierte Designs. In derselben Funktion wirkte er auch an „Matrix Reloaded“ und „Matrix Revolutions“ mit: Er lieferte Konzeptentwürfe für Zion, die unheimliche, riesige Maschinenstadt und die den Insekten nachgebildeten Maschinenwesen, die Wächter mit ihren gefährlichen Tentakeln sowie die Kriegsflotte von Zion und die APUs (Armored Personal Units).
Um die Entwürfe zu „Reloaded“ und „Revolutions“ mit Leben zu erfüllen, waren in der Ausstattungsabteilung unter der Leitung von Produktionsdesigner Owen Paterson zu jedem Zeitpunkt mindestens 400 Mitarbeiter im Einsatz. Bei „Matrix“ war Paterson mit 30 Sets ausgekommen, diesmal verantwortete er etwa 70 Sets für jeden Film, zusammen fast 150 Sets. „Mit dem Bau hatten wir eine Menge Arbeit, vor allem, wenn man bedenkt, dass wir nur über eine begrenzte Anzahl von Studiohallen verfügen konnten“, berichtet Paterson. „Einige Sets kamen nur ganz wenige Drehtage zum Einsatz. Hugh Bateup und sein Ausstatterteam haben eine gewaltige logistische Leistung vollbracht – dank ihm und den Bauteams war das überhaupt erst möglich. Sie waren ständig auf Trab, stellten ein Set fertig, um es nach den Aufnahmen sofort wieder abzureißen und Platz für den nächsten Set zu schaffen.“
Die schwierigste Aufgabe stellte sich für Paterson und sein Team mit dem Bau der senkrecht ins Erdreich konstruierten unterirdischen Stadt Zion. „Zion unterscheidet sich völlig von der Matrix“, erklärt Paterson. „Hier hat man mit High-Tech nichts im Sinn. Die Höhle befindet sich tief im Innern der Erde. Man fühlt sich an das Industrie-Design des frühen 20. Jahrhunderts erinnert – sehr heruntergekommen, aber immer noch funktional und praktisch.“

Zion besteht aus verschiedenen Ebenen – auf der obersten befindet sich ein Dock, ein Landeplatz für die Hovercrafts. Die Zion-Soldaten, unterstützt von mutigen Freiwilligen wie Zee, Charra und Kid, verteidigen das Dock verzweifelt gegen die einfallenden Wächter. „Das Dock-Set sieht aus wie eine große gewölbte Zisterne, hier können Flugboote auf flugzeugträgergroßen Landezonen andocken, es gibt Passagen für Fußgänger, Munitionsbunker und Aufzüge“, erzählt Paterson. „Alles wirkt sehr altersschwach und reparaturbedürftig, wir halfen kräftig mit rostiger Patina nach.“
Als Teil der vorbereitenden Designs gestaltete Patersons Team im Rechner 3-D-Modelle des Zion-Docks und aller weiteren Schauplätze in der Stadt, außerdem Modelle der Cockpits und Decks der Hovercraft-Flotte. Diese Modelle lassen sich von allen Seiten betrachten, sie dienten den Effekte-Experten dazu, Zion und den apokalyptischen Kampf während der Belagerung möglichst realistisch zu gestalten.
Zahlreiche Filmabteilungen arbeiteten fast ein Jahr gemeinsam an der praktischen Umsetzung der Vision, die die Wachowskis für das APU-Korps in den Raum gestellt hatten. Die APUs (Armored Personal Units) sind gigantische Kampfmaschinen, die von der Zion-Armee bei der Verteidigung gegen die Wächter-Invasoren eingesetzt werden. Die Requisiteure stellten nach den Vorgaben von Geof Darrow und dem im Computer gestalteten Modell eine nicht funktionierende Maschine in Originalgröße her: ein über vier Meter hohes Stahlskelett aus zweieinhalb Tonnen Stahl. Die Bewegungsmöglichkeiten und die Bewaffnung war nur eingeschränkt vorhanden, aber das Modell diente den Effekte-Experten für die Weiterentwicklung und die Animation. Der abnehmbare Torso der APU wurde später bei den Dreharbeiten für Nahaufnahmen eingesetzt.

Wenn Schauspieler an den Schalthebeln der APUs zu sehen sein sollten und keine visuellen Effekte für die Einstellung nötig waren, stand für die Aufnahmen ein vom Design-Team entworfenes Gefährt zur Verfügung, das von unten kräftig geschüttelt werden konnte, um die dramatischen Bewegungen der Hochleistungsmaschine zu simulieren. Die real aufgenommenen Einstellungen der Schauspieler wurden später nahtlos mit den Effekt-Einstellungen der sich bewegenden APUs verschmolzen. „Die APU mit ihren verschiedenen Elementen besteht aus mehr als 1000 Einzelteilen“, überlegt Paterson. „Dazu war es nötig, dass ein sehr großes Team äußerst präzise zusammenarbeitete – sonst hätten wir diese komplizierte Maschine nie zum Laufen gebracht.“ (John Gaeta, Leiter der visuellen Effekte, und Konzeptkünstler Geof Darrow sind in der unerträglich spannenden Belagerungssequenz in Gastrollen als APU-Lenker zu entdecken.)
Obwohl die Belagerung im Wesentlichen aus kombinierten visuellen Effekten besteht, lieferte die Ausstattungsabteilung eine Reihe konkreter Sets für die Sequenz. Für Zees und Charras Angriff auf die Digger, bei dem sie es mit tief fliegendem Schrott und den tödlichen Tentakeln heranschwirrender Wächter zu tun bekommen, baute das Team Verteidigungsgänge – Röhren aus Stahl und Beton, ausgerüstet mit Leitern und Luken – und den Wartungskanal der oberen Ebene, wo die Frauen eine riskante Verzweiflungsattacke wagen.

In der Ausstattungsabteilung entstanden auch mehrere Wächter, „aber nur tote“, verrät Paterson. (Sein Team lieferte sieben „Helden“-Wächter und 30 schrottreife Exemplare.) „Der ursprüngliche Prototyp entstand im Computer. Nach diesen Vorgaben bauten wir in der Requisitenabteilung den ersten realen Wächter. Von diesem erstellten wir dann eine Gussform, gossen Kopien, die dann den endgültigen Anstrich bekamen. Das Aussehen der Computer-Wächter orientiert sich exakt an unserem Real-Modell. Die toten Wächter ließ ich vor allem anfertigen, um ihre fantastischen Formen in den Gängen, Aufzügen und Bunkern zu drapieren. Ich wollte die Chaos-Struktur anreichern, die sich aus dem Geröll, den Patronen und dem Schrott gestürzter APUs ergab. Außerdem wollte ich unseren Schauspielern etwas Anschauungsmaterial liefern, damit sie eine Vorstellung von den glitschigen Tentakeln bekamen, die später vom Effekte-Team eingefügt wurden. Wie bei den APUs haben wir auch bei den Wächtern mit den anderen Abteilungen sehr eng zusammen gearbeitet – jeder hat sich in seinem Bereich selbst übertroffen.“
Oft musste Patersons Abteilung den gleichen Set in zwei oder drei Versionen bauen, um die Phasen fortschreitender Zerstörung darstellen zu können. Sets wie die Garderobe im Club Hell und der Dunkle Turm – der einzeln stehende Wolkenkratzer, durch den Neo und Smith während ihrer Schlägerei brettern – mussten robust gebaut sein, um reichlich Action auszuhalten. „Auch hier sprachen wir uns genau mit den Effekte-Leuten ab“, sagt der Designer. „Überall mussten wir Sollbruchstellen einbauen, Teile der Sets sollten zusammenbrechen, viele Objekte krachten von oben durch die Sets; Leute wurden gegen Mauern geschleudert; reichlich Einschüsse – der Sicherheitsstandard für Explosionen in unmittelbarer Nähe der Akteure war hoch. Das mussten wir beim Bau der Sets mit bedenken.“
Daneben lieferte Paterson mit seinem Team eine kleine Armee von Agent-Smith-„Puppen“, die als Zuschauer bei der Schlägerei eingesetzt wurden, damit das Effekte-Team in der Nachbearbeitung nicht allzu viele Smiths im Computer generieren musste. „Hugh Bateup und Peter Wyborn haben sich um äußerste Realitätsnähe der Gussformen bemüht, sie führten akribische Tests für die Hautfarbe durch, arbeiteten die Gesichtskonturen sauber nach und ließen hochwertige Perücken anfertigen. Ihre Smith-Puppen sahen wirklich wie Hugo aus“, lobt Paterson seine Mitarbeiter.

Dem Abwasserkanal-Set der realen Welt verpasste das Ausstattungsteam einen Look, der an alte, verfallene Gebäude erinnert: gewaltige Tunnel, die aus Rohren bestehen. Diese Kanäle benutzt die Rebellenflotte, um zwischen Zion und der Sendeebene der Matrix zu navigieren. „Das ist ein gefährliches Pflaster, mit großer Detailliebe ausgestaltet: Man kommt sich vor, als ob hier seit 1000 Jahren niemand etwas instandgesetzt hat“, stellt Paterson fest. „Dennoch spürt man, dass hier Menschen mit unbändigem Lebenswillen am Werk sind – sie haben die Hoffnung nicht aufgegeben.“
Wenn irgend möglich, verwendete Patersons Team die Materialien mehrfach. Die Sets wurden so angelegt, dass bestimmte Elemente in unterschiedlichen Kulissen eingesetzt werden konnten. Als die Szenen mit dem Autobahn-Set in „Matrix Reloaded“ abgedreht waren, blieben 2,5 Kilometer bestes Bauholz übrig. Statt es wegzuwerfen, ließ der US-Aufnahmeleiter Peter Novak es nach Mexiko verfrachten, wo es beim Bau von 100 Sozialwohnungen verwendet wurde. 
Die „Revolutions“-Sets wurden auf andere Weise recycelt, wie Paterson erklärt: „In dem Film geht es vor allem um Kurven und Bögen. Stahl. Noch mehr Bögen. Komplizierte Ornamente. Kaum ein Set kann man als so normal bezeichnen, dass es leicht wiederzuverwenden und zu recyceln wäre.“ Doch der findige Designer verwendete Elemente des einen Sets in veränderter Form auch in anderen Sets, um Kosten und Material zu sparen. Die Sets der Schiffe Nebukadnezar, Mjolnir und Vigilant wurde auf demselben Fundament errichtet, auch die Mechanik der Stühle ist dieselbe, nur die Ausstattung und die Anordnung der Wände wurde variiert. Der Club Hell und die Sub Metro entstanden ebenfalls auf ein und demselben Rumpf-Set.
Auch mit der Kostümbildnerin Kym Barrett stimmte sich Paterson sehr eingehend ab, um sicherzustellen, dass die von ihnen verwendeten Farben harmonierten. „In der Matrix herrscht immer ein blassgrüner Ton vor, während die reale Welt eher blau getönt ist“, sagt er. „Die Farben der Sets heben die Kostüme besonders hervor, während deren Farben wiederum sehr oft mit den Sets korrespondieren.“
„Letztlich entstammt das komplette Produktionsdesign den Köpfen von Larry und Andy“, gibt Paterson zu. „Es ist eine wunderbare Sache, vom geschriebenen Wort auszugehen, es in einer gezeichneten Skizze auf Papier umzusetzen und daraus dann einen konkreten dreidimensionalen oder virtuell im Computer erstellten Set zu konstruieren. Ich bin stolz darauf, dass ich mit meinen talentierten Mitarbeitern an dem Prozess mitwirken und mit den Brüdern zusammenarbeiten durfte.“

OUTFITS FÜR DIE REALE WELT UND DIE MATRIX 

Die Kostümbildnerin Kym Barrett entwarf für „Matrix Reloaded“ und „Matrix Revolutions“ buchstäblich Tausende von Kostümen. Dabei achtete sie darauf, der Entwicklung der Figuren auch in ihrer Kleidung Rechnung zu tragen – wobei das Design der drei Filme insgesamt natürlich immer stimmig bleiben muss. „Neo und Trinity machen beide im ersten Teil eine lange Reise, verwandeln sich in neue Menschen“, stellt Barrett fest, die während der Produktion zwei Kinder geboren hat. „Neo denkt nicht mehr darüber nach, ob er der Erwählte ist oder nicht, und Trinity weiß jetzt genau, dass sie Neo liebt und an ihn glaubt. Diese neu gewonnene Selbstsicherheit drücken wir auch in ihren Kostümen aus.“
In den Outfits für Morpheus sollte Barrett anklingen lassen, dass seine Führungsrolle beim Aufstand gegen die Maschinen immer mehr an Bedeutung gewinnt. „Im Gegensatz zur Matrix herrscht in der realen Welt eher der Grunge-Look vor. Eine Ausnahme bildet Morpheus, der auf sein Aussehen achtet und Haltung bewahrt“, stellt Barrett fest. „Seine Kraft zieht er aus der Überzeugung, dass Neo der Erwählte ist und den Krieg beenden wird, und diese Selbstsicherheit drückt er auch durch seine Kleidung aus, ob an Bord der Nebukadnezar, in Zion oder in der Matrix.“
„Kym ist ein schöpferisches Genie“, bestätigt Laurence Fishburne. „Das kommt in den Details zum Ausdruck. Zum Beispiel die Schuhe, die sie für Morpheus ausgesucht hat – die sind echt cool. Ich finde sie traumhaft! Erst dadurch wird die Filmfigur lebendig.“

Barrett entwarf persönlich alle Schuhe der Hauptdarsteller, auch Morpheus’ lila Boots aus Alligator-Lederimitat. Sie wurden von Andre No. 1 handgefertigt. Von allen Schuhen stellte man mehrere Paare bereit, um nicht nur die Schauspieler, sondern auch die Stuntleute auszustatten.
Wie schon für „Matrix“ stellte Barrett jedes Kostüm in unterschiedlichen Versionen zur Verfügung, um den verschiedenen Szenen gerecht zu werden: Kopien des Originalkostüms wurden aus dehnbarem Material gefertigt, damit sich die Darsteller in den Kampf- und Action-Szenen freier bewegen konnten. Andere Kostümversionen stimmte man spezifisch auf die Drahtseil-Korsetts ab. Die Kostümvarianten für Hugo Weaving und die Doubles des Agenten Smith stellte Barrett gleich hundertfach bereit.
Während des feuchten Showdowns der Schlägerei mussten Weaving als Smith und Reeves als Neo sowie die zahlreichen Smith-Doubles fast zwei Monate in strömendem Regen drehen. „Unsere Abteilung arbeitete daher ein kompliziertes System aus, um für alle Beteiligten warme, trockene und sichere Kostüme bereitzustellen“, erinnert sich Barrett. „Wir wussten vorher, dass die Darsteller unter diesen Bedingungen – zwei Monate lang täglich zwölf Stunden – langsam aber sicher zermürbt würden. Wir haben also alles Erdenkliche getan, damit sich die Akteure in ihren nassen Kostümen so wohl wie nur irgend möglich fühlten. Wir teilten unser Team auf, unsere Leute waren also praktisch rund um die Uhr im Einsatz um sicherzustellen, dass morgens alles vorbereitet und trocken war.“
Unter der Leitung der für die Frisuren zuständigen Judy Cory fertigte die „Matrix“-Frisurenabteilung 182 „Hugo“-Perücken an, um alle Smith-Doubles zu versorgen und auch für mehrfachen Ersatz in den Regenszenen gerüstet zu sein. Weaving erinnert sich: „Alle meine Doubles standen da im Regen mit perfekt gestylten Frisuren, doch mein eigenes Haar rutschte mir trotz massiver Unterstützung durch Haarspray sehr bald in die Stirn. Ich musste schließlich eine Perücke mit meiner eigenen Frisur tragen!“
Seine umfassende Doppelgänger-Erfahrung brachte Weaving in mehr als einer Hinsicht ins Grübeln und zum Schmunzeln. „Na ja, jetzt fällt mir auf, wie mir die Haare ausgehen“, sagt er. „Normalerweise schaue ich in den Spiegel und bin mit mir recht zufrieden. Aber als ich meine Doubles jetzt von der Seite sah – igitt!“
Doch der Regen war noch gar nichts im Vergleich zur schwierigsten Aufgabe für Barrett und ihre „Matrix“-Kostümabteilung, nämlich die Einkleidung der Bewohner von Zion für die aufwändige Belagerungssequenz. „Das war ein gigantisches Unterfangen“, gibt Barrett zu. „Wir mussten Hunderte von Schauspielern, Stuntleuten und Statisten ausstaffieren, ihre Kleidung sollte rostfarben sein, sehr einfach, aber vornehm – wie es Zion eben entspricht.“
Konfektionskleidung oder synthetische Stoffe kamen nicht in Frage – was die Aufgabe nicht einfacher machte. „Zion befindet sich im Mittelpunkt der Erde, dort sorgen Dampfmaschinen für die nötige Energie, es herrscht also große Hitze“, erklärt Barrett. „Wir stellten uns vor, dass Nutzpflanzen dort in Wasserkulturen angebaut werden, weil dafür nur Wasser und Wärme nötig sind. Wir entwarfen also Kleidung, die aus Hanf gefertigt sein könnte, aus Naturfasern. Wir haben recherchiert, wie das im alten China, in der Mongolei gehandhabt wurde, schauten uns eine Menge Mumien an, die man in wunderbar gewebten Naturfasern beerdigt hatte, als es noch keine Seide gab. Als Vorbilder dienten uns Formen und Stoffe, die wir als sehr fein und schön empfanden, die aber naturbelassen waren.“
Grundsätzlich entschied sich Barrett beim Look der Zion-Bürger für helle Farben, die einen Kontrast zu ihrer düsteren Umwelt bilden sollen. „Zion ist eine belagerte Stadt“, erklärt sie. „Die Kleidung, die die Menschen dort anfertigen und tragen, ist also eher praktisch als modisch. Gleichzeitig sind sie aber auch stolz auf ihre Geschichte und ihre handwerklichen Fähigkeiten, und ihre Kleidung ist Ausdruck dieses praktischen Gemeinschaftssinns.“

Auch dass Zion nach militärischen Gesichtspunkten durchorganisiert ist, die die äußerst schwierige Situation der Armee reflektieren, musste Barrett bedenken: „Es bleibt den Menschen dort sehr wenig Zeit, sie stehen unter gewaltigem Druck, in der Armee ist bereits eine Art Söldnermentalität zu spüren. An der Kleidung lässt sich also eine klare Hierarchie ablesen – die Captains tragen Weinrot und Rot, die Leutnants Dunkelblau –, aber eine entscheidende Rolle spielt die nicht, weil im Augenblick andere Probleme Vorrang haben. Wir unterscheiden also beispielsweise kaum zwischen den einzelnen Schiffsbesatzungen. Sie gehören alle derselben Armee an, etliche Kämpfer sind gefallen, die Besatzungen müssen von anderen Schiffen zusammengeborgt werden. Letztlich dienen sie alle unter demselben Kommandeur und verfolgen dasselbe Ziel.“
Für Jada Pinkett Smith als Niobe, den einzigen weiblichen Kapitän der Zion-Flotte, entwarf Barrett eine spezifische Kleidung, die ihre charakterlichen Widersprüche zum Ausdruck bringt. „Niobes Kostüm soll feminin wirken, aber auch ihre Kraft demonstrieren“, sagt Barrett. „Ich versuchte mich an ihrem Charakter zu orientieren: Wie macht man aus der äußerst zarten, wunderschönen kleinen Elfe Jada Pinkett Smith eine muskelbepackte Frau, die ein Schiff kommandiert? Teilweise hat sie ihren Körper dafür trainiert, teilweise spielt sie ihre Rolle überzeugend, und teilweise kommt es darauf an, wieviel ich von ihren Armen zeige. Außerdem soll man an ihrem Outfit merken, wie eng sie mit Morpheus verbunden ist. Also steckten wir Jada in Alligator-Lederimitat, und ich entschied mit für Weinrot, weil es so wunderbar zu ihrer Haut passt.“

Bei den Entwürfen für die finsteren Bewohner der Matrix ging Barrett völlig anders vor. Sie ließ sich von berühmten Darstellungen böser Märchenfiguren inspirieren und versuchte in der Kleidung ein „Hardcore-Fantasy-Image“ auszudrücken – das kommt zum Beispiel bei dem schwerreichen Merowinger und seiner betörenen Frau Persephone zum Ausdruck. „Für mich sind der Merowinger und Persephone König und Königin der Hölle“, schwärmt Barrett. „Aus ,Schneewittchen‘ stammt die Idee, dass die Bösen sich in Gummi kleiden.“
„Kyms Kostüm für mich ist eine traumhafte Leistung – sie trifft damit den Nagel auf den Kopf“, sagt Monica Bellucci, über deren Figur es im Drehbuch heißt, sie sei „Sex und Tod, eingezwängt in ein Geschäfts-Outfit aus Latex“. „Als ich es anzog, fühlte ich mich sofort wie Persephone.“
In „Revolutions“ halten Persephone und der Merowinger Hof in einem zwielichtigen Matrix-Underground-Nightclub namens Club Hell. Die Statisten im Club tragen ein Großteil zur düster-dekadenten Atmosphäre bei. „Uns schwebte so etwas wie hochstilisierter Fetischismus vor, aber wir wollten auch Assoziationen zu Boschs Höllengemälden wachrufen“, definiert Barrett ihr Vorgehen. „Auf diesen Gemälden verschmelzen die Menschen teilweise mit den Fabelwesen – entsprechend kostümierten wir die Schauspieler, indem wir verschiedene animalische Elemente in die Figuren integrierten, sie wirken fast wie die Wasserspeierfratzen an gotischen Kathedralen. Daraus ergibt sich eine Symbiose aus modernem Club und Fantasy-Welt.“

Für die Kostüme des Merowingers und seine Leibgarde kreierte Barrett eine auffällige Kombination aus Stil und Funktionalität: „Wir haben möglichst historische Schnitte verwendet, viele Fellmuster auf Stretch, um die alte Welt mit der Moderne zu mischen. Sie sollten sehr eng anliegende, sehr dehnbare Anzüge tragen, damit man ihre Körperformen gut wahrnehmen kann, wenn sie durch die Luft fliegen. Denn sie müssen reichlich um sich treten und hängen oft an Drahtseilen.“
Zu den Helfershelfern des Merowingers zählt auch der Trainman, eine glutäugige Erscheinung in zerknittertem Mantel mit etlichen Uhren am Arm: Der Trainman betreibt die Zuglinie zwischen der Maschinenwelt und der Matrix. „Er ist der Fährmann zwischen den zwei Welten, die Brücke über den Fluss, ist also mythisch angehaucht“, erklärt Barrett. „Die Brüder hatten sehr spezifische Vorstellungen, wie die Figuren im modernen Kontext aussehen sollen, aber ich habe versucht, zusätzlich noch das Gefühl zu vermitteln, dass hinter all dem noch etwas Bedrohliches lauert, eine grundsätzliche, unterbewusste Ebene, wie wir sie alle aus den Märchen und Mythen kennen. Wir haben ganz hervorragende Bösewichte zu bieten, durchaus keine 08/15-Schurken – in Bezug auf mein Arbeitsgebiet sind sie ganz klar diejenigen, die am meisten Spaß machen.“

Am 05.11.2003 wird es soweit sein - Matrix Revolutions startet weltweit. Wir halten in den nächsten Tagen ein Review für Euch bereit!

In „Matrix Revolutions“, dem letzten Kapitel der „Matrix“-Trilogie, mündet der Kampf zwischen Mensch und Maschine in sein Finale: Verzweifelt versuchen die Zion-Soldaten mit Hilfe mutiger Zivilisten wie Zee (NONA GAYE) und Kid (CLAYTON WATSON) die Invasion der Wächter zu stoppen, die sich schier unaufhaltsam in ihre Festung bohren. Angesichts der drohenden Katastrophe kämpfen die Bewohner der letzten menschlichen Bastion nicht nur um ihr eigenes Leben, sondern um die Zukunft der gesamten Menschheit.
Was sie nicht wissen können: Ihre Kräfte werden von innen unterminiert. Das außer Kontolle geratene Programm Smith (HUGO WEAVING) spannt das Hovercraft-Besatzungsmitglied Bane (IAN BLISS) auf clevere Weise für seine Zwecke ein. Je mehr Zeit vergeht, desto mächtiger wird Smith – nicht einmal die Maschinen können ihn mehr im Zaum halten, und schon bald droht er damit, nicht nur die reale Welt und die Matrix, sondern auch das Maschinenimperium zu vernichten. Ein letztes Mal gibt das Orakel (MARY ALICE) Neo Ratschläge – er akzeptiert sie in dem Wissen, dass sie ebenfalls einem Programm entstammen: Sie könnten ebenso Täuschung sein wie alles andere im gewaltigen Konzept der Matrix.
Mit Hilfe von Niobe (JADA PINKETT SMITH) dringen Neo und Trinity weiter vor, als die Menschen es je gewagt haben: über die Ruinen der Erdoberfläche bis ins Herz der bedrohlichen Maschinenstadt. Im mechanischen Konvolut dieser gigantischen Metropolis stellt sich Neo der entscheidenden Macht der Maschinenwelt – dem Deus ex machina. Hier handelt er einen Vergleich aus: die letzte Hoffnung für die Welt am Rande des Abgrunds.
Heute Nacht wird der Krieg enden. Neos Schicksal ist untrennbar mit dem zweier Zivilisationen verbunden – wird er die unabwendbare Konfrontation mit Smith überstehen?

MATRIX REVOLUTIONS: DAS LETZTE KAPITEL

1999 stellten die Wachowski-Brüder und Produzent Joel Silver „The Matrix“ (Matrix) vor, die visionäre Kombination brutal-eleganter Action mit einer vielschichtigen Handlung. Mit ihren kühnen optischen Erfindungen rissen die Filmemacher die Zuschauer von den Sitzen – sie schufen einen provokanten Action-Film, der über Wirklichkeit und Identität reflektiert und ein Licht auf jene Entscheidungen wirft, die wir alle treffen müssen – egal wie stark oder schwach wir sind. Die Wachowskis hatten das Epos, das sie mit „Matrix“ begannen, als Trilogie konzipiert, und die Produktion des zweiten und dritten Teils behandelten sie wie einen einzigen Film, der in zwei Folgen gezeigt werden sollte.
Mit dem zweiten Kapitel „The Matrix Reloaded“ (Matrix Reloaded) führten uns die Autoren/Regisseure im Mai 2003 weiter in die umfangreiche Mythologie der Saga ein und präsentierten neue visuelle Effekte, die die Grenzen der heute machbaren Technik ausloten. „Reloaded“ wird von atemberaubend dynamischen Action-Sequenzen geprägt und nimmt das Thema der philosophischen und technischen Entfremdung aus dem ersten Teil wieder auf: Neo setzt seine gefahrvolle Reise in Richtung einer tieferen Wahrheit fort und begreift langsam seine Schlüsselrolle für das Schicksal der Menschheit.

Bisher hat „Matrix Reloaded“ weltweit über 735 Millionen Dollar eingespielt – damit ist er der erfolgreichste Film des Jahres 2003 und sowohl in den USA als auch international der größte Kassenknüller mit R-Rating (entspricht etwa der Freigabe „Ab 16 Jahren“) in der Geschichte des Kinos. „Reloaded“ verbuchte auch die umsatzstärkste Einzelwoche überhaupt: 158,2 Millionen Dollar. In den USA nahm er die 150-Millionen-Dollar-Hürde in rekordträchtigen sechs Tagen. International rangiert der Film auf Platz 10 der erfolgreichsten Titel aller Zeiten – außerdem setzte er als erster Film überhaupt mehr als 100 Millionen Dollar an einem einzigen Wochenende um.